El Tondo Doni o Madonna Doni es la única pintura sobre tabla terminada del Miguel Ángel maduro que sobrevive. [1] (Otras dos pinturas sobre tabla, generalmente aceptadas como de Miguel Ángel pero inacabadas, El entierro y la llamada Madonna de Manchester , se encuentran ambas en la National Gallery de Londres). Ahora en los Uffizi en Florencia , Italia , y todavía en su marco original, el Tondo Doni probablemente fue encargado por Agnolo Doni para conmemorar su matrimonio con Maddalena Strozzi, la hija de una poderosa familia toscana . [2] La pintura tiene la forma de un tondo , que significa en italiano 'redondo', una forma que se asocia frecuentemente durante el Renacimiento con ideas domésticas. [3]
La obra fue probablemente creada durante el período posterior al matrimonio de Doni en 1503 o 1504, y antes de que se comenzaran a pintar los frescos del techo de la Capilla Sixtina en 1508. El Tondo Doni retrata a la Sagrada Familia (el niño Jesús , María y José ) en primer plano, junto con Juan el Bautista en segundo plano, y contiene cinco figuras masculinas desnudas en el fondo. La inclusión de estas figuras desnudas ha sido interpretada de diversas maneras.
María es la figura más destacada de la composición, ocupando gran parte del centro de la imagen. [4] Se sienta directamente en el suelo sin un cojín entre ella y la hierba, para comunicar mejor el tema de su relación con la tierra (?). [5] José está situado más alto en la imagen que María, aunque esta es una característica inusual en las composiciones de la Sagrada Familia . María está sentada entre sus piernas, como si la estuviera protegiendo, sus grandes piernas forman una especie de trono de facto. Existe cierto debate sobre si María está recibiendo al Niño de José o viceversa. [6] San Juan Bautista , el santo patrón de Florencia , se incluye muy comúnmente en las obras florentinas que representan a la Virgen y el Niño. [7] Está en el término medio de la pintura, entre la Sagrada Familia y el fondo. La escena parece ser rural, con la Sagrada Familia disfrutando en la hierba y separada del grupo curiosamente (aparentemente) no relacionado en la parte de atrás por un muro bajo.
El cuadro se encuentra todavía en su marco original, en cuyo diseño Miguel Ángel pudo haber influido o ayudado. [8] El marco está tallado de forma ornamentada y es bastante inusual por las cinco cabezas que contiene, que sobresalen tridimensionalmente en el espacio. Al igual que los desnudos del fondo, el significado de estas cabezas ha sido objeto de especulación. El marco también contiene tallas de lunas crecientes, estrellas, vegetación y cabezas de leones. Estos símbolos son, tal vez, referencias a las familias Doni y Strozzi , tomadas del escudo de armas de cada una. [9] Como se representa en el marco, "las lunas están unidas con cintas que se entrelazan con los leones", posiblemente haciendo referencia al matrimonio de las dos familias. [9]
Hay una banda horizontal, posiblemente una pared, que separa el primer plano del fondo. [6] [7] [10] Las figuras del fondo son cinco desnudos, cuyo significado y función están sujetos a mucha especulación y debate. Debido a que están mucho más cerca de nosotros, los espectadores, la Sagrada Familia es mucho más grande que los desnudos del fondo, un recurso para ayudar a la ilusión de espacio profundo en una imagen bidimensional. Detrás de San Juan Bautista hay una cresta semicircular, contra la cual se apoyan los ignudi de la Capilla Sixtina , o sobre la cual están sentados. Este semicírculo refleja o refleja la forma circular de la propia pintura y actúa como contraste de la naturaleza vertical del grupo principal (la Sagrada Familia). María y José miran a Cristo, pero ninguno de los desnudos del fondo lo mira directamente. [11] El fondo lejano contiene un paisaje montañoso representado en perspectiva atmosférica.
Se cree que el Tondo Doni es el único cuadro sobre tabla existente que Miguel Ángel pintó sin la ayuda de asistentes; [7] y, a diferencia de su Madonna de Manchester y Entierro (ambos en la National Gallery, Londres ), la atribución a él nunca ha sido cuestionada. La yuxtaposición de colores brillantes presagia el mismo uso del color en los frescos posteriores del Techo Sixtino de Miguel Ángel. Los pliegues de los drapeados están modelados nítidamente y el modelado de las figuras es claramente escultórico, lo que sugiere que están talladas en mármol medio. [7] Las figuras desnudas en el fondo tienen un modelado más suave y parecen ser precursoras de los ignudi , las figuras masculinas desnudas en los frescos del Techo Sixtino. [7] La técnica de Miguel Ángel incluye sombreado desde los colores más intensos primero hasta los tonos más claros en la parte superior, usando los colores más oscuros como sombras. [12] Al aplicar el pigmento de una manera determinada, Miguel Ángel creó un efecto "desenfocado" en el fondo y detalles enfocados en el primer plano. [13] El color más vibrante se encuentra dentro de las vestimentas de la Virgen, lo que significa su importancia dentro de la imagen. [14] La masculinidad de María podría explicarse por el uso que hizo Miguel Ángel de modelos masculinos para las figuras femeninas, como se hizo para la Capilla Sixtina.
Miguel Ángel utilizó una paleta limitada de pigmentos [15] que incluía blanco de plomo, azurita , cardenillo y algunos otros. Evitaba los ocres y utilizaba muy poco bermellón . [16]
La composición está, muy probablemente, parcialmente influenciada por el cartón (término que hace referencia a un dibujo preliminar detallado de una etapa posterior) para La Virgen con el Niño y Santa Ana de Leonardo da Vinci . La Sagrada Familia de Miguel Ángel forma un grupo compacto y separado en el centro del primer plano de la imagen, con la figura de la Virgen construyendo una pirámide o triángulo típico del Renacimiento. Miguel Ángel vio el dibujo en 1501 mientras estaba en Florencia trabajando en el David . [7]
El Tondo Doni también está asociado con la Madonna de los Medici de Luca Signorelli en los Uffizi . [17] Miguel Ángel probablemente conocía la obra y sus ideas, y quería incorporarlas a su propio trabajo. La Madonna de Signorelli también utiliza una forma de tondo , representa figuras masculinas desnudas en el fondo y muestra a la Virgen sentada directamente sobre la tierra. [6]
Tres aspectos de la pintura se pueden atribuir a un camafeo antiguo de sardónice y a un relieve del siglo XV del círculo de Donatello , disponible para Miguel Ángel en el Palacio Medici : la forma circular, la masculinidad de María y la posición del Niño Jesús . [17] El brazo derecho de la Virgen refleja el brazo del sátiro en el camafeo, y el camafeo también representa a un infante ubicado sobre los hombros del sátiro, una posición similar a la del Niño Jesús pasando sobre el brazo derecho de María. [10]
Además, algunos estudiosos sugieren que Miguel Ángel se inspiró en el famoso grupo grecorromano de Laocoonte y sus hijos , excavado en 1506 en Roma, un evento en el que se cree que Miguel Ángel estuvo presente. [18] La pose de la figura desnuda en el fondo inmediatamente detrás de San José, a nuestra derecha, parece haber sido influenciada por las contorsiones retorcidas de las figuras capturadas por la serpiente en el Laocoonte (de nuevo, si esto fuera así, alteraría la fecha del Tondo Doni por varios años).
Además, la inclusión de las cinco cabezas salientes en el marco de la pintura se considera a menudo una referencia a un motivo similar encontrado en la Porta del Paradiso de Ghiberti , las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia que se sabe que Miguel Ángel admiraba mucho. [8] [9]
La planta que se encuentra frente a Juan Bautista tiene aspectos tanto del hisopo como del aciano , aunque lo más probable es que sea un hisopo porque crece en una pared. El aciano es un atributo de Cristo y simboliza el Cielo , mientras que el hisopo simboliza tanto la humildad de Cristo como el bautismo . Hay un árbol de cidra en el fondo, que representa el cedro del Líbano . Miguel Ángel utiliza el hisopo y el árbol como representación visual de una cita de Rabanus Maurus : "Del cedro del Líbano al hisopo que crece en una pared de piedra tenemos una explicación de la divinidad que Cristo tiene en su Padre y de la humanidad que deriva de la Virgen María". El trébol en primer plano representa la Trinidad y la salvación. [19] La planta de anémona representa la Trinidad y la Pasión de Cristo. [20]
Existen múltiples interpretaciones de las distintas partes de la obra. La mayoría de las interpretaciones difieren en la definición de la relación entre la Sagrada Familia y las figuras del fondo. [4]
Paul Barolsky sostiene que el Tondo Doni es una "imagen devocional [...] más que un ejemplo de estilo, simbolismo [o] iconografía ". [21] Barolsky basa gran parte de su tesis en el lenguaje utilizado por Giorgio Vasari en su obra Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos italianos, desde Cimabue hasta nuestros tiempos . Su apoyo a la idea de la devoción proviene de que Cristo se presenta en la pintura como un regalo, que vincula con el patrón de la pintura debido a un juego de palabras percibido con la palabra italiana para "regalo", donare , y el nombre del patrón, Doni (que significa literalmente, en italiano, 'regalos'). Continuando con la metáfora de Cristo como regalo, el hecho de que María sostenga a Cristo en la pintura se ve como una referencia a la elevación de la hostia durante la misa. [22] Mirella Levi D'Ancona sostiene que la imagen refleja las opiniones de Miguel Ángel sobre los roles de los miembros de la Sagrada Familia en la salvación humana y la inmortalidad del alma. La ubicación y el énfasis de la Virgen se deben a su papel en la salvación humana. [4] Ella es a la vez la madre de Cristo y la mejor intercesora para apelar a él. Miguel Ángel, que había sido fuertemente influenciado por el dominico Fra Girolamo Savonarola en Florencia, está utilizando la imagen para defender el punto de vista maculista, una filosofía de la orden dominica que rechaza la idea de la Inmaculada Concepción de María. [4] La visión maculista es que la Virgen no recibió su santificación al nacer sino en el momento de la encarnación de Cristo; por lo tanto, la imagen representa el momento de la santificación de María mostrando al Niño Jesús bendiciéndola. Miguel Ángel representa a Cristo como si estuviera creciendo desde el hombro de María para tomar forma humana, con una pierna colgando flácidamente y la otra no visible en absoluto, lo que lo convierte en parte de María. Además, sus músculos y su equilibrio transmiten un movimiento ascendente, como si estuviera creciendo desde ella, aunque está por encima de María, afirmando su superioridad sobre ella. [5] Además, sostiene que los desnudos deben interpretarse como pecadores que se han quitado la ropa para limpiarse y purificarse a través del bautismo. El agua, que separa a los pecadores de la Sagrada Familia, justo más allá de la banda horizontal en el medio de la pintura, puede verse, por lo tanto, como las "aguas de separación" mencionadas en la Biblia . También sostiene que las cinco figuras pueden representar las cinco partes del alma: el alma superior (alma e intelecto) a la izquierda y el alma inferior (imaginación, sensación y facultad nutricia) a la derecha, una representación visual de las opiniones de Marsilio Ficino., a quien Miguel Ángel hace referencia en otras obras. [23] Además, al considerarlos como grupos separados, sugiere que las dos figuras a la derecha de María representan las naturalezas humana y divina de Cristo, mientras que las tres a su izquierda representan la Trinidad. [11]
Andrée Hayum sostiene que el encargo del tondo por parte de la familia Doni ayudó a enfatizar los "ideales seculares y domésticos" de la pintura en lugar de verla como un "objeto devocional". [3] Al elegir un tondo como formato para la imagen, Miguel Ángel hace referencia a la larga asociación de la forma con la representación de la " Adoración de los Magos , la Natividad , [y] la Virgen y el Niño ". [3] Hayum también encuentra muchas alusiones a Noé a lo largo de la obra. Ella postula una referencia de la Virgen a la nuera de Noé, una sibila, lo que convierte a José en una encarnación del propio Noé. [24] Hayum apoya aún más esto al reconocer el vínculo directo entre José y Noé como se representa en las pinturas del Techo Sixtino de Miguel Ángel. [25] Este vínculo con Noé también da una explicación a los desnudos en el fondo, cuyas formas pueden haber inspirado a los hijos en La embriaguez de Noé . [26] La alusión a la historia de Noé también trae a colación temas de agua bautismal, dando lugar así a una interpretación de los desnudos similar a la de D'Ancona: "catecúmenos en espera del bautismo" de Juan el Bautista, cuyo "aislamiento dentro de un espacio parecido a un pozo" indica su papel especial como bautizador. [8]
Roberta Olson afirma que la pintura representa la "importancia de la familia" y está relacionada con "los descendientes esperados de Doni". [27] Una de las formas en que la pintura representa un "buen matrimonio" es mediante la "acción aparentemente recíproca" del manejo de Jesús entre José y María. [28] Se le da mucha importancia a José a través de los colores de su ropa: amarillo, que indica el aspecto divino de la familia, así como la "verdad", y púrpura, que representa el linaje real de la Casa de David . [28] Además, José es importante para la pintura al hacer referencia al segundo nombre del "tercer hijo de Doni que vivió más allá de la infancia". [29] El tema del bautismo también se sugiere en el marco de la pintura a través de una posible referencia a la Porta del Paradiso de Ghiberti , uno de los tres juegos de puertas del Baptisterio florentino (dos de las cuales de Ghiberti), los detalles esculpidos se refieren indirectamente al rito del Bautismo, importante para los Donis y su deseo de un hijo como producto de un buen matrimonio, ejemplificado por la Sagrada Familia, tal vez una de las razones detrás del encargo de la obra. [9]
Medios relacionados con Tondo Doni en Wikimedia Commons