Elliott Cook Carter Jr. (11 de diciembre de 1908 - 5 de noviembre de 2012) fue un compositor modernista estadounidense . Uno de los compositores más respetados de la segunda mitad del siglo XX, combinó elementos del modernismo europeo y el "ultramodernismo" estadounidense en un estilo distintivo con un lenguaje armónico y rítmico personal, después de una fase neoclásica temprana. [1] [2] [3] [4] Sus composiciones se interpretan en todo el mundo e incluyen obras orquestales, de música de cámara , instrumentales solistas y vocales. Ganador de numerosos premios , Carter fue galardonado dos veces con el Premio Pulitzer por sus cuartetos de cuerda; también escribió el tríptico orquestal a gran escala Symphonia: sum fluxae pretium spei .
Carter nació en la ciudad de Nueva York y en la década de 1920 desarrolló un interés por la música moderna. Más tarde conoció a Charles Ives y pronto empezó a apreciar a los ultramodernistas estadounidenses. Después de estudiar en la Universidad de Harvard con Edward Burlingame Hill , Gustav Holst y Walter Piston , estudió con Nadia Boulanger en París en la década de 1930 y luego regresó a los Estados Unidos. Carter fue productivo en sus últimos años, publicando más de 40 obras entre los 90 y los 100 años, [5] y más de 20 más después de cumplir 100 años en 2008. [6] Completó su última obra, Epigrams para trío de piano , el 13 de agosto de 2012. [7]
Elliott Cook Carter Jr. nació en Manhattan el 11 de diciembre de 1908, hijo de un rico importador de encajes, Elliott Carter Sr., y de la ex Florence Chambers. Pasó gran parte de su infancia en Europa ; hablaba francés antes de aprender inglés . De adolescente, desarrolló un interés por la música, aunque sus padres no alentaron sus intereses más allá de proporcionarle lecciones tempranas de piano, [1] pero fue alentado por Charles Ives , quien vendió seguros a la familia de Carter. Mientras estudiaba en la Escuela Horace Mann en 1922, escribió una carta de admiración a Ives, quien respondió y lo instó a seguir su interés por la música. Además de eso, comenzó a interesarse por la música moderna como parte de su exploración más amplia del modernismo en varias otras formas de arte. [1]
En 1924, Carter, de 15 años, estaba entre el público y se "animó" cuando Pierre Monteux dirigió la Orquesta Sinfónica de Boston (BSO) en el estreno en Nueva York de La consagración de la primavera . [8] Carter más tarde llegó a apreciar a los ultramodernistas estadounidenses, a saber, Henry Cowell , Edgard Varèse , Ruth Crawford y, más tarde, Conlon Nancarrow . Ives a menudo acompañaba a Carter a los conciertos de la BSO dirigidos por Serge Koussevitzky , que programaba obras contemporáneas con frecuencia, y luego regresaba a la casa de Ives para criticar y parodiar los llamados trucos de Debussy , Stravinsky o Prokofiev , que estaban componiendo nueva música europea que Ives consideraba solo "superficialmente moderna". [1]
En 1926, Carter asistió a la Universidad de Harvard , [9] donde se especializó en inglés pero también estudió música, tanto en Harvard (cuyo curso de música no lo satisfizo) como en la cercana Longy School of Music , y también cantó con el Harvard Glee Club . Sus profesores de Harvard incluyeron a Walter Piston y Gustav Holst . Carter obtuvo una maestría en música de Harvard en 1932, pero el curso no ayudó a progresar mucho en sus habilidades de composición. Por lo tanto, Carter se mudó a París para estudiar con Nadia Boulanger , tanto en forma privada como en la École Normale de Musique de Paris . Trabajó con Boulanger de 1932 a 1935 (aunque no compuso mucha música con ella que creyera que valiera la pena preservar) [1] y en el último año recibió un doctorado en música (Mus.D.).
Más tarde, en 1935, regresó a los EE. UU. para escribir música para el Ballet Caravan. El fundador del Ballet Caravan, Lincoln Kirstein, encargó a Carter que compusiera dos ballets, Pocahontas y El Minotauro , que estarían entre sus obras más largas compuestas durante su fase neoclasicista , aunque ninguna de ellas tuvo un gran éxito. [1]
El 6 de julio de 1939, Carter se casó con Helen Frost-Jones. Tuvieron un hijo, David Chambers Carter. Vivió con su esposa en el mismo apartamento en Greenwich Village desde que lo compraron en 1945 hasta su muerte en 2003. [5]
De 1940 a 1944, enseñó en el St. John's College en Annapolis, Maryland. Trabajó para la Oficina de Información de Guerra durante la Segunda Guerra Mundial . Después de la guerra, ocupó puestos de profesor en el Conservatorio Peabody (1946-1948), la Universidad de Columbia , el Queens College, Nueva York (1955-56), la Universidad de Yale (1960-62), la Universidad de Cornell (desde 1967) y la Juilliard School (desde 1972). [5] Mientras tanto, en la década de 1950, Carter, después de editar la música de Ives, volvió a su interés en los experimentalistas. En respuesta a su experiencia en la guerra, decidió lograr un discurso musical emancipado a través del reexamen de todos los parámetros de la música. Obras notables durante este tiempo fueron la Sonata para violonchelo , el rítmicamente complejo primer cuarteto de cuerdas y Variaciones para orquesta . Las dos últimas marcaron el punto de inflexión de Carter en su carrera. [1]
Carter escribió música todas las mañanas hasta su muerte, [10] por causas naturales, el 5 de noviembre de 2012, en su casa de la ciudad de Nueva York , a los 103 años. [11] [7]
Carter compuso su única ópera, What Next?, en 1997-98 para la Ópera Estatal de Berlín a instancias del director Daniel Barenboim . La obra se estrenó en Berlín en 1999 y tuvo su primera puesta en escena en los Estados Unidos en el Festival de Música de Tanglewood en 2006, dirigido por James Levine . [12] Más tarde consideró escribir óperas sobre los temas del suicidio comunitario y una historia de Henry James, pero abandonó ambas ideas y decidió no escribir más óperas. [10]
Interventions for Piano and Orchestra se estrenó el 5 de diciembre de 2008 por la BSO, dirigida por James Levine y con el pianista Daniel Barenboim en el Symphony Hall de Boston . [13] El 11 de diciembre de 2008, Barenboim repitió la obra con la BSO en el Carnegie Hall de Nueva York en presencia del compositor en su cumpleaños número 100. [5] [8] Carter también estuvo presente en el Festival de Aldeburgh de 2009 para escuchar el estreno mundial de su ciclo de canciones On Conversando con el Paraíso , basado en el Canto 81 de Ezra Pound y una de las «Notas» de Pound destinadas a Cantos posteriores, y generalmente publicadas al final de los Cantos. [14] El estreno se realizó el 20 de junio de 2009 por el barítono Leigh Melrose y el Birmingham Contemporary Music Group dirigido por Oliver Knussen . [15] [16]
Figment V para marimba se estrenó en Nueva York el 2 de mayo de 2009, por Simon Boyar, y Poems of Louis Zukofsky para soprano y clarinete tuvo su primera interpretación por Lucy Shelton y Thomas Martin en el Festival Tanglewood el 9 de agosto de 2009. El estreno en Estados Unidos del Concierto para flauta tuvo lugar el 4 de febrero de 2010, con la flautista Elizabeth Rowe y la Orquesta Sinfónica de Boston dirigidas por Levine. El último estreno en vida de Carter fue Dialogues II , escrita para el 70.º cumpleaños de Barenboim y dirigida en Milán en octubre de 2012 por Gustavo Dudamel . [17] El último estreno de Carter, que ocurrió después de su muerte, fue "The American Sublime", una obra para barítono y gran conjunto, dedicada y dirigida por Levine. [18]
Las primeras obras de Carter estuvieron influenciadas por Igor Stravinsky , Aaron Copland y Paul Hindemith , y son principalmente neoclásicas . [19] Recibió una formación estricta en contrapunto , [20] desde la polifonía medieval hasta Stravinsky, y esto se refleja en su música más temprana, como el ballet Pocahontas (1938-39). Parte de su música durante la Segunda Guerra Mundial es bastante diatónica e incluye un lirismo melódico que recuerda a Samuel Barber .
A partir de finales de la década de 1940, su música muestra un desarrollo creciente de un lenguaje armónico y rítmico personal caracterizado por una elaborada superposición rítmica y una modulación métrica . [21] Si bien el cromatismo y el vocabulario tonal de Carter son paralelos a los compositores seriales de la época, Carter no utilizó técnicas seriales. Carter dijo: "Ciertamente nunca he utilizado una fila de doce tonos como base de una composición, en la forma descrita en Estilo e idea de Schoenberg , ni mis composiciones son una rotación constante de varias permutaciones de filas de doce tonos". [22] Más bien, desarrolló y catalogó de forma independiente todas las posibles colecciones de tonos (es decir, todos los posibles acordes de tres notas, acordes de cinco notas, etc.), compilando lo que llamó su Libro de armonía . [20] (Una versión editada del libro fue publicada en 2002 por Carl Fischer Music . [23] ) Los teóricos musicales como Allen Forte habían sistematizado de forma independiente estos datos en la teoría de conjuntos musicales, tal vez inspirados por Materiales armónicos de la música moderna de Howard Hanson . Una serie de trabajos de Carter en los años 1960 y 1970 genera su material tonal utilizando todos los acordes posibles de un número particular de tonos.
Entre sus obras más conocidas se encuentran las Variaciones para orquesta (1954-1955); el Doble concierto para clavecín y piano con dos orquestas de cámara (1959-1961); el Concierto para piano (1964-1965), escrito como regalo por el 85.º cumpleaños de Stravinski; el Concierto para orquesta (1969), basado libremente en un poema de Saint-John Perse ; y la Sinfonía de tres orquestas (1976). También compuso cinco cuartetos de cuerda , [24] [25] de los cuales el segundo y el tercero ganaron el Premio Pulitzer de Música en 1960 [26] y 1973 [27] respectivamente. Espaciados a intervalos regulares a lo largo de su carrera madura, algunos los consideran el conjunto de obras más importante en ese medio desde Bartók. [21] Symphonia: sum fluxae pretium spei (1993-96) es su obra orquestal más grande, de estructura compleja y con capas contrastantes de texturas instrumentales, desde delicados solos de viento hasta estruendosos estallidos de metales y percusión.
El Concierto para piano (1964-65) utiliza la colección de acordes de tres notas para su material de tono; el Tercer cuarteto de cuerdas (1971) utiliza todos los acordes de cuatro notas; el Concierto para orquesta (1969) todos los acordes de cinco notas; y Una sinfonía de tres orquestas utiliza la colección de acordes de seis notas. [28] Carter también hizo un uso frecuente de acordes "tónicos" de 12 notas. [28] De particular interés son los acordes de 12 tonos "de todos los intervalos", donde cada intervalo está representado dentro de notas adyacentes del acorde. Su obra para piano solo de 1980 Night Fantasies utiliza la colección completa de los 88 acordes de 12 notas de todos los intervalos simétricos invertidos. [29] Por lo general, el material de tono está segmentado entre instrumentos, con un conjunto único de acordes o conjuntos asignados a cada instrumento o sección orquestal. Esta estratificación del material, en la que cada voz individual no sólo tiene asignado su propio material tonal, sino también textura y ritmo, es un componente clave del estilo de Carter. Su música posterior a Night Fantasies ha sido calificada de su último período y su lenguaje tonal se volvió menos sistematizado y más intuitivo, pero conserva las características básicas de sus obras anteriores. [30]
El uso que hace Carter del ritmo se puede entender mejor con el concepto de estratificación. A cada voz instrumental se le asigna típicamente su propio conjunto de tempos. Un polirritmo estructural , donde se utiliza un polirritmo muy lento como un recurso formal, está presente en muchas de las obras de Carter. Night Fantasies , por ejemplo, utiliza una relación de tempo de 216:175 que coincide solo en dos puntos a lo largo de sus más de 20 minutos. [31] Este uso del ritmo fue parte de su expansión de la noción de contrapunto para abarcar diferentes personajes simultáneos, incluso movimientos completos, en lugar de solo líneas individuales.
Carter dijo que los pulsos constantes de la música antigua le recordaban a los soldados marchando o a los caballos trotando, sonidos que ya no se escuchaban a fines del siglo XX, y quería que su música capturara el tipo de aceleración o desaceleración continua experimentada en un automóvil o un avión. [32] Si bien la música de Carter muestra pocos rastros de música popular estadounidense o jazz , su música vocal ha demostrado fuertes vínculos con la poesía estadounidense contemporánea. Puso música a poemas de Elizabeth Bishop ( A Mirror on Which to Dwell ), John Ashbery ( Syringa y Mad Regales ), Robert Lowell ( In Sleep, in Thunder y Mad Regales ), John Hollander ( Of Challenge and of Love ), William Carlos Williams ( Of Rewaking ), Wallace Stevens ( In the Distances of Sleep y The American Sublime ), Ezra Pound ( On Conversando con Paradise ), EE Cummings ( A Sunbeam's Architecture ), Marianne Moore ( What Are Years ) y TS Eliot ( Three Explorations ). Los poetas del siglo XX también inspiraron varias de sus grandes obras instrumentales, como el Concierto para orquesta ( St. John Perse ) y Una sinfonía para tres orquestas ( Hart Crane ).
Fuentes
