Giulio Paolini (nacido el 5 de noviembre de 1940) es un artista italiano asociado tanto con el arte povera como con el arte conceptual . [1]
Paolini nació en Génova . Tras una infancia transcurrida en Bérgamo , se trasladó con su familia a Turín , donde aún vive hoy. Asistió a la Escuela Técnica Industrial Estatal de Gráfica y Fotografía Giambattista Bodoni, graduándose en el departamento de Gráfica en 1959. Se interesó por el arte desde muy joven, visitando museos y galerías y leyendo revistas de arte. Hacia finales de los años cincuenta se acercó a la pintura, probando algunos cuadros de carácter abstracto, cercanos al monocromo . El descubrimiento de la gráfica moderna durante sus estudios y el hecho de que en casa hubiera revistas de arquitectura –su hermano mayor Cesare (1937-1983) era un arquitecto de renombre, autor de la famosa silla Sacco– contribuyeron a orientarlo hacia una línea de investigación destinada a poner a cero la imagen.
En 1960 realizó su primera obra, Disegno Geometrico ( Dibujo geométrico ), su precoz expresión artística que consiste en la cuadratura de 8 marcas hechas a lápiz y compás y 3 líneas alargadas de tinta que se extienden por la totalidad de un fondo de témpera blanca sobre lienzo. Cada línea que se cruza cruza dos marcas reflejadas y el centro, dividiendo el lienzo en 8 secciones geométricas con diferentes puntos de simetría. Este gesto preliminar por encima de cualquier otra obra de arte es la representación que permanecería como el punto de "eterno retorno" en el universo de los pensamientos de Paolini: su creación y evaluación por parte de Paolini fue el momento de actualidad y el instante original que reveló al artista a sí mismo, representando su enfoque e innovación en el arte conceptual y convirtiéndose en la base conceptual de todo su trabajo futuro. Paolini querría decir que ninguna obra que pudiera hacer superaría conceptualmente a Disegno Geometrico , y que cada obra que hizo y haría volvería a él, tanto intencional como involuntariamente, como la raíz de su visión artística. [2] Él planteó la idea de que no podía ni tenía intención de intentar escapar del Disegno Geometrico , lo que lo puso en una trayectoria como artista conceptual que realmente no se puede detener.
A principios de los años sesenta, Paolini desarrolla su investigación centrándose en los componentes mismos del cuadro: en los instrumentos del pintor y en el espacio de representación. Para su primera exposición individual –en 1964 en la galería La Salita de Gian Tommaso Liverani en Roma– presenta unos paneles de madera tosca apoyados o colgados en la pared, sugiriendo una exposición en proceso de montaje. La muestra es visitada por Carla Lonzi y Marisa Volpi, que poco después escribirán los primeros textos críticos sobre el joven artista. En 1965 Paolini comienza a utilizar la fotografía, lo que le permite ampliar su investigación a la relación entre el artista y la obra ( Delfo , 1965; 1421965 , 1965). Ese mismo año, a través de Carla Lonzi, conoció a Luciano Pistoi , propietario de la Galleria Notizie de Turín, quien le presentó a un nuevo círculo de amigos y coleccionistas y se convirtió en su principal distribuidor hasta principios de los años 70.
Entre 1967 y 1972, el crítico Germano Celant lo invitó a participar en exposiciones de arte povera , lo que hizo que su nombre se asociara a ese movimiento. De hecho, la posición de Paolini se distinguía claramente del clima vitalista y de la "fenomenología existencial" que caracterizaba las propuestas de los artistas de Celant. Declaró repetidamente una pertenencia íntima a la historia del arte, identificándose programáticamente con el linaje de todos los artistas que lo habían precedido. Algunas de sus obras más conocidas se remontan a esta finalidad, ajena a la escena militante de finales de los años sesenta: Giovane che guarda Lorenzo Lotto ( Joven que mira a Lorenzo Lotto , 1967), los "autorretratos" de Poussin y Rousseau (1968) y los cuadros en los que reproduce detalles de pinturas de antiguos maestros ( L'ultimo quadro di Diego Velázquez , 1968; Lo studio , 1968). Entre los principales referentes de Paolini en esos años estaban Jorge Luis Borges , a quien rindió homenaje en varias ocasiones, y Giorgio de Chirico de quien tomó prestada la frase constitutiva de la obra Et.quid.amabo.nisi.quod.ænigma est (1969).
En los años setenta, sus primeros reconocimientos oficiales llegan: desde exposiciones en el extranjero, que lo sitúan en el circuito internacional de galerías de vanguardia, hasta sus primeras exposiciones en museos. En 1970 participa en la Bienal de Venecia con Elegia ( Elegía , 1969), la primera obra en la que utiliza el yeso de un tema clásico : el ojo del David de Miguel Ángel con un fragmento de espejo aplicado a la pupila. Uno de los temas destacados de esta década es la mirada retrospectiva a su propia obra: de la cita literal de pinturas célebres llega a la autocitación, proponiendo una historicización en perspectiva de su obra. Obras como La visione è simmetrica? ( ¿Es simétrica la visión?, 1972) o Teoria delle apparenze ( Teoría de las apariencias , 1972) aluden a la idea del cuadro como contenedor potencial de todas las obras pasadas y futuras. Otro tema investigado con particular interés en este período fue el del doble y la copia, que encontró expresión sobre todo en el grupo de obras titulado Mimesi ( Mimesis , 1975-76) constituido por dos moldes de yeso de la misma estatua clásica colocados cara a cara, poniendo en cuestión el concepto mismo de reproducción y representación.
El período más denso en exposiciones y retrospectivas, con la publicación de importantes monografías, fue la década de 1980. En la primera mitad de la década comenzó a establecerse una dimensión explícitamente teatral con obras marcadas por la fragmentación y la dispersión ( La caduta di Icaro , 1982; Melanconia ermetica , 1983) o distinguidas por figuras teatrales como los valets de chambre del siglo XVIII ( Trionfo della rappresentazione , 1984). La poética de Paolini se enriqueció considerablemente con atribuciones literarias y referencias mitológicas , así como con la introducción de imágenes cósmicas. A finales de la década de 1980, las reflexiones del artista giraron principalmente en torno al acto mismo de exponer. A partir de su muestra individual en el Museo de Bellas Artes de Nantes (1987), el concepto de exposición -sus premisas y sus promesas- se fue configurando progresivamente como el tema real de las obras mismas.
En el transcurso de los años noventa, la investigación sobre la idea de exposición se extendió a otras modalidades nuevas. Los montajes, cada vez más complejos, a menudo seguían una tipología aditiva (serialidad, yuxtaposición), centrífuga (dispersión o diseminación a partir de un núcleo central) o centrípeta (concentración y superposición implosiva). El lugar de la exposición se convirtió en el escenario por excelencia del "teatro de la obra", es decir, de la obra en su hacer y deshacer: el lugar que definía la eventualidad misma de su acontecer ( Esposizione universale , 1992; Teatro dell'opera , 1993; Essere o non-essere , 1995). Además, la finalización de la obra se aplazaba constantemente, dejando al espectador en una expectativa perenne: exactamente lo que el artista siente siempre desde el principio en su mesa de trabajo, esperando que la obra se manifieste.
En los años 2000, otro tema especialmente querido por Paolini adquirió particular importancia, tanto en sus obras como en sus escritos: la identidad del autor, su condición de espectador, su falta de contacto con una obra que siempre lo precede y lo supera.
La poética y la práctica artística de Paolini en su conjunto pueden caracterizarse como una meditación autorreflexiva sobre la dimensión del arte, sobre su "clasicismo" atemporal y su perspectiva sin punto de fuga. A través de la fotografía , el collage , los moldes de yeso y el dibujo su intención es siempre indagar, con gran rigor conceptual, en la naturaleza tautológica y al mismo tiempo metafísica de la práctica artística. [1]
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La primera exposición de Paolini en La Salita (Roma, 1964), "consistió en paneles de madera en bruto colgados o apoyados contra las paredes, lo que le daba a la galería la apariencia de estar en medio de una exhibición que se estaba colgando". [3] En su exhibición de 1965 en la Galleria Notizie, mostró 11 obras, una de las cuales fue Disegno Geometrico durante su debut formal. Desde la exhibición en la Galleria Notizie, Paolini ha expuesto en galerías de arte y museos de todo el mundo. En 1971, Paolini tuvo una exposición con el título Un Quadro , donde mostró 14 réplicas fotográficas de Disegno Geometrico, las obras se exhibieron alrededor de la exposición llevando al público a recorrer las diversas formas del trabajo precoz que se cita. Según el historiador de arte Fabio Belloni, esta fue la primera vez que un artista en la conversación italiana sobre arte y expresión artística ha citado una iteración previa de su propio trabajo con un lenguaje y unas imágenes tan explícitos, [4] yuxtaponiendo no solo las 14 réplicas mostradas en Un Quadro , sino también Disegno Geometrico . En términos de referencias conceptuales, esta exposición es un reflejo de la visión artística de Paolini de las piezas fragmentadas no solo como parte de un todo, sino como un todo en sí mismo; considerando además que ve a Disegno Geometrico como el referente original e inevitable de todas sus obras posteriores, Un Quadro completa su audaz objetivo conceptual de dar un giro y restablecer su origen.
La colaboración con galerías italianas de vanguardia de los años 1960 y 1970 solidificó el papel de Paolini como un artista italiano esencial de la época: (La Salita, Roma; Galleria Notizie, Turín; Galleria dell'Ariete, Milán; Galleria del Leone, Venecia; La Tartaruga, Roma; L'Attico, Roma; Studio Marconi, Milán; Modern Art Agency, Nápoles) se integró rápidamente con presencia regular en importantes galerías extranjeras (desde 1971 Paul Maenz, Colonia; desde 1972 Sonnabend , Nueva York; desde 1973 Annemarie Verna, Zurich; desde 1976 Yvon Lambert , París; desde 1977 Lisson Gallery , Londres). Desde la década de 1980, Paolini ha estado representado principalmente por las galerías Christian Stein, Milán; Massimo Minini, Brescia; Alfonso Artiaco, Nápoles; Yvon Lambert , París y Marian Goodman, Nueva York.
Las grandes exposiciones antológicas despegaron hacia finales de los años 1970 (Istituto di Storia dell'Arte dell'Università di Parma, Parma, 1976; Städtisches Museum, Mönchengladbach, 1977; Mannheimer Kunstverein, Mannheim, 1977; Museo Diego Aragona Pignatelli Cortes, Nápoles, 1978 ; Stedelijk Museum , Amsterdam, gira al The Museum of Modern Art, Oxford, 1980) y culmina en la segunda mitad de los años 1980 (Le Nouveau Musée, Villeurbanne, 1984, gira a Montreal, Vancouver y Charleroi; Neue Staatsgalerie , Stuttgart, 1986 ; Castello di Rivoli , Rivoli, 1986; Galleria Nazionale d'Arte Moderna , Roma, 1988; Comunale d'Arte Moderna, Villa delle Rose, Bolonia, 1990). Destacadas exposiciones individuales recientes se llevaron a cabo en Graz (Neue Galerie im Landesmuseum Joanneum, 1998), Turín (Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, 1999), Verona (Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea Palazzo Forti, 2001), Milán (Fondazione Prada, 2003), Winterthur ( Kunstmuseum Winterthur , 2005) y Münster (Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, 2005). Para la temporada 2002/2003, Giulio Paolini diseñó en la Ópera Estatal de Viena un cuadro de gran tamaño (176 m²) como parte de la serie de exposiciones "Cortina de seguridad", concebida por Museum in Progress . [5]
Las exposiciones colectivas, innumerables desde su participación en el Premio Lissone de 1961 , incluyen las muestras relacionadas con el Arte Povera (1967-1971, 1984-85, 1997, 2001-02), las principales exposiciones internacionales de arte italiano y muchas de las muestras más significativas dedicadas al desarrollo artístico en la segunda mitad del siglo XX (por ejemplo: Vitalità del negativo , Roma 1970; Contemporanea , Roma 1973; Projekt '74 , Colonia 1974; Europe in the Seventies , Chicago y gira por los Estados Unidos 1977-78; Westkunst , Colonia 1981; '60–'80': Attitudes/concepts/images , Ámsterdam 1982; An International Survey of Recent Painting and Sculpture , Nueva York 1984; The European Iceberg , Toronto 1985; Transformaciones en la escultura , Nueva York, 1985; Bilderstreit , Colonia, 1989; 1965-1975: Reconsiderando el objeto del arte , Los Ángeles, 1995; The Last Picture Show: Artistas que usan la fotografía, 1960-82 , Minneapolis y en gira entre 2003 y 2005). Paolini ha aparecido varias veces en la documenta de Kassel (1972, 1977, 1982, 1992) y en la Bienal de Venecia (1970, 1976, 1978, 1980, 1984, 1986, 1993, 1995, 1997). [6] [ se necesita una mejor fuente ] En 2014, la Whitechapel Gallery de Londres presentó Giulio Paolini: To Be or Not To Be, una exposición de esculturas, exposiciones e instalaciones de Paolini. [7] Centro de Arte Moderno Italiano "Giorgio De Chirico-Giulio Paolini Giuilo Paolini Giorgio De Chirico", 13 de octubre de 2016 al 24 de junio de 2017, Nueva York, NY, italianmodernart.org
A lo largo de su carrera, Paolini también ha trabajado en el teatro , desde los decorados y vestuario de Bruto II de Vittorio Alfieri , dirigida por Gualtiero Rizzi (1969), hasta su colaboración con Carlo Quartucci y la Zattera di Babele en la década de 1980. Entre sus proyectos recientes más destacados se incluyen los decorados de Die Walküre (2005) y Parsifal (2007) de Wagner en el Teatro di San Carlo de Nápoles, dirigida por Federico Tiezzi. [8]
Desde el principio, las producciones de Paolini han estado acompañadas de reflexiones y comentarios escritos, considerados como elementos complementarios y paralelos a la imagen. Su primera colección de textos, Idem , fue publicada por Einaudi en 1975 con un ensayo de Italo Calvino . Entre las colecciones más recientes se incluyen Quattro passi. Nel museo senza muse (Einaudi, Turín 2006) y Dall'Atlante al Vuoto (in ordine alfabetico) publicada por Mondadori Electa, Milán 2010. En 1995 Maddalena Disch editó una edición completa de sus escritos y entrevistas ( Giulio Paolini: la voce del pittore. Scritti e interviste 1965–1995 , ADV Publishing House, Lugano).
La primera monografía sobre el artista, escrita por Germano Celant , fue publicada en 1972 en la ciudad de Nueva York por Sonnabend Press . Los libros más significativos sobre Giulio Paolini, que incluyen antologías críticas y una gran cantidad de documentación, son los catálogos publicados con ocasión de sus exposiciones individuales en Parma (1976), Rávena (1985, Giulio Paolini. Tutto qui , Edizioni Essegi, Rávena), Stuttgart (1986), Roma (1988), Graz (1998) y Milán (2003). En 1990 Francesco Poli editó una monografía para Edizioni Lindau de Turín. En 1992 Marco Noire publicó Impressions graphiques. L'opera grafica 1967–1992 di Giulio Paolini , un catálogo general de sus grabados y múltiples. En 2008, la editorial Skira de Milán publicó un Catálogo razonado en dos volúmenes de las obras de Paolini de 1960 a 1999, editado por Maddalena Disch. [9]