El canto llano, también conocido como canto llano, y más específicamente canto gregoriano , ambrosiano y galicano , se refiere generalmente a un estilo de canto cristiano primitivo monofónico , sin acompañamiento, interpretado por monjes y desarrollado en la Iglesia Católica Romana principalmente durante el período 800-1000. Las diferencias pueden ser marginales, o incluso grandes, en algunos casos. Estas diferencias reflejan la gran diversidad étnica, cultural y lingüística que existió tras la caída del Imperio Romano en la península italiana. Surgieron diferentes tradiciones monásticas dentro de la Iglesia Católica Romana en toda Italia, pero en diferentes lugares y en épocas más antiguas. Incluso un no especialista en música puede percibir la diferencia, por ejemplo, entre la sencilla producción tonal de los cantos ambosianos de Milán y los cantos de Benevento , que muestran un distintivo temblor ornamental "oriental" en la voz, que refleja las tradiciones vocales de la Iglesia Ortodoxa Griega . Sin embargo, a pesar de las diferencias, las similitudes son grandes. En cualquier caso, el canto gregoriano formal se impuso en toda Italia hacia 1100, aunque la música de los ritos griegos siguió oyéndose en varios lugares de la península, especialmente en aquellos lugares que alguna vez había dominado Bizancio , como Rávena o en el sur de la península. , que había sido un refugio para aquellos griegos que huían de las grandes controversias iconoclastas bizantinas antes del año 1000. Obviamente, donde se practicaban ritos griegos, los cánticos se cantaban en lengua griega y no en latín , como ocurría en la liturgia católica romana.
El Trecento , aproximadamente entre 1300 y 1420, fue un período de vigorosa actividad en Italia en las artes, incluidas la pintura, la arquitectura, la literatura y la música. La música del Trecento fue pionera en nuevas formas de expresión, especialmente en el canto profano y en el uso de la lengua vernácula, el italiano . En este sentido, la música del Trecento puede parecer más bien un fenómeno renacentista ; sin embargo, el lenguaje musical predominante estaba más estrechamente relacionado con el de la Baja Edad Media , y los musicólogos generalmente clasifican el Trecento como el final de la era medieval. [1]
La música secular antes del año 1500 era en gran parte obra de juglares, trovadores y mimos. Esta fue la época de la gran vernacularización de la lengua en Italia; de hecho, en toda Europa; es decir, la gente empezó a escribir y cantar canciones en su lengua materna, que no era el latín, sino cualquier tipo de neolatín medieval vernáculo que se hablara en su zona. Así, Dante demostró con la Divina Comedia en 1300 que la lengua común (la suya fue llamada "toscana" y no "italiana" hasta el siglo XVIII) podía ser un vehículo para la buena literatura. Lógicamente, eso se extendió a las letras de las canciones que cantaba la gente.
Vale la pena mencionar dos puntos a este respecto: (1) sabemos mucho más sobre la letra de las canciones que sobre el sonido real de la música. Las palabras se escribieron con mucha más facilidad que las melodías. (Ver notación musical ). Así, sabemos que hubo una vibrante tradición trovadora en el siglo XII en Provenza en su idioma y sabemos que a 1000 millas de distancia, en la isla de Sicilia, también hubo una vibrante tradición trovadora en la corte Hohenstaufen de Federico II , se cantaban canciones. en el dialecto del pueblo (muy influenciado, por ejemplo, por el árabe ), pero es una conjetura cómo sonaba exactamente cualquiera de los dos . Lo único que sabemos es que la música folclórica del sur de Francia hoy suena bastante diferente de la música folclórica siciliana. Dado que la música folklórica es relativamente conservadora en el sentido de que se resiste a los cambios rápidos, podemos suponer que al menos algunas de las diferencias obvias en melodía, escalas y enfoque de la vocalización que existen ahora, existían entonces. La naturaleza de llamada y respuesta de gran parte del canto coral popular en la Edad Media (es decir, un solista cantando una línea que luego es respondida por un grupo) encontró su camino en la música de la iglesia medieval como una forma de involucrar a todos los miembros de la congregación.
Las complicadas polifonías de lo que se llama Ars Nova comenzaron a escucharse en los siglos XIV y XV; elementos populares como los madrigales empleaban superposiciones cada vez más densas de diferentes melodías cantadas al mismo tiempo, con el objetivo de crear una textura de sonido entretejida y eufónica; Esto NO es lo mismo que armonía , el sonido de muchas notas juntas para formar un acorde. Ésa es una invención posterior. Sin embargo, el paso de los sonidos monofónicos de los cánticos a las muchas melodías simultáneas de la polifonía representa una revolución en nuestras percepciones musicales: es decir, puedes tener más de una cosa sonando al mismo tiempo y aun así encontrarla agradable de escuchar.
La mayoría de la gente no piensa en música cuando escucha el término Renacimiento . Sin embargo, en el mismo sentido en que los arquitectos, pintores y escultores del siglo XVI estaban rindiendo homenaje a los valores recientemente redescubiertos de la Grecia clásica , los poetas y músicos de ese período intentaron hacer lo mismo. Los años comprendidos entre 1500 y 1600 son el período más revolucionario de la historia musical europea; es el siglo en el que se desarrolló la armonía y el siglo que vio nacer la ópera .
Estos dos desarrollos están conectados. Los lectores habrán notado el paso de la monofonía de los cantos gregorianos a las complicadas polifonías de madrigales y otras músicas de los pocos siglos anteriores a 1500. El siguiente cambio en la percepción musical implica un término menos común: homofonía; es decir, el sonido de un acorde armónico o progresión de acordes, que no pretenden destacarse, pero que sustentan una melodía obvia encima de la armonía.
El deseo (quizás la necesidad ) de música homofónica surgió de varios factores. En primer lugar, hubo un rechazo a la polifonía excesivamente complicada de muchas melodías diferentes que se ejecutaban al mismo tiempo; en segundo lugar, una nueva estética musical general de la época, mejor resumida en las palabras de Leonardo da Vinci en 1500, quien dijo que la música era "la conjunción simultánea de partes proporcionales", es decir, el sonido conjunto de notas basadas en raciones aritméticas simples como 2:1 (que produce el sonido de una octava), 3:2 (que produce el sonido de una quinta) y 5:4 (que produce el sonido de una tercera mayor). Así, si generas notas a 400, 600, 800 y 1000 ciclos por segundo, tendrás todas las notas del sonido más simple y armonioso de nuestra música: el acorde mayor. Es realmente así de simple. (Ver Acústica musical .) El tercero en la lista de factores que hacen que el siglo XVI sea tan importante fue el deseo del Renacimiento de contar una historia, de poner a la gente en un pequeño escenario y hacerles cantar canciones sobre la mitología griega: el cuento de Orfeo . Por ejemplo. Eso es difícil de hacer si todos cantan una melodía al mismo tiempo; así, la polifonía dio paso a la homofonía, y la ópera temprana consistía en melodías relativamente simples con textos sobre la mitología griega, cantadas en italiano y apoyadas por armonías simples. La ciudad importante de Italia en este desarrollo de la música en el siglo XVI fue Florencia . (Véanse también: Camerata florentina , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
Además de Florencia, otras dos ciudades italianas son particularmente dignas de mención en el período alrededor de 1600. Existe una especie de rivalidad amistosa entre los defensores de las dos ciudades en cuanto a cuál es más importante en la historia del desarrollo de la música en Italia. Venecia reivindica con razón su lugar como cuna de la ópera comercial; Nápoles señala su propia historia de conservatorios de música patrocinados por la iglesia, instituciones que se convirtieron en "sistemas alimentadores", proporcionando compositores e intérpretes para gran parte de la vida musical en Italia y, de hecho, en Europa en su conjunto. (Ver también: Música de Venecia y Música de Nápoles .)
El período comprendido aproximadamente entre 1600 y 1750 abarca la era musical barroca . En este período sucedieron muchas cosas importantes. Uno fue un regreso a las complejidades melódicas de la polifonía; sin embargo, las melodías se desarrollaban dentro de un sistema de armonía moderno y establecido basado en acordes y escalas mayores y menores. Este último elemento es una extensión del concepto de música homofónica y permitió que la complejidad melódica de cualquier variación dominara la importancia del texto. La lucha por el dominio entre el texto y la música se remonta a la música de los griegos y continúa en todas las formas de música artística y popular europea. Este nuevo predominio de la melodía dentro de la armonía a expensas del texto provocó grandes cambios, entre ellos la ampliación e invención de los recursos instrumentales de la orquesta; el teclado se extendió en ambas direcciones; la fabricación de instrumentos como los de Stradivarius se convirtió en una gran industria en Cremona; y la música instrumental comenzó a desarrollarse como una "pista" separada, muy aparte del papel tradicional de acompañar la voz humana. Las formas instrumentales incluyen cosas como la sonata y la fuga. Figuras musicales conocidas e influyentes de este período en Italia incluyen a Alessandro y Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi , que representan la importancia de Nápoles y Venecia, respectivamente, dentro de este período.
Desde principios del siglo XVIII hasta finales de dicho siglo abarca lo que los historiadores denominan "música clásica". (Tenga en cuenta que este uso del término "clásica" no corresponde a lo que quieren decir los no historiadores cuando dicen "música clásica", es decir, toda la ópera y la música sinfónica, a diferencia de la "música popular".)
El término "clásico" es apropiado para este período de la música porque marca la estandarización de formas musicales como la sinfonía y el concierto . Así, el término "clásico" se utiliza en el sentido renacentista de la filosofía griega clásica: la forma platónica , la idea de que cosas como la belleza existen eternamente como ideales y que el trabajo del artista (en este caso, el trabajo del compositor) consiste en darle forma. ese ideal. Así, tenemos, por ejemplo, una sinfonía formalizada como obra estándar en cuatro movimientos para orquesta, etc.
La planta física para la composición e interpretación de música en Italia avanzó mucho durante este siglo. Es el período en el que se construyeron los grandes teatros de ópera de Nápoles y Milán: el Teatro San Carlo y La Scala , respectivamente. Es también la época del ascenso a la prominencia de la ópera cómica napolitana (y luego italiana) . También es importante recuperar cierto sentido de equilibrio entre texto y música en la ópera, en gran parte a través de los libretos de Metastasio .
Compositores italianos importantes en este siglo son: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti y Niccolò Paganini . Es también la época en la que la "música italiana" se hizo internacional, por así decirlo, y muchos de estos compositores italianos comenzaron a trabajar en el extranjero.
Este es el siglo del romanticismo en la literatura, el arte y la música europeos. El romanticismo en la música está marcado por muchas de las mismas características que definen la literatura y la pintura de ese siglo: menos atención a las formalidades del clasicismo, más participación de las pasiones humanas como el amor, el heroísmo, el coraje, la libertad, etc., todo lo cual es un consecuencia directa del humanismo de la Ilustración francesa . La ópera italiana tiende a abandonar la alegría de la ópera cómica por la versión más seria del romanticismo lírico italiano. Aunque el siempre popular Rossini es ciertamente una excepción, la música italiana del siglo XIX está dominada al principio por artistas como Bellini , Donizetti y luego, por supuesto, durante los últimos cincuenta años del siglo por Giuseppe Verdi . el mayor icono musical de la historia italiana. Es también la época de los inicios de la carrera de Giacomo Puccini , quizás el mayor compositor de melodía pura de la historia de la música italiana, y ciertamente el último. Puccini es el puente hacia la era de la nueva música del siglo XX.
El romanticismo en toda la música europea ciertamente se mantuvo hasta el cambio de siglo. En Italia, la música de Verdi y Puccini siguió dominando durante varios años. Otros compositores románticos italianos, al menos compositores que continuaron componiendo en las tradiciones tonales de la música occidental (a diferencia de la nueva atonalidad y disonancias de la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial), compositores que "lograron" entrar en el siglo XX incluyen a Arrigo Boito . Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea y Ottorino Respighi .
Sin embargo, era inevitable que los compositores italianos respondieran a los valores desvanecidos del romanticismo y al cinismo provocado en muchos sectores artísticos europeos por cosas como la Primera Guerra Mundial y fenómenos culturales y científicos como el psicoanálisis en el que, al menos según Robert Louis Stevenson, —"todos los hombres tienen pensamientos secretos que avergonzarían al infierno". El romanticismo, a pesar de su persistente popularidad entre los asistentes a la ópera, murió en la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, no se puede decir que la música romántica en Italia haya muerto por su propio peso, como se podría decir de las obras demasiado largas y demasiado orquestadas de la música romántica tardía en Alemania que dieron paso a la música minimalista . Pero la abstracción, la atonalidad y, simplemente, la música "difícil" llegaron a Italia después de la muerte de Puccini. Entre los nombres italianos más importantes de la música del siglo XX se encuentran Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi y Luigi Nono .