Ernest Eugene Barnes Jr. (15 de julio de 1938 – 27 de abril de 2009) fue un artista estadounidense , conocido por su estilo único de personajes alargados y movimiento. También fue jugador de fútbol profesional , actor y autor.
Ernest Barnes Jr. nació durante la era de Jim Crow en la comunidad "de abajo" de Durham, Carolina del Norte , cerca del Distrito Hayti de la ciudad. Tenía un hermano menor llamado James (nacido en 1942), así como un medio hermano, Benjamin B. Rogers Jr. (1920-1970). Ernest Jr. fue apodado "June". Su padre, Ernest E. Barnes Sr. (-1966), trabajó como empleado de envíos para Liggett Myers Tobacco Company . Su madre, Fannie Mae Geer (1905-2004), supervisó el personal doméstico de un destacado abogado de Durham y miembro de la Junta de Educación local , Frank L. Fuller Jr.
En los días en que Fannie permitía que "June" (el apodo que Barnes le daba a su familia y amigos de la infancia) la acompañara al trabajo, Fuller lo alentaba a que examinara los libros de arte y escuchara música clásica. El joven Ernest se sentía intrigado y cautivado por las obras de los grandes artistas. Cuando Barnes entró en primer grado, ya estaba familiarizado con las obras de maestros como Toulouse-Lautrec , Delacroix , Rubens y Miguel Ángel . Cuando entró en la escuela secundaria, podía apreciar, así como descifrar, muchas de las apreciadas obras maestras que se encontraban dentro de las paredes de los museos tradicionales, aunque pasarían muchos años más antes de que se le permitiera la entrada debido a la segregación. [1]
Barnes, que se describía a sí mismo como un niño regordete y poco atlético, fue objeto de burlas y acoso por parte de sus compañeros de clase. Continuamente buscaba refugio en sus cuadernos de dibujo , encontrando las partes menos transitadas del campus lejos de otros estudiantes. Un día, Ernest estaba dibujando en su cuaderno en una zona tranquila de la escuela. Fue descubierto escondido allí por el profesor de albañilería, Tommy Tucker, que también era el entrenador de levantamiento de pesas y un ex atleta. Estaba intrigado por los dibujos de Barnes, por lo que le preguntó al aspirante a artista sobre sus calificaciones y metas. Tucker compartió su propia experiencia de cómo el culturismo mejoró su fuerza y su perspectiva de la vida. Ese encuentro iniciaría la disciplina y la dedicación de Barnes que impregnarían su vida. En su último año en Hillside High School , Barnes se convirtió en el capitán del equipo de fútbol y campeón estatal en lanzamiento de peso . [2]
Barnes asistió a escuelas racialmente segregadas. En 1956 se graduó de Hillside High School con 26 ofertas de becas deportivas. La segregación le impidió asistir a la cercana Duke University o a la University of North Carolina . Su madre le prometió un coche si vivía en casa, por lo que asistió al North Carolina College en Durham, exclusivamente para negros (anteriormente North Carolina College for Negroes, ahora North Carolina Central University ). En North Carolina College se especializó en arte con una beca deportiva completa. Su entrenador de atletismo fue el Dr. Leroy T. Walker . [1] Barnes jugó en las posiciones de tackle y centro en NCC.
A los 18 años, durante una excursión de la clase de arte de la universidad al recién desegregado Museo de Arte de Carolina del Norte en Raleigh, Barnes preguntó dónde podía encontrar "pinturas de artistas negros". El guía le respondió: "Su gente no se expresa de esa manera". [3] 23 años después, en 1979, cuando Barnes regresó al museo para una exposición individual, el gobernador de Carolina del Norte, Jim Hunt, asistió a la exposición.
En 1990, Barnes recibió un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes por la Universidad Central de Carolina del Norte. [4]
En 1999, Barnes recibió el "Premio Universitario", el máximo honor otorgado por la Junta de Gobernadores de la Universidad de Carolina del Norte. [4]
En diciembre de 1959, Barnes fue seleccionado en la décima ronda por los entonces campeones del mundo Baltimore Colts . Originalmente fue seleccionado en la octava ronda por los Washington Redskins , [5] quienes renunciaron a la elección minutos después de descubrir que era negro .
Poco después de cumplir veintidós años, mientras se encontraba en el campo de entrenamiento de los Colts, Barnes fue entrevistado por NP Clark, redactor deportivo del periódico Baltimore News-Post . Hasta entonces, Barnes siempre había sido conocido por su nombre de nacimiento, Ernest Barnes. Pero cuando apareció el artículo de Clark el 20 de julio de 1960, se referían a él como "Ernie Barnes", lo que cambió su nombre y su vida para siempre. [6]
Barnes fue el último jugador que los Colts dejaron libre en el campo de entrenamiento. Después de que Baltimore lo liberara, los Titans de Nueva York, recién formados , lo contrataron de inmediato porque el equipo tenía la primera opción sobre cualquier jugador liberado dentro de la liga. [5]
Barnes detestaba estar en los Titans. Dijo: "[La organización del equipo de Nueva York] era un circo de ineptitud. El equipamiento era deficiente, los entrenadores no tenían tantos conocimientos como los de Baltimore. Éramos como un grupo de chicos del barrio que decían: vamos a fingir que somos profesionales". [5]
Después de su séptimo partido el 9 de octubre de 1960, en el Estadio Jeppesen , su compañero de equipo Howard Glenn murió. Barnes pidió su liberación dos días después. La causa de la muerte de Glenn fue reportada como una fractura de cuello. Sin embargo, Barnes y otros compañeros de equipo la atribuyeron durante mucho tiempo a un golpe de calor . [1] En una entrevista posterior, Barnes dijo: "Nunca dijeron realmente de qué murió. (El entrenador) Sammy Baugh dijo que se había roto el cuello en un partido el domingo anterior. Pero, ¿cómo podría ser eso? ¿Cómo pudo haber estado entrenando toda la semana con el cuello roto? Creo que murió de un golpe de calor. Les dije que no quería jugar en un equipo como este". [5]
Barnes decidió aceptar una oferta previa del entrenador Al Davis en Los Angeles Chargers . Barnes se unió a su equipo a mitad de temporada como miembro de su equipo de taxis . La temporada siguiente, en 1961, el equipo se mudó a San Diego . Fue allí donde Barnes conoció a su compañero de equipo Jack Kemp , y los dos hombres compartirían una amistad muy cercana para toda la vida.
Durante las temporadas bajas con los Chargers, Barnes fue director de programas en la YMCA del sudeste de San Diego y trabajó con presos en libertad condicional de la Autoridad Juvenil de California . [1] También trabajó como editor deportivo para The Voice , un periódico local de San Diego, escribiendo una columna semanal llamada "A Matter of Sports". [7]
Barnes también ilustró varios artículos para la revista San Diego Magazine durante las temporadas bajas de 1962 y 1963. [8] [9]
La primera entrevista televisiva de Barnes como jugador de fútbol profesional y artista fue en 1962 en The Regis Philbin Show en KGTV en San Diego. Fue el primer programa de entrevistas de Philbin. Se volverían a ver 45 años después, cuando Philbin asistió al homenaje a Barnes en la ciudad de Nueva York.
A mitad de la segunda temporada de Barnes con los Chargers, fue despedido tras una serie de lesiones. Luego fue fichado por los Denver Broncos .
El entrenador de Denver, Jack Faulkner, multó a Barnes con frecuencia cuando lo pillaban dibujando durante las reuniones del equipo. [1] Uno de los bocetos por el que le multaron con 100 dólares se vendió años después por 1000 dólares. [10]
Muchas veces, durante los descansos, Barnes salía corriendo del campo hacia la línea lateral para entregarle a su entrenador de línea ofensiva, Red Miller, los trozos de papel con sus bocetos y notas.
"Durante un tiempo muerto no tienes nada que hacer, no hablas, solo intentas respirar, sobre todo. No tienes nada que hacer para sacar ese pequeño lápiz y escribir lo que viste. La forma de los linieros. El lenguaje corporal que adoptaría un liniero defensivo... su postura... Lo que veo cuando tiras. La reacción de la defensa a tu movimiento. La conciencia de las líneas dentro del movimiento, el patrón dentro de las líneas, el ritmo del movimiento. Un par de notas para mí denotarían una acción... una imagen que podría recrear instantáneamente en mi mente. Algunas de esas notas se han convertido en pinturas. Unas cuantas, en realidad". [11]
En la tarjeta de fútbol Topps de los Denver Broncos de 1964 de Barnes, aparece con la camiseta número 55, aunque nunca jugó con ese número. Su camiseta era la número 62.
Sus compañeros de equipo de Denver llamaban a Barnes "Big Rembrandt ". [12] Casualmente, Barnes y Rembrandt comparten el mismo cumpleaños.
En 1965, después de su segunda temporada con los Broncos, Barnes firmó con los Saskatchewan Roughriders de Canadá . En el último cuarto de su último partido de exhibición, Barnes se fracturó el pie derecho, lo que puso fin a su carrera profesional en el fútbol americano.
Poco después de su último partido de fútbol, Barnes fue a la reunión de propietarios de la NFL de 1965 en Houston con la esperanza de convertirse en el artista oficial de la liga. Allí fue presentado al propietario de los New York Jets , Sonny Werblin , quien estaba intrigado por Barnes y su arte. Pagó para que Barnes trajera sus pinturas a la ciudad de Nueva York . Más tarde se conocieron en una galería y, sin que Barnes lo supiera, tres críticos de arte estaban allí para evaluar sus pinturas. Le dijeron a Werblin que Barnes era "el pintor de deportes más expresivo desde George Bellows ". [1]
En lo que fue una de las publicaciones más inusuales en la historia de la NFL, Werblin contrató a Barnes como jugador asalariado, pero lo ubicó frente a la lona, en lugar de sobre el campo de fútbol. Werblin le dijo a Barnes: "Tienes más valor para el país como artista que como jugador de fútbol". [13]
La primera exposición individual de Barnes en noviembre de 1966, organizada por Werblin en las Grand Central Art Galleries de la ciudad de Nueva York, fue aclamada por la crítica y se vendieron todas las pinturas. [14] [15]
En 1971, Barnes escribió una serie de ensayos (ilustrados con sus propios dibujos) en el periódico Gridiron titulados "Odio el juego que amo" (con Neil Amdur). [16] Estos artículos se convirtieron en el manuscrito inicial de su autobiografía, publicada más tarde en 1995 con el título From Pads to Palette , que narra su transición del fútbol profesional a su carrera artística.
En 1993, Barnes fue seleccionado para el "Equipo de todos los tiempos del 100.º año del fútbol universitario negro" por Sheridan Broadcasting Network.
Barnes atribuye a su profesor de arte universitario, Ed Wilson, el haber sentado las bases para su desarrollo como artista. [17] Wilson era un escultor que le enseñó a Barnes a pintar a partir de sus propias experiencias de vida. "Me hizo tomar conciencia de que el artista que es útil para Estados Unidos es aquel que estudia su propia vida y la registra a través del arte, los modales y las costumbres de sus propias experiencias". [18]
Durante toda su vida, Barnes fue ambivalente en cuanto a su experiencia en el fútbol. En entrevistas y apariciones personales, Barnes dijo que odiaba la violencia y el tormento físico del deporte. Sin embargo, sus años como atleta le brindaron observaciones únicas y profundas. "(Wilson) me dijo que prestara atención a cómo se sentía mi cuerpo en movimiento. Dentro de esa elongación, hay un sentimiento. Y una actitud y una expresión. Odio pensar cómo sería mi trabajo si no hubiera practicado deportes". [19]
Barnes vendió su primer cuadro, "Slow Dance", a los 21 años en 1959 por 90 dólares a Sam Jones , del Boston Celtic . [1] Posteriormente se perdió en un incendio en la casa de Jones.
Numerosos artistas se han visto influenciados por el arte y el estilo único de Barnes. Por ello, se han resuelto varias demandas por infracción de derechos de autor que actualmente están pendientes.
Ernie Barnes enmarcó sus cuadros con madera desgastada en homenaje a su padre. En su autobiografía de 1995, Barnes escribió sobre su padre: "... con tan poca educación, había trabajado muy duro por nosotros. Su legado para mí fue su esfuerzo, y eso fue suficiente. No sabía absolutamente nada sobre arte". [1]
Semanas antes de la primera exposición individual de Ernie Barnes en 1966, estaba en la casa familiar en Durham mientras su padre estaba en el hospital tras sufrir un derrame cerebral . Se dio cuenta de que la valla blanca, que normalmente estaba bien cuidada, había quedado descuidada desde la enfermedad de su padre. Días después, Ernest E. Barnes Sr. murió. "Coloqué un cuadro contra la valla, me quedé a un lado y miré. Me sorprendió la unión entre la vieja valla de madera y el cuadro. Era perfecto. En homenaje, la valla de papá abrazaría todas mis pinturas en una prestigiosa galería de Nueva York. Eso lo habría hecho sonreír". [1]
Una de sus obras de arte más notables que adopta este estilo de enmarcado se titula "Puerta de malla", que fue una pieza en proceso de 2007. Es una escena vista a través de una puerta abierta. "La gran pintura vertical representa a un hombre y una mujer abrazándose. Ella está de espaldas al espectador. La madera pintada de verde y desgastada enmarca la imagen a la manera de una puerta de malla de madera, completa con manija". [20]
Una característica constante y distintiva en la obra de Barnes son los ojos cerrados de sus sujetos.
Fue en 1971 cuando concebí la idea de hacer una exposición sobre La belleza del gueto . Se la mostré a algunas personas negras para obtener una reacción. Una de ellas fue muy negativa. Cuando empecé a expresarle mis puntos de vista a este profesional, se resistió a la idea. A raíz de sus comentarios y su actitud, empecé a ver, a observar, lo ciegos que somos ante la humanidad de los demás. Cegados por muchas cosas que, tal vez, han iniciado sentimientos en ese sentido. No vemos las profundidades de nuestra interconexión. Los dones, la fuerza y el potencial que hay en otros seres humanos. A menudo nos detenemos en el color. Así que una de las cosas de las que tenemos que ser conscientes es de quiénes somos para tener la capacidad de querer a los demás. Pero cuando no puedes visualizar lo que ofrece otro ser humano, es evidente que no estás mirando al ser humano con los ojos abiertos. [21]
“Nos miramos unos a otros y decidimos inmediatamente: Esta persona es negra, entonces debe ser… Esta persona vive en la pobreza, entonces debe ser…”. [11]
Mudarse a un barrio exclusivamente judío de Los Ángeles conocido como el Distrito Fairfax en 1971 fue un punto de inflexión importante en la vida y el arte de Barnes.
Fairfax me hizo reflexionar sobre temas de la vida cotidiana… y me obligó a analizar mi vida: la forma en que había crecido, las costumbres de mi comunidad en comparación con las costumbres de la comunidad judía. Sus costumbres estaban documentadas, las nuestras no. Como éramos tan ignorantes de que nuestra propia cultura tenía valor y debido a que la frase “Lo negro es hermoso” se había puesto de moda, los negros empezaban a valorarse a sí mismos como pueblo. Pero cuando se dijo: “Soy negro y estoy orgulloso”, dije: “¿Orgulloso de qué?” Y esa pregunta de “orgulloso de qué” dio lugar a una serie de pinturas que se convirtieron en “La belleza del gueto”.
En respuesta al movimiento cultural de los años 1960 " Lo negro es hermoso " y a la canción "Say it Loud: I'm Black and I'm Proud" de James Brown de 1968, Barnes creó la exposición La belleza del gueto de 35 pinturas que recorrió las principales ciudades estadounidenses entre 1972 y 1979, organizada por dignatarios, atletas profesionales y celebridades.
Barnes dijo sobre esta exposición: "Estoy ofreciendo un marco pictórico para comprender la estética de la América negra. No es un llamado a la gente para que continúe viviendo allí (en el gueto), pero para aquellos que se sienten atrapados, es... un desafío a lo hermosa que puede ser la vida". [22]
Cuando la exposición se exhibió en 1974 en el Museo de Arte Africano de Washington, DC, el representante John Conyers destacó el importante mensaje positivo de la exposición en el Registro del Congreso .
Barnes creó muchos estilos de obras de arte atléticas que no estaban relacionadas únicamente con el fútbol. Estas piezas capturaban deportes como el hockey, el boxeo, el tenis, el baloncesto y la gimnasia [20]
El Comité Organizador Olímpico de Los Ángeles nombró a Barnes "Artista deportivo de los Juegos Olímpicos de 1984". El presidente del Comité Organizador Olímpico de Los Ángeles, Peter V. Ueberroth, dijo que Barnes y su arte "capturaron la esencia de los Juegos Olímpicos " y "retrataron la diversidad étnica de la ciudad, el poder y la emoción de la competición deportiva, la unidad de propósito y las esperanzas que se invierten en la formación de atletas en todo el mundo". Barnes recibió el encargo de crear cinco pinturas con temas olímpicos y de servir como portavoz olímpico oficial para alentar a la juventud de los barrios marginales. [23] [24]
1985: Barnes fue nombrado el primer "Artista Deportivo del Año" por la Academia de Deportes de los Estados Unidos . [10]
1987: Barnes creó Fastbreak , una pintura encargada del equipo de baloncesto campeón del mundo Los Ángeles Lakers , que incluía a Magic Johnson , Kareem Abdul-Jabbar , James Worthy , Kurt Rambis y Michael Cooper .
1996: Los propietarios del equipo de fútbol Carolina Panthers, Rosalind y Jerry Richardson (ex compañero de equipo de Barnes en los Colts), le encargaron a Barnes la creación de la gran pintura Victoria en tiempo extra (de aproximadamente 2,13 m x 4,32 m). Se presentó antes de la temporada inaugural del equipo en 1996 y se exhibe de forma permanente en la suite del propietario en el estadio. Richardson y Barnes fueron compañeros de equipo de los Baltimore Colts durante un breve período en 1960.
1996: Para conmemorar su 50 aniversario en 1996, la Asociación Nacional de Baloncesto encargó a Barnes que creara una pintura con el tema "Dónde estábamos, dónde estamos y hacia dónde vamos". La pintura, The Dream Unfolds, cuelga en el Salón de la Fama del Baloncesto Naismith Memorial en Springfield , Massachusetts . Se realizó una edición limitada de litografías, y las primeras 50 impresiones se destinaron a cada uno de los equipos de todos los tiempos del 50.º aniversario de la NBA.
2004: Barnes fue nombrado "Mejor pintor de deportes de Estados Unidos" por el Museo y Archivos de Arte Deportivo Estadounidense. [25]
Otros encargos deportivos notables incluyen pinturas para los propietarios de los equipos de fútbol New Orleans Saints , Oakland Raiders y Boston Patriots . [26]
Poco después de que Barnes fuera seleccionado por los Baltimore Colts, Barnes fue invitado a ver el partido por el campeonato de la NFL de los Colts contra los New York Giants en el Memorial Stadium de Baltimore el 27 de diciembre de 1959. Los Colts ganaron 31-16 y Barnes se llenó de capas de emoción después de ver el partido desde el banquillo de los Colts. A los 21 años, acababa de firmar su contrato de fútbol y conoció a sus nuevos compañeros de equipo Johnny Unitas , Jim Parker , Lenny Moore , Art Donovan , Gino Marchetti , Alan Ameche y "Big Daddy" Lipscomb .
Tras regresar a casa, sin hacer ningún boceto preliminar, se dirigió directamente a un lienzo en blanco para plasmar su punto de vista. Utilizando una espátula, "pintando con movimientos rápidos y directos con la esperanza de capturar la visión... antes de que se evaporara", dijo Barnes, creó "The Bench" en menos de una hora. [1] A lo largo de su vida, The Bench permaneció en posesión de Barnes, incluso lo llevó consigo a todos sus campos de entrenamiento de fútbol y lo escondió debajo de su cama. Sería el único cuadro que Barnes nunca vendería, a pesar de muchas ofertas sustanciales, incluida una oferta de 25.000 dólares en su primera exposición en 1966.
En 2014, la esposa de Barnes, Bernie, presentó la pintura The Bench al Salón de la Fama del Fútbol Profesional para su colección permanente en Canton, Ohio.
Barnes creó la pintura The Sugar Shack en 1971. Ganó exposición internacional cuando se utilizó en la serie de televisión Good Times (dentro del programa de ficción se supone que es la obra de arte de JJ Evans, interpretado por Jimmie Walker, un aspirante a pintor) y en el álbum de Marvin Gaye de 1976 I Want You .
Según Barnes, había creado la versión original de The Sugar Shack después de reflexionar sobre su infancia, durante la cual no "pudo ir a un baile". [27] En una entrevista de 2008, Barnes dijo: " The Sugar Shack es un recuerdo de una experiencia de la infancia. Fue la primera vez que mi inocencia se encontró con los pecados de la danza. La pintura transmite ritmo, por lo que la experiencia se recrea en la persona que la ve. Para mostrar que los afroamericanos utilizan el ritmo como una forma de resolver la tensión física". [28]
Los críticos de arte conocen The Sugar Shack por encarnar el estilo de composición artística conocido como "Romántico negro", que, según Natalie Hopkinson de The Washington Post , es el "equivalente en artes visuales del circuito Chitlin' ". [29]
Cuando Barnes creó The Sugar Shack , incluyó la estación de radio de su ciudad natal , WSRC, en un banner. (Indicó incorrectamente la frecuencia como 620, aunque en realidad era 1410. Barnes confundió lo que solía escuchar al locutor de WSRC, Norfley Whitted, diciendo "620 en su dial" cuando Whitted estaba en su antigua estación WDNC a principios de los años 50).
Después de que Marvin Gaye le pidiera permiso para usar la pintura como portada de un álbum, Barnes aumentó la pintura agregando referencias que aluden al álbum de Gaye, incluidas pancartas que colgaban del techo para promocionar los sencillos del álbum. [29] [30]
Durante el especial televisivo aniversario de Motown 25: Yesterday, Today, Forever del 25 de marzo de 1983, se rindió homenaje a The Sugar Shack con una interpretación bailable de la pintura.
La pieza original pertenece actualmente a Eddie Murphy y se exhibe en su casa de Beverly Park, California. Un duplicado creado por Barnes en 1976 se exhibe en el Museo Afroamericano de California (CAAM). [31] El duplicado se vendió en Christie's el 12 de mayo de 2022 al empresario estadounidense Bill Perkins , quien pagó 15,3 millones de dólares por la obra. [32] [33]
El trabajo de Barnes aparece en las siguientes portadas de álbumes:
1971: “Barnes organizó una exposición itinerante de 35 pinturas con el propósito de definir cómo lo negro es bello, dándole a la comunidad negra un sentido de orgullo y de comunidad”. De 1972 a 1979, “La belleza del gueto” viajó a las principales ciudades de Estados Unidos, donde sus seguidores famosos y funcionarios electos locales organizaron las muestras y nuevos coleccionistas de todo el país conocieron su obra”. [20]
1992: A raíz de los disturbios de Los Ángeles de 1992 , el alcalde Tom Bradley utilizó el cuadro de Barnes Growth Through Limits como cartel publicitario inspirador en el centro de la ciudad. Barnes donó 1000 dólares al ganador de un concurso de lemas entre los estudiantes de secundaria de la ciudad que mejor representara el cuadro. [34] [35]
1995: La obra de Barnes fue incluida en la exposición colectiva itinerante 20th Century Masterworks of African-American Artists II . [36]
1998: El cuadro de Barnes The Advocate fue donado a la Facultad de Derecho de la Universidad Central de Carolina del Norte por un coleccionista privado. [37] Barnes se sintió obligado a crear el cuadro a partir de su "preocupación por la aplicación justa de la ley... la integridad del proceso legal para todas las personas, pero especialmente para aquellas que no tienen recursos ni influencia". [38]
2001: mientras observaba los trágicos acontecimientos del 11 de septiembre , Barnes creó la pintura In Remembrance . Se presentó formalmente en el Museo de Arte de Seattle . Más tarde fue adquirida en nombre de la ciudad de Filadelfia y donada a su Museo Afroamericano . Se vendió una cantidad limitada de impresiones giclée y el 100% de las ganancias se destinó al Hero Scholarship Fund, que proporciona matrícula universitaria y gastos a los hijos de policías y bomberos de Pensilvania muertos en el cumplimiento del deber. [39]
2005: Tres de las pinturas originales de Barnes se exhibieron en la Galería Whitechapel de Londres en la exposición de arte Back to Black: Art, Cinema & Racial Imaginary de 2005. [40]
2005: Kanye West encargó a Barnes que creara una pintura que representara la experiencia que le cambió la vida después de su accidente automovilístico casi fatal. A Life Restored mide 9 pies x 10 pies. En el centro de la pintura hay un gran ángel que se acerca a una figura mucho más pequeña de West. [41]
Octubre de 2007: última exposición pública de Barnes. La Liga Nacional de Fútbol Americano y Time Warner patrocinaron un homenaje al artista y exalumno de la NFL Ernie Barnes en la ciudad de Nueva York .
En el momento de su fallecimiento, Barnes estaba trabajando en una exposición Liberando a la humanidad desde dentro , que presentaba la mayoría de las pinturas que creó en los últimos años de su vida. [42]
2016: La pintura de Barnes "Willies' Barbershop" fue parte de una exhibición sobre el pionero del cabello afro-natural Willie Morrow en el Museo del Centro de las Artes de California, Escondido . [43] [44]
Barnes apareció en un episodio de 1967 del programa de juegos To Tell the Truth . Los panelistas adivinaron correctamente que Barnes era el jugador de fútbol profesional convertido en artista.
Barnes interpretó a Deke Coleman en la película de 1969 Number One , protagonizada por Charlton Heston y Jessica Walter . Barnes interpretó al Dr. Penfield en la película de 1971 Doctors' Wives , protagonizada por Dyan Cannon , Richard Crenna , Gene Hackman y Carroll O'Connor .
En 1971, Barnes, junto con Mike Henry, creó el Super Comedy Bowl , un programa de variedades especial de televisión de CBS que mostraba a atletas profesionales con celebridades como John Wayne , Frank Gifford , Alex Karras , Joe Namath , Jack Lemmon , Lucille Ball , Carol Burnett y Tony Curtis . Un segundo especial se emitió en 1972. [45] [46] [47]
A lo largo de la serie de televisión Good Times (1974-79), la mayoría de las pinturas del personaje JJ son obras de Ernie Barnes. Sin embargo, algunas imágenes, incluida "Black Jesus" en la primera temporada (1974), no fueron pintadas por Barnes. The Sugar Shack hizo su debut en la cuarta temporada del programa (1976-77) durante los créditos de apertura y cierre. En la quinta temporada (1977-78) , The Sugar Shack solo se usó en los créditos de cierre de cinco episodios iniciales durante esa temporada. En la sexta temporada (1978-79), The Sugar Shack solo se usó en los créditos de apertura de los primeros ocho episodios y en los créditos de cierre de cinco episodios iniciales durante esa temporada. En la quinta y sexta temporada (1977-79), The Sugar Shack aparece en el fondo del apartamento de la familia Evans. Barnes tuvo un pequeño papel en dos episodios de Good Times : The Houseguest (18 de febrero de 1975) y Sweet Daddy Williams (20 de enero de 1976).
Las ilustraciones de Barnes también se utilizaron en muchas series de televisión, incluidas Columbo , The White Shadow , Dream On , The Hughleys , The Wayans Bros. , Wife Swap y Soul Food , y en las películas Drumline y Boyz n the Hood .
En 1981, Barnes interpretó al receptor de béisbol Josh Gibson de las ligas negras en la película para televisión Don't Look Back: The Story of Leroy 'Satchel' Paige, con Lou Gossett Jr. interpretando a Paige.
La película Southside with You de 2016 (sobre la primera cita de Barack y Michelle Obama ) presenta de manera destacada el trabajo de Barnes en una escena inicial donde los dos personajes visitan una exposición de arte. [48] [49]
Barnes falleció el lunes por la noche, 27 de abril de 2009, en el Hospital Cedars Sinai de Los Ángeles, California , a causa de leucemia mieloide. [50] Fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas en dos lugares: en su ciudad natal Durham, Carolina del Norte, cerca del sitio donde una vez estuvo la casa de su familia, y en la playa de Carmel, California , una de sus ciudades favoritas.
Ernie Barnes fue reconocido como uno de los homenajeados principales por la Comisión de Honores del Sesquicentenario en la Ceremonia de Clausura del 150.º aniversario de Durham en Durham, Carolina del Norte, el 2 de noviembre de 2019. El reconocimiento póstumo fue otorgado a 29 personas "cuya dedicación, logros y pasión han ayudado a dar forma a Durham de maneras importantes". [51]
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