Heitor Villa-Lobos [a] (5 de marzo de 1887 - 17 de noviembre de 1959) fue un compositor, director de orquesta, violonchelista y guitarrista clásico brasileño descrito como "la figura creativa más significativa de la música artística brasileña del siglo XX". [1] Villa-Lobos se ha convertido en el compositor sudamericano más conocido de todos los tiempos. [2] Un compositor prolífico, escribió numerosas obras orquestales, de cámara , instrumentales y vocales, totalizando más de 2000 obras a su muerte en 1959. Su música estuvo influenciada tanto por la música folclórica brasileña como por elementos estilísticos de la tradición clásica europea , como lo ejemplifican sus Bachianas Brasileiras (piezas brasileñas de Bach) y sus Chôros . Sus Estudios para guitarra clásica (1929) fueron dedicados a Andrés Segovia , mientras que sus 5 Preludios (1940) fueron dedicados a su esposa Arminda Neves d'Almeida, también conocida como "Mindinha". Ambas son obras importantes en el repertorio de la guitarra clásica.
Villa-Lobos nació en Río de Janeiro . Su padre, Raúl, era funcionario, hombre culto de ascendencia española, bibliotecario, astrónomo y músico aficionado. En la primera infancia de Villa-Lobos, Brasil atravesó un período de revolución social y modernización, aboliendo la esclavitud en 1888 y derrocando al Imperio de Brasil en 1889. Los cambios en Brasil se reflejaron en su vida musical: anteriormente la música europea había sido la influencia dominante, y los cursos del Conservatorio de Música se basaban en el contrapunto y la armonía tradicionales . Villa-Lobos recibió muy poco de esta formación formal. Después de unas pocas lecciones de armonía abortadas, aprendió música mediante la observación ilícita desde lo alto de las escaleras de las veladas musicales regulares en su casa organizadas por su padre. Aprendió a tocar el violonchelo, el clarinete y la guitarra clásica. Cuando su padre murió repentinamente en 1899, se ganó la vida para su familia tocando en orquestas de cine y teatro en Río. [3]
Alrededor de 1905, Villa-Lobos comenzó a explorar el "interior oscuro" de Brasil, absorbiendo la cultura musical nativa brasileña. Se han puesto serias dudas sobre algunos de los relatos de Villa-Lobos sobre la década que pasó en estas expediciones, y sobre su captura y casi escape de los caníbales, y algunos creen que son invenciones o romanticismo exagerado. [4] Después de este período, abandonó cualquier idea de formación convencional y en su lugar absorbió las influencias musicales de las culturas indígenas de Brasil, basadas en elementos portugueses y africanos, así como en elementos indios americanos . Sus primeras composiciones fueron el resultado de improvisaciones en la guitarra clásica de este período.
Villa-Lobos tocó con muchas bandas locales de música callejera brasileña; también estuvo influenciado por el cine y los tangos y polcas improvisados de Ernesto Nazareth . [5] Durante un tiempo Villa-Lobos se convirtió en violonchelista en una compañía de ópera de Río, y sus primeras composiciones incluyen intentos de Grand Opera. Alentado por Arthur Napoleão , un pianista y editor musical, decidió componer en serio. [2]
El 12 de noviembre de 1913, Villa-Lobos se casó con la pianista Lucília Guimarães, [6] puso fin a sus viajes y comenzó su carrera como músico serio. Hasta su matrimonio, no había aprendido a tocar el piano, por lo que su esposa le enseñó los rudimentos del instrumento. [7] Su música comenzó a publicarse en 1913. Presentó algunas de sus composiciones en una serie de conciertos de cámara ocasionales (más tarde también conciertos orquestales) entre 1915 y 1921, principalmente en el Salão Nobre do Jornal do Comércio de Río de Janeiro .
La música que se presenta en estos conciertos muestra su aceptación de los elementos conflictivos de su experiencia y la superación de una crisis de identidad en cuanto a si la música europea o brasileña dominaría su estilo. Esto quedó decidido en 1916, año en el que compuso los poemas sinfónicos Amazonas y Tédio de alvorada , la primera versión de lo que se convertiría en Uirapurú (aunque Amazonas no se interpretó hasta 1929, y Uirapurú solo se completó en 1934 y se estrenó en 1935). Estas obras se basaron en leyendas nativas brasileñas y en el uso de material folclórico "primitivo". [8]
Las influencias europeas todavía inspiraban a Villa-Lobos. En 1917, Sergei Diaghilev causó un gran impacto en una gira por Brasil con sus Ballets Rusos . Ese año Villa-Lobos también conoció al compositor francés Darius Milhaud , quien estaba en Río como secretario de Paul Claudel en la Legación Francesa. Milhaud trajo la música de Claude Debussy , Erik Satie y posiblemente Igor Stravinsky ; a cambio, Villa-Lobos le presentó a Milhaud la música callejera brasileña. En 1918, también conoció al pianista Arthur Rubinstein , quien se convirtió en un amigo y defensor de toda la vida; este encuentro impulsó a Villa-Lobos a escribir más música para piano. [9]
Hacia 1918, Villa-Lobos abandonó el uso de números de opus para sus composiciones como una restricción a su espíritu pionero. Con la suite para piano Carnaval das crianças (Carnaval de los niños) de 1919-20, Villa-Lobos liberó su estilo por completo del romanticismo europeo: [10] la suite, en ocho movimientos con el final escrito para dúo de piano, representa ocho personajes o escenas del Carnaval de Cuaresma de Río.
En febrero de 1922 se celebró en São Paulo un festival de arte moderno y Villa-Lobos contribuyó con representaciones de sus propias obras. La prensa no mostró simpatía por el público y éste no mostró aprecio por él; sus burlas se vieron fomentadas por el hecho de que una infección en el pie obligó a Villa-Lobos a usar una zapatilla de alfombra. [11] El festival terminó con el Cuarteto simbólico de Villa-Lobos , compuesto como una imitación de la vida urbana brasileña.
En julio de 1922, Rubinstein interpretó por primera vez la suite para piano A Prole do Bebê (La familia del bebé), compuesta en 1918. Recientemente se había producido un intento de golpe militar en la playa de Copacabana y los lugares de entretenimiento habían estado cerrados durante días; el público posiblemente quería algo menos exigente intelectualmente, y la pieza fue abucheada. Villa-Lobos se mostró filosófico al respecto y Rubinstein recordó más tarde que el compositor dijo: "Todavía soy demasiado bueno para ellos". La pieza ha sido llamada "la primera obra duradera del modernismo brasileño". [12]
Rubinstein sugirió a Villa-Lobos que hiciera una gira por el extranjero y en 1923 partió hacia París. Su objetivo declarado era exhibir su exótico mundo sonoro más que estudiar. Justo antes de partir, completó su Noneto (para diez intérpretes y coro), que se interpretó por primera vez después de su llegada a la capital francesa. Se quedó en París entre 1923 y 1924 y entre 1927 y 1930, y allí conoció a residentes influyentes como Edgard Varèse , Pablo Picasso , Leopold Stokowski y Aaron Copland . Los conciertos parisinos de su música le causaron una fuerte impresión. [b]
En la década de 1920, Villa-Lobos también conoció al guitarrista clásico español Andrés Segovia , quien le encargó un estudio para guitarra: el compositor respondió escribiendo un conjunto de doce piezas de ese tipo, cada una basada en un pequeño detalle o figura tocada por músicos callejeros itinerantes brasileños ( chorões ), transformadas en un estudio que no es meramente didáctico . La música de los chorões también proporcionó la inspiración inicial para sus Chôros , una serie de composiciones escritas entre 1920 y 1929. La primera interpretación europea de Chôros No. 10 , en París, causó una tormenta: L. Chevaillier escribió sobre ella en Le Monde musical , "[es] un arte... al que ahora debemos dar un nuevo nombre". [13]
En 1930, Villa-Lobos, que se encontraba en Brasil para dirigir orquestas, planeó regresar a París. Una de las consecuencias de la revolución de ese año fue que ya no se podía sacar dinero del país, por lo que no tenía medios para pagar alquileres en el extranjero. Obligado a quedarse en Brasil, organizó conciertos en São Paulo y compuso música patriótica y educativa. En 1932, se convirtió en director de la Superintendência de Educação Musical e Artística (SEMA), y sus funciones incluían la organización de conciertos, incluidos los estrenos brasileños de la Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven y la Misa en si menor de Johann Sebastian Bach , así como composiciones brasileñas. Su puesto en la SEMA lo llevó a componer principalmente obras patrióticas y propagandísticas. Su serie de Bachianas Brasileiras fue una notable excepción.
En 1936, a la edad de cuarenta y nueve años, Villa-Lobos dejó a su esposa y se involucró sentimentalmente con Arminda Neves d'Almeida, quien siguió siendo su compañera hasta la muerte. Arminda finalmente adoptó el nombre de Villa-Lobos, aunque Villa-Lobos nunca se divorció de su primera esposa. Después de la muerte de Villa-Lobos, Arminda se convirtió en la directora del Museo Villa-Lobos en 1960, hasta su muerte en 1985. Arminda era música y una influencia significativa para Villa-Lobos. También le dedicó un buen número de obras, incluido el Ciclo brasileiro y muchos de los Chôros .
Los escritos de Villa-Lobos durante la presidencia de Getúlio Vargas (1930-1945) incluyen propaganda a favor de la nacionalidad brasileña ( brasilidade ), [14] y trabajos teóricos y de enseñanza. Su Guia Prático constaba de 11 volúmenes, Solfejos (dos volúmenes, 1942 y 1946) contenía ejercicios vocales, y Canto Orfeônico (1940 y 1950) contenía canciones patrióticas para escuelas y ocasiones cívicas. Su música para la película O Descobrimento do Brasil (El descubrimiento de Brasil) de 1936, que incluía versiones de composiciones anteriores, fue arreglada en suites orquestales e incluye una representación de la primera misa en Brasil en un entorno para doble coro.
Villa-Lobos publicó A Música Nacionalista no Govêrno Getúlio Vargas en 1941, en la que caracterizaba a la nación como una entidad sagrada cuyos símbolos (incluida su bandera, lema e himno nacional) eran inviolables . Villa-Lobos fue el presidente de un comité cuya tarea era definir una versión definitiva del himno nacional brasileño . [15]
Después de 1937, durante el período del Estado Novo , cuando Vargas tomó el poder por decreto, Villa-Lobos continuó produciendo obras patrióticas directamente accesibles al público masivo. El Día de la Independencia, el 7 de septiembre de 1939, contó con la participación de 30.000 niños que cantaron el himno nacional y piezas arregladas por Villa-Lobos. Para las celebraciones de 1943 también compuso el ballet Dança da terra , que las autoridades consideraron inadecuado hasta que fue revisado. Las celebraciones de 1943 incluyeron el himno de Villa-Lobos Invocação em defesa da pátria poco después de que Brasil declarara la guerra a Alemania y sus aliados. [16]
El estatus de Villa-Lobos dañó su reputación entre ciertas escuelas de músicos, entre ellos discípulos de nuevas tendencias europeas como el serialismo , que estuvo efectivamente vedado en Brasil hasta la década de 1960. Esta crisis se debió, en parte, a que algunos compositores brasileños encontraron necesario reconciliar la liberación de la música brasileña de los modelos europeos por parte del propio Villa-Lobos en la década de 1920 con un estilo de música que ellos sentían que era más universal. [17]
Vargas cayó del poder en 1945. Villa-Lobos pudo, después del final de la guerra, viajar al extranjero nuevamente; regresó a París y también realizó visitas regulares a los Estados Unidos, así como viajes a Gran Bretaña e Israel. Recibió una gran cantidad de encargos y cumplió muchos de ellos a pesar de su mala salud. Compuso conciertos para piano, violonchelo (el segundo en 1953), guitarra clásica (en 1951 para Segovia, quien se negó a tocarlo hasta que el compositor proporcionó una cadencia en 1956), [18] arpa (para Nicanor Zabaleta en 1953) y armónica (para John Sebastian, Sr. en 1955-56). Otros encargos incluyeron su Sinfonía n.º 11 (para la Orquesta Sinfónica de Boston en 1955) y la ópera Yerma (1955-56) basada en la obra de Federico García Lorca . Su prolífica producción de este período provocó críticas por su manipulación de notas y banalidad: las reacciones críticas a su Concierto para piano n.º 5 incluyeron comentarios como "en quiebra" y "orgía de afinadores de piano", [19] "hurgó en las profundidades de la banalidad", "nada... más que texturas pastosas o una idea romántica desaliñada", y "verdaderamente el tipo de música que nunca debería escribirse, y mucho menos interpretarse". [20]
Su música para la película Green Mansions protagonizada por Audrey Hepburn y Anthony Perkins , encargada por MGM en 1958, le valió a Villa-Lobos 25 000 dólares estadounidenses , y dirigió él mismo la grabación de la banda sonora. [21] La película estuvo en producción durante muchos años. Originalmente iba a ser dirigida por Vincente Minnelli , pero fue asumida por el esposo de Hepburn, Mel Ferrer . [22] MGM decidió utilizar solo una parte de la música de Villa-Lobos en la película real, recurriendo en su lugar a Bronisław Kaper para el resto de la música. [23] A partir de la partitura, Villa-Lobos compiló una obra para soprano solista, coro masculino y orquesta, que tituló Forest of the Amazon y la grabó en 1959 en estéreo con la soprano brasileña Bidu Sayão , un coro masculino no identificado y la Sinfonía del aire para United Artists Records . La grabación se publicó tanto en formato LP como en cinta de carrete (United Artist UAC 8007, estéreo 7 1/2 IPS). [24] [ verificación fallida ] [ ¿ fuente poco confiable? ]
En junio de 1959, Villa-Lobos se alejó de muchos de sus compañeros músicos al expresar su desilusión, diciendo en una entrevista que Brasil estaba "dominado por la mediocridad". [25] En noviembre murió en Río; su funeral de estado fue el último gran evento cívico en esa ciudad antes de que la capital se trasladara a Brasilia . [26] Está enterrado en el Cementerio São João Batista en Río de Janeiro.
Sus primeras piezas se originaron en improvisaciones de guitarra, por ejemplo Panqueca (Panqueque) de 1900. La serie de conciertos de 1915-21 incluyó primeras interpretaciones de piezas que demostraban originalidad y técnica virtuosa. Algunas de estas piezas son ejemplos tempranos de elementos importantes en toda su obra. Su apego a la Península Ibéria se demuestra en Canção Ibéria de 1914 y en transcripciones orquestales de algunas Goyescas para piano de Enrique Granados (1918, ahora perdidas). Otros temas que iban a repetirse en su obra posterior incluyen la angustia y la desesperación de la pieza Desesperança - Sonata Phantastica e Capricciosa no. 1 (1915), una sonata para violín que incluye "emociones histriónicas y violentamente contrastantes", [27] los pájaros de L'oiseau blessé d'une flèche (1913), la relación madre-hijo (no suele ser feliz en la música de Villa-Lobos) en Les mères de 1914, y las flores de Suíte floral para piano de 1916-18 que reaparecieron en Distribuição de flores para flauta y guitarra clásica de 1937.
La conciliación de la tradición europea y las influencias brasileñas fue también un elemento que dio frutos de manera más formal más tarde. Su primera obra publicada, Pequena suíte para violonchelo y piano de 1913, muestra un amor por el violonchelo, pero no es notablemente brasileña, aunque contiene elementos que resurgirían más tarde. [28] Su Suíte graciosa de tres movimientos de 1915 (ampliada a seis movimientos c. 1947 para convertirse en su Cuarteto de cuerdas n.º 1) [29] está influenciada por la ópera europea, [30] mientras que Três danças características (africanas e indígenas) de 1914-16 para piano, luego arreglada para octeto y posteriormente orquestada, está radicalmente influenciada por la música tribal de los indios Caripunas de Mato Grosso . [31]
Con sus poemas sinfónicos Amazonas (1917, estrenado en París en 1929) y Uirapurú (1917, estrenado en 1935) creó obras dominadas por influencias indígenas brasileñas. Las obras utilizan cuentos y personajes populares brasileños, imitaciones de los sonidos de la selva y su fauna, imitaciones del sonido de la flauta nasal por parte del violinófono y, no menos importante, imitaciones del propio pájaro uirapuru . [32]
Su encuentro con Arthur Rubinstein en 1918 impulsó a Villa-Lobos a componer música para piano como Simples coletânea de 1919, que posiblemente estuvo influenciada por la interpretación de Rubinstein de Ravel y Scriabin en sus giras sudamericanas, y Bailado infernal de 1920. [9] Esta última pieza incluye los tempi y marcas de expresión "vertiginoso e frenético", "infernal" y "mais vivo ainda" (aún más rápido).
El Carnaval de las Crianças de 1919-20 vio surgir el estilo maduro de Villa-Lobos; sin las restricciones del uso de fórmulas tradicionales o cualquier requisito de tensión dramática, la pieza a veces imita una armónica , bailes infantiles, una arlequinada y termina con una imitación del desfile de carnaval. Esta obra fue orquestada en 1929 con nuevos pasajes de enlace y un nuevo título, Momoprecoce . La ingenuidad y la inocencia también se escuchan en las suites para piano A Prole do Bebê (La familia del bebé) de 1918-21.
En esa época también fusionó influencias e impresiones urbanas brasileñas, por ejemplo en su Quarteto simbólico de 1921. Incluyó la música callejera urbana de los chorões , que eran grupos que contenían flauta, clarinete y cavaquinho (una guitarra brasileña), y que a menudo también incluían oficleidos , trombones o percusión. Villa-Lobos ocasionalmente se unió a tales bandas. Las primeras obras que muestran esta influencia se incorporaron a la Suite populaire brésilienne de 1908-12 reunida por su editor, y las obras más maduras incluyen el Sexteto místico ( c. 1955, que reemplaza uno perdido y probablemente inacabado iniciado en 1917), [33] y su versión de la poesía de Mário de Andrade y Catulo da Paxão Cearense en las Canções típicas brasileiras de 1919. [34] Sus estudios de guitarra clásica también están influenciados por la música de los chorões . [35]
Todos los elementos mencionados hasta ahora se encuentran fusionados en el Noneto de Villa-Lobos. Subtitulada Impressão rápida do todo o Brasil (Breve impresión de todo Brasil), el título de la obra indica que es ostensiblemente música de cámara, pero está escrita para flauta/flautín, oboe, clarinete, saxofón, fagot, celesta, arpa, piano, una gran batería de percusión que requiere al menos dos intérpretes y un coro mixto.
En París, una vez establecido su vocabulario musical, Villa-Lobos resolvió el problema de la forma de sus obras. Se percibía como una incongruencia que su impresionismo brasileño se expresara en forma de cuartetos y sonatas. Desarrolló nuevas formas para liberar su imaginación de las limitaciones del desarrollo musical convencional, como el requerido en la forma de sonata. [36] La forma de poema multiseccional se puede ver en la Suite para voz y violín , que es algo así como un tríptico, y en el Poema da criança e sua mamã para voz, flauta, clarinete y violonchelo (1923). El extenso Rudepoêma para piano, escrito para Rubinstein, es una obra de múltiples capas, que a menudo requiere notación en varios pentagramas, y es a la vez experimental y exigente. Wright lo llama "el resultado más impresionante" de este desarrollo formal. [37] La Ciranda , o Cirandinha, es un tratamiento estilizado de melodías folclóricas brasileñas simples en una amplia variedad de estados de ánimo. Una ciranda es un juego de canto infantil, pero el tratamiento que Villa-Lobos le da a las obras a las que dio este título es sofisticado. Otra forma fue el Chôros . Villa-Lobos compuso más de una docena de obras con este título para varios instrumentos, principalmente entre los años 1924 y 1929. Las describió como "una nueva forma de composición musical", una transformación de la música y los sonidos brasileños "por la personalidad del compositor". [38]
También compuso entre 1930 y 1945 nueve piezas que llamó Bachianas Brasileiras (piezas bachianas brasileñas). Estas toman las formas y el nacionalismo de los Chôros , y añaden el amor del compositor por Bach. Incorporó el neoclasicismo en su estilo nacionalista. [39] El uso de arcaísmos por parte de Villa-Lobos no era nuevo (un ejemplo temprano es su Pequena suíte para violonchelo y piano de 1913). Las piezas evolucionaron a lo largo del período en lugar de ser concebidas como un todo, algunas de ellas fueron revisadas o ampliadas. Contienen algunas de sus piezas más populares, como la n.º 5 para soprano y ocho violonchelos (1938-1945), y la n.º 2 para orquesta de 1930 ( cuyo movimiento Tocata es O trenzinho do caipira , "El pequeño tren de la Caipira"). También muestran el amor del compositor por las cualidades tonales del violonchelo, ya que tanto la n.° 1 como la n.° 5 no están escritas para ningún otro instrumento. En estas obras, las disonancias a menudo duras de su música anterior son menos evidentes: o, como dice Simon Wright, están "dulceadas". La transformación de Chôros en Bachianas Brasileiras se demuestra claramente mediante la comparación de la n.° 6 para flauta y fagot con la anterior Chôros n.° 2 para flauta y clarinete. Las disonancias de la pieza posterior están más controladas, la dirección hacia adelante de la música es más fácil de discernir. Bachianas Brasileiras n.° 9 lleva el concepto tan lejos como para ser un Preludio y fuga abstractos , una destilación completa de las influencias nacionales del compositor. [40] Villa-Lobos finalmente grabó las nueve obras para EMI en París, principalmente con los músicos de la Orquesta Nacional Francesa; estas se publicaron originalmente en LP y luego se reeditaron en CD. [41] También grabó la primera sección de Bachianas Brasileiras No. 5 con Bidu Sayão y un grupo de violonchelistas para Columbia . [42]
Durante su período en SEMA, Villa-Lobos compuso cinco cuartetos de cuerda, los números 5 a 9 , que exploraron los caminos abiertos por su música pública que dominaba su producción. También escribió más música para Segovia, los Cinq préludes , que también demuestran una mayor formalización de su estilo de composición. Después de la caída del gobierno de Vargas, Villa-Lobos regresó a tiempo completo a la composición, reanudando un ritmo prolífico de finalización de obras. Sus conciertos, en particular los de guitarra clásica, arpa y armónica, son ejemplos de su forma de poema anterior . El Concierto para arpa es una obra grande y muestra una nueva propensión a centrarse en un pequeño detalle, luego desvanecerlo y traer otro detalle al primer plano. Esta técnica también aparece en su ópera final, Yerma , que contiene una serie de escenas, cada una de las cuales establece una atmósfera, de manera similar a la anterior Momoprecoce .
La última obra importante de Villa-Lobos fue la música para la película Green Mansions (aunque al final, la mayor parte de su banda sonora fue reemplazada por música de Bronisław Kaper ) y su arreglo como Floresta do Amazonas para orquesta, así como algunas canciones cortas publicadas por separado. En 1957, escribió un Decimoséptimo Cuarteto de Cuerdas , cuya austeridad de técnica e intensidad emocional "ofrecen un elogio a su arte". [25] Su Bendita Sabedoria , una secuencia de corales a capela escrita en 1958, es una ambientación igualmente simple de textos bíblicos en latín. Estas obras carecen del pictorialismo de su música más pública.
A excepción de las obras perdidas, el Noneto, las dos obras concertadas para violín y orquesta, la Suite para piano y orquesta , varios poemas sinfónicos, la mayor parte de su música coral y todas las óperas, su música está bien representada en los escenarios de recitales y conciertos del mundo y en discos compactos.
Notas
Referencias
