Los amores de los dioses es un ciclo de frescos monumentales , realizado por el artista boloñés Annibale Carracci y su estudio, en la Galería Farnese, que se encuentra en el ala oeste del Palacio Farnese , hoy sede de la Embajada de Francia en Roma. Los frescos fueron muy admirados en su época y, más tarde, se consideró que reflejaban un cambio significativo en el estilo de la pintura, alejándose del manierismo del siglo XVI en previsión del desarrollo del barroco y el clasicismo en Roma durante el siglo XVII.
El cardenal Odoardo Farnese , tataranieto del papa Pablo III , encargó a Annibale Carracci y a su taller la decoración de la galería abovedada de cañón de la planta noble del palacio familiar. Las obras comenzaron en 1597 y no se terminaron por completo hasta 1608, un año antes de la muerte de Annibale. [1] Su hermano Agostino se unió a él entre 1597 y 1600, y otros artistas del taller incluyeron a Giovanni Lanfranco , Francesco Albani , Domenichino y Sisto Badalocchio .
Annibale Carracci había decorado primero una pequeña sala, el Camerino (1595-7), con escenas de la vida de Hércules . El tema hercúleo probablemente fue seleccionado porque el Hércules Farnese estaba de pie en ese momento en el Palazzo Farnese. [ cita requerida ] Este concepto de arte que imita el arte antiguo parece haber sido trasladado a la gran Galería. Mientras realizaba una investigación de posgrado sobre la Galería, Thomas Hoving , más tarde director del Museo Metropolitano de Arte , señaló muchas correspondencias entre los frescos y los elementos de la famosa Colección Farnese de escultura romana. Gran parte de la colección se encuentra ahora en el Museo de Capodimonte y el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles , pero, en los siglos XVI y XVII, se organizó según temas dentro del Palazzo Farnese. La sugerencia de Hoving de que muchos detalles de los frescos fueron diseñados para complementar los mármoles de abajo ha sido generalmente aceptada. [2]
En 1597, Carracci comenzó a decorar la Galería con escenas que representaban los amores de los dioses dentro de marcos ( quadri riportati ) y medallones de bronce falsos pintados sobre un marco arquitectónico ilusionista conocido como quadratura . Ignudi , putti , sátiros , grotescos y figuras de Atlas de pie (Atlantes) ayudan a sostener el marco pintado.
Gian Pietro Bellori , biógrafo de artistas del siglo XVII y apologista platónico , denominó el ciclo «El amor humano gobernado por el amor celestial». Esta observación se basaba principalmente en la representación que Carracci hizo de los putti que representan a Cupido (equiparado por Bellori con el amor profano) y a Anteros (equiparado con el amor sagrado) que se encuentran en las cuatro esquinas de la bóveda. Por ejemplo, Bellori escribe: [3]
El pintor quiso representar con diversos símbolos la guerra y la paz entre el amor celestial y el amor común formuladas por Platón. En un lado pintó al Amor celestial luchando con el Amor común y tirándole de los cabellos: ésta es la filosofía y la ley más sagrada que aleja al alma del vicio, elevándola a lo alto. Por tanto, una corona de laurel inmortal resplandece en lo alto en medio de una luz brillante, demostrando que la victoria sobre los apetitos irracionales eleva a los hombres al cielo.
Hoving lo vio de otra manera. En sus memorias, escribe: [2]
Mi afortunado descubrimiento destruyó la interpretación aceptada del ciclo de frescos de Annibale como un "ensayo visual neoplatónico sobre la supremacía del amor celestial sobre la pasión física". Las pinturas eran en realidad una entretenida celebración de un grupo de atletas olímpicos lujuriosos que se coquetean entre sí y también un juego mental de alto nivel que rendía homenaje a la excelente colección de antigüedades de Odoardo.
Además de los putti que se muestran en las cuatro esquinas, los amores de los dioses se representan en la bóveda en trece escenas narrativas. Como complemento, hay doce medallones pintados que parecen relieves de bronce . Estos medallones representan historias adicionales de amor, rapto y tragedia. Las escenas están organizadas de la siguiente manera:
Comenzando en la parte inferior izquierda y siguiendo en sentido antihorario alrededor de la bóveda, las escenas restantes son:
El Triunfo de Baco y Ariadna, que ocupa un lugar destacado en el panel central, representa una procesión desenfrenada y a la vez clásicamente contenida que lleva a Baco y Ariadna a la cama de sus amantes. En este caso, el mito subyacente es que Baco, el dios del vino, había conseguido el amor de la princesa abandonada, Ariadna. La procesión recuerda los triunfos de la época republicana e imperial romana, en la que los desfiles de los líderes victoriosos tenían al "imperator" coronado de laurel en un carro blanco con dos caballos blancos. En la procesión de Carracci, los dos amantes están sentados en carros tirados por tigres [4] y cabras, y acompañados por un desfile de ninfas, bacantes y sátiros que tocan trompetas. En primer plano, el tutor de Baco, el barrigón, feo y lascivo borracho Sileno , monta un asno. Las figuras retozan cuidadosamente para ocultar la mayoría de los genitales masculinos desnudos. [5]
El programa hace referencia a las Metamorfosis de Ovidio (VIII; líneas 160-182) y el espíritu alude a imágenes contemporáneas expresadas, por ejemplo, en una canción de carnaval , un poema escrito por Lorenzo de' Medici alrededor de 1475, que suplica: [6]
Las decoraciones de Annibale Carracci en la Galería Farnese demostraron una nueva manera grandiosa de pintar frescos monumentales. [11] Ejercieron una poderosa influencia formativa tanto en la pintura al fresco como en la pintura al óleo en Roma durante el siglo XVII. Las tendencias duales clasicistas y barrocas en esta obra alimentarían el debate de la siguiente generación de pintores de frescos, entre Sacchi y Pietro da Cortona , sobre el número de figuras que se incluirían en una pintura. [12] El tratamiento de Carracci de la composición y la disposición y expresión de las figuras influirían en pintores como Sacchi y Poussin , mientras que su efervescente manera narrativa influyó en Cortona.
Annibale Carracci, en su época, fue considerado uno de los pintores clave para revivir el estilo clásico. En cambio, unos años más tarde, artistas como Caravaggio y sus seguidores se rebelarían contra la representación de la profundidad espacial en el color y la luz, e introducirían en su arte un realismo dramático tenebroso. Pero sería inapropiado considerar a Annibale Carracci únicamente como la continuación de una tradición heredada; en su época, su estilo vigoroso y dinámico, y el de sus ayudantes de estudio, cambiaron el estilo preeminente de la pintura en Roma. Su obra habría sido vista como liberadora para los artistas de su época, al tocar temas paganos con una alegría sin restricciones. Podría decirse que mientras el manierismo había dominado el arte del contraposto y la contorsión formales forzados, Annibale Carracci había representado la danza y la alegría.
Los seguidores posteriores del formalismo y la severidad neoclásicos fruncieron el ceño ante los excesos de Annibale Carracci, pero en su época, se lo habría visto como un maestro en lograr la aproximación suprema a la belleza clásica en la tradición de los frescos seculares de Rafael y Giulio Romano en la Logia de la Villa Farnesina . [13] Sin embargo, a diferencia de Rafael, sus figuras pueden mostrar una musculatura al estilo de Miguel Ángel y alejarse de los rostros a menudo sin emociones de la pintura del Alto Renacimiento. [14]
