Irere (primavera/verano 2003) fue la vigésimo primera colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen para su casa de moda homónima . Irere se inspiró en imágenes de la Era de los Descubrimientos y de la gente y los animales de la selva amazónica . Se afirma que su título significa "transformación" en una lengua indígena amazónica no especificada . La colección comprendía tres conceptos distintos presentados como una secuencia narrativa: piratas náufragos, conquistadores amenazantesy aves tropicales. McQueen describió la colección como un esfuerzo por presentar un punto de vista más maduro y sorprender a los espectadores con colores atrevidos.
El desfile de la colección se celebró el 5 de octubre de 2002 durante la Semana de la Moda de París . Las modelos desfilaron por un escenario blanco desnudo con una gran pantalla como telón de fondo. Una película de John Maybury acompañó el desfile, describiendo las fases de la narrativa de la colección. Se presentaron cincuenta y seis looks. Los más significativos fueron el "vestido del naufragio", que lució una modelo en la película de Maybury, y el " vestido ostra ", un vestido técnicamente complejo con una falda hecha de cientos de círculos individuales de organza , que se asemejaba a una concha de ostra . Un pañuelo con estampado de calaveras presentado en Irere se convirtió en tendencia y luego en una firma de la marca.
La respuesta a la colección fue positiva, especialmente hacia el vestido ostra, que los críticos consideraron una prueba de las habilidades en evolución de McQueen como diseñador. Aunque algunos críticos criticaron la narrativa del desfile, la mayoría consideró que los coloridos vestidos del tercer acto fueron un final fuerte. Muchos en la industria nombraron a Irere como uno de sus favoritos para la temporada. Los conjuntos de Irere aparecieron en varias páginas de revistas después del desfile. Varios museos conservan artículos de la colección, algunos de los cuales han aparecido en exposiciones como la retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty .
El diseñador británico Alexander McQueen era conocido en la industria de la moda por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus desfiles de moda que eran teatrales hasta el punto de rozar el arte escénico . [1] [2] [3] Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. [3] [4] [5] En 2000, McQueen vendió el 51 por ciento de su empresa a la casa de moda italiana Gucci, pero mantuvo el control creativo. [6] [7] Aunque trabajó en prêt-à-porter (ropa producida para la venta minorista), su trabajo presentaba un grado de artesanía que rayaba en la alta costura . [8] [9] [10]
Las fijaciones personales de McQueen tuvieron una fuerte influencia en sus diseños, especialmente su amor por el mundo natural, al que hacía referencia visualmente y mediante la incorporación de materiales naturales. [11] McQueen sentía una afinidad por el agua y el océano: disfrutaba nadando y buceando y, más adelante en su vida, fue dueño de una casa junto al mar. Este amor se reflejó en su carrera desde sus primeras etapas. Los desfiles de las primeras colecciones, como Bellmer La Poupee (primavera/verano de 1997) y Untitled (primavera/verano de 1998), incluyeron elementos acuáticos, y la campaña publicitaria de Supercalifragilisticexpialidocious (otoño/invierno de 2002) mostraba a una modelo suspendida en un recipiente lleno de agua. [12] Su amor por el cine influyó en muchas de sus colecciones. [13]
La carrera de McQueen fue aproximadamente paralela a la de su colega diseñador británico John Galliano , quien lo precedió en la industria por aproximadamente una década. [14] [15] [16] Ambos se habían graduado de la escuela de arte Central Saint Martins en Londres: Galliano en 1984 y McQueen en 1992. [17] [18] [19] Ambos habían comenzado sus carreras como diseñadores independientes antes de ser contratados por famosas casas de moda francesas a mediados de la década de 1990; McQueen había reemplazado a Galliano en Givenchy cuando Galliano fue a Dior . [18] [20] [21] Sus diseños y desfiles fueron igualmente creativos y teatrales. [22] [23] Durante el período en el que sus carreras se superpusieron, los periodistas de moda compararon y contrastaron sus trabajos y elecciones profesionales, y en ocasiones se los ha llamado rivales. [23] [24] [25] McQueen, que tenía una vena competitiva, se resentía de que lo compararan con Galliano y a menudo buscaba emular o superar las ideas de Galliano en su propio trabajo. [26] [27]
Irere (primavera/verano de 2003) fue la vigésimo primera colección que McQueen diseñó para su casa de moda homónima . La colección comprendía tres conceptos distintos presentados como una secuencia narrativa. [10] [28] [29] McQueen había utilizado una estructura de tres actos en desfiles anteriores, lo que permitía la exploración de múltiples variaciones sobre un tema. [30] Para Irere , McQueen diseñó primero la fase final, luego trabajó hacia atrás a través de las fases intermedia y primera. [8]
Las dos primeras fases se inspiraron en los exploradores, piratas y conquistadores de la Era de los Descubrimientos . La fase final se basó en la cultura y la vestimenta de los pueblos indígenas de la Amazonía y en el colorido plumaje de aves tropicales como los guacamayos . [8] [31] [32] [33] Al representar el conflicto que ocurrió cuando los exploradores europeos se encontraron con el Amazonas, estuvo significativamente influenciado por La Misión , una película de época de 1986 de Roland Joffé , en la que un jesuita español intenta proteger a una tribu indígena paraguaya de la conquista y la esclavitud. [8] [34] Se suele afirmar que la palabra "irere" significa "transformación" en una lengua indígena amazónica no especificada , aunque Judith Watt afirma que es una palabra amerindia que se refiere al pato silbador de cara blanca . [35] [28] [29]
Como era típico de McQueen, la colección tenía una fuerte tendencia historicista , con elementos de la moda isabelina y victoriana incorporados en toda la colección. [10] [29] [30] [36] Algunos críticos notaron una posible influencia de las obras de William Shakespeare La duodécima noche y La tempestad , ambas tratan sobre los sobrevivientes de naufragios. [37] [36] McQueen describió la colección como un esfuerzo por mostrar un lado más maduro y romántico. Buscó sorprender a los espectadores con colores atrevidos, que anteriormente había evitado. [8] Le dijo a Women's Wear Daily : "Con todos los incidentes terroristas y las conversaciones sobre la guerra, estaba tratando de ser más políticamente correcto para los tiempos". [8]
La primera fase de la colección sugirió la vestimenta de piratas o bucaneros náufragos . [28] [29] Los conjuntos presentaban blusas con volantes, capas de cuero sobre gasa y elementos de moda isabelina que incluían corsés y jubones . [10] [29] También había pantalones sueltos de lino . [32] Los elementos de encaje y gasa estaban desgastados para acentuar el aspecto de náufrago. [38] Finalmente, muchos conjuntos se terminaron con botas piratas de cuero marrón hasta la rodilla . [28]
La segunda fase incluyó atuendos con siluetas y materiales similares a la primera fase, excepto que estaban completamente en negro. [10] [29] Muchos artículos presentaban piel de serpiente o recortes láser precisos . [39] Watt interpretó esta sección como una referencia a los conquistadores españoles y portugueses que invadieron América del Sur en los siglos XV y XVI. [40] Algunos críticos encontraron que estos artículos recordaban a las prendas clericales cristianas , mientras que Joelle Diderich de The Courier-Mail encontró un parecido con los trajes de los bandoleros del siglo XVIII y los motociclistas proscritos modernos . [9] [37] [39]
La sección final presentó monos y vestidos largos de gasa en colores brillantes que hacían eco del plumaje de las aves tropicales, con algunos conjuntos que presentaban plumas reales. [10] [39] [41] Otros vestidos presentaban estampados de plumas encargados al diseñador Jonathan Saunders . [28] [42] McQueen dijo que un estampado, que tardó cinco meses en desarrollarse, utilizó veintiséis colores; el vestido para el que se utilizó se vendió por 15.000 dólares estadounidenses. [8] Kristin Knox escribió que el Look 56, que combinaba una chaqueta con volados de estilo histórico con una falda moderna de teñido anudado, contrastaba la chaqueta masculina con la falda femenina de una manera que "actualiza y descontextualiza la inclinación de McQueen por la sastrería histórica". [36] Varios conjuntos presentaban zapatos con tacones de bloque transparentes que tenían mariposas en su interior. [39] [43]
El desfile de Irere se realizó el 5 de octubre de 2002 durante la Semana de la Moda de París , en la Grande halle de la Villette . [44] La invitación era un flipbook que mostraba el rostro de una modelo que gradualmente se transformaba en el de un niño indígena amazónico. [45] La asistencia fue inusualmente alta para un desfile de moda (había 2.500 invitados) y los asientos se extendían hasta las vigas para acomodarlos a todos. [9] [35] Las modelos caminaron alrededor de un cuadrado blanco desnudo que se decía que era del tamaño de una cancha de baloncesto , con una pantalla de 15 por 6 m (50 por 20 pies) como telón de fondo. [39] [46] [47] Como es habitual en McQueen, los sombreros para el desfile fueron proporcionados por el sombrerero Philip Treacy y las joyas por Shaun Leane . [48] [49] Val Garland diseñó el maquillaje y Guido Palau fue responsable del cabello. [50] Joseph Bennett, quien había diseñado todas las pasarelas de McQueen desde la número 13 (primavera/verano de 1999), regresó para encargarse del diseño de la escenografía . [51]
La banda sonora del programa comprendía lo que la autora Katharine Gleason describió como "música tribal y de lamentos" en la primera fase. [38] En la segunda, las pistas incluían versiones de " Son of a Preacher Man " y " The Jean Genie ". [28] [38] El diseño de sonido para la tercera fase incluía música de percusión y cantos de pájaros. [52]
Durante la muestra se proyectó un cortometraje de John Maybury que representa las fases de la narrativa de la colección. Una joven que lleva lo que se conocería como el "vestido de naufragio" nada hasta una costa tropical después de un naufragio . [28] [53] En la jungla, evade a sus perseguidores vestidos de negro con brillantes ojos verdes: conquistadores o quizás espíritus malignos. [38] [53] El segmento final se presenta en imágenes térmicas coloridas : transformada por la naturaleza, la niña escapa para vivir entre los indígenas de la zona. [28] [52] [53] Según Maybury, McQueen estaba en el set durante la filmación, "actuando como codirector y director de arte". [54] La curadora Susanna Brown conectó la primera parte de la película de Maybury con fotografías submarinas tomadas por Toni Frissell a fines de la década de 1940. Argumentó que las fotos de Frissell y la película de Maybury estaban enmarcadas visualmente para que no quedara claro si las mujeres se hundían o ascendían. [55]
Un total de cincuenta y seis looks fueron presentados durante el desfile. La primera parte del show comprendía veinte atuendos. [28] [29] Las modelos fueron estilizadas con maquillaje corrido y cabello mojado de acuerdo con el concepto de naufragio. [28] [38] El look 14 era una levita con un diseño de pez koi basado en un tatuaje que tenía McQueen. [29] El vestido ostra apareció durante esta fase, al igual que el vestido de naufragio usado en la película de apertura, como los looks 18 y 20, respectivamente. [10] [29] [56] La segunda fase comprendía dieciocho atuendos. [10] [29] Las modelos tenían peinados de colmena con maquillaje de ojos negro que recordaba a las máscaras de dominó . [10] [29] [39] El look 28 presentaba aretes de gran tamaño hechos de púas de puercoespín , que, inusualmente, enmarcaban las orejas de la modelo en forma de abanico. [10] El conjunto más significativo de esta sección fue el Look 32, que presentó a Karen Elson con un body nude cubierto de cuentas de vidrio negras en diseños estilizados, combinado con un disco plateado sostenido en la boca que efectivamente dividió su rostro en dos. [10] [38] [57] La tercera sección comprendió dieciocho atuendos. [39] Los looks 44 y 53 presentaron grandes tocados de plumas inspirados en el trabajo de plumas indígenas . [10] [41] [52] El look 49 fue otra iteración del vestido ostra, con un corpiño rojo y la falda con volantes en arcoíris. [10] [58] Al final del desfile, las modelos aparecieron en masa para un turno final, junto con McQueen, quien lució un traje blanco para su moño. [54] [59]
Él quería esa idea, era casi como si se hubiera ahogado, y la parte superior del vestido es toda de ballenas finas y tul, y la gasa está toda deshilachada y despeinada en la parte superior. La falda está hecha de cientos y cientos de círculos de organza. Luego, con un bolígrafo, lo que Lee hizo fue dibujar líneas orgánicas. Y luego todos esos círculos fueron cortados, unidos y luego aplicados en estas líneas a lo largo de la falda. Así se creó este efecto orgánico, similar al de una ostra.
Sarah Burton [31]
El diseño más significativo de Irere es el vestido ostra , una reinterpretación de un diseño de 1987 de John Galliano llamado "vestido de mariscos", que McQueen había admirado durante mucho tiempo y buscado emular. [60] [61] El diseño de McQueen es un vestido de un solo hombro en gasa de seda beige cortada al bies con una parte superior del cuerpo deshuesada y una falda larga. [8] [29] [38] Cientos de círculos individuales de organza fueron cosidos a un vestido base cortado al bies en capas densas, asemejándose a una concha de ostra o un pastel de milhojas . [31] [29] [38] El vestido beige original apareció en el desfile de Irere como Look 18, usado por Leticia Birkheuer . [10] La versión con la falda en arcoíris apareció como Look 49, usado por Michelle Alves . [10] [58] El vestido ostra se considera un diseño icónico de McQueen, superando incluso al famoso vestido Galliano. [62] [63] McQueen volvió a este concepto varias veces a lo largo de su carrera. [64] [65] [66]
El look 20, el vestido del naufragio, apareció en la película Maybury y fue usado por Adina Fohlin en la fase pirata del programa. [10] [28] [53] El erudito en moda Harold Koda consideró el vestido del naufragio como una referencia al himation , una prenda envuelta de la antigua Grecia . [56] Argumentó que el estilo, con la tela drapeada sobre el torso y la falda desgarrada, hace que el usuario parezca estar en un estado de "emergencia victoriosa de una batalla en el mar", asemejándose a la diosa Niké . [56] El crítico Herbert Muschamp vio el vestido del naufragio durante una exhibición en un museo y escribió que su estado andrajoso sugería que McQueen estaba haciendo una analogía entre la vida urbana y el mal tiempo. [67] Le recordó la muerte de la bailarina Isadora Duncan , quien murió cuando su larga bufanda se enredó en las ruedas de su auto, rompiéndole el cuello. [67] Una reseña del New York Times sobre la misma exposición concluyó que era uno de los vestidos más memorables presentados, logrando "transmitir la sensación de devastación sexual que animó gran parte de la literatura griega". [68]
La autora Kristin Knox sugirió que el look 32 representaba una referencia al efecto de la humanidad en la selva tropical. [36] Para Katharine Gleason, el look transformó a la modelo en varios personajes llamativos: "un antiguo colonizador, un pájaro oscuro y misterioso, un extraterrestre que visitaba la Tierra desde una galaxia distante". [38]
La recepción contemporánea para Irere fue positiva, y muchos en la industria la llamaron una de las mejores colecciones de esa temporada. [9] [69] Women's Wear Daily ( WWD ) la llamó la "favorita indiscutible" para la primavera/verano de 2003 y más tarde la nombró una de sus doce mejores de la temporada. [70] [71] Los compradores de los grandes almacenes, incluidos Neiman Marcus , Bloomingdale's , Bergdorf Goodman y Hankyu , la incluyeron como favorita. [70] El New York Times citó a la estilista de moda Anne Christensen diciendo que "Alexander McQueen es el mejor diseñador de la temporada porque su ropa es hermosa y su silueta original". [72]
Los críticos generalmente estuvieron de acuerdo en que la colección mostraba la creciente madurez de McQueen como diseñador, aunque algunos sintieron que esto se produjo a expensas de sus famosas y teatrales presentaciones en pasarela. [8] [10] [39] Melissa Hoyer del Sunday Telegraph de Sydney sintió que McQueen había "crecido y bajado el tono" bajo Gucci y sintió que muchos diseños "parecían realmente ponibles". [43] Sarah Mower, que escribe para Vogue , lamentó la ausencia de las "famosas y macabras tácticas de desfile" de McQueen. [10] Independientemente de sus sentimientos sobre el desfile, la mayoría de los críticos estaban satisfechos con la ropa en sí. El redactor de WWD dijo que la colección mostraba "un grado alucinante de creatividad y trabajo". [47] Miles Socha, editor de WWD , escribió que "McQueen tenía París a sus pies" con Irere . [8]
Los críticos estaban un tanto divididos sobre la narrativa de la colección. En The Daily Telegraph , Hilary Alexander llamó a Irere un "viaje no menos extraordinario" que el de los exploradores que lo inspiraron. [39] Mower lo llamó un "viaje extraño" con una fase intermedia "en gran medida redundante". [10] El redactor de WWD dijo que las fases "aparentemente no relacionadas" pero se preguntó si el tema del naufragio y la supervivencia era una metáfora del accidentado viaje de McQueen a través de la industria de la moda. [47] Encontraron que el tamaño de la pasarela y la multitud hicieron que fuera difícil apreciar los intrincados detalles de las prendas. [47]
Muchos críticos consideraron que la fase final fue la mejor de las tres. Mower elogió esta fase por sus vestidos y monos de colores brillantes, llamándolos "grandes espectáculos". [10] Socha llamó a esta fase un " éxito de taquilla en Technicolor ". [8] Para The Independent , Susannah Frankel escribió que en comparación con el final "vívido", un "ave del paraíso aquí se reduciría a violeta encogida". [37] Diderich escribió que "no había duda sobre el talento de McQueen", destacando el vestido ostra arcoíris como un punto culminante. [9] Hilary Alexander llamó al mismo vestido "impresionante". [39] Cartner-Morley llamó a las dos primeras fases gloriosas pero "territorio familiar de McQueen", encontrando el "alegre alboroto" de la tercera fase como la mejor de las tres. [73] Stephen Todd de The Australian sintió que el final mostró el "punto de vista único" de McQueen como un joven forastero con sensibilidades macabras. [69]
La colección es vista como algo positivo en retrospectiva. Chloe Fox de Vogue la llamó una "fábula sartorial en la que McQueen fusionó historia, exotismo y naturaleza". [33] Maybury recordó que "cada pieza era una pieza de alta costura sensacional a pesar de que estaba destinada a ser prêt-à-porter". [54] En The Little Book of Alexander McQueen , Karen Homer escribió que era inusual que McQueen siguiera las tendencias, pero que hizo que la colección "fuera aún más llevable por ello". [74]
Los colores brillantes y tropicales fueron una tendencia para la temporada primavera/verano 2003 en su conjunto. [69] [58] [74] El crítico Stephen Todd señaló que esto era un cambio con respecto a los tonos apagados de las temporadas anteriores, que sentía que habían representado un malestar posterior al 11 de septiembre . [69] Judith Watt argumentó que otros diseñadores que usaban colores brillantes esa temporada no estaban "confiando en ideas profundas de sus psiques", a diferencia de McQueen, quien ella sentía que había "explorado un lado íntimo de su vida" para crear una colección muy personal. [58]
El historiador de moda Alistair O'Neill citó a Irere como un ejemplo del interés de McQueen en diseñar colecciones que demostraran la transformación en una narrativa a lo largo del tiempo, como una película. [45] Tanto Andrew Wilson como Watt resumieron el tema como uno de encontrar la redención a través de la naturaleza. [29] [54] En la interpretación de Watt, los conquistadores de la segunda fase fueron "absorbidos por la jungla" y transformados en las mujeres vestidas de arcoíris de la fase final. [57] Cathy Horyn de The New York Times escribió que "el golpe brillante de McQueen fue conectar el pasado y el presente a través del triunfo de la naturaleza". [32]
La investigadora Lisa Skogh señaló que McQueen a menudo incorporaba conceptos y objetos que podrían haber aparecido en un gabinete de curiosidades : colecciones de objetos naturales e históricos que fueron los precursores de los museos modernos . [75] Describió dos ejemplos en Irere. Históricamente se creía que los dientes de tiburón , utilizados en la colección para decorar pulseras, eran lenguas de serpiente que podían detectar veneno. [49] Las plumas de aves tropicales, que aparecen mucho en Irere tanto literalmente como en impresiones de tela, se exhibían popularmente en gabinetes de curiosidades. [76]
La ropa de Irere apareció en varias portadas y artículos de revistas. Uno de los coloridos vestidos de Irere apareció en Vogue, fotografiado por Regan Cameron ; otro apareció en Harper's Bazaar . [77] [78] Natalia Vodianova usó el vestido ostra original para dos sesiones fotográficas: Vogue en enero de 2003, fotografiada por Craig McDean , y Harper's Bazaar en marzo de 2003, fotografiada por Peter Lindbergh . [79] El vestido ostra arcoíris apareció en la portada de Vogue Italia para su edición de primavera/verano de 2003. [80] Joy Bryant lo usó para una sesión fotográfica para la revista InStyle en marzo de 2003, llamándolo el vestido "Rainbow Cancan". [81]
La poeta estadounidense Terri Witek publicó un poema inspirado en el vestido del naufragio en la edición de invierno de 2005 de The Hudson Review , republicado como parte de su colección de 2008 The Shipwreck Dress . [82] [83]
Solo se sabe que existen dos copias del vestido beige ostra . [84] El Museo Metropolitano de Arte (el Met) en la ciudad de Nueva York posee uno, adquirido en 2003. [a] [86] El Met también posee una copia del vestido de naufragio, adquirido en 2014, y un par de botas de cuero de Irere , adquiridas en 2008. [87] [88] Los vestidos ostra y naufragio aparecieron en su exposición Goddess: The Classical Mode (2003) y, con otras prendas de Irere , en ambas representaciones de la exposición retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty . [86] [89] Otros artículos de Irere que aparecen en Savage Beauty incluyen un tocado de plumas de Philip Treacy, joyas de Shaun Leane y un clip de la película de Maybury. [48] [90] Una selección de bocetos a lápiz inéditos de diseños para Irere se presentaron en Alexander McQueen , un libro de ensayos publicado para acompañar la segunda puesta en escena de Savage Beauty. [91]
El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles posee varias piezas de la colección, que aparecieron en la exposición de 2022 Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse . Su archivo incluye una copia del vestido del naufragio y una variación del Look 24 de la fase intermedia del programa. [92] La exposición mostró el vestido del naufragio como un ejemplo del tipo de diseño fluido y drapeado que McQueen había aprendido en Givenchy. [93] Se exhibieron otros artículos como ejemplos de la inclinación historicista de la colección: un top de cuero que recordaba a un jubón del siglo XVI , una chaqueta de cuero que se asemejaba a las mangas cortadas del mismo período y un conjunto de mezclilla con cordones extensos. [94] La Galería Nacional de Victoria (NGV) en Australia posee un vestido negro de la colección minorista. [95] [96]
La personalidad de los medios Kim Kardashian posee el otro vestido ostra conocido, comprado en la boutique vintage de Los Ángeles Lily et Cie. [84] En 2020, usó el vestido ostra en una fiesta posterior a los Premios de la Academia organizada por Vanity Fair . [84] La teórica de la moda Naomi Braithwaite argumentó que al adquirir artículos de moda de archivo como el vestido ostra, Kardashian estaba tratando de integrar la historia cultural de esos objetos en su propia narrativa de celebridad, aumentando así su propio significado cultural por asociación. [97]
La actriz Maddie Ziegler lució una copia del vestido del naufragio para la alfombra roja de la 30.ª edición de los premios Screen Actors Guild Awards en febrero de 2024, procedente del archivo de moda vintage Shrimpton Couture. [98] [99]
Varios elementos de Irere reaparecieron en las colecciones posteriores de McQueen. La bufanda con estampado de calaveras que se usó en varios conjuntos, incluidos los looks 11 y 17, fue un éxito de ventas que se convirtió en una firma de la marca. [100] [101] Los estampados de plumas de Saunders reaparecieron en la colección primavera/verano 2008 de McQueen, La Dame Bleue. [42] Kristin Knox consideró a Irere como una exploración temprana del impacto del hombre en el mundo natural, un tema al que McQueen regresó en sus colecciones finales, incluida Natural Dis-tinction Un-natural Selection (primavera/verano 2009). [36] [102] Revisitó este tema en combinación con un enfoque en un entorno marino en su colección final completamente realizada, Plato's Atlantis (primavera/verano 2010), que imaginaba un mundo en el que la humanidad había regresado al océano y evolucionado hacia una forma submarina. [103]
McQueen volvió al concepto del vestido ostra varias veces. La actriz Liv Tyler lució una variación del vestido ostra en el estreno en París de El Señor de los Anillos: Las Dos Torres en diciembre de 2002. [104] Su versión tenía un corpiño corsé y una falda rosa hecha de 250 metros (273 yardas) de organza de seda . [64] [105] Diseñó un vestido de novia basado en el vestido ostra para la boda en agosto de 2004 de su entonces asistente Sarah Burton. [65] [106] Watt y Thomas describieron varios vestidos de Las viudas de Culloden (otoño/invierno de 2006) como evoluciones del vestido ostra, incluido el vestido usado en la ilusión de Kate Moss que sirvió como final del programa. [60] [66]
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