El burlesque victoriano , a veces conocido como parodia o extravagancia , [1] es un género de entretenimiento teatral que fue popular en la Inglaterra victoriana y en el teatro neoyorquino de mediados del siglo XIX. Es una forma de parodia en la que una ópera o pieza de teatro clásico o ballet conocida se adapta a una obra cómica amplia, generalmente una obra musical, generalmente de estilo atrevido, burlándose de las convenciones y estilos teatrales y musicales de la obra original, y a menudo citando o copiando texto o música de la obra original. El burlesque victoriano es una de las varias formas de burlesque .
Al igual que la ópera balada , los burlescos presentaban partituras musicales basadas en una amplia gama de música, desde canciones populares contemporáneas hasta arias operísticas, aunque los burlescos posteriores, a partir de la década de 1880, a veces presentaban partituras originales. La danza jugó un papel importante y se prestó gran atención a la puesta en escena, el vestuario y otros elementos espectaculares de la escenografía, ya que muchas de las piezas se representaban como extravagancias . Muchos de los papeles masculinos fueron interpretados por actrices como papeles de pantalones , para mostrar las piernas de las mujeres en mallas, y algunos de los papeles femeninos más antiguos fueron interpretados por actores masculinos.
Originalmente eran piezas breves de un solo acto, pero luego se convirtieron en espectáculos de larga duración que ocupaban la mayor parte o la totalidad del programa de una velada. Entre los autores que escribieron burlesques se encuentran JR Planché , HJ Byron , GR Sims , FC Burnand , WS Gilbert y Fred Leslie .
El teatro burlesco se hizo popular a principios de la era victoriana . La palabra "burlesque" se deriva del italiano burla , que significa "ridículo o burla". [2] [3] Según el Grove Dictionary of Music and Musicians , el burlesco victoriano estaba "relacionado con la pantomima y en parte derivado de ella y puede considerarse una extensión de la sección introductoria de la pantomima con la adición de gags y 'giros'". [4] Otro antecedente fue la ópera balada , en la que se adaptaban nuevas palabras a melodías existentes. [5]
Madame Vestris produjo burlesques en el Teatro Olímpico a partir de 1831 con Olympic Revels de JR Planché . [6] En estas piezas, la comedia surgió de la incongruencia y el absurdo de los grandes temas clásicos, con vestimentas y escenarios históricos realistas, que se yuxtaponen con las actividades modernas cotidianas retratadas por los actores. Por ejemplo, Olympic Revels comienza con los dioses del Olimpo con vestimentas griegas clásicas jugando al whist . [7] En los primeros burlescos, las palabras de las canciones se escribían con música popular, como se había hecho antes en The Beggar's Opera . Más tarde, en la era victoriana, el burlesque mezcló opereta , music hall y revista , y algunos de los espectáculos burlescos a gran escala se conocieron como extravaganzas . [8] El estilo inglés de burlesque fue lanzado con éxito en Nueva York en la década de 1840 por el gerente y comediante William Mitchell, quien había abierto su Teatro Olímpico en diciembre de 1839. Al igual que los prototipos de Londres, sus burlesques incluían personajes con nombres sin sentido como Wunsuponatyme y El Rey de Neverminditsnamia, y se burlaban de todo tipo de música que se presentaba en ese momento en la ciudad. [9]
A diferencia de la pantomima, que estaba dirigida a todas las edades y clases, el burlesque estaba dirigido a un público más reducido y altamente culto; [10] algunos escritores, como los hermanos Brough, [11] apuntaban a un público conservador de clase media, y el éxito de H. J. Byron se atribuyó a su habilidad para atraer a las clases medias bajas. [10] Algunos de los temas más frecuentes para el burlesque fueron las obras de Shakespeare y la gran ópera. A partir de la década de 1850, el burlesque de la ópera italiana, francesa y, más tarde en el siglo, alemana fue popular entre el público de Londres. Il trovatore y La traviata de Verdi tuvieron sus estrenos británicos en 1855 y 1856 respectivamente; los burlesques británicos de ellas siguieron rápidamente. Nuestra Señora del Cameleón de Leicester Silk Buckingham y Nuestra Traviata de William F. Vandervell (ambas de 1857) fueron seguidas por cinco tratamientos burlescos diferentes de Il trovatore , dos de ellos de HJ Byron: Ill Treated Trovatore, or the Mother the Maiden and the Musicianer (1863) y Il Trovatore or Larks with a Libretto (1880). [12] Las óperas de Bellini , Bizet , Donizetti , Gounod , Handel , Meyerbeer , Mozart , Rossini , Wagner y Weber fueron burlescas. [4] [12] En un estudio de 2003 sobre el tema, Roberta Montemorra Marvin señaló:
En la década de 1880, casi todas las óperas verdaderamente populares se habían convertido en tema de un burlesque. Generalmente se representaban después del estreno de una ópera o después de una reposición exitosa, y solían disfrutar de producciones locales, a menudo durante un mes o más. La popularidad del burlesque escénico en general y del burlesque operístico en particular parece haber surgido de las muchas formas en que entretenía a un grupo diverso y de la manera en que se alimentaba y alimentaba de la atmósfera circense o carnavalesca del Londres público victoriano. [12]
WS Gilbert escribió cinco óperas burlescas al principio de su carrera, comenzando con Dulcamara, or the Little Duck and the Great Quack (1866), la más exitosa de las cuales fue Robert the Devil (1868). [13] En la década de 1870, la compañía burlesca de Lydia Thompson , con Willie Edouin , se hizo famosa por sus burlescas, de autores como HB Farnie y Robert Reece , tanto en Gran Bretaña como en los EE. UU. [14]
El estudioso de Shakespeare Stanley Wells señala que, aunque ya habían aparecido parodias de Shakespeare en vida de Shakespeare, el apogeo del burlesque shakespeariano fue la era victoriana. [15] Wells observa que el burlesque shakespeariano victoriano típico "toma una obra de Shakespeare como punto de partida y crea a partir de ella un entretenimiento principalmente cómico, a menudo de maneras que no guardan relación con la obra original". [16] Wells da, como ejemplo de los juegos de palabras en los textos, lo siguiente: Macbeth y Banquo hacen su primera entrada bajo un paraguas. Las brujas los saludan con "¡Salve! ¡Salve! ¡Salve!": Macbeth le pregunta a Banquo: "¿Qué significan estos saludos, noble thane?" y este le responde: "Estas lluvias de 'Salve' anticipan tu 'reinado'". [16] Musicalmente, los burlesques shakespearianos eran tan variados como los demás del género. Una parodia de Romeo y Julieta de 1859 contenía 23 números musicales, algunos de ópera, como la serenata de Don Pasquale , y algunos de aires tradicionales y canciones populares de la época, incluidas " Buffalo Gals " y "Nix my Dolly". [17]
El diálogo de las burlescas se escribía generalmente en versos rimados o, con menos frecuencia, en otras formas de verso, como el verso libre; se destacaba por sus malos juegos de palabras . [4] Por ejemplo, en Fausto hasta la fecha (1888), un pareado dice:
Según Grove , aunque "un elemento casi indispensable del burlesque era la exhibición de mujeres atractivas vestidas con mallas, a menudo en papeles de travestismo ... las obras en sí mismas normalmente no tendían a la indecencia". [4] Algunos críticos contemporáneos adoptaron una visión más severa; en un artículo de 1885, el crítico Thomas Heyward elogió a Planché ("fantasioso y elegante") y a Gilbert ("ingenioso, nunca vulgar"), pero escribió sobre el género en su conjunto: "el burlesque llamativo y 'de piernas largas', con sus canciones 'jergosas', 'colapsos' groseros, bromas vulgares, juegos de palabras insignificantes y muecas estúpidas ante todo lo que es elegante y poético es simplemente odioso... El burlesque, insensato, sin espíritu e indiscriminado, desmoraliza tanto a la audiencia como a los actores. Degrada el gusto del público". [19] Gilbert expresó sus propios puntos de vista sobre el valor del burlesque:
La cuestión de si el burlesque tiene derecho a ser considerado arte es, en mi opinión, una cuestión de grado. El mal burlesque está tan alejado del verdadero arte como lo está un mal cuadro. Pero el burlesque en su desarrollo superior exige un gran poder intelectual por parte de sus profesores. Aristófanes , Rabelais , Geo Cruikshank , los autores de los Discursos rechazados , John Leech y Planché fueron todos ellos, en sus respectivas ramas, profesores de burlesque auténtico. [20]
En su burlesque de Longfellow Hi-A-Wa-Tha de 1859 , el dramaturgo estadounidense Charles Walcot resumió el carácter del burlesque en el epílogo, dirigido al público por la Sra. John Wood como Minnehaha:
En la misma línea, diez años más tarde, Gilbert dio un punto de vista inglés sobre el burlesque, en su epílogo a La bella druida :
Las actrices de burlesque solían interpretar papeles de calzones , que eran papeles masculinos interpretados por mujeres; de la misma manera, con el tiempo los hombres comenzaron a interpretar papeles femeninos mayores. [24] Estos cambios permitieron a los espectadores distanciarse de la moralidad de la obra, centrándose más en la alegría y el entretenimiento que en la catarsis, un cambio definitivo respecto de las ideas neoclásicas. [24]
La representación de la sexualidad femenina en el burlesque victoriano fue un ejemplo de la conexión entre las mujeres como intérpretes y las mujeres como objetos sexuales en la cultura victoriana. [25] A lo largo de la historia del teatro, la participación de las mujeres en el escenario ha sido cuestionada. La cultura victoriana, según Buszek en 2012, consideraba que las representaciones femeninas remuneradas estaban estrechamente asociadas a la prostitución, "una profesión en la que la mayoría de las mujeres en el teatro incursionaban, cuando no asumían como fuente principal de ingresos". [25]
El burlesque se convirtió en la especialidad del Royal Strand Theatre y el Gaiety Theatre de Londres desde la década de 1860 hasta principios de la de 1890. [26] En las décadas de 1860 y 1870, los burlesques eran a menudo piezas de un solo acto que duraban menos de una hora y utilizaban pastiches y parodias de canciones populares, arias de ópera y otra música que el público reconocería fácilmente. Nellie Farren protagonizó el papel del "chico principal" del Teatro Gaiety desde 1868, y John D'Auban coreografió los burlescos allí desde 1868 hasta 1891. [27] [28] Edward O'Connor Terry se unió al teatro en 1876. Los primeros burlescos del Gaiety incluyeron Robert the Devil (1868, de Gilbert), The Bohemian G-yurl and the Unapproachable Pole (1877), Blue Beard (1882), Ariel (1883, de FC Burnand ) y Galatea, or Pygmalion Reversed (1883).
A partir de la década de 1880, cuando el comediante y escritor Fred Leslie se unió al Gaiety, compositores como Meyer Lutz y Osmond Carr contribuyeron con música original a los burlesques, que se ampliaron a un formato de dos o tres actos. [29] Estos burlesques posteriores del Gaiety fueron protagonizados por Farren y Leslie. A menudo incluían libretos de Leslie , escritos bajo su seudónimo, "AC Torr", [30] y generalmente contaban con una partitura original de Lutz: Little Jack Sheppard (1885), Monte Cristo Jr. (1886), Pretty Esmeralda (1887), Frankenstein, or The Vampire's Victim (1887), [31] Mazeppa and Faust up to Date (1888). Ruy Blasé Roué (1889) se burló de la obra Ruy Blas de Victor Hugo . [32] El título era un juego de palabras, y cuanto peor era el juego de palabras, más se divertía el público victoriano. [33] Las últimas parodias de Gaiety fueron Carmen up to Data (1890), [34] [35] Cinder Ellen up too Late (1891) y Don Juan (1892, con letra de Adrian Ross ). [36] [37]
A principios de la década de 1890, Farren se retiró, Leslie murió y el burlesque musical pasó de moda en Londres, ya que el foco del Gaiety y otros teatros burlescos cambió al nuevo género de la comedia musical eduardiana . [38] En 1896, Seymour Hicks declaró que el burlesque "está muerto como un clavo y nunca será revivido". Desde su retiro, Nellie Farren respaldó esta opinión. [39]
