A Vincent van Gogh le gustaba pintar niños. En una ocasión dijo que es lo único que "me emociona hasta lo más profundo de mi alma y lo que me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa". Pintar niños, en particular, representa el renacimiento y el infinito. A lo largo de su carrera, Van Gogh no pintó muchos cuadros de niños, pero los que completó fueron especiales para él. Durante los diez años de carrera de Van Gogh como pintor, de 1881 a 1890, su obra cambió y se enriqueció, en particular en la forma en que utilizó el color y las técnicas de forma simbólica o evocativa.
Sus primeras obras eran de tonos terrosos y apagados. Después de un período de transformación en París, Van Gogh se embarcó en sus períodos más prolíficos comenzando en Arles , en el sur de Francia y continuando hasta sus últimos días en Auvers-sur-Oise . Durante esos tiempos, su trabajo se volvió más colorido y más reflejo de influencias, como el impresionismo y el japonismo . Las influencias del japonismo se entienden en la pintura de una joven, La Mousmé. Entre otros, se inspiró en la obra de Jean-François Millet, al que emuló en Primeros pasos y Atardecer: El reloj.
A Van Gogh le gustaba pintar retratos cuando tenía modelos disponibles. Posiblemente el mayor impacto en sus pinturas de niños provino de la amistad con Joseph Roulin y de los numerosos cuadros de su familia.
Van Gogh, conocido por sus paisajes, parecía considerar que pintar retratos era su mayor ambición. [1] Dijo de los estudios de retratos: "lo único en la pintura que me emociona hasta lo más profundo de mi alma y que me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa". [2]
A su hermana le escribió: "Quisiera pintar retratos que, al cabo de un siglo, se le aparecieran como apariciones a personas que vivieron en aquel entonces. Con esto quiero decir que no intento lograr esto a través de la semejanza fotográfica, sino a través de nuestras emociones apasionadas, es decir, utilizando nuestro conocimiento y nuestro gusto moderno por el color como un medio para llegar a la expresión y la intensificación del carácter". [1]
En relación con la pintura de retratos, Van Gogh escribió: "En un cuadro quiero transmitir algo reconfortante, como lo es la música. Quiero pintar hombres y mujeres con ese algo de eternidad que el halo solía simbolizar y que buscamos comunicar mediante el resplandor y la vibración reales de nuestro colorido". [3]
Van Gogh vio "algo más profundo, más íntimo, más eterno que el océano en la expresión de los ojos de un bebé cuando se despierta por la mañana". Los bebés representaban para Van Gogh "el renacimiento y la inmortalidad" y le alegraban el ánimo. Cuando tenía oportunidad, Van Gogh disfrutaba pintándolos. [4]
El " género campesino " que influyó enormemente en Van Gogh comenzó en la década de 1840 con las obras de Jean-François Millet , Jules Breton y otros. En 1885, Van Gogh describió la pintura de campesinos como la contribución más esencial al arte moderno . Describió las obras de Millet y Breton como de significado religioso, "algo elevado". [5] Refiriéndose a la pintura de campesinos, Van Gogh escribió a su hermano Theo : "¿Cómo podré alguna vez pintar lo que tanto amo?" [6]
Esta fue una transición decidida en su enfoque de las pinturas desde sus obras anteriores influenciadas por maestros holandeses , como Rembrandt . Su objetivo en ese momento era pintarlas como las veía y basándose en su respuesta emocional ante ellas. Sus primeras obras de campesinos fueron en tonos apagados. Como fue influenciado por el impresionismo y el uso de colores complementarios, su estilo cambió drásticamente. [7]
Por mucho que a Van Gogh le gustara pintar retratos de personas, tenía pocas oportunidades de pagar o conseguir modelos para su obra. Encontró una recompensa en el trabajo de la familia Roulin , para la que hizo varias imágenes de cada persona. A cambio, Van Gogh le dio a los Roulin una pintura de cada miembro de la familia. [8]
Niño cortando hierba con una hoz , realizada en 1881, es propiedad del Museo Kröller-Müller . [9]
En relación con un estudio que Van Gogh hizo para La muchacha en el bosque o La muchacha de blanco en el bosque [10] , comentó lo mucho que disfrutó de la obra y explicó cómo desea estimular los sentidos del público y cómo pueden experimentar la pintura: "El otro estudio en el bosque es de unos grandes troncos de haya verde sobre un tramo de tierra cubierto de ramas secas, y la pequeña figura de una muchacha de blanco. Había una gran dificultad en mantenerlo despejado y en conseguir espacio entre los troncos que se encontraban a diferentes distancias -y el lugar y el volumen relativo de esos troncos cambian con la perspectiva- para hacer que uno pudiera respirar y caminar a su alrededor, y para que pudiera oler la fragancia de la madera". [11]
En La muchacha del bosque, la niña se ve ensombrecida por los inmensos robles. El cuadro puede recordarle a Van Gogh los tiempos en que, durante su juventud, huyó al bosque de Zundert para escapar de su familia. [12]
Una niña en la calle, Dos carrozas al fondo y Mujer campesina con niño en el regazo forman parte de colecciones privadas. [13]
Van Gogh se sintió atraído por Sien en parte por su embarazo y aprovechó la oportunidad para pintar a su hijo pequeño. [4]
Van Gogh llegó a un punto alrededor de 1885 en el que buscaba liberarse física, emocional y artísticamente de los colores grises de su arte y su vida, alejándose de Nuenen para desarrollar, como describe el autor Albert Lubin, un arte más "imaginativo y colorido que le convenía mucho mejor". [14]
En 1886, Van Gogh abandonó los Países Bajos para no volver jamás. Se trasladó a París para vivir con su hermano Theo , un marchante de arte parisino. Van Gogh llegó a París como un hombre tímido y sombrío. Aunque su personalidad nunca cambiaría, emergió artísticamente como lo que un crítico describió como un "pájaro cantor". [15] Aunque Van Gogh había sido influenciado por su primo Anton Mauve y la Escuela de La Haya , así como por los grandes maestros holandeses , venir a París significó que estuvo expuesto al impresionismo , los simbolistas , los puntillistas y el arte japonés ( véase japonismo ). Su círculo de amigos incluía a Camille Pissarro , Henri de Toulouse-Lautrec , Paul Gauguin , Émile Bernard , Paul Signac y otros. Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influyeron enormemente en Van Gogh, tanto por la temática como por el estilo de patrones planos de colores sin sombras. En los dos años que pasó trabajando en París, entre 1886 y 1888, Van Gogh exploró diversos géneros y creó su propio estilo único. [15]
Van Gogh se mudó a Arles , en el sur de Francia , donde produjo algunas de sus mejores obras. Sus pinturas representaban diferentes aspectos de la vida cotidiana, como los retratos de miembros de la familia Roulin y La Mousmé . Las pinturas de girasoles , algunas de las pinturas más reconocibles de Van Gogh, fueron creadas en esta época. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este es probablemente uno de los períodos más felices de la vida de Van Gogh. Es confiado, de mente clara y aparentemente contento. [16]
En una carta a su hermano, Theo , escribió: "La pintura tal como es ahora, promete volverse más sutil -más como música y menos como escultura- y, sobre todo, promete color". Como forma de explicación, Vincent explica que ser como la música significa ser reconfortante. [16]
Van Gogh pintó a la familia del cartero Joseph Roulin en el invierno de 1888, cada miembro más de una vez. [17] La familia incluía a Joseph Roulin, el cartero, su esposa Augustine y sus tres hijos. Van Gogh describió a la familia como "realmente francesa, aunque parezcan rusos". [18] En el transcurso de unas pocas semanas, pintó a Augustine y a los niños varias veces. La razón de las múltiples obras fue en parte para que los Roulin pudieran tener un cuadro de cada miembro de la familia, de modo que con estos cuadros y otros, su dormitorio se convirtiera en un virtual "museo de arte moderno ". El consentimiento de la familia para posar para Van Gogh también le dio la oportunidad de crear más retratos, lo que fue significativo e inspirador para Van Gogh. [19]
Van Gogh utilizó el color para lograr un efecto dramático. La ropa de cada miembro de la familia es de colores primarios llamativos y Van Gogh utilizó colores contrastantes en el fondo para intensificar el impacto de la obra. [3]
En el Retrato de Madame Augustine Roulin y la pequeña Marcelle del Museo de Arte de Filadelfia, Augustine sostiene a la pequeña Marcelle, que nació en julio de 1888. La madre, relajada y con el rostro en la sombra, se muestra pasiva. Por el tamaño de los hombros, los brazos y las manos de Augustine, podemos ver que trabajó duro para cuidar de su familia. Por ejemplo, no había comodidades modernas como lavadoras. En una pose tradicional de madres y bebés recién nacidos, Augustine sostiene a su bebé en posición vertical, sosteniendo la espalda del bebé con su brazo derecho y estabilizando la sección media del bebé con su mano izquierda. Marcelle, cuyo rostro está dirigido hacia afuera, es más activa y atrae la atención del público. Van Gogh utilizó contornos marcados en azul alrededor de las imágenes de la madre y el bebé. [3]
Para simbolizar la cercanía de la madre y el bebé, utilizó en esta obra colores adyacentes del círculo cromático, verde, azul y amarillo. El vibrante fondo amarillo crea un cálido resplandor alrededor de la madre y el bebé, como un halo muy grande. Sobre su uso del color, Van Gogh escribió: "en lugar de intentar reproducir exactamente lo que tengo ante mis ojos, utilizo el color... para expresarme con más fuerza". La obra contiene pinceladas variadas, algunas rectas, otras turbulentas, que nos permiten ver el movimiento de la energía "como el agua en un arroyo impetuoso". Émile Bernard , amigo de Van Gogh, fue el propietario inicial de esta pintura en su procedencia . [3]
Marcelle Roulin, la hija menor, nació el 31 de julio de 1888, y tenía cuatro meses, cuando Van Gogh hizo sus retratos. [20] Fue pintada tres veces sola y dos veces en el regazo de su madre. [17] Las tres obras muestran la misma imagen de cabeza y hombros de Marcelle con sus mejillas y brazos regordetes contra un fondo verde. [21] Cuando Johanna van Gogh, embarazada en ese momento, vio la pintura, escribió: "Me gusta imaginar que el nuestro será igual de fuerte, igual de hermoso, ¡y que su tío algún día pintará su retrato!" [17] Una versión titulada El bebé de Roulin se encuentra en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC . [22]
Además de las obras madre-hija donde Marcelle es visible, Van Gogh también creó varias obras donde Augustine mece su cuna invisible con una cuerda. [4]
Camille Roulin, el hijo del medio, nació en Lambesc , en el sur de Francia, el 10 de julio de 1877 y murió el 4 de junio de 1922. Cuando su padre tenía que responder cartas, él trabajaba como su secretario. [20] [23] Cuando le pintaron el retrato, Camille tenía once años. La pintura del Museo Van Gogh [18] muestra la cabeza y los hombros de Camille. Las pinceladas amarillas detrás de él evocan el sol. [24] La pintura, muy similar, se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia (F537). [25]
En El colegial con gorra de uniforme, Camille parece tener la mirada perdida en el vacío. Su brazo está apoyado sobre el respaldo de una silla, con la boca abierta, posiblemente absorto en sus pensamientos. Esta es la obra más grande de las dos que se hicieron sobre Camille. [24]
Armand Roulin, el hijo mayor, nació el 5 de mayo de 1871 en Lambesc y murió el 14 de noviembre de 1945. Tenía 17 años cuando fue retratado por Van Gogh. [26]
Las obras de Van Gogh representan a un joven serio que en el momento en que se pintaron las pinturas había abandonado la casa de sus padres para trabajar como aprendiz de herrero. [27] La obra del Museo Folkwang muestra a Armand con lo que probablemente sea su mejor ropa: un elegante sombrero de fieltro, un abrigo amarillo vivo, un chaleco negro y una corbata. [24] [27] La actitud de Armand parece un poco triste, o tal vez aburrida de estar sentado. [24] Su figura llena el plano del cuadro dando la impresión de que es un joven seguro y masculino. [27]
La segunda obra, con el cuerpo ligeramente girado hacia un lado y la mirada baja, parece ser la de un joven triste. [27] Incluso el ángulo del sombrero parece indicar tristeza. Ambas pinturas del museo fueron realizadas sobre un lienzo de gran tamaño, de 65 x 54 cm. [24]
La Mousmé , también conocida como La Mousmé, sentada en una silla de mimbre, media figura (con una rama de adelfa), fue pintada por Van Gogh en 1888 mientras vivía en Arles , ciudad a la que Van Gogh llamó "el Japón del sur". Al retirarse de la ciudad, esperaba que su tiempo en Arles evocara en su obra la expresión simple pero dramática del arte japonés. [2] [28] Inspirado por la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y las obras de arte japonesas, Vincent pintó La Mousmé, una niña japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: "Me llevó una semana entera... pero tuve que reservar mi energía mental para hacer bien la mousmé. Una mousmé es una niña japonesa, provenzal en este caso, de doce a catorce años". [2] [28]
El uso del color por parte de Van Gogh tiene una intención simbólica. El público se siente atraído por su uso de patrones y colores que contrastan y aportan energía e intensidad a la obra. Los tonos complementarios de azul y naranja, una desviación estilística de los colores de las pinturas impresionistas que adquirió durante su exploración en París, se destacan contra el verde pálido primaveral del fondo. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de lo moderno y lo tradicional. Su atuendo es ciertamente moderno. Los colores brillantes de la falda y la chaqueta son de la región sur de Arles. En cuanto a la pintura de Van Gogh de sus rasgos, su mayor atención se centra en el rostro de la niña, dándole el colorido de una niña de Arles, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la adelfa. La adelfa en flor, como la niña, está en la etapa de floración de la vida. [2] [28]
Otra pintura de esta época, La joven de los cabellos alborotados (La alondra), se encuentra en el Museo de Bellas Artes de La Chaux-de-Fonds , Suiza (F535). [29]
En mayo de 1889, Van Gogh ingresó voluntariamente en el asilo Saint-Paul [30] [31], cerca de Saint-Rémy , en Provenza . [32] Allí, Van Gogh tuvo acceso a una celda adyacente que utilizó como estudio. Al principio estuvo confinado en los terrenos inmediatos al asilo y pintó (sin los barrotes) el mundo que veía desde su habitación, como los árboles cubiertos de hiedra, las lilas y los lirios del jardín. [30] [33] A través de los barrotes abiertos, Van Gogh también pudo ver un campo de trigo cerrado, tema de muchas pinturas en Saint-Rémy. [34] Cuando se aventuró fuera de los muros del asilo, pintó los campos de trigo, los olivares y los cipreses de la campiña circundante, [33] que vio como "característicos de la Provenza". A lo largo del año, pintó alrededor de 150 lienzos. [30]
Primeros pasos es una de las veintiún pinturas que Van Gogh pintó en Saint-Rémy que eran "traducciones" de la obra de Jean-François Millet . Utilizó imágenes en blanco y negro de grabados, reproducciones o fotografías para "posar como tema" y luego "improvisó color sobre ellas". La fuente de la imagen para esta obra, realizada en enero de 1890, fue una fotografía del cuadro Primeros pasos de Millet . [35]
Theo había enviado la fotografía de Los primeros pasos de Millet en el momento justo. La esposa de Theo, Jo, estaba embarazada de su hijo, por lo que tenía un significado especial para la familia. Además, Van Gogh todavía estaba entristecido por los recientes episodios de convulsiones que afectaron su claridad mental. En lugar de colores vibrantes, aquí utilizó tonos más suaves de amarillo, verde y azul. La imagen muestra al padre, después de haber dejado sus herramientas, con los brazos extendidos para los primeros pasos de su hijo. La madre guía el movimiento del niño de manera protectora. [36]
Al igual que el cuadro Primeros pasos, el cuadro Noche o Atardecer: La vigilia representa la vida feliz de una familia rural: padre, madre e hijo. Aquí la imagen parece bañada por una luz amarilla como la de la Sagrada Familia . [37] Una lámpara proyecta largas sombras de muchos colores sobre el suelo de la humilde cabaña. La pintura incluye suaves tonos de verde y morado. La obra se basó en un grabado de Millet de su serie Las cuatro horas del día. [38]
El Museo Van Gogh dice lo siguiente sobre la influencia de Millet en Van Gogh: "Las pinturas de Millet, con sus representaciones sin precedentes de campesinos y sus labores, marcan un punto de inflexión en el arte del siglo XIX. Antes de Millet, las figuras de campesinos eran sólo uno de los muchos elementos de las escenas pintorescas o nostálgicas. En la obra de Millet, los hombres y mujeres individuales se volvían heroicos y reales. Millet fue el único artista importante de la Escuela de Barbizon que no estaba interesado en la pintura de paisajes 'pura'". [39]
Theo escribió a Van Gogh: "Las copias de Millet son quizás las mejores cosas que has hecho hasta ahora, y me inducen a creer que el día que empieces a pintar composiciones de figuras, podremos esperar grandes sorpresas". [40]
Después de dejar el sur de Francia, el hermano de Van Gogh, Theo , y el artista Camille Pissarro desarrollaron un plan para que Van Gogh fuera a Auvers-sur-Oise con una carta de presentación para el Dr. Paul Gachet , [41] un médico homeópata y mecenas del arte que vivía en Auvers. [42] Van Gogh tenía una habitación en la posada Auberge Ravoux en Auvers [43] y estaba bajo el cuidado y supervisión del Dr. Gachet con quien llegó a tener una relación cercana, "algo así como otro hermano". [43]
Durante un tiempo, Van Gogh pareció mejorar. Comenzó a pintar a un ritmo tan constante que apenas había espacio en su habitación para todos los cuadros terminados. [15] Desde mayo hasta su muerte el 29 de julio, Van Gogh pintó alrededor de 70 cuadros, más de uno por día, y muchos dibujos...” [44] Van Gogh pintó edificios alrededor de la ciudad de Auvers, como La iglesia de Auvers , retratos y los campos cercanos. [43]
Dos muchachas, también llamada Dos niños , es propiedad del Museo de Orsay , París . [45] Otra versión de Dos niños es parte de una colección privada (F784). [46]
La Pequeña Arlesiana (Cabeza de niña) se encuentra en el Museo Kröller-Müller . [47]
El joven con aciano fue pintado en junio de 1890 en Auvers. [48]
Durante su estancia en Auvers, Van Gogh alquiló una habitación en la posada de Arthur Ravoux, cuya hija de dieciséis años posó para tres cuadros. Van Gogh retrata a Adeline, más que con un parecido fotográfico, con "aspectos apasionados" de la vida contemporánea a través del "gusto moderno por el color". [49] Van Gogh escribió a su hermano: "La semana pasada hice un retrato de una muchacha de unos dieciséis años, vestida de azul sobre un fondo azul, la hija de la gente con la que me estoy quedando. Le he dado este retrato, pero he hecho una variación para ti, un lienzo de tamaño 15". [50]
Sesenta y seis años después, le preguntaron a Adeline Ravoux qué recordaba de Van Gogh. Antes de pintar su retrato, Van Gogh sólo había mantenido conversaciones educadas con Adeline. Un día, sin embargo, le preguntó si estaría contenta de que le hiciera un retrato. Tras obtener el permiso de sus padres, ella se sentó una tarde en la que él terminó el cuadro. Él fumaba continuamente su pipa mientras trabajaba y le agradeció que se quedara muy quieta. Ella estaba muy orgullosa de posar para el cuadro que describió como una "sinfonía en azul". Van Gogh pensó que tenía dieciséis años, pero en ese momento sólo tenía trece. Adeline se sentó una sola vez, pero se pintaron tres cuadros de ella: [50]
Ni ella ni sus padres apreciaron el estilo de Van Gogh y se sintieron decepcionados porque no era fiel a la realidad. [50] Sin embargo, aunque Adeline era una niña en ese momento, las fotografías de ella cuando era una mujer joven mostraban que Van Gogh la pintó como ella llegaría a ser. [1]
Lista de obras de Vincent van Gogh
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