Las notas del álbum The Basement Tapes dan los siguientes créditos personales para todas las canciones del álbum: Bob Dylan - guitarra acústica, piano, voz; Robbie Robertson - guitarra eléctrica, guitarra acústica, batería, voz; Richard Manuel - piano, batería, armónica, voz; Rick Danko - bajo eléctrico, mandolina , voz; Garth Hudson - órgano, clavinet , acordeón , saxofón tenor , piano; Levon Helm - batería, mandolina, bajo eléctrico, voz. [1] En su libro Million Dollar Bash , Sid Griffin analiza cada pista y da conjeturas informadas sobre quién toca qué, basándose en sus conocimientos sobre los estilos de interpretación de los seis músicos en varios instrumentos y sus entrevistas con Robertson y el ingeniero Rob Fraboni. Los créditos de Griffin se enumeran a continuación. [2] Todas las pistas de Bob Dylan and the Band se grabaron en Woodstock , de junio a octubre de 1967. Las pistas de The Band son las indicadas.
Dylan – voz; Robertson – guitarra eléctrica; Hudson – órgano; Danko – bajo, coros; Manuel – batería. Grabación superpuesta en 1975: Hudson o Manuel – piano.
El estribillo de la canción de apertura, «Odds and ends, odds and ends/Lost time is not found again» («Retazos, retazos/El tiempo perdido no se vuelve a encontrar»), funciona como «una especie de comentario editorial sobre Basement Tapes en su totalidad », escribe Andy Gill, enfatizando la «forma fragmentaria y los placeres fugaces» de las canciones. [3] Clinton Heylin sugiere que esta fue una de las últimas canciones de sótano que se grabaron, y que aquí Dylan reconoce que «cuando llegó el momento de soltar estribillos con frases pegadizas mientras se defendían profundidades simuladas en los versos, el proceso casi había seguido su curso. Dylan lo admite al cantar: «Ya he tenido suficiente, mi caja está limpia/Sabes lo que digo y sabes lo que quiero decir»». [4]
Manuel – voz, piano; Danko – bajo. Grabado en Woodstock, 1967. Sobregrabado en 1975: Robertson – guitarra; Hudson – órgano, saxofón; Helm – batería.
Según Griffin, Manuel y Danko grabaron la pista básica en Woodstock en 1967, y las contribuciones del resto de la banda fueron dobladas ocho años después. [5] El crítico Dave Hopkins señala que la versión demo incluida como pista adicional en la reedición de Music from Big Pink de 2000 es la misma interpretación, sin doblajes. [6] Griffin dice que la canción es "encantadora por derecho propio", pero dice que no habría encajado en la Music from Big Pink original porque era demasiado obviamente de su pasado: "un número bluesero de ritmo rápido que los Hawks podrían haber tocado" en la zona rural de Ontario en 1964. [7] Barney Hoskyns describe la canción como una de las primeras grabaciones de la banda que reveló "el alcance impresionante" de su rango musical; elogia "el estilo de R&B de bar desenfrenado " de la interpretación. [8]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
Según el biógrafo de Dylan, Robert Shelton , «Million Dollar Bash» personifica lo que él ve como uno de los temas principales de The Basement Tapes , la alegría. [9] Griffin nombró su detallado libro sobre The Basement Tapes en honor a esta canción, que tiene una instrumentación similar a los éxitos del rockabilly de los años 50. Según Griffin, «al igual que el primer sencillo de Elvis en Sun Records , la falta de un baterista no impide que los reunidos se balanceen en esta tontería como los músicos experimentados que son». [10] Heylin escuchó en esta canción dos referencias a los Coasters : «' Along came Jones ' —un título de canción en sí mismo— y 'emptied the trash' —una referencia a ' Yakety Yak '». [11] Pasarían casi cuarenta años antes de que Dylan interpretara la canción, presentándola a una multitud inicialmente confundida pero alegre durante uno de sus shows en Brixton , Londres, en 2005.
Helm – mandolina, voz; Robertson – guitarra; Hudson – órgano; Danko – bajo; Manuel – batería. Grabado en Woodstock, a finales de 1967. [12]
Según Hoskyns, este es uno de los primeros ejemplos del sonido "áspero y distintivo" de la banda. [8] Su autor, Robertson, ha explicado que se basaba en una calle Yazoo real en un pueblo de Arkansas, el estado natal de Helm: "Pensé: 'Vaya, no tienen calles como esas en Canadá. ¡Allí no hay calles que se llamen Yazoo!'. Fue como decir: 'Dios, déjame inventar una pequeña historia sobre las cosas que pasan en esta especie de distrito de luz roja'. Para mí, todo estaba iluminado en rojo en esa canción". Inicialmente, Robertson grabó la voz principal de la primera versión de esta canción, pero como estaba ambientada en el sur, los Hawks decidieron que Levon Helm sería un cantante más apropiado, [13] empleando lo que Hoskyns describe como su "mejor aullido de paleto salvaje". [8]
Dylan – voz; Robertson – guitarra; Hudson – órgano; Danko – bajo, coros; Manuel – batería, coros.
El lanzamiento de esta canción, que no había aparecido previamente en ninguna demo o bootleg, dejó en claro que existían más temas de sótanos de los que los fans habían creído. [14] "La canción propone un paseo en ese elegante resort mexicano, pero el espíritu pesado está de nuevo en Juárez", escribe Shelton, quien oye la angustia de Blonde on Blonde regresar para acechar los "actos del sótano". [15] Heylin comenta sobre su insinuación sexual desinhibida, "con el narrador libertino habitual, armonías bulliciosas y obscenidades eufemísticas" de lo que él considera las mejores canciones de sótano. [16]
Manuel – piano, voz; Robertson – guitarra; Hudson – órgano; Danko – bajo, coros. Fecha de grabación en disputa. Grabación superpuesta en 1975: Hudson – teclados adicionales; (posiblemente) Helm – batería.
Probablemente uno de los primeros temas escritos por Manuel y Robertson a mediados de 1967, una de "las canciones que prácticamente anunciaron el nacimiento de The Band". [8] Se cree que la canción fue inspirada por la cantante Karen Dalton , una amiga de Dylan. [17] Una mezcla diferente de la misma grabación fue lanzada como pista extra en la reedición de Music from Big Pink de 2000. [6] [18] Griffin cree que esto fue grabado en Woodstock, con baterías sobregrabadas en 1975. Hoskyns afirma que fue "casi con certeza" grabado en el Studio E de CBS en Nueva York en septiembre de 1967, con un baterista presente, posiblemente Gary Chester . [19]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
Para Heylin, esta es otra "canción que da prioridad al juego de palabras sobre el sentido". [20] Griffin señala que se mantiene unida por "una de las frases clave de los profetas del Antiguo Testamento en la Biblia King James : ¡He aquí!" [21] "Toda la canción se lee como un cuento chino contado por un borracho de bar que se enorgullece de sí mismo", escribe Gill. "Las armonías del coro entusiastas, que prefiguran las famosas armonías del coro que se convertirían en uno de los sellos distintivos de la música de la Banda, se unen como compañeros de bebida que lo saludan con vasos espumosos, instando al narrador a vuelos de fantasía cada vez más ridículos, que se elevan al final para no dejarle otro lugar al que ir que adentrarse más en la fantasía, la verdadera fuente de la identidad estadounidense". [22] "Lo and Behold" fue adoptado como título de un álbum de canciones inéditas de Dylan (incluidas media docena de canciones de sótano) grabadas por el grupo británico Coulson, Dean, McGuinness, Flint en 1972.
Danko – voz, bajo; Robertson – voz, guitarra; Manuel – piano; Hudson – órgano; Helm – batería, coros. Fecha de grabación en disputa.
Rob Bowman declaró en 2005 que esta pista fue "probablemente" grabada en un "estudio desconocido" a finales de 1968. [23] Pero en las notas de la reedición de 2000 del cuarto álbum de la banda, Cahoots , está escrito que "Robbie [Robertson] está seguro de que 'Bessie Smith' fue grabada en algún momento entre su segundo álbum de 1969 y Stage Fright ", el tercer álbum del grupo, publicado al año siguiente. [24] Basándose en el testimonio del ingeniero Rob Fraboni, Griffin afirma que "Bessie Smith" fue grabada por la banda en 1975 en su estudio Shangri-La en Los Ángeles, mientras The Basement Tapes se preparaba para su lanzamiento oficial. La llama "la selección más inverosímil incluida en el lanzamiento oficial de Basement Tapes , incluso para los amplios estándares de Robertson". [24] En 1970 se publicó una versión de la canción bajo el título "Going Down To See Bessie" en el álbum debut homónimo de Happy And Artie Traum. [25] [26] La reacción crítica a la canción está dividida: Thomas Ward de Allmusic la describió como "posiblemente una de las canciones más ligeras y rutinarias de todas las 'cintas de sótano ' ", [27] y señaló que carecía de muchas de las cualidades clave de Dylan y el otro trabajo de The Band en el álbum. El crítico de rock Greil Marcus , por otro lado, describe la canción como una "idea encantadora", "la queja de uno de los amantes de Bessie". [28] Hoskyns, destacando la forma de tocar el teclado de Hudson, escribe que la canción es "transformada por Garth en algo tan mágicamente evocador como una vieja película muda". [8]
Dylan – voz; Robertson – guitarra; Hudson – teclados; Danko – bajo; Manuel – batería.
En la copia de seguridad de las Basement Tapes, esta canción estaba etiquetada como "Answer to Ode". Heylin la interpreta como una parodia de " Ode to Billie Joe ", que fue un sencillo de éxito de Bobbie Gentry a mediados de 1967 cuando se estaban grabando las canciones del sótano. La llama "una deconstrucción tan inexpresiva" del éxito de Gentry como la canción de Blonde on Blonde " 4th Time Around " lo fue de " Norwegian Wood " de The Beatles . (Agrega que, en su opinión, Dylan generalmente parodiaba las canciones que le gustaban). Para Heylin, ilustra el sentimiento de Dylan de que las canciones folk transmitían "la historia underground". Un evento con implicaciones potencialmente conmovedoras para el mundo ("¡El vicepresidente se ha vuelto loco!") es tratado de una manera distante y estoica por la comunidad: "No hay nada que podamos hacer al respecto". La narrativa acumula detalles tanto banales como surrealistas, pero "Dylan presenta la 'saga' de la manera más lacónica imaginable". [29]
Dylan – voz, piano; Hudson – órgano; Manuel – pandereta , coros; Danko – bajo, coros; Robertson – batería.
El crítico Greil Marcus identifica la melodía como la de la antigua cancioncilla infantil " Froggy Went A-Courtin' " y cita la descripción de Danko de la grabación: "Todo parecía natural, no ensayamos. Una o dos tomas desde la concepción, en el papel, hasta el final. Todos sabíamos que nunca sucedería dos veces". [30] Al describirla como una canción sin sentido de buen humor que realmente tiene swing , Griffin sugiere que fue una de las últimas composiciones de sótano que se grabaron antes de que Helm llegara a Woodstock y Dylan partiera hacia Nashville. [31]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
Heylin describe esta canción como una canción hilarantemente obscena en la que la cantante anhela un alivio tanto sexual ("Mire, señora Henry/Hay tanto que puedo hacer/¿Por qué no mira hacia mí y me saca un poco de leche?") como escatológico ("Ahora estoy empezando a drenar/Mi taburete va a chirriar/Si camino demasiado lejos/Mi grúa va a tener fugas"). [32] Marcus la describe como "una explicación detallada, dirigida a una casera o a una madama de lo que significa estar demasiado borracho para moverse, si no para quejarse". [33]
Dylan – voz, guitarra; Robertson – guitarra eléctrica; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
"Tears of Rage" es una de las canciones más aclamadas de The Basement Tapes . Gill la compara con el soliloquio del Rey Lear en el páramo devastado en la tragedia de Shakespeare: "Atormentado por la amargura y el arrepentimiento, su narrador reflexiona sobre promesas rotas y verdades ignoradas, sobre cómo la avaricia ha envenenado el pozo de las mejores intenciones y cómo incluso las hijas pueden negar los deseos de su padre". Sugiere que Dylan está vinculando la angustia del soliloquio de Lear con las divisiones en la sociedad estadounidense evidentes en 1967, cuando la guerra de Vietnam se intensificó: "En su interpretación más estrecha y contemporánea, la canción podría ser la primera en registrar el dolor de la traición que sintieron muchos de los veteranos de la guerra de Vietnam de Estados Unidos ... En una interpretación más amplia, [se remonta a] lo que los manifestantes contra la guerra y los críticos del materialismo estadounidense en general sintieron que era una traición más fundamental a la Declaración de Independencia de Estados Unidos y la Carta de Derechos ". [34] Según Griffin, esta canción está impregnada de un fuerte tema bíblico, ya que señala que "la vida es breve" es un mensaje recurrente en los libros del Antiguo Testamento , Salmos e Isaías . Como padre, Dylan se da cuenta ahora de que "ningún corazón roto duele más que el corazón roto de un padre angustiado". Griffin afirma que los cuatro minutos de esta canción son "tan representativos de la comunidad, de las verdades eternas y de los lazos inquebrantables de la familia como cualquier otra cosa en el canon de The Band, o en el canon de cualquier otra persona". [35]
Marcus sugiere que el "famoso comienzo" —"Te llevamos/en nuestros brazos/el Día de la Independencia"— evoca una ceremonia de nombramiento no sólo para un niño sino también para una nación entera. Escribe que "en la forma de cantar de Dylan —un dolor que surge de lo más profundo del pecho, una voz cargada de preocupación en la primera grabación de la canción— la canción es desde el principio un sermón y una elegía, un Kaddish ". [36]
Dylan – voz, guitarra; Robertson – guitarra eléctrica; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros. Grabación superpuesta en 1975: Hudson – teclados adicionales; Helm – (posiblemente) batería, coros.
Uno de los temas más inquietantes de The Basement Tapes es la aprehensión del vacío. [1] [15] Shelton percibe en esta canción un eco de la declaración escueta que Lear le hace a su hija Cordelia: "Nada saldrá de la nada" (acto I, escena 1). [15] Marcus afirma que esta fue una de las canciones grabadas al final del "verano en el sótano" en agosto o septiembre de 1967. Escribe que estas canciones "están tomadas lentamente, con voces que lloran. La voz de Dylan es alta y se dobla constantemente, llevada hacia adelante no por el ritmo o la melodía sino por el descubrimiento del verdadero terreno de las canciones a medida que se cantan. Las voces de Richard Manuel y Rick Danko son aún más altas, más expuestas". [37]
En noviembre de 1967, esta canción era un éxito Top 40 para Peter, Paul and Mary . En el original de Dylan, el estribillo se dirige a dos mujeres: "Saluda a Valerie/Saluda a Vivian/Envíales todo mi salario/En las aguas del olvido", pero Peter, Paul and Mary cambiaron el segundo nombre a "Marion", lo que desagradó a Dylan. Según Paul Stookey , del trío , Dylan se desilusionó con el grupo: "Nos convertimos en otros piratas informáticos que hacían sus melodías". [38] Patrick Humphries señala que, ya sea por accidente o por diseño, las dos mujeres nombradas originalmente comparten los nombres de las dos esposas del importante poeta del siglo XX TS Eliot . [39] [a 1]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
El significado de la letra de esta canción es insondable. En la descripción de Gill, las líneas parecen estar formadas por frases improvisadas que muestran "un instinto por lo enigmático que evita que la canción sea olvidable". [40] Marcus la llama "la interpretación definitiva en un sótano: un pequeño descarte irreductible que no podría haber surgido de ningún otro lugar". [41] La parte de armonía grave del estribillo está a cargo de Manuel. [42]
Helm – bajo, voz; Robertson – guitarra, voz; Hudson – acordeón; Danko – mandolina, voz; Manuel – batería, voz. Fecha de grabación en disputa.
Esta es una canción tradicional de trabajo en prisión del Sur que Helm aprendió de su padre mientras crecía en Arkansas. [24] Había sido grabada por varios artistas, incluido Lead Belly . Bowman afirma que esta pista fue grabada entre fines de 1967 y principios de 1968 en un "estudio desconocido". [23] Fraboni recordó haberla grabado con The Band años después en su estudio Shangri-La en Los Ángeles. "Recuerdo haberla grabado cuando hicimos 'Bessie Smith' en 1975. Ambas son canciones geniales y suenan geniales", le dijo a Griffin. Helm canta el primer verso; Robertson, el segundo; Danko, el tercero; y Manuel, el cuarto. Los cuatro cantan armonía en el estribillo. [43] Ward llama a la canción "una de las alegrías de toda la colección". [44]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano; Danko – bajo.
En 1927, después de que las inundaciones del Mississippi dejaran a medio millón de personas sin hogar, Memphis Minnie y Kansas Joe grabaron "When the Levee Breaks"; cantaron: "Oh, llorar no te ayudará, rezar no hará ningún bien/Cuando el dique se rompa, mamá, tienes que moverte". Un crítico de 1975 escribió que "la canción de Dylan repetía estas imágenes, pero... añadía la noción bíblica de que el diluvio era una retribución por algún pecado pasado: 'Ahora es azúcar por azúcar y sal por sal/Si te hundes en el diluvio será tu culpa'". [45] Estas líneas son una adaptación de "James Alley Blues" de Richard "Rabbit" Brown , una canción que Dylan habría escuchado en la Antología de música folclórica estadounidense de Harry Smith . [40]
Manuel – voz, piano; Robertson – guitarra; Hudson – órgano; Danko – bajo, coros; Helm – batería. Fecha de grabación en disputa.
The Band grabó al menos cuatro versiones de la canción: en dos sesiones diferentes de Woodstock, así como en las sesiones de estudio de 1967 y 1968. [46] Fraboni ha identificado la versión del álbum como una toma descartada de las sesiones de Music from Big Pink de 1968 , [46] pero las notas de Bowman para A Musical History la fechan como una grabación de Woodstock de septiembre-noviembre de 1967. [23] Griffin dice que la canción es "tan encantadora sin esfuerzo como 'Katie's Been Gone' y 'Ferdinand The Impostor', dos tomas descartadas más de la misma época". [46]
Dylan – voz, guitarra; Robertson – guitarra eléctrica, coros; Hudson – órgano; Manuel – coros; Danko – bajo, coros.
Según Heylin, esta canción es quizás la primera de las composiciones originales que Dylan and the Band grabaron en Big Pink, tras haber calentado con una amplia gama de material tradicional. La llama " el prototipo de una serie de canciones destacadas en un estilo nuevo" que emplea letras desinhibidas y sin sentido: "Rasca a tu padre/Haz ese pájaro/Chúpate ese cerdo/Y tráelo a casa". Sugiere que "este tipo de juego de palabras habría hecho que Edward Lear buscara sales aromáticas", ya que se abandona toda pretensión de sentido. [47]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros; Robertson – batería. Grabación en 1975: Robertson – guitarra eléctrica.
Una primera versión de esta canción, inédita hasta The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete de 2014 , presenta una serie de letras sin sentido, unidas por el estribillo: "Ahora mira aquí querida sopa, lo mejor es que alimentes a los gatos/Los gatos necesitan alimentación y tú eres quien debe hacerlo/Coge tu sombrero, alimenta a los gatos/No irás a ninguna parte". [48] Para Heylin, esta primera versión demuestra el talento de Dylan para entregar "cadenas de perlas envueltas en acertijos... Dylan tenía una melodía, la última línea de cada verso (es decir, el título) y el estribillo".
La versión de Basement Tapes , la segunda toma, desarrolla los versos hasta convertirlos en algo más cercano a una narrativa. [49] Gill sostiene que el primer verso posee una "cohesión rural austera" a través de sus "vívidos detalles meteorológicos" (barandillas congeladas, lluvia y nubes), pero los versos siguientes se vuelven cada vez más fantásticos y terminan con un non-sequitur sobre Genghis Khan proporcionando sueño a sus reyes. [50]
La versión de los Byrds, lanzada como sencillo el 2 de abril de 1968, alcanzó el puesto número 74 en el Billboard Hot 100. [ 51] La transformaron en un clásico del entonces floreciente género del country rock , mientras que en la versión base el sabor de la música country es más bien un trasfondo, sugerido por "la melodía cadenciosa del coro". [50] Roger McGuinn sintió que la canción era perfecta para los Byrds: "Era country y tenía esa mística de Dylan donde realmente no podías entender de qué estaba hablando, pero la letra te atraía de todos modos... Siempre pensé que se trataba de cuando Bob estaba postrado en Woodstock después del accidente de bicicleta y seguro que no iba a ir a ninguna parte". [52]
Helm – mandolina, voz; Robertson – guitarra; Hudson – piano; Danko – bajo, coros; Manuel – batería. Fecha de grabación en disputa.
Esta canción fue escrita por Dylan, y hay una grabación de 1967 con The Band en la que canta la canción principal. [53] La versión cantada por Dylan aparece en The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete .
Según Bowman, la versión exclusiva de The Basement Tapes, publicada entre finales de 1967 y principios de 1968, se grabó en un "estudio desconocido". [23] Sin embargo, Griffin informa que Fraboni la identificó como grabada en 1975. Griffin caracteriza esta versión como musicalmente superior a la interpretación "borracha como un idiota" con Dylan. [54]
Dylan – voz, guitarra; Robertson – guitarra eléctrica; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
Para Marcus, la "fresca voz vaquera" de Dylan ayudó a convertirla en la "mejor versión de ' Blueberry Hill ' de Fats Domino que nadie haya escuchado jamás". [55] Y Roger McGuinn escuchó una historia detrás de esta canción: "'Nothing Was Delivered' sonaba como un negocio de drogas que salió mal. Tenía un tono ligeramente oscuro u ominoso". [52] McGuinn también comparó la canción con Fats Domino y "Blueberry Hill". [56] Los Byrds la grabaron para Sweetheart of the Rodeo . Y para Shelton, fue un recordatorio más de que la camaradería borracha de The Basement Tapes se ve constantemente subvertida por una dolorosa sensación de nada y una búsqueda de salvación. [57]
Dylan – voz, guitarra; Robertson – guitarra eléctrica; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros.
El estribillo de esta canción está sacado de un éxito número uno de 1947 de Count Basie , «Open the Door, Richard», que es lo que Dylan canta en realidad en su coro. Esa canción estaba basada en un sketch de vodevil de 1919 del cómico de Harlem John Mason, por lo que, como dice Griffin, «esta es una canción sin sentido basada en una canción sin sentido». [58] Según Heylin, Homer era «aparentemente» un apodo para el fallecido novelista y músico Richard Fariña , un amigo de Dylan. Fariña murió en un accidente de motocicleta el 30 de abril de 1966, cuando regresaba a casa de una fiesta de lanzamiento de su novela debut, Been Down So Long It Looks Like Up to Me , por lo que la canción puede ser un homenaje a un amigo fallecido. [59] Danko pensó que Dylan cambió el título de Richard a Homer porque Richard ya estaba allí, en la forma de Richard Manuel. [60]
"La canción avanza alegremente", escribe Gill, "ofreciendo oscuros consejos desconcertantes, algunos de sentido común, otros con el poder críptico de los remedios populares: valora tus recuerdos adecuadamente, no volverán; tira de la cadena de tu casa si no quieres que se convierta en un desastre; nada de cierta manera si quieres vivir de la grasa de la tierra; y perdona a los enfermos antes de intentar curarlos. Los sensatos prestan una especie de crédito falso a los menos sensatos". [61] En la descripción de Shelton, "A pesar de su fuente de luz, la agonía modera la alegría, contrastando no solo con los conflictos de Dylan sino también con su capacidad de crecer a pesar de albergar ideas e impulsos opuestos en su mente". [15]
Manuel – voz, armónica; Robertson – guitarra; John Simon – piano; Hudson – órgano; Danko – bajo; Helm – batería. Grabado en Los Ángeles, el 28 de febrero de 1968. [62]
Esta canción fue escrita por Dylan, y la había interpretado ya el 4 de diciembre de 1965, en un concierto en Berkeley, California , poco después de que los Hawks comenzaran a respaldarlo en su gira de rock and roll. Dylan and the Band interpretó este número en Woodstock en 1967, aunque la versión de Basement Tapes es una toma descartada de las sesiones de Music from Big Pink de 1968. [13] [62] Gill lo llama "la mitad de una idea desarrollada en un riff" que es una extensión funky blues de la clásica canción de Chuck Berry " Memphis, Tennessee ". [61] La versión publicada ha tenido un verso cortado; una versión más larga de la misma toma aparece como una pista adicional en la reedición de 2000 de Music from Big Pink . [6]
Dylan – voz, guitarra; Hudson – órgano; Manuel – piano, coros; Danko – bajo, coros; Robertson – batería. Grabación superpuesta en 1975: Robertson – guitarra acústica.
"This Wheel's On Fire" cierra el álbum "en un momento de misterio siniestro", según Gill, quien sugiere que lleva el disco de vuelta al accidente de motocicleta que creó las circunstancias para The Basement Tapes : "Es virtualmente imposible no ver la rueda bloqueada de la Triumph 500 de Dylan en el título, la misma rueda sobre la que su propia y acelerada búsqueda del desastre se llevó a cabo tan rápidamente, y luego se detuvo tan abruptamente. Los versos rebosan de asuntos pendientes, anclados por la certeza de que 'nos volveremos a encontrar'". [61]
Tanto Gill como Shelton sugieren que la letra de Dylan vuelve a inspirarse en El rey Lear de Shakespeare, haciéndose eco de las atormentadas palabras de Lear a su hija: «Tú eres un alma en felicidad; pero yo estoy atada/sobre una rueda de fuego, que mis propias lágrimas/escaldan como plomo fundido» (acto IV, escena 7). [15] [61] Shelton describe cómo la canción se construye firmemente a través de una serie de picos de tensión y liberación, y conecta la imagen central con la visión del profeta Ezequiel de un carro que se relata en el espiritual negro « Ezequiel vio la rueda ». [63]