Annibale Carracci ( pronunciación italiana: [anˈniːbale karˈrattʃi] ; 3 de noviembre de 1560 - 15 de julio de 1609) fue un pintor e instructor italiano, activo en Bolonia y más tarde en Roma . Junto con su hermano y primo , Annibale fue uno de los progenitores, si no fundadores, de una corriente líder del estilo barroco , tomando prestado de estilos tanto del norte como del sur de su ciudad natal y aspirando a un retorno a la monumentalidad clásica, pero añadiendo un dinamismo más vital. Los pintores que trabajaron con Annibale en la galería del Palacio Farnesio serían muy influyentes en la pintura romana durante décadas.
Annibale Carracci nació en Bolonia y, con toda probabilidad, comenzó su aprendizaje en el seno de su familia. En 1582, Annibale, su hermano Agostino y su primo Ludovico Carracci abrieron un estudio de pintores, inicialmente llamado por algunos Academia de los Desiderosi (deseosos de fama y conocimiento) y posteriormente Incamminati (progresistas; literalmente "de aquellos que abren un nuevo camino"). Considerada "la primera gran escuela de arte basada en el dibujo del natural", la Accademia degli Incamminati fue el modelo para las escuelas de arte posteriores en toda Europa. [1] Mientras que los Carracci hicieron hincapié en el dibujo lineal típicamente florentino , ejemplificado por Rafael y Andrea del Sarto , su interés en los colores brillantes y los bordes más borrosos de los objetos derivaron de los pintores venecianos , en particular las obras del pintor al óleo veneciano Tiziano , que Annibale y Agostino estudiaron durante sus viajes por Italia en 1580-81 a instancias del mayor Caracci Lodovico . Este eclecticismo se convertiría en el rasgo definitorio de los artistas de la escuela barroca emiliana o boloñesa .
En muchas de las primeras obras boloñesas de los Carracci, es difícil distinguir las contribuciones individuales de cada uno. Por ejemplo, los frescos sobre la historia de Jasón para el Palazzo Fava en Bolonia (c. 1583-84) están firmados por Carracci , lo que sugiere que todos contribuyeron. En 1585, Annibale completó un retablo del Bautismo de Cristo para la iglesia de Santi Gregorio e Siro en Bolonia. En 1587, pintó la Asunción para la iglesia de San Rocco en Reggio Emilia.
Se sabe que entre 1587 y 1588 Annibale viajó a Parma y luego a Venecia , donde se unió a su hermano Agostino. Entre 1589 y 1592, los tres hermanos Carracci completaron los frescos sobre la Fundación de Roma para el Palazzo Magnani de Bolonia. En 1593, Annibale había completado un retablo, Virgen en el trono con San Juan y Santa Catalina , en colaboración con Lucio Massari . Su Resurrección de Cristo también data de 1593. En 1592, pintó una Asunción para la capilla Bonasoni en San Francesco. Durante 1593 y 1594, los tres Carracci trabajaron en frescos en el Palazzo Sampieri de Bolonia.
Basándose en los prolíficos y magistrales frescos de los Carracci en Bolonia, Annibale fue recomendado por el duque de Parma, Ranuccio I Farnese , a su hermano, el cardenal Odoardo Farnese , que deseaba decorar el piano nobile del cavernoso Palazzo Farnese romano . En noviembre-diciembre de 1595, Annibale y Agostino viajaron a Roma para comenzar a decorar el Camerino con historias de Hércules, algo apropiado ya que la sala albergaba la famosa escultura antigua grecorromana del hipermusculoso Hércules Farnese .
Mientras tanto, Annibale desarrolló cientos de bocetos preparatorios para la obra principal, en la que dirigió un equipo que pintaba frescos en el techo del gran salón con los quadri riportati seculares de Los amores de los dioses , o como lo describió el biógrafo Giovanni Bellori , El amor humano gobernado por el amor celestial . Aunque el techo es desenfrenadamente rico en elementos ilusionistas, las narraciones están enmarcadas en el clasicismo sobrio de la decoración del Alto Renacimiento , inspirándose en, aunque de manera más inmediata e íntima, el Techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel , así como en los frescos de la Logge Vaticana y Villa Farnesina de Rafael . Su obra inspiraría más tarde la corriente desenfrenada de ilusionismo y energía barroca que surgiría en los grandes frescos de Cortona , Lanfranco y, en décadas posteriores, Andrea Pozzo y Gaulli .
Durante los siglos XVII y XVIII, el techo Farnese fue considerado la obra maestra sin igual de la pintura al fresco de su época. No solo se consideraba un modelo de diseño de figuras heroicas, sino también un modelo de procedimiento técnico; los cientos de dibujos preparatorios de Annibale para el techo se convirtieron en un paso fundamental para componer cualquier pintura histórica ambiciosa.
El crítico del siglo XVII Giovanni Bellori , en su estudio titulado Idea , elogió a Carracci como el modelo de los pintores italianos , que habían fomentado un "renacimiento" de la gran tradición de Rafael y Miguel Ángel . Por otro lado, aunque admitía el talento de Caravaggio como pintor, Bellori deploraba su estilo excesivamente naturalista, si no su moral y personalidad turbulentas. Por lo tanto, veía los estilos caravaggistas con la misma consternación sombría. Se instaba a los pintores a representar el ideal platónico de belleza, no a las prostitutas callejeras romanas. Sin embargo, los mecenas y alumnos de Carracci y Caravaggio no caían todos en bandos irreconciliables. Los mecenas contemporáneos, como el marqués Vincenzo Giustiniani , encontraron que ambos mostraban excelencia en la maniera y el modelado . [2]
En el siglo XXI, los observadores se habían entusiasmado con el mito rebelde de Caravaggio y a menudo ignoraban la profunda influencia que Carracci tuvo en el arte. Caravaggio casi nunca trabajó al fresco, considerado como la prueba del temple de un gran pintor. Por otro lado, las mejores obras de Carracci son al fresco. Así, los lienzos sombríos de Caravaggio, con fondos oscuros, son adecuados para los altares contemplativos, y no para paredes o techos bien iluminados como este del Farnese. Wittkower se sorprendió de que un cardenal Farnese se rodeara de frescos de temas libidinosos, indicativos de una "considerable relajación de la moralidad contrarreformista". Esta elección temática sugiere que Carracci puede haber sido más rebelde en relación con la pasión religiosa a menudo solemne de los lienzos de Caravaggio. Wittkower afirma que los "frescos de Carracci transmiten la impresión de una tremenda alegría de vivir, un nuevo florecimiento de vitalidad y de una energía reprimida durante mucho tiempo".
En el siglo XXI, la mayoría de los entendidos que hacen la peregrinación a la Capilla Cerasi en Santa Maria del Popolo ignorarían el retablo de la Asunción de la Virgen de Carracci (1600-1601) y se centrarían en las obras de Caravaggio que lo flanquean. Es instructivo comparar la Asunción de Carracci [3] con La Muerte de la Virgen de Caravaggio . Entre los primeros contemporáneos, Carracci fue un innovador. Reanimó el vocabulario visual de los frescos de Miguel Ángel y postuló un paisaje pictórico musculoso y vivazmente brillante, que se había ido mutilando progresivamente hasta convertirse en una maraña manierista . Mientras que Miguel Ángel podía doblar y contorsionar el cuerpo en todas las perspectivas posibles, Carracci en los frescos de Farnese había demostrado cómo podía bailar. Los límites del "techo", las amplias extensiones de paredes que serían pintadas al fresco, estarían atestadas, durante las siguientes décadas, por la brillantez monumental de los seguidores de Carracci, y no de los seguidores de Caravaggio.
En el siglo siguiente a su muerte, en menor medida que Bernini y Cortona, Carracci y el arte barroco en general fueron objeto de críticas por parte de críticos neoclásicos como Winckelmann e incluso más tarde del mojigato John Ruskin , así como de admiradores de Caravaggio. Carracci en parte se libró del oprobio porque se lo veía como un émulo del muy admirado Rafael y, en los frescos de Farnese, atento a los temas propios como los de la mitología antigua.
El 8 de julio de 1595, Annibale terminó la pintura de San Roque dando limosna , hoy en la Gemäldegalerie de Dresde. Otras obras tardías importantes pintadas por Carracci en Roma incluyen Domine quo vadis? (c. 1602), que revela una sorprendente economía en la composición de las figuras y una fuerza y precisión en el gesto que influyó en Poussin y, a través de él, en el lenguaje del gesto en la pintura.
Carracci fue notablemente ecléctico en cuanto a temáticas, pintando paisajes, escenas de género y retratos, incluida una serie de autorretratos de distintas épocas. Fue uno de los primeros pintores italianos en pintar un lienzo en el que el paisaje tenía prioridad sobre las figuras, como en su magistral La huida a Egipto ; este género fue seguido por Domenichino (su alumno favorito) y Claude Lorrain .
El arte de Carracci también tuvo un lado menos formal que se manifiesta en sus caricaturas (generalmente se le atribuye la invención de la forma) y en sus primeras pinturas de género , que son notables por su observación vivaz y su manejo libre [4] y su pintura de El comedor de habichuelas . Los biógrafos lo describen como desatento a la vestimenta, obsesionado con el trabajo: sus autorretratos (como el de Parma ) varían en su representación. [5]
No está claro cuánto trabajo completó Annibale después de terminar la galería principal en el Palazzo Farnese. En 1606, Annibale firmó una Virgen del cuenco . Sin embargo, en una carta de abril de 1606, el cardenal Odoardo Farnese lamentó que un "humor melancólico pesado" impidió que Annibale pintara para él. A lo largo de 1607, Annibale no pudo completar un encargo para el duque de Módena de una Natividad . Hay una nota de 1608, donde Annibale estipula a un alumno que pasará al menos dos horas al día en su estudio. Hay poca documentación del hombre o tiempo para explicar por qué su pincel estaba inmóvil.
En 1609, Annibale murió y fue enterrado, según su deseo, cerca de Rafael en el Panteón de Roma. Una muestra de su logro es que artistas tan diversos como Bernini , Poussin y Rubens elogiaron su trabajo. Muchos de sus asistentes o alumnos en proyectos en el Palazzo Farnese y la Capilla Herrera se convertirían en algunos de los artistas más destacados de las décadas siguientes, entre ellos Domenichino , Francesco Albani , Giovanni Lanfranco , Domenico Viola , Guido Reni , Sisto Badalocchio y otros.
La tradición de la pintura renacentista italiana y los artistas maduros del Renacimiento como Rafael, Miguel Ángel, Correggio, Tiziano y Veronese son todos pintores que tuvieron una influencia considerable en la obra de Carracci, en su uso de los colores. Carraci sentó las bases para el nacimiento de la pintura barroca. El estilo manierista estéril precedente tuvo su recuperación ahora en la pintura barroca de principios del siglo XVI, logrando una síntesis original de las muchas escuelas. Las pinturas de Annibale están inspiradas en el gusto pictórico veneciano y especialmente en las pinturas de Paolo Veronese . Las obras que muestran rastros de él son la Virgen en el trono con San Mateo , una obra realizada para Reggio Emilia y ahora en la Gemäldegalerie, Dresde, y las Bodas místicas de Santa Catalina de Alejandría (ca. 1575), ahora conservada en la Gallerie dell'Accademia en Venecia. [10] [11]
![Retrato de una mujer africana sosteniendo un reloj, c. 1585[12]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Annibale_Carracci,_attrib.,_Portrait_of_an_African_Slave_Woman,_ca._1580s._Oil_on_canvas,_60_x_39_x_2_cm_(fragment_of_a_larger_painting.jpg/1280px-Annibale_Carracci,_attrib.,_Portrait_of_an_African_Slave_Woman,_ca._1580s._Oil_on_canvas,_60_x_39_x_2_cm_(fragment_of_a_larger_painting.jpg)
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