y las otras partes tocan el mismo ritmo más rápido en un 101%. 102%, 103%, ..., 115%. Tocado en armónicos: las primeras ocho partes tocan los primeros ocho armónicos, y las segundas ocho partes tocan los mismos armónicos transpuestos una octava más abajo.La música de fases es una forma de música que utiliza el phasing como un proceso compositivo primario . Es un enfoque de la composición musical que a menudo se asocia con la música minimalista , ya que comparte características similares, pero algunos comentaristas prefieren tratar la música de fases como una categoría separada. [1] El phasing es una técnica de composición en la que se toca la misma parte (una frase repetitiva) en dos instrumentos musicales , en tempos constantes pero no idénticos . Por lo tanto, los dos instrumentos se van alejando gradualmente del unísono , creando primero un ligero eco cuando un instrumento toca un poco detrás del otro, luego un efecto de duplicación con cada nota escuchada dos veces, luego un efecto de timbre complejo y, finalmente, volviendo a través de la duplicación y el eco al unísono.
La phasing es el equivalente rítmico de recorrer cíclicamente la fase de dos formas de onda, como en el phasing . Los tempos de los dos instrumentos son casi idénticos, de modo que ambas partes se perciben como si estuvieran en el mismo tempo: los cambios solo separan las partes gradualmente. En algunos casos, especialmente en presentaciones en vivo donde la separación gradual es extremadamente difícil, la phasing se logra insertando periódicamente una nota adicional (o eliminando temporalmente una) en la frase de uno de los dos intérpretes que tocan la misma frase repetida, cambiando así la fase un solo pulso a la vez, en lugar de hacerlo gradualmente.
El phasing fue popularizado por el compositor Steve Reich , quien compuso música en cinta donde varias copias del mismo bucle de cinta se reproducen simultáneamente en diferentes máquinas. Con el tiempo, las pequeñas diferencias en la velocidad de las diferentes máquinas de cinta provocan un efecto de flanger y luego se produce una separación rítmica. Por ejemplo, en "Drumming" los percusionistas deben tocar en sincronía, con algunos acelerando gradualmente mientras otros se mantienen constantes.
Otros ejemplos incluyen Come Out y It's Gonna Rain de Reich . Esta técnica se extendió luego a los instrumentos acústicos en su Piano Phase , el primer intento de Reich de aplicar la técnica de phasing a la interpretación en vivo, y más tarde el cambio de fase se hizo inmediato, en lugar de gradual, como en Clapping Music de Reich .
El escritor musical Kyle Gann ha señalado el uso posterior de la técnica de cambio de fase: "Aunque no se usó ampliamente en obras minimalistas per se, sobrevivió como un arquetipo importante en la música postminimalista (por ejemplo, The Time Curve Preludes de William Duckworth , Dream in White on White de John Luther Adams y Time Does Not Exist del propio Gann )". [2]
En 1965, influenciado por el uso de loops y delays de Terry Riley , el compositor estadounidense Steve Reich comenzó a experimentar con técnicas de loops y descubrió accidentalmente el potencial del cambio de fase gradual como recurso compositivo. [3] : 37, 48
Al analizar los tecnicismos de lo que se ha denominado un "proceso de cambio de fase", Reich ha afirmado que está relacionado con el canon infinito o las rondas de la música medieval . La diferencia entre la música de fases y las rondas tradicionales, en las que se tocan dos o más melodías idénticas, una después de la otra, es que las frases melódicas son generalmente patrones breves que se repiten y la imitación es variable en lugar de fija. [3] : 48
Un ejemplo temprano de música electroacústica de fases es Music for the Stadler Gallery (1964) de Earle Brown . La obra incluía cuatro grabaciones de la misma pieza instrumental reproducidas de forma continua utilizando cuatro grabadoras independientes. Con el tiempo, las grabaciones se fueron desfasando cada vez más entre sí; la duración total de la obra, según se informa, fue de 30 días. [4] : 237
Esta técnica basada en la fase también fue explotada por Steve Reich en obras de cinta compuestas entre 1965 y 1966. Se reproducían bucles de cinta de segmentos de sonido grabado con la misma fase de forma sincronizada utilizando múltiples grabadoras de cinta y luego se iban desfasando gradualmente aumentando o disminuyendo la velocidad de reproducción de uno de los reproductores. El resultado de que las grabaciones entraran y salieran de fase entre sí era un proceso transformador en el que se escuchaban diferentes timbres , ritmos y armónicos ; algunos de los cuales sonaban marcadamente diferentes del segmento original del material grabado. Si la fuente de sonido tenía una cadencia natural , la fase creaba cambios continuos en el ritmo percibido a medida que el material entraba y salía de fase. Al utilizar pistas y bucles adicionales con material de origen idéntico, aumentan las posibilidades de crear una gama más amplia de relaciones de fase. [4] : 238
A partir de 1967, Reich comenzó a explorar la técnica del cambio de fase gradual en el contexto de la música compuesta para instrumentos. La primera de una serie de obras que profundizarían en este método fue Piano Phase , compuesta en 1967. [3] : 49
La música de fases compuesta presenta dos o más instrumentos que tocan una frase (parte) repetitiva en un tempo constante pero no idéntico. En el caso del cambio de fase gradual, inicialmente los tempos de los diferentes instrumentos serán casi idénticos, de modo que se percibe que ambas partes suenan al unísono y al mismo tempo. Con el tiempo, las frases se van separando gradualmente, creando primero un ligero eco cuando un instrumento toca un poco detrás del otro. A esto le sigue lo que suena como una duplicación en la que cada nota se escucha dos veces. A continuación, surge un efecto de timbre complejo, después del cual las frases finalmente regresan, a través de la duplicación, el eco y el unísono, a una posición en fase. [3] : 49–52
Varios de los cambios percibidos tanto en el fraseo como en el timbre que resultan de este proceso de sincronizado son de naturaleza psicoacústica . Según Reich, "el oyente se da cuenta de un patrón en la música que puede abrir su oído a otro, y a otro más, todos sonando simultáneamente y en la textura general continua de sonidos". [3] : 50–51 Según Paul Griffiths , hay un único proceso objetivo en funcionamiento, que conduce a una música que es "constantemente susceptible a interpretaciones adventicias... la música la hace el oído". [5]