En música , los adornos son florituras musicales (normalmente, notas añadidas) que no son esenciales para llevar la línea general de la melodía (o armonía ), sino que sirven para decorar u "adornar" esa línea (o armonía), aportar interés y variedad adicionales y dar al intérprete la oportunidad de añadir expresividad a una canción o pieza . Muchos adornos se interpretan como "notas rápidas" alrededor de una nota central principal .
Existen muchos tipos de ornamentación, que van desde la adición de una única nota de gracia breve antes de una nota principal hasta la interpretación de un trino virtuoso y extravagante . La cantidad de ornamentación en una pieza musical puede variar desde bastante extensa (a menudo era extensa en el período barroco , de 1600 a 1750) a relativamente poca o incluso ninguna. La palabra agrément se utiliza específicamente para indicar el estilo de ornamentación del barroco francés .
En el período barroco, era común que los intérpretes improvisaran ornamentaciones sobre una línea melódica determinada . Un cantante que interpretaba un aria da capo , [1] por ejemplo, cantaba la melodía relativamente sin adornos la primera vez y la decoraba con florituras y trinos adicionales la segunda vez. De manera similar, se esperaba que un clavecinista que interpretara una línea melódica simple fuera capaz de improvisar trinos, mordentes (superiores o inferiores) y apoyaturas armónica y estilísticamente apropiados .
La ornamentación también puede ser indicada por el compositor . Una serie de ornamentos estándar (descritos a continuación) se indican con símbolos estándar en la notación musical , mientras que otras ornamentaciones pueden añadirse a la partitura en notas pequeñas, o simplemente escribirse normalmente como notas de tamaño completo. Con frecuencia, un compositor tendrá su propio vocabulario de ornamentos, que se explicará en un prefacio, como un código. Una nota de gracia es una nota escrita en letra más pequeña, con o sin una barra que la atraviese, para indicar que su valor de nota no cuenta como parte del valor de tiempo total del compás . Alternativamente, el término puede referirse de manera más general a cualquiera de las pequeñas notas utilizadas para marcar algún otro ornamento (ver § Apogiatura a continuación), o en asociación con la indicación de algún otro ornamento (ver § Trino a continuación), independientemente del tiempo utilizado en la ejecución.
En España , las melodías ornamentadas mediante la repetición (" divisiones ") se llamaban " diferencias ", y se remontan a 1538, cuando Luis de Narváez publicó la primera colección de dicha música para vihuela . [2]
Un trino , también conocido como "temblor", es una alternancia rápida entre una nota indicada y la que está encima de ella. En la música simple, los trinos pueden ser diatónicos , utilizando solo las notas de la escala; en otros casos, el trino puede ser cromático . El trino generalmente se indica con un tr o un tr~~ , donde ~ representa la duración del trino, sobre el pentagrama .
A un ritmo moderado, lo anterior podría ejecutarse de la siguiente manera:
![{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \time 2/4 g32[ ag \set stemRightBeamCount = #1 a \set stemLeftBeamCount = #1 gaga] g32[ ag \set stemRightBeamCount = #1 a \set stemLeftBeamCount = #1 gaga] } }](http://upload.wikimedia.org/score/2/j/2jepz6pycx82l2cswl17vo1ae52hqq8/2jepz6py.png)
En la música barroca, el trino a veces se indica con un signo + (más) encima o debajo de la nota.
A finales del siglo XVIII, cuando los intérpretes tocaban un trino, este siempre empezaba con la nota más alta. Sin embargo, " [Heinrich Christoph] Koch no expresó ninguna preferencia y observó que no era una cuestión de mucha importancia si el trino comenzaba de una manera u otra, ya que no había ninguna diferencia audible después de que se hubiera tocado la nota inicial". [3] Clive Brown escribe que "A pesar de que existen tres formas diferentes de mostrar los trinos, parece probable que en cada caso se haya previsto un trino que comience con la nota más alta y termine con un giro". [4]
A veces se espera que el trino termine con un giro (haciendo sonar la nota que está debajo en lugar de la que está encima de la nota principal, inmediatamente antes del último sonido de la nota principal) o con alguna otra variación. Dichas variaciones suelen estar marcadas con algunas notas de adorno después de la nota que lleva la indicación del trino.
También existe un trino de un solo tono, llamado trillo o trémolo, en el Renacimiento tardío y el Barroco temprano. El trino de una sola nota es particularmente idiomático para las cuerdas frotadas.
Un mordente es una alternancia rápida entre una nota indicada, la nota superior (llamada mordente superior , pralltriller o simplemente mordente ) o inferior (llamada mordente invertido o mordente inferior ) y la nota indicada nuevamente. El mordente superior se indica con una tilde corta y gruesa (que también puede indicar un trino); el mordente inferior es el mismo con una línea vertical corta que lo atraviesa.
Al igual que con el trino, la velocidad exacta con la que se ejecuta un mordente variará según el tempo de la pieza, pero, a un tempo moderado, lo anterior podría ejecutarse de la siguiente manera:
La confusión sobre el significado de la palabra mordente sin adornos ha llevado a que se utilicen los términos modernos mordente superior e inferior , en lugar de mordente y mordente invertido . La práctica, la notación y la nomenclatura varían ampliamente para todos estos ornamentos; es decir, si, al incluir el símbolo de un mordente en una partitura musical , un compositor pretendía que la dirección de la nota (o notas) adicional (es) se tocara por encima o por debajo de la nota principal escrita en la partitura varía según cuándo se escribió la pieza y en qué país.
En el período barroco , un mordiente (el equivalente alemán o escocés de mordente ) era lo que más tarde se llamó un mordente invertido y lo que ahora a menudo se llama mordente inferior . En el siglo XIX, sin embargo, el nombre mordente se aplicó generalmente a lo que ahora se llama mordente superior . Aunque ahora se piensa que los mordentes son una sola alternancia entre notas, en el período barroco un mordente a veces puede haber sido ejecutado con más de una alternancia entre la nota indicada y la nota inferior, lo que lo convierte en una especie de trino invertido. Los mordentes de todo tipo podrían, en algunos períodos, comenzar típicamente con una nota adicional no esencial (la nota menor, agregada), en lugar de con la nota principal como se muestra en los ejemplos aquí. Lo mismo se aplica a los trinos, que en los períodos barroco y clásico comenzarían con la nota superior agregada. Una nota inferior no esencial puede o no ser elevada cromáticamente (es decir, con un sostenido natural, o incluso con un doble sostenido) para hacerla un semitono más baja que la nota principal.
Un giro es una figura corta que consta de la nota encima de la indicada, la nota misma, la nota debajo de la indicada y la nota misma nuevamente. Se marca con una forma de S invertida acostada sobre su lado, a veces conocida como "S invertida perezosa", sobre el pentagrama. Los detalles de su ejecución dependen en parte de la ubicación exacta de la marca del giro. Por ejemplo, los giros debajo
puede ser ejecutado como
La velocidad exacta con la que se ejecuta un giro puede variar, al igual que su ritmo. La cuestión de cómo se ejecuta mejor un giro depende en gran medida del contexto, la convención y el gusto. Las notas más bajas y más altas agregadas pueden o no estar cromáticamente elevadas.
Un giro invertido (la nota debajo de la indicada, la nota misma, la nota encima de ella y la nota misma nuevamente) generalmente se indica colocando una línea vertical corta a través del signo de giro normal, aunque a veces el signo mismo está al revés.
Una apoyatura ( / ə ˌ p ɒ dʒ ə ˈ tj ʊər ə / ə- POJ -ə- TURE -ə , italiano: [appoddʒaˈtuːra] ) es una nota añadida que es importante melódicamente (a diferencia de una acciaccatura) y suspende la nota principal por una parte de su valor temporal, a menudo alrededor de la mitad, pero esto puede ser considerablemente más o menos dependiendo del contexto. La nota añadida (la nota auxiliar ) es un grado más alta o más baja que la nota principal, y puede o no estar alterada cromáticamente. Las apoyaturas también suelen estar en el pulso fuerte o más fuerte de la resolución, están enfatizadas y se llega a ellas con un salto y se las deja con un paso en la dirección opuesta al salto. [5] [6]
Una apoyatura se escribe a menudo como una nota de gracia prefijada a una nota principal e impresa en caracteres pequeños, [7] sin el trazo oblicuo:
Esto se puede ejecutar de la siguiente manera:
La palabra acciaccatura ( en inglés : / əˌtʃækəˈtjʊərə / ə- CHAK -ə- TURE - ə ; en inglés : / -ˌtʃɑːkə- / - CHAHK- ; en italiano : [ attʃakkaˈtuːra] ) proviene del verbo italiano acciaccare , " aplastar ". En el siglo XVIII, era un adorno aplicado a cualquiera de las notas principales de los acordes arpegiados , ya sea un tono o semitono por debajo del tono del acorde, golpeado simultáneamente con él y luego liberado inmediatamente. De ahí la traducción alemana Zusammenschlag (golpe conjunto). [8]
En el siglo XIX, la acciaccatura (a veces llamada apoyatura corta ) pasó a ser una variante más corta de la apoyatura larga , donde el retraso de la nota principal es rápido. Se escribe utilizando una nota de adorno (a menudo una corchea ) , con un trazo oblicuo a través de la plica. En el período clásico , una acciaccatura generalmente se interpreta antes del pulso y el énfasis está en la nota principal, no en la nota de adorno. La apoyatura larga o corta tiene el énfasis en la nota de adorno. [ cita requerida ]
La interpretación exacta de esto variará según el tempo de la pieza, pero es posible lo siguiente:
El hecho de que la nota se deba tocar antes o durante el pulso es en gran medida una cuestión de gusto y práctica interpretativa. Excepcionalmente, la acciaccatura puede anotarse en el compás que precede a la nota a la que está unida, lo que indica que se debe tocar antes del pulso. [9] La implicación también varía según el compositor y el período. Por ejemplo, las apoyaturas largas de Mozart y Haydn son, a simple vista, indistinguibles de las acciaccaturas antes del pulso de Músorgski y Prokofiev . [ cita requerida ]
Un glissando es un deslizamiento de una nota a otra, representado por una línea ondulada que conecta las dos notas.
Se escuchan todas las notas diatónicas o cromáticas intermedias (según el instrumento y el contexto), aunque de forma muy breve. En este sentido, el glissando se diferencia del portamento . En la música clásica contemporánea (sobre todo en las piezas de vanguardia), el glissando tiende a asumir todo el valor de la nota inicial.
Un slide (o Schleifer en alemán) indica al ejecutante que comience uno o dos pasos diatónicos por debajo de la nota marcada y deslice hacia arriba. El schleifer generalmente incluye un trino de prall o mordente al final. Willard A. Palmer escribe que "el schleifer es un adorno 'deslizante', [1] generalmente utilizado para llenar el espacio entre una nota y la anterior". [10]
La palabra Nachschlag ( alemán: [ˈnaːxʃlaːk] ) se traduce, literalmente, como "after-beat", y se refiere a "las dos notas que a veces terminan un trino, y que, cuando se toman en combinación con las dos últimas notas del shake, pueden formar un giro".[11] [ Esta cita necesita una cita ]El términoNachschlagtambién puede referirse a "un adorno que tomó la forma de una nota suplementaria que, cuando se coloca después de una nota principal, 'roba' tiempo de ella".[11]
La primera definición de Nachschlag se refiere a la versión "agitada" o trinada del ornamento, mientras que la segunda definición se refiere a la versión "suave". Este ornamento también se ha denominado cadente o springer en la práctica interpretativa del barroco inglés. Los libros de instrucciones del período barroco, como The Division Violist de Christopher Simpson , se refieren al cadente como un ornamento en el que "una nota a veces se adorna uniendo [ sic ] parte de su sonido a la nota siguiente... cuya corchea siguiente se coloca con la nota siguiente, pero se toca con el mismo arco". [12]
Del tratado de Silvestro Ganassi de 1535 tenemos instrucciones y ejemplos de cómo los músicos del Renacimiento y del comienzo del Barroco decoraban su música con ornamentos improvisados. Michael Praetorius habló con entusiasmo de las "diversas y buenas y alegres travesuras de los músicos con pequeñas carreras y saltos". [ Esta cita necesita una cita ]
Hasta la última década del siglo XVI, el énfasis está en las divisiones , también conocidas como diminuciones , passaggi (en italiano), gorgia ("garganta", término usado por primera vez por Nicola Vicentino en 1555 para la ornamentación vocal) o glosas (por Ortiz, tanto en español como en italiano), una forma de decorar una cadencia o intervalo simple con notas más cortas. Estas comienzan como notas de paso simples, progresan a adiciones escalonadas y, en los casos más complicados, son pasajes rápidos de notas de igual valor: florituras virtuosas. Existen reglas para diseñarlas, para asegurarse de que la estructura original de la música se mantenga intacta. Hacia el final de este período, las divisiones detalladas en los tratados contienen más ritmos punteados y otros ritmos desiguales y saltos de más de un paso a la vez.
A partir de Antonio Archilei (1589), [ cita completa requerida ] los tratados incorporan un nuevo conjunto de recursos expresivos llamados gracias junto con las divisiones. Estas tienen un interés mucho más rítmico y están llenas de afecto, ya que los compositores se interesaron mucho más por la representación del texto. Comienza con el trillo y la cascate , y cuando llegamos a Francesco Rognoni (1620) también se nos habla de adornos de moda: portar la voce , accento , tremolo , gruppo , esclamatione e intonatio . [13]
Tratados clave que detallan la ornamentación:
Los ornamentos en la música barroca adquieren un significado diferente. La mayoría de los ornamentos se producen en el tiempo y utilizan intervalos diatónicos de forma más exclusiva que los ornamentos de los períodos posteriores. Si bien cualquier tabla de ornamentos debe ofrecer una presentación estricta, se debe tener en cuenta el tempo y la duración de las notas, ya que en tempos rápidos sería difícil o imposible tocar todas las notas que se requieren habitualmente. Una realización de algunos ornamentos barrocos comunes se encuentra en la siguiente tabla del Klavierbüchlein für Wilhelm Friedemann Bach de JS Bach :
Otra realización se puede ver en la tabla de Pièces de clavecin (1689) de Jean-Henri d'Anglebert :
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, no había formas estándar de realizar adornos y, a veces, varios adornos distintos podían realizarse de la misma manera. [14]
En el siglo XIX, los intérpretes añadían o improvisaban adornos a las composiciones. Como observó CPE Bach , "las piezas en las que se indican todos los adornos no tienen por qué dar problemas; por otro lado, las piezas en las que se marcan poco o nada deben ir acompañadas de adornos de la forma habitual". [15] Clive Brown explica que "para muchos entendidos de esa época, la individualidad del embellecimiento de la notación divina por parte de un intérprete era una parte vital de la experiencia musical". [ página necesaria ]
En la obra de Beethoven , sin embargo, no debería haber ningún adorno adicional añadido por un intérprete. Incluso en las composiciones de Mozart, los adornos no incluidos en la partitura no están permitidos, como explica Brown: "La mayor parte de la música de cámara a partir de Mozart que aún permanece en el repertorio pertenece al tipo en el que cada nota está pensada y que prácticamente no tolera añadidos ornamentales del tipo que estamos considerando aquí..." [16]. Sin embargo, estudios recientes han puesto en tela de juicio esta afirmación. [17]
La música jazz incorpora una amplia variedad de adornos, incluidos muchos de los clásicos mencionados anteriormente, así como varios de su propia cosecha. La mayoría de estos adornos son añadidos por los intérpretes durante sus improvisaciones solistas o como adornos escritos. Si bien estos adornos tienen nombres universales, sus realizaciones y efectos varían según el instrumento. La música jazz incorpora la mayoría de los ornamentos "clásicos" estándar, como trinos, notas de gracia, mordentes, glissandos y giros, pero agrega una variedad de ornamentos adicionales como notas "muertas" o fantasmas (un sonido de percusión, notado por una "X"), notas "doit" y notas "fall" (anotadas por líneas curvas sobre la nota, indicando por la dirección de la curva que la nota debe subir o bajar rápidamente en la escala), [18] apretones (anotados por una línea curva desde una "X" a un tono específico, que denota un glissando no afinado), y sacudidas (anotadas por una línea ondulada sobre una nota, que indica un trino de labios rápido para los músicos de metal y un trino de tercera menor para los instrumentos de viento). [19]
En la música carnática , el término sánscrito gamaka (que significa "mover") se utiliza para denotar ornamentación. Una de las formas más inusuales de ornamentación en la música del mundo es el kampitam carnático , que consiste en hacer oscilar una nota de diversas maneras variando la amplitud, la velocidad o el número de veces que se oscila la nota. Se trata de una ornamentación muy sutil, pero científica, ya que la misma nota puede oscilar de diferentes maneras según el raga o el contexto dentro de un raga. Por ejemplo, la cuarta nota (Ma) en Shankarabharanam o Begada permite al menos tres a cinco tipos de oscilación según las frases dentro del raga.
Otro gamaka importante en carnático es el "Sphuritam", que trata de reproducir una nota dos veces, pero con fuerza desde una nota de gracia inmediatamente inferior la segunda vez. Por ejemplo, la tercera nota (Ga) se reproduciría simple la primera vez y con fuerza desde la segunda (Ri) la siguiente vez.
La ornamentación es una característica distintiva de la música galesa , irlandesa , escocesa y de Cabo Bretón . Un cantante, violinista, flautista, arpista, flautista de hojalata , gaitero o un intérprete de otro instrumento puede añadir notas de gracia (conocidas como "cortes" o "golpes" en el violín irlandés), slides, rolls, cranns, duplicaciones, mordentes, drones, agudos (o birls en el violín escocés) o una variedad de otros adornos a una melodía determinada. [20]
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