Bruce Conner (18 de noviembre de 1933 - 7 de julio de 2008) fue un artista estadounidense que trabajó con ensamblajes , películas , dibujos , esculturas , pinturas , collages y fotografías . [1] [2]
Bruce Conner nació el 18 de noviembre de 1933 en McPherson , Kansas . [3] [4] Su familia acomodada de clase media se mudó a Wichita , cuando Conner tenía cuatro años. [5] Asistió a la escuela secundaria en Wichita, Kansas. [3] Conner estudió en la Universidad de Wichita (ahora Universidad Estatal de Wichita ) y más tarde en la Universidad de Nebraska , donde se graduó en 1956 con una licenciatura en Bellas Artes . [4] Durante este tiempo como estudiante visitó la ciudad de Nueva York. [3] Conner trabajó en una variedad de medios desde una edad temprana.
En 1955, Conner estudió durante seis meses en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn con una beca. [3] Su primera exposición individual en una galería de la ciudad de Nueva York tuvo lugar en 1956 y contó con pinturas. [4] En 1957, Bruce Conner abandonó el programa de Maestría en Bellas Artes (MFA) en la Universidad de Colorado en Boulder, Colorado y se mudó a San Francisco. [6] Sus primeras exposiciones individuales en San Francisco, en 1958 y 1959, presentaron pinturas, dibujos, grabados, collages, ensamblajes y esculturas. [7] La Galería del Diseñador en San Francisco acogió la tercera exposición individual de Bruce. La galería presentó paneles negros que resaltaban sus dibujos. Una de sus pinturas, Venus , se exhibió en la ventana de la galería. La pintura mostraba un desnudo dentro de una forma que representaba una concha de almeja. Un policía local se enfrentó a los dueños de la galería para que la quitaran, "ya que los niños del vecindario podrían ver la pintura". La Unión Estadounidense por las Libertades Civiles respaldó el derecho de la galería a exhibirla, y el asunto nunca se convirtió en un problema.
Conner atrajo por primera vez la atención del público con sus melancólicos ensamblajes envueltos en nailon , complejas amalgamas de objetos encontrados, como medias de mujer, ruedas de bicicleta, muñecas rotas, pieles, flecos, bisutería y velas, a menudo combinados con superficies pintadas o en collage. Estas obras, cargadas de erotismo y teñidas con ecos tanto de la tradición surrealista como del pasado victoriano de San Francisco , establecieron a Conner como una figura destacada dentro del "movimiento" internacional del ensamblaje. En general, estas obras no tienen significados precisos, pero algunas de ellas sugieren lo que Conner vio como la belleza descartada de la América moderna, el impacto deformante de la sociedad en el individuo, la violencia contra las mujeres y el consumismo . El comentario social y la disensión siguieron siendo un tema común entre sus obras posteriores.
Conner también comenzó a hacer cortometrajes a fines de la década de 1950. Titulaba explícitamente sus películas con letras mayúsculas. La primera y posiblemente más famosa película de Conner se tituló A Movie (1958). [8] A Movie era una "película de pobreza", ya que en lugar de filmar su propio metraje, Conner usó recopilaciones de noticieros antiguos y otras películas antiguas. [9] Reeditó hábilmente ese metraje, colocó las imágenes en una grabación de Pines of Rome de Ottorino Respighi y creó una película entretenida y sugerente de 12 minutos que, si bien no es narrativa, tiene cosas que decir sobre la experiencia de ver una película y la condición humana. En 1994, A Movie fue seleccionada para su preservación por el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso . Posteriormente, Conner realizó casi dos docenas de películas experimentales en su mayoría no narrativas .
En 1959, Conner fundó lo que llamó Rat Bastard Protective Association. [10] [11] Sus miembros incluían a Jay DeFeo , Michael McClure (con quien Conner asistió a la escuela en Wichita), Manuel Neri , Joan Brown , Wally Hedrick , Wallace Berman , Jess Collins , Carlos Villa y George Herms . [12] Conner acuñó el nombre como un juego de palabras con 'Scavengers Protective Society'. [13] [14] Una exposición de 1959 en la Spatsa Gallery de San Francisco implicó una exploración temprana de Conner en la noción de identidad artística. Para publicitar la muestra, la galería imprimió y distribuyó un anuncio de la exposición en forma de una pequeña tarjeta impresa con bordes negros (a la manera de un anuncio de muerte) con el texto "Obras del difunto Bruce Conner".
Una obra de Conner titulada Child (Niño) , una pequeña figura humana esculpida en cera negra, con la boca abierta como si sintiera dolor y parcialmente envuelta en medias de nailon, sentada en una pequeña y vieja silla alta de madera para niños, y parcialmente atada por las medias a ella, literalmente fue noticia cuando se exhibió en el Museo De Young de San Francisco en diciembre de 1959 y enero de 1960. [15] La obra , que era una meditación o quizás un comentario sobre la ejecución de Caryl Chessman , que estaba pendiente en ese momento, horrorizó a muchos. "No es un asesinato, es arte", tituló el San Francisco Chronicle ; su competidor, el News-Call Bulletin, tituló su artículo "El 'Niño' desaprobado". La escultura fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1970, pero se deterioró mucho en los años posteriores, de modo que el museo la mantuvo almacenada durante largos períodos y Conner a veces pidió que no se exhibiera o sugirió que ya no existía. Entre 2015 y 2016 se realizó otro intento de restaurar la obra, que implicó esfuerzos de meses por parte de dos conservadores. [16] La obra fue restaurada con éxito y exhibida en It's All True , una exposición retrospectiva que se inauguró en el Museo de Arte Moderno en julio de 2016.
Una exposición de ensamblajes y collages en la ciudad de Nueva York a finales de 1960 obtuvo una atención favorable en The New York Times , The New Yorker , Art News y otras publicaciones nacionales. Más tarde ese año, Conner tuvo la primera exposición en la Batman Gallery, en San Francisco; Ernest Burden, propietario y diseñador de la Designer's Gallery en San Francisco, ayudó a Conner y a los propietarios de Batman e hizo que toda la galería se pintara de negro, similar a la última muestra en la Designer's Gallery para exhibir el trabajo de Bruce, y la muestra recibió críticas muy favorables a nivel local. Otra exposición en Nueva York en 1961 recibió nuevamente críticas positivas.
En 1961, Conner completó su segunda película, Cosmic Ray , un collage en blanco y negro de 4 minutos y 43 segundos de edición rápida de metraje encontrado y película que Conner había filmado él mismo, con una banda sonora de " What'd I Say " de Ray Charles . La película se estrenó en 1962; la mayoría sugiere que la película trata sobre sexo y guerra.
Conner y su esposa, la artista Jean Conner , se mudaron a México alrededor de 1962 , a pesar de la creciente popularidad de su trabajo. Los dos, junto con su hijo recién nacido, Robert, regresaron a los EE. UU. y vivían en Massachusetts en 1963, cuando John F. Kennedy fue asesinado. Conner filmó la cobertura televisiva del evento y editó y reeditó el metraje con material de archivo en otra meditación sobre la violencia que tituló Report . La película se emitió varias veces a medida que se reeditaba.
En 1964, Conner realizó una exposición en la Batman Gallery de San Francisco que duró solo tres días, y Conner nunca abandonó la galería. La muestra se anunció solo a través de un pequeño aviso en los anuncios clasificados del Los Angeles Times . Parte de la exposición está documentada en la película de Conner, Vivian . Hacia fines de 1964, la Robert Fraser Gallery de Londres albergó una muestra de la obra de Conner, que el artista documentó en una película llamada London One Man Show . [17] También ese año, Conner decidió que ya no haría ensamblajes, a pesar de que precisamente ese tipo de trabajo era el que le había traído más atención.
Según el amigo y compañero cineasta de Conner, Stan Brakhage , en su libro Film at Wit's End , a principios de los años 60 Conner firmó un contrato con una galería de Nueva York que estipulaba una moderación estilística y personal más allá de su naturaleza despreocupada. Es poco probable que Conner firmara alguna vez un documento tan restrictivo. A esto le siguieron muchas parodias de la autoría artística, incluido un artículo de cinco páginas que Conner había publicado en una importante publicación de arte en el que se informaba paso a paso y con gran detalle de cómo Conner había preparado un sándwich de mantequilla de maní , plátano, tocino, lechuga y queso suizo, con numerosas fotografías, como si fuera una obra de arte. Justo antes de mudarse a México en 1961, repintó un letrero desgastado en la superficie de una carretera para que dijera "Amor".
Conner produjo obras en una variedad de formas desde la década de 1960 en adelante. Fue una fuerza activa en la contracultura de San Francisco de mediados de la década de 1960 como colaborador en espectáculos de luz líquida en la legendaria Family Dog Productions en el Avalon Ballroom . También hizo, utilizando los nuevos rotuladores de punta de fieltro en ese momento, intrincados dibujos en blanco y negro similares a mandalas , muchos de los cuales posteriormente (a principios de la década de 1970) litografió en impresiones. Uno de los dibujos de Conner se utilizó (en variaciones de colores llamativos) en la portada de la edición de agosto de 1967 (# 9) del San Francisco Oracle . [18] También hizo collages hechos a partir de imágenes de grabados del siglo XIX, que exhibió por primera vez como The Dennis Hopper One Man Show.
También hizo una serie de cortometrajes a mediados de la década de 1960, además de Report y Vivian . Estos incluyen Ten Second Film (1965), un anuncio para el Festival de Cine de Nueva York que fue rechazado por ser "demasiado rápido"; Breakaway (1966), con música cantada y bailada por Toni Basil ; The White Rose (1967), que documenta el retiro de la obra maestra de su colega artista Jay DeFeo de su apartamento de San Francisco, con Sketches of Spain de Miles Davis como banda sonora; y Looking for Mushrooms (1967), un viaje salvaje en color de tres minutos con " Tomorrow Never Knows " de los Beatles como banda sonora. (En 1996 creó una versión más larga de la película, poniéndole música de Terry Riley ). [19] En 1966, Dennis Hopper invitó a Conner al rodaje de Cool Hand Luke ; el artista filmó el procedimiento en 85 mm, revisando este metraje en 2004 para crear su película Luke . [20]
Durante la década de 1970, Conner se centró en el dibujo y la fotografía, incluidas muchas fotos de la escena punk rock de la Costa Oeste de finales de la década de 1970. Una película de 1978 utilizó "Mongoloid" de Devo como banda sonora. [21] En la década de 1970, Conner también creó junto con el fotógrafo Edmund Shea una serie de fotogramas de tamaño natural llamados Ángeles . Conner posaba frente a grandes trozos de papel fotográfico, que después de ser expuestos a la luz y luego revelados producían imágenes del cuerpo de Conner en blanco contra un fondo oscuro. Throne Angel , en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo con el artista agachado en un taburete. Conner también comenzó a dibujar manchas de tinta elaboradamente dobladas .
En las décadas de 1980 y 1990, Conner continuó trabajando en collages, incluidos algunos que usaban imágenes religiosas y dibujos con manchas de tinta que se han mostrado en numerosas exposiciones, incluida la Bienal Whitney de 1997. A lo largo de todo el trabajo de Conner, la recurrencia de las imágenes y la simbología religiosas continúa subrayando la naturaleza esencialmente visionaria de su trabajo. [22] ' Que el corazón del leñador de hojalata esté contigo' de 1981, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo de los collages del artista que son a la vez místicos y simbólicos. Es un collage de grabado, con pegamento, plástico derretido y madera carbonizada.
En 1999, para acompañar una exposición itinerante, el Walker Art Center publicó una importante monografía de su obra titulada 2000 BC: The Bruce Conner Story, Part II . La exposición, que incluía salas de proyección especialmente construidas en la galería para las películas de Conner, así como ensamblajes seleccionados, dibujos con rotulador y manchas de tinta, collages de grabados, fotogramas y piezas conceptuales, se pudo ver en el Walker, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, el de Young en San Francisco y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.
Conner anunció su retiro en el momento de la exposición "2000 BC", pero de hecho continuó haciendo arte hasta poco antes de su muerte. Sin embargo, gran parte de este trabajo, incluidos en particular los muchos dibujos con manchas de tinta que hizo, incluida una serie en respuesta al 11 de septiembre, se presentaron utilizando seudónimos o el nombre "Anonymous". [23] Conner también hizo collages de grabados antiguos y completó (dependiendo de cómo se cuenten) tres o cuatro películas experimentales. También utilizó programas de gráficos basados en computadora para traducir collages de grabados antiguos en tapices tejidos de gran tamaño, y también hizo impresiones en papel de esa manera. También completó varios otros proyectos artísticos, incluido en el año de su muerte un gran ensamblaje titulado King . [24] Conner también a fines de 2007 dirigió y aprobó una instalación al aire libre de una gran pintura, lo que resultó en lo que un observador sugirió que es un trabajo final en progreso. [25]
Su innovadora técnica de montaje de tomas a partir de material prestado o encontrado preexistente se puede ver en su primera película, A Movie (1958). Sus películas posteriores son, en su mayoría, collages de ritmo rápido de material encontrado o de material filmado por Conner; sin embargo, hizo numerosas películas, incluida Crossroads , su meditación de más de 30 minutos sobre la bomba atómica, que son casi dolorosamente deliberadas en su ritmo. [26]
Conner fue uno de los primeros en utilizar música pop para bandas sonoras de películas. Sus películas se consideran ahora precursoras del género de los vídeos musicales . [27] Han inspirado a otros cineastas, como el amigo de Conner , Dennis Hopper , que dijo: «Las películas de Bruce cambiaron por completo mi concepto de edición. De hecho, gran parte de la edición de Easy Rider surgió directamente de ver las películas de Bruce». [28]
Las obras de Conner suelen ser metamedia por naturaleza, y ofrecen comentarios y críticas sobre los medios de comunicación (especialmente la televisión y sus anuncios) y su efecto en la cultura y la sociedad estadounidenses. Su película Report (1967), que presenta imágenes repetitivas del asesinato de Kennedy acompañadas de una banda sonora de emisiones de radio sobre el evento e imágenes consumistas y de otro tipo (incluida la imagen final de la película de un primer plano de un botón de " Vender "), puede ser la película de Conner con el impacto más visceral. Bruce Jenkins escribió que Report "captura perfectamente la ira de Conner por la comercialización de la muerte de Kennedy" al tiempo que examina la construcción mítica de JFK y Jackie por parte de los medios: un hambre de imágenes que "garantizaban que se transformarían en ídolos, mitos, dioses". [29]
Las colaboraciones de Conner con músicos incluyen a Devo ( Mongoloid ), Terry Riley ( Looking for Mushrooms (versión larga) y Easter Morning ), Patrick Gleeson y Terry Riley ( Crossroads ), Brian Eno y David Byrne ( America is Waiting , Mea Culpa ) y tres películas más con Gleeson ( Take the 5:10 to Dreamland , Television Assassination y Luke ). Su película de la bailarina y coreógrafa Toni Basil , Breakaway (1966), presentó una canción grabada por Basil. [30] [31]
Conner también continuó trabajando en impresiones y tapices editados durante los últimos 10 años de su vida. Estas obras a menudo utilizaban tecnología digital para revisitar imágenes y temas anteriores; por ejemplo, sus ediciones de tapices Jacquard , creadas en colaboración con Donald Farnsworth de Magnolia Editions en Oakland, California , fueron traducidas a partir de escaneos manipulados digitalmente de collages de papel a pequeña escala, hechos en la década de 1990 a partir de ilustraciones grabadas de historias bíblicas. [32] [33]
Conner, quien había anunciado dos veces su propia muerte como un evento de arte conceptual o una broma, murió el 7 de julio de 2008 y le sobrevivieron su esposa, la artista estadounidense Jean Sandstedt Conner , y su hijo, Robert. [34]
Los documentos de Bruce Conner se conservan en la Biblioteca Bancroft de la Universidad de California, Berkeley . [35] La película de Conner, Crossroads, fue preservada por el Archivo de Cine de la Academia , en conjunto con el Archivo de Cine del Pacífico , en 1995. [36]
En julio de 2016, It's All True , una retrospectiva de la carrera de Conner coorganizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo de Arte Moderno de Nueva York , se inauguró en esta última institución. Roberta Smith, del New York Times, calificó la exposición como una "extravagancia" y "un homenaje masivo, con unas 250 obras en casi 10 medios". Smith describió a Conner como un "inconformista polimático" que fue "uno de los grandes casos atípicos del arte estadounidense" y "evolucionó sin miedo hasta convertirse en uno de los primeros artistas completamente multidisciplinarios de Estados Unidos". [3] El poeta y crítico John Yau, escribiendo en Hyperallergic , sugirió que Conner "poseía el tercer ojo o ojo interior, lo que significa que era capaz de visión microscópica y macroscópica, de ahondar en lo visceral mientras alcanzaba un estado de iluminación". [37] J. Hoberman , en la New York Review of Books , se centró en las películas de Conner, incluida Crossroads (1976), recopilada a partir de imágenes previamente clasificadas del gobierno de la prueba de la bomba atómica del atolón de Bikini en 1946 , que se muestra en su propia sala en la exposición. Esa película, escribió Hoberman, "parece un ejemplo ejemplar -y raro- de arte religioso del siglo XX" para el cual "[l]a palabra 'impresionante' apenas comunica la sensación acumulativa de asombro y pavor" que se experimenta al verla. [38]
It's All True se inauguró en el Museo de Arte Moderno de San Francisco el 29 de octubre de 2016, con unas 85 obras que se sumaron a las que se vieron en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El crítico del San Francisco Chronicle, Charles Demarais, observó que había "algo así como 18 galerías discretas" en la muestra y "que prácticamente cada sala parece contener al menos una obra maestra". [39] También la llamó "la mejor exposición de museo de arte de 2016, que desentraña brillantemente las personalidades complejas y conflictivas del artista más importante del Área de la Bahía". [40] El crítico Kenneth Baker concluyó que las "cualidades apocalípticas y psicodélicas" de la obra de Conner "juegan bien contra la vulgaridad estridente, la desesperación social y la crueldad económica de los asuntos domésticos y mundiales actuales. Le da a la muestra una actualidad asombrosa". [41] La artista Julia Couzens escribió que se trataba de una "exposición asombrosa" en la que "el espectador se adentra en un mundo inquisitivo y visionario de mascaradas, deseos oscuros, ingenio mordaz y trascendencia espiritual". [42] Al comentar sobre la exposición, la artista Sarah Hotchkiss calificó la carrera de Conner de "fascinante y duraderamente destacada" y dijo que era difícil escribir sobre su práctica "de una manera concisa y completa" porque "hay tanto allí " . [43]
2008 La vida en Marte, Carnegie International 2008
"Bruce Conner: Envié anuncios a ocho o nueve personas, diez personas probablemente, diciéndoles que todos eran miembros de la Asociación Protectora de Ratas Bastardas. Yo era el presidente. Debían pagar sus cuotas. La siguiente reunión se programó en mi casa. Después se programó cada dos semanas en la casa de Fred Martin, o de Joan Brown, o de Wally, o donde fuera".
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