John Greyson (born March 13, 1960)[2] is a Canadian director, writer, video artist, producer, and political activist, whose work frequently deals with queer characters and themes. He was part of a loosely affiliated group of filmmakers to emerge in the 1980s from Toronto known as the Toronto New Wave.[3]
Greyson has won accolades and achieved critical success with his films—most notably Zero Patience (1993) and Lilies (1996). His outspoken persona, activism, and public image have also attracted international press and controversy.[4][5]
Greyson is also a professor at York University's film school, where he teaches film and video theory, film production, and editing.[6]
Greyson was born in Nelson, British Columbia, the son of Dorothy F. (née Auterson) and Richard I. Greyson.[7] He was raised in London, Ontario, before moving to Toronto in 1978, where he became a writer for The Body Politic and other local arts and culture magazines, as well as a video and performance artist.[7]
He directed several short films, including The Perils of Pedagogy, Kipling Meets the Cowboy and Moscow Does Not Believe in Queers, before releasing his first feature film, Pissoir,[8] in 1988. Pissoir is a response to the homophobic climate of the period and, particularly, to police entrapment of men in public washrooms (toilets) and parks and police raids on gay bathhouses.[7]
La siguiente película de Greyson fue The Making of Monsters , un cortometraje musical producido durante la residencia de Greyson en el Canadian Film Center en 1991. La película trata sobre el asesinato en 1985 por cinco adolescentes varones de Kenneth Zeller , profesor de secundaria y bibliotecario, cuando era supuestamente navegando para encuentros sexuales en High Park de Toronto . La película es un documental de ficción sobre la realización de una película de la semana, titulada Monstruos , en la que los jóvenes asesinos son representados como monstruos psicópatas, en lugar de adolescentes normales. La película presenta al crítico literario marxista Georg Lukács como productor de Monstruos , con Bertolt Brecht (interpretado por un pez gato) como director. La película de Greyson fue retirada de distribución cuando los herederos de Kurt Weill se opusieron al uso de la melodía de Mack the Knife . Greyson había recibido originalmente permiso de derechos de autor para usar la melodía, pero fue retirado, aparentemente porque los herederos de Weill se opusieron a los temas homosexuales de la película. Aunque los derechos de autor ya no son un problema, ya que caducaron en 2000, cincuenta años después de la muerte de Weill, la película aún no ha sido reestrenada por la Canadian Film Development Corporation . [7]
Greyson es mejor conocido por los largometrajes Zero Patience y Lilies . Sus otras películas incluyen Un©ut (1997), The Law of Enclosures (1999) y Proteus (2003). También ha dirigido para televisión, incluidos episodios de Queer as Folk , Made in Canada y Paradise Falls . [7]
En 2003, Greyson y el compositor David Wall crearon Fig Trees , una videoópera para instalación en galería, sobre las luchas del activista sudafricano contra el SIDA Zackie Achmat . [9] En 2009, se estrenó una versión cinematográfica de Fig Trees . [10] Esta película, un largometraje de ópera documental, se estrenó en la Berlinale [11] como parte de su sección Panorama, donde ganó el Premio Teddy al Mejor Documental. [12] [13]
En 2007, Greyson recibió el Premio Bell en Videoarte. El comité del premio afirmó: "John Greyson es quizás más conocido por el público en general como director de largometrajes. Filma sus proyectos cinematográficos en vídeo con técnicas de postproducción de vídeo características, colonizando así el espacio del cine con la estética del vídeo. . Un crítico social y político incisivo, el Sr. Greyson es de hecho uno de los líderes del movimiento de videos activistas contra el SIDA, entre otros. El Sr. Greyson ha apoyado esta práctica de muchas maneras e influye en muchos artistas emergentes." [14]
En 2013, Greyson lanzó Murder in Passing , una serie de misterio sobre asesinatos que se emitió como episodios de 30 segundos en las pantallas de video de Pattison Outdoor Advertising en el sistema de metro de la Comisión de Tránsito de Toronto y como una serie web . [15]
En 2020, estrenó el cortometraje Prurient como parte del proyecto Greetings from Isolation . [16] En 2021, su corto experimental International Dawn Chorus Day tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín , [17] donde ganó el premio Teddy al mejor cortometraje de temática LGBTQ. [18]
Zero Patience es una película musical de 1993 que desafió la ortodoxia del SIDA . Zero Patience es una respuesta particularmente allibro de Randy Shilts de 1987 And the Band Played On , que notoriamente (y erróneamente) rastrea la llegada del VIH/SIDA a América del Norte hasta una sola persona , un asistente de aerolínea canadiense llamado Gaetan Dugas . Basadas en un único estudio epidemiológico conjunto defectuoso, las conclusiones del libro de Shilts fueron muy problemáticas por la narrativa de culpa que crearon, sugiriendo que individuos en particular tenían la culpa (por ejemplo, que Dugas propagó intencionalmente el VIH, aunque en realidad murió antes de la se identificó el virus y el estudio en el que participó fue uno de varios que permitieron a los científicos determinar que el VIH se transmitía sexualmente) y que la monogamia y la "normalización" de las prácticas sexuales masculinas homosexuales eran la respuesta apropiada y adecuada (a diferencia de un enfoque sobre prácticas sexuales más seguras). [ cita necesaria ]
Zero Patience presenta a un fantasma gay llamado Paciente Cero que regresa a Toronto para encontrarse con Sir Richard Francis Burton quien, a través de un "desafortunado encuentro con la fuente de la juventud", ha vivido hasta convertirse en el Taxidermista Jefe del Museo de Historia Natural. Burton está comprometido en la creación de un "Salón del Contagio". Cuando pierde su exhibición central, la Rata de la Plaga de Düsseldorf, busca un reemplazo y se encuentra con el Paciente Cero. En una comedia de errores, Zero y Burton se unen, se enamoran e intentan descubrir qué hacer con los intentos anteriores de Burton de difamar a Zero como un "asesino en serie sexual". [ cita necesaria ]
Varias subtramas se centran en críticas específicas a la respuesta social al sida por parte de políticos, médicos y empresas farmacéuticas. Hay un grupo ACT UP que no es del todo comprensivo , comprometido en una protesta contra el fabricante de ZP0 (en referencia a AZT ), un profesor que está perdiendo la vista a causa del CMV y varias escenas que involucran a sus alumnos, y una serie de escenas que involucran al animal y habitantes humanos de los dioramas en la Sala del Contagio. La mayoría de ellos presentan números musicales animados y que invitan a la reflexión, pero ninguno ha llamado tanto la atención de la crítica como el "Butthole Duet" en el que los anos de Burton y Zero cantan sobre la percepción social del sexo anal y su relación con los discursos que circulan en torno al SIDA en los años 80 y principios de los 90. Ampliamente malinterpretada por los críticos de cine, la canción se refiere a una serie de respuestas académicas a la percepción popular del SIDA como una "enfermedad de los homosexuales" y a la creencia ahora desacreditada de que el ano era más vulnerable al VIH que la vagina, en particular el artículo de Leo Bersani. "¿ Es el recto una tumba? " Bersani desacredita completamente la noción de que el sexo anal sea inherentemente una enfermedad; Greyson va un paso más allá al argumentar que un prejuicio irrazonable contra el sexo anal está vinculado al patriarcado . [ cita necesaria ]
La escena central de Zero Patience , sin embargo, es probablemente la escena en la que Zero mira a través de un microscopio un portaobjetos de su propia sangre. Lo que ve es el tema de un número de canto y baile al estilo de Esther Williams durante el cual Zero conversa con Miss VIH ( Michael Callen ). Tanto líricamente como en conversación, Miss VIH le informa a Zero que él no fue el primero, que no trajo el VIH/SIDA a América del Norte y que su participación en el infame estudio de conglomerados ayudó a demostrar que el VIH se transmite por vía sexual y, por lo tanto, un énfasis en el sexo más seguro que salvó innumerables vidas. [19]
En 1996, Greyson estrenó su película más famosa, Lilies , una adaptación de la obra de Michel Marc Bouchard Les feluettes, ou un drame romantique . La película se proyectó en numerosos festivales, incluido Sundance , y recibió elogios de la crítica; Fue nominada a 14 premios Genie Awards en la 17ª ceremonia , ganando cuatro, incluida Mejor Película . La película también ganó otros premios, incluido el Premio GLAAD Media a la Mejor Película. [ cita necesaria ] El romanticismo, la narración lírica y la magnífica cinematografía de Lilies se combinaron para hacer que la película fuera más accesible para el público "convencional" y más popular entre los críticos que las obras más controvertidas e intelectualmente exigentes de Greyson, como Zero Patience . [ cita necesaria ]
Siguiendo la doble cronología de la obra de Bouchard, la película de Greyson (para la cual Bouchard escribió el guión) se mueve entre dos períodos de tiempo: el "presente" de la película en 1952 y los acontecimientos que tuvieron lugar en la ciudad de Roberval, Quebec , en 1912. La película comienza con una visita del obispo Bilodeau ( Marcel Sabourin ) a la capilla de una prisión donde se supone que escuchará la confesión del asesino convicto Simon ( Aubert Pallascio ). Ambos hombres estaban juntos en la escuela en 1912 cuando un incendio supuestamente provocado por Simon se cobró la vida de un tercer compañero de escuela y amante de Simon, Vallier ( Danny Gilmore ). Sin embargo, esta historia aparentemente simple se vuelve rápidamente más complicada cuando el capellán de la prisión (Ian D. Clark) y los prisioneros encierran a Bilodeau en el confesionario y proceden a escenificar la verdadera historia de la muerte de Vallier ante los ojos de su cautivo. [ cita necesaria ]
El estilo de dirección de Greyson es muy evidente en Lilies . La película se mueve libremente entre los modos realista y mágico, haciendo un uso ingenioso de técnicas cinematográficas engañosamente simples, como la forma en que la cámara sigue la eliminación del techo del confesionario, aparentemente contenido dentro del edificio de la prisión, solo para revelar el cielos azules del verano Roberval y la llegada del globo aerostático y su aeronauta parisina, Lydie-Anne ( Alexander Chapman ), que precipita los acontecimientos que conducen a la muerte de Vallier. La narración involucra las dificultades de Simon para resolver su amor por Vallier frente al homofóbico Roberval (su padre lo golpea brutalmente cuando escucha que Simon (interpretado como un hombre más joven por Jason Cadieux ) y Valliers han sido vistos besándose, a pesar de que están actuando. papeles en la obra escolar), un amor complicado aún más por el deseo tortuosamente reprimido del joven Bilodeau ( Matthew Ferguson ) por Simon y por las sofisticadas atracciones de Lydie-Anne, cuya feminidad le permite a Simon soñar con un futuro heterosexual seguro. [ cita necesaria ]
Si bien la narrativa, que involucra una escuela religiosa y la sexualidad de los escolares, claramente tiene ecos de los escándalos católicos de abuso infantil, la historia implica deliberadamente contar una historia que recuerda a Mount Cashel , eligiendo en cambio centrarse en la intensidad y el romanticismo del amor de los jóvenes. uno para el otro. La narrativa se ve reforzada por el estilo visual de la película, en particular la elección de elegir sólo hombres para todos los papeles. Por supuesto, esto tiene mucho sentido, ya que, en cierto nivel, todos los personajes históricos están siendo "interpretados" por los prisioneros de 1952. Esta duplicación se ve reforzada aún más por la decisión de permitir que los actores masculinos que interpretan a mujeres usen ropa femenina, pero sin intentar ningún tipo de drag realista, confiando en cambio en actuaciones estelares de los actores Alexander Chapman como Lydie-Anne, Brent Carver como la condesa de Tilly. (la madre de Vallier) y Remy Girard como la baronesa. [ cita necesaria ]
Fig Trees es un largometraje documental sobre las luchas de los activistas contra el SIDA Tim McCaskell de Toronto y Zackie Achmat de Ciudad del Cabo, mientras luchan por el acceso a los medicamentos para el tratamiento. En 1999, el activista sudafricano contra el SIDA Zackie Achmat inició una huelga de tratamiento y se negó a tomar sus pastillas hasta que estuvieran ampliamente disponibles para todos los sudafricanos. Este acto simbólico se convirtió en una causa célebre, ayudando a convertir su grupo Campaña de Acción para el Tratamiento en un movimiento nacional; sin embargo, cada mes que pasaba, Zackie se enfermaba más. [20]
El largometraje Fig Trees (2009) ha recibido varios premios, incluido el Teddy al Mejor Documental en la Berlinale, [11] y el premio a la Mejor Película Canadiense en el Festival de Cine Inside Out de Toronto. [21]
En septiembre de 2009, Greyson retiró su corto documental, Covered , del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) para protestar por el City to City Spotlight inaugural del festival sobre la ciudad de Tel Aviv . En una carta a TIFF, Greyson escribió que su protesta "no es contra la película o los cineastas" elegidos, sino específicamente contra el programa City to City, y "el aura engreída de negocios habituales que promueve". Greyson citó un artículo de agosto de 2008 en el Canadian Jewish News en el que el cónsul general israelí Amir Gissin declaró que Israel tendría una presencia importante en el TIFF como culminación de su campaña de un año de duración Marca Israel para rediseñar la imagen del país y que TIFF no debería participar en tal ejercicio de relaciones públicas. Greyson también argumentó que "mi protesta no es contra las películas de los cineastas que usted ha elegido... [sino] es contra el propio Spotlight" y el hecho de que el festival no incluya voces palestinas.
Greyson también escribió que estaba protestando por la decisión del TIFF de "ignorar deliberadamente la campaña de boicot económico internacional contra Israel" y que "al ignorar este boicot, el TIFF ha tomado partido enfáticamente y, en el proceso, ha obligado a todos los cineastas y espectadores que se oponen a la ocupación a cruzar una especie de línea de piquete".
Citó la guerra de Israel en Gaza y la expansión de los asentamientos como razones de su retirada, acusando al festival de: "una indiferencia de avestruz ante las realidades (cinemáticas y de otro tipo) de la región", y comparando el foco en Tel Aviv con "celebrar Autobuses Montgomery en 1963... vinos chilenos en 1973... o frutas sudafricanas en 1991". [22]
La postura de Greyson y el procedimiento de la Declaración de Toronto desencadenaron inmediatamente un debate internacional. [23] [24]
Las acciones de Greyson generaron críticas de varias fuentes. Cameron Bailey , uno de los codirectores del festival, afirmó que "la serie City to City fue concebida y curada de forma totalmente independiente. No hubo presión de ninguna fuente externa. Contrariamente a los rumores o informes erróneos de los medios, este enfoque es producto únicamente de Las decisiones de programación de TIFF. Valoramos esa independencia y nunca la comprometeríamos". Bailey también argumentó que "[el Sr. Greyson] escribe que su protesta no es contra las películas o los cineastas que hemos elegido, sino contra el centro de atención en sí. Según ese razonamiento, ninguna película programada dentro de esta serie habría obtenido su aprobación, sin importar lo que contenían." El cineasta canadiense Simcha Jacobovici argumentó que la carta de Greyson estaba "llena de mentiras" y dijo que el festival "no debería dejarse intimidar por esta coalición de mentiras". [25]
El columnista George Jonas , escribiendo en el National Post , argumentó que Greyson estaba haciendo "gimnasia mental" y describió la línea de razonamiento de Greyson de la siguiente manera: "¿Quiénes, nosotros, nos oponemos a las películas israelíes? Perder la idea. Sólo nos oponemos a Propaganda israelí. Bien, ¿qué es propaganda israelí? Bueno, las películas israelíes a las que nos oponemos". Jonas también preguntó retóricamente: "¿Qué película israelí no sería propaganda israelí para Greyson?" Jonas también argumentó: "Escuchar a [Greyson] objetar la" propaganda subsidiada por el estado "es irónico, por decir lo menos. Como cineasta activista, ha sido un propagandista de los valores del estado ultraliberal y sus lemas a lo largo de su carrera. carrera profesional." [26]
Robert Lantos , un productor de cine canadiense , criticó duramente a Greyson, afirmando que "el festival (de Toronto) ha estado libre de la presión de aquellos cuya agenda fascista es imponer sus puntos de vista a los demás, reprimir las voces que no les gustan e interferir con "El derecho de las personas a ver lo que quieran y tomar sus propias decisiones. Hasta ahora." También sugirió que Greyson es "un oportunista que se sube con entusiasmo al carro del 'apartheid israelí' para atraer más atención para su película de la que jamás habría recibido si se hubiera proyectado en el festival". [27]
Greyson luego publicó una respuesta a Lantos que se publicó en Rabble.ca. Greyson afirmó que "desde el principio, nuestra protesta fue contra el marco Tel Aviv Spotlight, no contra las películas, por lo que enfatizamos enfáticamente que no estábamos boicoteando ni las películas ni a los cineastas, ni pidiendo a nadie más que retirara sus películas". Greyson también criticó "el oportunismo del TIFF, que parece cada vez más dispuesto a cortejar asociaciones dudosas, como la Campaña Marca Israel del consulado israelí" y preguntó "hasta qué punto el patrocinio israelí". Acusó a Lantos de "esconderse detrás de... palabras de moda incendiarias" [28]
Patrick Goldstein , crítico de cine y columnista de Los Angeles Times, escribió que cree que "es especialmente insalubre... acusar a un festival de ser un vehículo de propaganda, como lo han hecho los manifestantes de Toronto, sólo porque está promoviendo la cultura cinematográfica de otro país". Aunque estoy de acuerdo con Greyson en que la ocupación israelí y la expansión de los asentamientos ilegales son algo terrible –tanto para los palestinos como, a largo plazo, para Israel–, no puedo imaginar un foro menos propicio para menospreciar la posición de cualquier país. logros artísticos que un festival de cine." Él concluyó:
Todo el mundo tiene derecho a desaprobar e incluso a criticar mordazmente la política de un país. Pero no veo cómo los artistas de Israel y su industria cinematográfica son más cómplices en su trato a los palestinos que, bueno, los artistas estadounidenses fueron cómplices del uso de la tortura por parte de nuestro gobierno contra presuntos terroristas.
En su denuncia ante el festival, Greyson preguntó si "una celebración acrítica de Tel Aviv en este momento" no era similar a "celebrar los autobuses de Montgomery en 1963, las uvas de California en 1969, los vinos chilenos en 1973... o la fruta sudafricana en 1991". ?"Mi respuesta sería: de ninguna manera. El vino, las uvas y las frutas son productos agrícolas. Las películas también son un producto, sin duda, pero también son expresiones de arte y fermento intelectual. Y una vez que empiezas a cerrar la puerta de cualquier manera a la libertad artística, incluso si simplemente implica presionar a un festival de cine para que evite a un país con cuya política no estás de acuerdo, algún día podrías descubrir que es mucho más fácil cerrar la puerta a una libertad artística. intercambio de ideas que abrirlo de nuevo. [29]
Varias celebridades de Hollywood hicieron circular una carta el 15 de septiembre de 2009 protestando por una petición que pedía un boicot al Festival Internacional de Cine de Toronto por un evento con temática de Tel Aviv. La carta, que apareció simultáneamente en Los Angeles Times y el Toronto Star , estaba firmada, entre otros, por Jerry Seinfeld , Sacha Baron Cohen , Natalie Portman , Jason Alexander , Lisa Kudrow , Lenny Kravitz , Patricia Heaton , Jacob Richler , Noah Richler . George F. Walker y Moisés Znaimer . La carta decía:
Cualquiera que haya visto cine israelí reciente, películas políticas y personales, cómicas y trágicas, a menudo críticas, sabe que de ninguna manera son un brazo propagandístico de ninguna política gubernamental. Ponerlos en una lista negra sólo sofoca el intercambio de conocimientos culturales que los artistas deberían ser los primeros en defender y proteger. [30]
Una carta de apoyo a Greyson, denominada Declaración de Toronto , fue firmada por más de 50 personas, entre ellas el cineasta israelí Udi Aloni , el director Ken Loach , el músico David Byrne , los actores Danny Glover y Jane Fonda , la autora Alice Walker y la periodista Naomi Klein . [25] La carta sostiene que:
El énfasis en la "diversidad" en City to City está vacío dada la ausencia de cineastas palestinos en el programa. Además, lo que esta descripción no dice es que Tel Aviv está construida sobre aldeas palestinas destruidas, y que la ciudad de Jaffa, el principal centro cultural de Palestina hasta 1948, fue anexada a Tel Aviv después del exilio masivo de la población palestina. Este programa ignora el sufrimiento de miles de antiguos residentes y descendientes de la zona de Tel Aviv/Jaffa que actualmente viven en campos de refugiados en los Territorios Ocupados o que han sido dispersados a otros países, incluido Canadá. Mirar la moderna y sofisticada Tel Aviv sin considerar también el pasado de la ciudad y las realidades de la ocupación israelí de Cisjordania y la Franja de Gaza sería como exaltar la belleza y los elegantes estilos de vida de Ciudad del Cabo o Johannesburgo, habitada exclusivamente por blancos, durante el apartheid, sin reconocer los correspondientes municipios negros de Khayelitsha y Soweto.
— La Declaración de Toronto: Ninguna celebración de la ocupación
Más tarde, Fonda reconsideraría su posición y emitió un comunicado publicitario sobre el asunto. "Firmé la carta sin leerla con suficiente atención, sin preguntarme si parte del texto no exacerbaría la situación en lugar de provocar un diálogo constructivo", escribió Fonda en el sitio web del Huffington Post. Añadió que se debe articular el sufrimiento de ambas partes. [30]
La periodista, autora y activista Naomi Klein escribió un artículo de opinión en The Globe and Mail , aclarando la intención del apoyo a la postura de Greyson articulada en la Declaración de Toronto : "Al contrario de muchas tergiversaciones, la carta no pide un boicot al festival. Es un simple mensaje de solidaridad que dice: "No tenemos ganas de festejar con Israel este año". [31] El acto de Greyson fue calificado de "valiente" por Judy Rebick , quien argumentó que "es una contribución significativa al movimiento de solidaridad palestino y a la estrategia de boicot, desinversión y sanciones que ha adoptado para arrojar luz sobre la imperdonable agresión de Israel contra el pueblo palestino." [32] La directora palestina Annemarie Jacir estuvo de acuerdo con la postura de Greyson y argumentó que el foco de atención planeado en Tel Aviv ignorará a los cineastas palestinos que viven en Tel Aviv y "aún más importante a aquellos que son indígenas de esa área específica y cuyas familias fueron exiliadas y limpiadas étnicamente". de Jaffa/Tel Aviv." [33]
Elle Flanders, una autodenominada cineasta radicada en Toronto que creció en Israel, también apoyó a Greyson y afirmó que "nos han acusado de politizar la cultura, pero ha sido el festival y el gobierno israelí los que han hecho esto". También afirmó que la protesta fue "tremendamente malinterpretada por voces opuestas" y que "de hecho, defendemos los derechos de los cineastas israelíes a proyectarse junto con el resto del festival, en lugar de como representantes de su gobierno". [34]
En el verano de 2011, Greyson viajó a Grecia para participar en la Flotilla de la Libertad II , uniéndose específicamente al "Tahrir", el miembro canadiense de la Flotilla. [35]
En el verano de 2013, Greyson viajó a Egipto, donde él y el Dr. Tarek Loubani , un médico de urgencias de 33 años de London, Ontario, fueron detenidos sin cargos, en una celda con otras 38 personas. [36] [37] Los informes indican que los dos estaban en camino a Gaza para llevar a cabo trabajos de asistencia médica, pero se vieron obligados a permanecer en El Cairo ya que el cruce estaba cerrado. Permanecieron detenidos del 16 de agosto al 5 de octubre de 2013.
El sindicato de Greyson, la Asociación de Profesores de la Universidad de York, llevó a cabo una campaña a través de LabourStart en un esfuerzo por obligar al gobierno egipcio a liberarlo. Greyson y Loubani iniciaron una huelga de hambre el 16 de septiembre para protestar por el trato que recibían. [38]
El gobierno canadiense anunció el 5 de octubre que Greyson y Loubani habían sido liberados, [39] sin embargo no pudieron abordar un vuelo a Frankfurt debido a que permanecían en una lista de exclusión aérea emitida por los fiscales del gobierno. [1] El 10 de octubre, Greyson y Loubani recibieron autorización para partir y abandonaron Egipto para regresar a casa al día siguiente. [40]
Greyson es abiertamente gay . [41] Su socio es el artista visual canadiense Stephen Andrews , con quien ha vivido desde la década de 1990. [42] Se les ha llamado una "pareja poderosa" en la escena artística de Canadá. La Galería de Arte de Ontario instaló recientemente una retrospectiva del trabajo de Andrews que explora el SIDA, la vigilancia, la guerra, la memoria y la teoría del caos. [43]