Umberto Boccioni ( en italiano : [umˈbɛrto botˈtʃoːni] ; 19 de octubre de 1882 - 17 de agosto de 1916) fue un influyente pintor y escultor italiano . Ayudó a dar forma a la estética revolucionaria del movimiento futurismo como una de sus figuras principales . A pesar de su corta vida, su enfoque del dinamismo de la forma y la deconstrucción de la masa sólida guiaron a los artistas mucho después de su muerte. [4] Sus obras se conservan en muchos museos de arte públicos, y en 1988 el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York organizó una gran retrospectiva de 100 piezas. [5]
Umberto Boccioni nació el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria . Su padre era un empleado menor del gobierno, originario de la región de Romaña en el norte, y su trabajo incluía frecuentes reasignaciones por toda Italia. La familia pronto se mudó más al norte, y Umberto y su hermana mayor Amelia crecieron en Forlì ( Emilia-Romagna ), Génova y finalmente Padua . A la edad de 15 años, en 1897, Umberto y su padre se mudaron a Catania, Sicilia , donde terminaría la escuela. Algún tiempo después de 1898, se mudó a Roma y estudió arte en la Scuola Libera del Nudo de la Accademia di Belle Arti di Roma . [6] También estudió con el artista de carteles de estilo Liberty Giovanni Mataloni. [7]
Lo poco conocido sobre sus años en Roma se encuentra en la autobiografía de su amigo Gino Severini (1883-1966), quien recordó su encuentro en 1901 y el interés mutuo por Nietzsche , la rebelión, las experiencias vitales y el socialismo. Los escritos de Boccioni en esta época ya expresan la combinación de indignación e ironía que se convertiría en una característica de por vida. Su naturaleza crítica y rebelde, y su capacidad intelectual en general, contribuirían sustancialmente al desarrollo del movimiento futurista . Después de construir una base de habilidades, habiendo estudiado los clásicos hasta el impresionismo, tanto él como Severini se convirtieron en estudiantes de Giacomo Balla (1871-1958), un pintor centrado en la técnica divisionista moderna , pintando con colores divididos en lugar de mezclados y rompiendo la superficie pintada en un campo de puntos y rayas punteadas. Severini escribió: "Fue un gran golpe de suerte para nosotros conocer a un hombre así, cuya dirección fue decisiva para todas nuestras carreras". [6]
En 1906 se trasladó brevemente a París, donde estudió los estilos impresionista y postimpresionista , antes de visitar Rusia durante tres meses, donde pudo observar de primera mano los disturbios civiles y la represión gubernamental. Al regresar a Italia en 1907, tomó brevemente clases de dibujo en la Accademia di Belle Arti de Venecia . Había visitado por primera vez la Famiglia Artistica, una sociedad de artistas en Milán , en 1901.
Mientras viajaba de una ciudad a otra, en paralelo a sus más innovadores esfuerzos artísticos, trabajó como ilustrador comercial. Entre 1904 y 1909 proporcionó litografías y pinturas gouache a editoriales de renombre internacional, como la berlinesa Stiefbold & Co. La producción de Boccioni en este campo muestra su conocimiento de la ilustración europea contemporánea, como la obra de Cecil Aldin , Harry Eliott , Henri Cassiers y Albert Beerts, y da fe de su conocimiento de las tendencias contemporáneas en las artes visuales en general. [8]
Boccioni se trasladó a Milán en 1907. Allí, a principios de 1908, conoció al pintor divisionista Gaetano Previati . A principios de 1910 conoció a Filippo Tommaso Marinetti , quien ya había publicado su Manifesto del Futurismo ("Manifiesto del Futurismo") el año anterior. [9] El 11 de febrero de 1910 Boccioni, con Balla, Carlo Carrà , Luigi Russolo y Severini, firmó el Manifesto dei pittori futuristi ("Manifiesto de los pintores futuristas"), y el 8 de marzo leyó el manifiesto en el teatro Politeama Chiarella de Turín. . [9] [10]
Boccioni se convirtió en el principal teórico del movimiento artístico . [11] "Solo cuando Boccioni, Balla, Severini y algunos otros futuristas viajaron a París hacia fines de 1911 y vieron lo que Braque y Picasso habían estado haciendo, el movimiento comenzó a tomar forma real". [12] También decidió ser escultor después de visitar varios estudios en París, en 1912, incluidos los de Georges Braque , Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon , August Agero y, probablemente, Medardo Rosso . [6] En 1912 expuso algunas pinturas junto a otros futuristas italianos en la Galerie Bernheim-Jeune , y al año siguiente volvió a mostrar sus esculturas en la Galerie La Boétie: todas relacionadas con la elaboración de lo que Boccioni había visto en París, donde había visitado los estudios de escultores cubistas , incluidos los de Constantin Brâncuși , Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko para ampliar su conocimiento de la escultura de vanguardia. [13]
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En 1914 publicó Pittura e scultura futuriste (dinamismo plastico) explicando la estética del grupo:
"Mientras que los impresionistas pintan un cuadro para dar un momento particular y subordinan la vida del cuadro a su semejanza con ese momento, nosotros sintetizamos cada momento (tiempo, lugar, forma, tono de color) y así pintamos el cuadro."
Expuso en Londres junto con el grupo en 1912 ( Sackville Gallery ) y 1914 (Doré Gallery): ambas exposiciones causaron una profunda impresión en varios jóvenes artistas ingleses, en particular en CRW Nevinson , que se adhirió al movimiento. Otros se alinearon en cambio con su equivalente británico, el vorticismo , liderado por Wyndham Lewis .
"El don de Boccioni fue aportar una mirada fresca a la realidad de maneras que, como ahora reconocemos, definieron también la naturaleza del movimiento moderno en las artes visuales y la literatura". [14] --Michael Glover (crítico de arte, The Independent )
La participación italiana en la Primera Guerra Mundial comenzó a finales de mayo de 1915 con la declaración de guerra de Italia a Austria-Hungría. El "Batallón Lombardo de Voluntarios Ciclistas y Automovilistas", del que formaba parte Boccioni, partió a principios de junio desde Milán a Gallarate , y luego a Peschiera del Garda , en la retaguardia del frente de Trentino . En julio de 1915, los voluntarios fueron destinados a un sector del frente alrededor de Ala y Gardesana. El 24 de octubre de 1915, Boccioni participó en la batalla de Dosso Casina. El 1 de diciembre de 1915, el batallón se disolvió como parte de una reorganización general; los voluntarios fueron despedidos temporalmente, luego cada uno fue llamado a filas junto con la clase. En mayo de 1916, Boccioni fue reclutado por el ejército italiano y fue asignado a un regimiento de artillería en Sorte de Chievo, cerca de Verona . El 16 de agosto de 1916, durante un ejercicio de entrenamiento de caballería, cayó de su caballo y fue pisoteado. [15] [16] Murió al día siguiente, a los treinta y tres años, en el Hospital Militar de Verona, y fue enterrado en el Cementerio Monumental de esa ciudad.
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De 1902 a 1910, Boccioni se centró inicialmente en dibujos, luego hizo bocetos y pintó retratos, con su madre como modelo frecuente. También pintó paisajes, que a menudo incluían la llegada de la industrialización, los trenes y las fábricas, por ejemplo. Durante este período, se mueve entre el puntillismo y el impresionismo , y la influencia de Giacomo Balla, y las técnicas del divisionismo son evidentes en sus primeras pinturas (aunque luego abandonadas en gran medida). La mañana (1909) se destacó por "la violencia audaz y juvenil de los tonos" y como "un ejercicio audaz de luminosidad". [6] Su obra Tres mujeres de 1909-10 , que retrata a su madre y hermana, y a su amante de mucho tiempo, Inés, en el centro, fue citada por expresar una gran emoción: fuerza, melancolía y amor. [6]
Boccioni trabajó durante casi un año en La città sale o La ciudad se levanta (1910), una enorme pintura (de 2 m por 3 m) que se considera su punto de inflexión hacia el futurismo. "Intenté una gran síntesis de trabajo, luz y movimiento", escribió a un amigo. [6] Tras su exposición en Milán en mayo de 1911, la pintura atrajo numerosas críticas, en su mayoría de admiración. En 1912 se había convertido en la pintura principal de la exposición itinerante por Europa, la introducción al futurismo. Fue vendida al gran pianista Ferruccio Busoni por 4.000 liras ese año, [6] y hoy en día se exhibe con frecuencia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la entrada del departamento de pinturas. [4]
La risata (1911 ) se considera la primera obra verdaderamente futurista de Boccioni. Se había desprendido por completo del divisionismo y ahora se centraba en las sensaciones derivadas de su observación de la vida moderna. Su recepción pública fue bastante negativa, comparada desfavorablemente con Tres mujeres , y fue desfigurada por un visitante, pasando los dedos por la pintura aún fresca. [6] Las críticas posteriores se volvieron más positivas, y algunos consideraron que la pintura era una respuesta al cubismo. Fue comprada por Albert Borchardt, un coleccionista alemán que adquirió 20 obras futuristas expuestas en Berlín , incluida La calle entra en la casa (1911), que representa a una mujer en un balcón con vistas a una calle concurrida. Hoy en día, la primera también es propiedad del Museo de Arte Moderno, [4] y la segunda del Museo Sprengel de Hannover . [6]
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Boccioni pasó gran parte de 1911 trabajando en una trilogía de pinturas titulada " Stati d'animo " (" Estados de ánimo "), que decía que expresaban la partida y la llegada a una estación de tren: Las despedidas , Los que se van y Los que se quedan . [6] Las tres pinturas fueron compradas originalmente por Marinetti, hasta que Nelson Rockefeller las adquirió de su viuda y luego las donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York. [4] [17]
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A partir de 1912, con Elasticità o Elasticidad , que representa la energía pura de un caballo, capturada con intenso cromatismo, completó una serie de pinturas dinamistas: Dinamismo di un corpo umano ( Cuerpo humano ) , ciclista , futbolista y, en 1914, Dinamismo plastico: cavallo + caseggiato ( Dinamismo plástico: caballo + casas ).
Mientras continuaba con esta actividad, reavivó su anterior interés por el retrato, comenzando con L'antigrazioso ( El antigracioso ) en 1912 y continuando con I selciatori ( Los adoquines ) y Il bevitore ( El bebedor ), ambas en 1914.
En 1914, Boccioni publicó su libro Pittura, scultura futuriste ( Pintura y escultura futuristas ), que provocó un distanciamiento entre él y algunos de sus camaradas futuristas. Como resultado, tal vez, abandonó su exploración del dinamismo y, en su lugar, buscó una mayor descomposición de un tema por medio del color. [6] Con Volúmenes horizontales en 1915 y el Retrato de Ferruccio Busoni en 1916, completó un retorno total a la pintura figurativa. Tal vez de manera apropiada, esta última pintura fue un retrato del maestro que compró su primera obra futurista, La ciudad se levanta .
Entre 1906 y 1915 su madre Cecilia Forlani apareció como figura clave en al menos cuarenta y cinco de sus obras, en diversos medios. [18] [19]
La redacción de su Manifesto tecnico della scultura futurista ( Manifiesto técnico de la escultura futurista ), publicado el 11 de abril de 1912, fue el lanzamiento intelectual y físico de Boccioni a la escultura; había comenzado a trabajar en escultura el año anterior. [9]
A finales de 1913 había completado lo que se considera su obra maestra, Forme uniche della continuità nello spazio ( Formas únicas de continuidad en el espacio ), en cera. Su objetivo para la obra era representar una "continuidad sintética" del movimiento, en lugar de una "discontinuidad analítica" que vio en artistas como František Kupka y Marcel Duchamp . [20] Durante su vida, la obra solo existía como molde de yeso. Se fundió por primera vez en bronce en 1931. [21] Esta escultura ha sido objeto de amplios comentarios y en 1998 fue seleccionada como la imagen que se grabaría en el reverso de la moneda de euro italiana de 20 céntimos .
Poco después de la muerte de Boccioni en 1916 (y después de que se celebrara una exposición conmemorativa en Milán [22] ), su familia las confió por un tiempo temporal a un colega escultor, Piero da Verona; da Verona luego solicitó a su asistente que las colocara en el vertedero de basura local. [23] El indignado relato de Marinetti sobre la destrucción de las esculturas fue ligeramente diferente; en sus memorias, afirmó que las esculturas fueron destruidas por trabajadores para limpiar la habitación en la que las había colocado el "envidioso escultor passèist de mente estrecha". [24] Por lo tanto, gran parte de su trabajo experimental de finales de 1912 a 1913 fue destruido, incluidas piezas relacionadas con pinturas contemporáneas, que solo se conocen a través de fotografías. Una de las pocas piezas sobrevivientes es el Antigrazioso ( Anti-Graceful , también llamado La Madre ).
En 2019, la Colección Estorick de Arte Moderno Italiano organizó una exposición que reconstruyó varias de las esculturas destruidas.
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