William Tass Jones , conocido como Bill T. Jones (nacido el 15 de febrero de 1952), es un coreógrafo , director, autor y bailarín estadounidense. Es el cofundador de la Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company . La compañía tiene su sede en Manhattan . Jones es director artístico de New York Live Arts , cuyas actividades abarcan una temporada anual de presentaciones junto con programas educativos y servicios para artistas. Independientemente de New York Live Arts y su compañía de danza, Jones ha coreografiado para importantes conjuntos de artes escénicas, ha contribuido a Broadway y otras producciones teatrales y ha colaborado en proyectos con una variedad de artistas. Jones ha sido llamado "uno de los coreógrafos y directores de danza moderna más notables y reconocidos de nuestro tiempo". [2]
Bill T. Jones nació en Bunnell, Florida , el décimo de 12 hijos de Estella (née Edwards) y Augustus Jones. [3] Sus padres eran trabajadores agrícolas migrantes y luego trabajaron en fábricas. [4] En 1955, cuando Jones tenía tres años, la familia se mudó a Wayland, Nueva York . Jones fue una estrella de atletismo en la escuela secundaria y también participó en teatro y debate. Después de su graduación de la escuela secundaria en 1970, comenzó a asistir a la Universidad de Binghamton a través de un programa de admisión especial para estudiantes desfavorecidos. [5] En Binghamton, cambió su enfoque a la danza. En una entrevista, Jones señaló: "[Binghamton] fue donde tomé clases por primera vez de baile de África occidental y africano-caribeño. Pronto comencé a saltarme los entrenamientos de atletismo para ir a esas clases. Inmediatamente me atrajo. Era un entorno que no se trataba de competencia". [5] Los estudios de danza de Jones en Binghamton también abarcaron ballet y danza moderna. [6]
Durante su primer año en Binghamton en 1971, Jones conoció y se enamoró de Arnie Zane, un graduado de la universidad en 1970 que vivía en la zona perfeccionando sus habilidades como fotógrafo. La conexión personal que forjaron se convirtió en una relación personal y profesional que duró hasta la muerte de Zane por SIDA en 1988 [7] : 17 Aproximadamente un año después de conocerse, la pareja pasó un año en Ámsterdam , Países Bajos. Al regresar, Jones y Zane se conectaron con la bailarina Lois Welk, quien les presentó la improvisación de contacto, una técnica de danza emergente popularizada por Steve Paxton que enfatiza el entrelazamiento de parejas y los cambios de peso y equilibrio entre las parejas. [8] : 116 Con Welk y otra bailarina, Jill Becker, formaron American Dance Asylum (ADA) en 1974. ADA se organizó como un colectivo y actuó a nivel nacional e internacional al mismo tiempo que ofrecía clases y presentaba actuaciones en su espacio en Binghamton. Si bien los miembros de ADA generalmente coreografiaban sus propias obras, utilizaban un proceso de desarrollo colaborativo en el que cada miembro informaba las actividades de los demás. [7] : 59 Jones creó varias piezas en solitario durante este período y fue invitado a presentarse en la ciudad de Nueva York a partir de 1976, actuando en The Kitchen , Dance Theater Workshop y el Clark Center, entre otros lugares. [8] : 138
Las obras de Jones durante este período, como Floating the Tongue (1979) y Everybody Works/All Beasts Count (1975), combinaron su elegante estilo de movimiento con pasajes hablados que exploraban e improvisaban sobre sus reacciones y recuerdos evocados por el baile, que abarcaban desde episodios de su vida hasta digresiones sobre cuestiones sociales. [8] : 134–36 La historiadora de la danza Susan Foster ha caracterizado estas obras como un uso de "las resonancias entre el movimiento y el habla para mostrar la mecánica misma de la creación de significado y profundizar las percepciones de los espectadores sobre la cantidad de formas en que un movimiento puede significar". [9] : 198
En 1979, Jones y Zane sintieron que su colaboración con Welk y Becker había llegado a su fin. También estaban interesados en vivir en una zona que apoyara más tanto el arte que estaban haciendo como su identidad como pareja gay interracial. Se mudaron al área de Nueva York a fines de 1979 y se establecieron en el condado de Rockland, donde pronto compraron una casa. [8] : 133–34
El contraste físico entre Jones (alto, negro, elegantemente atlético) y Zane (bajo, blanco, de movimientos bruscos), junto con las técnicas de improvisación de contacto de entrelazamiento y levantamiento formaron la base de muchas de las danzas de la pareja durante este período. Las obras que crearon juntos fusionaron el interés de Jones por el movimiento y el habla con la sensibilidad visual de Zane arraigada en su trabajo como fotógrafo. [10] : 66 Sus duetos presentaban proyecciones de películas, movimientos intermitentes y encuadres extraídos de fotografías fijas, canto y diálogo hablado. [11] : 429 En la vanguardia de sus obras estaba su enfoque político y social, y la inusual (para la época) pareja de dos bailarines masculinos y un franco reconocimiento de su relación personal. [12] Una trilogía de duetos que la pareja creó durante este tiempo, que constaba de Blauvelt Mountain (1980), Monkey Run Road (1979) y Valley Cottage (1981), estableció firmemente su reputación como nuevos coreógrafos importantes. [7] : 62
Desde mediados de los años 1970 hasta 1981, Jones y su pareja, Arnie Zane , recorrieron el mundo bailando dúos sexualmente provocativos. Jones también había bailado solos. En 1982, la pareja formó la Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company , reclutando una troupe de intérpretes individualistas y no tradicionales que representaban diferentes tamaños, formas y colores corporales. "Jones, un provocador coreográfico , presenta sus ideas sobre la identidad, el arte, la raza, la sexualidad, la desnudez, el poder, la censura, la homofobia y el SIDA como guerra química con una actitud callejera y directa". Obras como La última cena en la cabaña del tío Tom / La tierra prometida (1990) y Still / Here son algunas de sus obras más sugerentes. [13]
La última cena en la cabaña del tío Tom
La obra La última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida trata de cómo las personas son diferentes racialmente, sexualmente y en otros aspectos. Trata de superar estas diferencias para llegar a un lugar mejor. Trata de ser fuerte pero aún así anhelar aceptación y tolerancia. La compañía de Jones está formada por un grupo diverso de individuos, cada uno con su propia contribución única. La pieza también trata del conflicto de Jones con la fe. Jones creció en un hogar religioso con una madre devota, pero se pregunta cómo Jesús permitió que ocurrieran las crueldades de la esclavitud. Jones también cuestiona la crueldad y la muerte causadas por el SIDA y cómo eso se combina con la fe. Jones habla de cómo las mujeres esclavas eran fuertes y tenían músculos tan fuertes como los hombres. Dice que su madre es una mujer muy fuerte. Jones cree que las personas deben ser fuertes pero también tolerantes. En el acto "Eliza on the Ice", cuatro mujeres muy diferentes interpretan el papel de Eliza. Pero la quinta Eliza aborda el tema de la sexualidad. Este Eliza es un hombre con minifalda y tacones altos blancos. Algunos hombres homosexuales están atrapados en una especie de esclavitud, ya que no son claramente masculinos o femeninos. No saben a dónde pertenecen. Esta pieza trata sobre las personas que la están interpretando. Jones anhela un estado en el que las personas se acepten totalmente entre sí. La desnudez es un aspecto importante de esta aceptación. Los bailarines son todos muy diferentes físicamente entre sí. El primer desnudo que se ve es cuando Eliza es abusada sexualmente. Aquí la desnudez se utiliza para degradar a las mujeres y ejercer poder sobre ellas. Pero la danza transforma la desnudez de algo terrible a algo hermoso al final, donde todos los diferentes cuerpos encuentran aceptación. [14]
Aunque La última cena en la cabaña del tío Tom/La tierra prometida fue una de las producciones más grandes y políticas de Jones, el estreno en Nueva York de Still/Here en 1995 generó mucha controversia y discusión. Still/Here trata sobre la muerte, basada en declaraciones grabadas en video de personas que sufren enfermedades mortales como el sida y el cáncer. [15] Incluye una banda sonora de video de la artista Gretchen Bender basada en extractos de entrevistas con personas que habían recibido tales diagnósticos, junto con una banda sonora encargada, texto hablado y movimiento. [16] Esta obra plantea la cuestión de si el arte debería ser político. La mayoría de los comentarios críticos fueron favorables a la producción, especialmente porque muchos bailarines estaban afectados por el sida. [15] Still/Here fue bien recibida en su gira internacional de 1994. Newsweek la llamó "una obra tan original y profunda que su lugar entre los hitos de la danza del siglo XX parece asegurado". [17] Sin embargo, Arlene Croce , crítica de danza de The New Yorker , escribió en su artículo "Discussing the Undiscussable" una aguda crítica negativa de los artistas que se presentan como víctimas. Croce estaba tan disgustada por el "arte de víctimas" que se negó a ver la producción. Croce culpó a la política por la sensación del arte de víctimas. "La burocracia de las artes en este país, que incluye agencias de financiación gubernamentales y privadas, ha demostrado en los últimos años un sesgo flagrante hacia el arte utilitario, un arte que justifica la existencia de la burocracia al ser socialmente útil". [15]
El ensayo de Croce generó un debate considerable, a favor y en contra. El siguiente número de The New Yorker (30 de enero de 1995) presentó cuatro páginas de cartas sobre el artículo de figuras culturales prominentes como Robert Brustein , bell hooks , Hilton Kramer , Camille Paglia y Tony Kushner . En disidencia, el crítico bell hooks observó: "Escribir tan despectivamente sobre una obra que uno no ha visto es una impresionante ostentación de privilegio, un testimonio de la realidad de que no hay ningún grupo o individuo marginado lo suficientemente poderoso como para silenciar o suprimir las voces reaccionarias. El artículo de la Sra. Croce no es valiente ni atrevido, precisamente porque simplemente refleja el estado de ánimo político dominante de nuestro tiempo". [18] Muchos otros liberales, como Richard Goldstein del Village Voice, también criticaron duramente a Croce. Deborah Jowitt , crítica de danza del Village Voice, escribió: "Es irónico... que Croce, tan firmemente opuesta a la politización del arte, haya decidido convertir su propio ensayo crítico en una declaración política al negarse a ver la obra en cuestión". Sin embargo, otros críticos optaron por no ver esta obra, ya sea porque no les había impresionado la coreografía de Jones en sus producciones anteriores o porque las obras basadas en el racismo, el sexismo y el SIDA se han vuelto predecibles. De cualquier manera, el artículo de Croce logra llamar la atención sobre la politización de las artes estadounidenses. Croce aboga por "la autonomía del arte" o "el arte por el arte". Sin embargo, "oponerse a la politización del arte ahora se considera un acto político". . [15] El debate se amplió a la prensa nacional. La autora Joyce Carol Oates señaló en The New York Times : "Al igual que con el juicio por obscenidad de Mapplethorpe de hace varios años, el artículo ha planteado preguntas cruciales sobre la estética y la moralidad, sobre el papel de la política en el arte y sobre el papel del crítico profesional en la evaluación del arte que integra personas y eventos 'reales' en un marco estético". [19] La cobertura atrajo una mayor atención a Jones. En 2016, Newsweek escribió: "Jones probablemente sea más conocido fuera de los círculos de danza. por su obra Still/Here de 1994. " [20]
Jones, que ha creado más de 100 obras para su propia compañía, también ha realizado coreografías para Alvin Ailey American Dance Theater, AXIS Dance Company , Boston Ballet , Lyon Opera Ballet, Berlin Opera Ballet y Diversions Dance Company, entre otros. En 1995, Jones dirigió y actuó en una obra colaborativa con Toni Morrison y Max Roach , Degga , en Alice Tully Hall , encargada por el Festival "Serious Fun" del Lincoln Center . Su colaboración con Jessye Norman , How! Do! We! Do!, se estrenó en el City Center de Nueva York en 1999.
En 1989, Bill T. Jones coreografió D-Man in the Waters . [21] La epidemia del SIDA estaba en su punto más alto y la comunidad artística se estaba viendo muy afectada por ella. Después de la muerte del miembro de la compañía, Demian Acquavella, Bill T. Jones decidió coreografiar esta pieza en su honor. Concientizó sobre los horrores de la enfermedad al resaltar la ausencia de Acquavella en la pieza. La pieza presenta mucho levantamiento para simbolizar la unidad que Bill T. Jones quería lograr como sociedad. Hombres levantando hombres, mujeres levantando mujeres y mujeres levantando hombres. D-Man in the Waters es una hermosa y conmovedora pieza de arte que utiliza el movimiento y la falta de él para retratar los horrores de la epidemia del SIDA, la pérdida de los afectados y la desesperación por unirse y encontrar una solución. [22]
En 1990, Jones coreografió Sir Michael Tippett 's New Year bajo la dirección de Sir Peter Hall para la Houston Grand Opera y el Glyndebourne Opera Festival . Concibió, codirigió y coreografió Mother of Three Sons , que se presentó en la Bienal de Múnich , la Ópera de la Ciudad de Nueva York y la Houston Grand Opera. También dirigió Lost in the Stars para la Boston Lyric Opera . La participación teatral de Jones incluye la codirección de Perfect Courage con su hermana y prolífica artista de performance, Rhodessa Jones para el Festival 2000, en 1990. En 1994, dirigió Dream on Monkey Mountain de Derek Walcott para The Guthrie Theater en Minneapolis , MN.
Jones también colaboró con el artista Keith Haring en 1982 para crear una serie de performances y artes visuales en conjunto.
En 2005, Jones coreografió la producción de The Seven del New York Theatre Workshop , un musical de Will Power basado en Seven Against Thebes del dramaturgo griego clásico Esquilo . The Seven transpuso la obra original a un entorno urbano moderno y empleó una variedad de estilos musicales para crear lo que un crítico llamó "un híbrido nuevo y extraño: una comedia-tragedia musical de hip-hop". [23] La obra fue reconocida con tres premios Lucille Lortel Off-Broadway , incluida la coreografía sobresaliente, otorgados a Jones. [24]
Jones fue coreógrafa del estreno en Broadway del musical de rock de 2006 Spring Awakening , desarrollado por el compositor Duncan Sheik y el letrista Steven Sater , y dirigido por Michael Mayer . La obra está basada en una obra alemana de 1891 que explora el tumulto de la sexualidad adolescente. Spring Awakening fue ampliamente aclamada en su estreno y luego ganó ocho premios Tony en 2007 , además de una variedad de otros reconocimientos. Jones recibió el premio Tony 2007 a la mejor coreografía . [25]
Jones es cocreador, director y coreógrafo del musical Fela!, que se presentó en el Off-Broadway en 2008 y se estrenó en Broadway en 2009. Los colaboradores de Jones en el proyecto fueron Jim Lewis y Stephen Hendel. La obra está basada en eventos de la vida del músico y activista nigeriano Fela Kuti y está inspirada en Fela: This Bitch of a Life , una biografía autorizada de Kuti de 1982 escrita por Carlos Moore . [26] La presentación en Broadway ganó tres premios Tony, incluyendo el de Mejor Coreografía . [27]
En 2010, fue homenajeado por el Centro Kennedy. Presentado por el homenajeado del Centro Kennedy en 1996, Edward Albee, y con un discurso de Claire Danes, la interpretación fue "I Sing The Body Electric", un poema escrito por Walt Whitman en 1856. También fueron homenajeados ese año la presentadora de programas de entrevistas y actriz Oprah Winfrey, el letrista y compositor Jerry Herman, la cantante y compositora de música country Merle Haggard y el cantante, compositor y músico Paul McCartney.
En junio de 2019, para conmemorar el 50 aniversario de los disturbios de Stonewall , un evento ampliamente considerado un momento decisivo en el movimiento moderno por los derechos LGBTQ , Queerty lo nombró uno de los Pride50 "individuos pioneros que garantizan activamente que la sociedad siga avanzando hacia la igualdad , la aceptación y la dignidad para todas las personas queer ". [28]
En 2017, Jones se desempeñó como director, coreógrafo y dramaturgo del estreno mundial de We Shall Not Be Moved, escrita por el compositor Daniel Bernard Roumain y el libretista Marc Bamuthi Joseph . La obra fue encargada por la Ópera de Filadelfia y fue incluida por el New York Times como una de las mejores interpretaciones clásicas de 2017. [29]
Jones está casada con Bjorn Amelan, un ciudadano francés que se crió en Haifa , Israel y varios países de Europa. [30] Los dos han estado juntos desde 1993. [30] Amelan fue el socio romántico y comercial del destacado diseñador de moda Patrick Kelly desde 1983 hasta la muerte de Kelly por complicaciones del SIDA en 1990. [31] Además de dedicarse a su propio trabajo como artista visual, Amelan es director creativo de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company y ha diseñado muchos de los decorados de la compañía desde mediados de la década de 1990. [32] Las experiencias de la madre de Amelan, Dora Amelan, en la Segunda Guerra Mundial son el foco de la obra de Jones Analogy/Dora: Tramontane (2015). [1]
Jones y Amelan viven en el condado de Rockland , Nueva York, justo al norte de la ciudad de Nueva York, en una casa comprada en 1980 por Jones y Arnie Zane. [33] A pesar de la larga asociación de Jones con las artes escénicas y la vida cultural de Nueva York, nunca ha residido en la ciudad. [8] : 144
Una de las hermanas de Jones, Rhodessa Jones, es una reconocida artista de performance de San Francisco, educadora de artes en prisión y codirectora artística del conjunto de performance Cultural Odyssey. [34] El sobrino de Jones, Lance Briggs, es el protagonista de dos obras interpretadas por la Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company, Analogy/Lance (2016) y Letter to My Nephew (2017). Ambas exploran la trayectoria de la vida de Briggs, que descendió de su prometedor papel como bailarín, modelo y compositor a su involucramiento con las drogas y la prostitución, un diagnóstico de SIDA y la paraplejía. [35]
Jones ha coreografiado más de 120 obras documentadas. La siguiente es una selección representativa que destaca colaboraciones con compañías o artistas notables o encargos de ellos. [36]
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )