Stagecraft es un aspecto técnico de la producción teatral , cinematográfica y de vídeo . Incluye la construcción y montaje de escenografía; colgar y enfocar iluminación; diseño y adquisición de vestuario; constituir; dirección de escena ; ingeniería de audio ; y adquisición de accesorios . Stagecraft es distinto del término general más amplio de escenografía . Considerado un campo más técnico que artístico, es principalmente la implementación práctica de la visión artística de un diseñador escénico .
En su forma más básica, el arte escénico puede ser ejecutado por una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que organiza toda la escenografía, el vestuario, la iluminación y el sonido, y organiza el elenco. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un complemento de diseñadores, cada uno de los cuales tiene participación directa en sus respectivos diseños. En producciones significativamente más grandes, por ejemplo un espectáculo moderno de Broadway , llevar efectivamente un espectáculo a la noche de estreno requiere el trabajo de carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas , costureros, peluqueros y similares expertos. El arte escénico moderno es altamente técnico y especializado: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición.
El teatro griego hizo un uso extensivo del arte escénico, y el vocabulario y la práctica griegos continúan influyendo en el arte escénico occidental contemporáneo. El elemento definitorio del escenario de un teatro griego era la skene , una estructura situada en la parte trasera del escenario, que a menudo presentaba tres puertas. El escenario habitual de una tragedia griega clásica era un palacio, y se decoraban skenes para sustentar ese escenario. [1]
En el lado del público del skene se podían colgar lo que ahora se llaman pisos . Los pisos evolucionaron desde pisos pintados de una cara a pisos pintados de dos caras, que se montaban y centraban en un pasador giratorio. La cuerda pasaría alrededor de cada pasador consecutivo, lo que permitiría girar las partes para cambiar de escena. El plano de doble cara finalmente evolucionó hasta convertirse en el periaktos .
La escenografía griega fue esencial para la narración de sus obras. Un ekkyklema , similar a una carreta contemporánea , se utilizaba para presentar la muerte de un personaje haciendo rodar su cadáver, en lugar de mostrar su muerte en el escenario. [2] La mechane , una grúa para levantar a los actores sobre el skene, sustentaba las conclusiones de las obras, cuyas tramas a menudo se resolvían repentinamente con la introducción de un dios. La mechane es la fuente literal de la frase contemporánea deus ex machina . [3] Las actuaciones estaban iluminadas por la luz del sol, a menudo aprovechando el momento particular del día para apoyar la historia. [4]
Las obras de teatro de la época medieval se representaban en diferentes lugares, como las calles de pueblos y ciudades, representadas por compañías ambulantes y seculares. Algunas también se llevaron a cabo en monasterios, representadas por grupos controlados por la iglesia, y a menudo representaban escenas religiosas. El lugar de juego podría representar muchas cosas diferentes, como un interior o un exterior (como en los anfiteatros plen-an-gwary de Cornualles ). Se jugaban en determinados lugares para que se pudiera utilizar el atrezo para la obra. En las obras de teatro se utilizaban a menudo canciones y espectáculos para mejorar la participación. [5] [ página necesaria ]
En Inglaterra se desarrolló un arte escénico más moderno entre 1576 y 1642. Había tres tipos diferentes de teatros en Londres: públicos, privados y de corte. El tamaño y la forma variaban, pero se sugirió que muchos eran teatros redondos. Los teatros públicos como el Globe Theatre usaban aparejos alojados en una habitación en el techo para bajar y subir el escenario o los actores, y usaban el escenario elevado desarrollando la práctica de usar trampillas en producciones teatrales. La mayoría de los teatros tenían un diseño circular, con un área abierta sobre el foso para permitir que la luz del sol entrara e iluminara el escenario. [6]
Los escenarios de proscenio , o escenarios de cuadros, se construyeron en Francia en la época de la Restauración inglesa y mantienen el lugar de la forma de escenario más popular en uso hasta la fecha, y originalmente combinaban elementos del skene en el diseño, esencialmente construyendo un skene en el escenario. La iluminación de la época habría consistido en velas, utilizadas como candilejas, y colgadas de candelabros sobre el escenario.
El arte escénico durante la época victoriana en Inglaterra se desarrolló rápidamente con el surgimiento del West End . Impulsado por la afluencia de habitantes urbanos en el área metropolitana de Londres, el Parlamento se vio obligado a eliminar las leyes de licencias anteriores y permitió que todos los teatros representaran obras directas en 1843. Se introdujeron iluminación eléctrica e hidráulica para atraer a grandes audiencias a ver tormentas en el escenario. explosiones y transformaciones milagrosas. Las tecnologías desarrolladas durante la última parte del siglo XIX allanaron el camino para el desarrollo de efectos especiales que se utilizarán en el cine. [7]
La iluminación continuó desarrollándose. En Inglaterra, se desarrolló una lámpara de forma que utilizaba una cerbatana para calentar la cal hasta alcanzar la incandescencia, con fines de navegación; pronto se adaptó a representaciones teatrales y el centro de atención se convirtió en una forma generalizada de luz artificial para los teatros. Para controlar el foco de la luz se utilizó una lente de Fresnel .
Después de las velas, vino la iluminación de gas, mediante tubos con pequeñas aberturas que se encendían antes de cada actuación y que podían atenuarse controlando el flujo de gas, siempre que la llama nunca se apagara. Con el cambio de siglo XX, muchas compañías de teatro que hacían la transición del gas a la electricidad instalaron el nuevo sistema justo al lado del antiguo, lo que provocó muchas explosiones e incendios debido a que la electricidad encendió las líneas de gas.
La iluminación teatral moderna se basa en la electricidad. En la actualidad se utilizan muchas lámparas e instrumentos de iluminación, y el campo se está convirtiendo rápidamente en uno de los más diversos y complejos de la industria. [8]
El arte escénico incluye una amplia gama de disciplinas, todas las cuales son cruciales para crear producciones teatrales convincentes e inmersivas. El arte escénico es la base de cualquier obra teatral y tiene un impacto en la experiencia del público, desde la hábil aplicación de la iluminación hasta la elaborada creación de escenografía y vestuario. Stagecraft promueve una ejecución impecable de la actuación y amplifica el impacto emocional de la narración coordinando la interacción de elementos visuales y auditivos. El arte escénico es esencial para producir momentos teatrales cautivadores e inolvidables, ya sea mediante la aplicación creativa de maquillaje y pelucas, el uso inventivo de escenografía mecánica o la fusión bien planificada de efectos visuales y de sonido. Stagecraft da vida a sueños dramáticos mediante una fusión de innovación artística y dominio técnico, generando un profundo impacto en el público de todo el mundo.
El arte escénico comprende muchas disciplinas, generalmente divididas en varias disciplinas principales:
El diseñador teatral, responsable de orquestar los aspectos visuales y auditivos de una producción escénica, se conoce tradicionalmente como escenógrafo. Esta convención ha surgido por razones prácticas, asegurando la eficiencia en el proceso de diseño. [9] Al entrar en un teatro, los espectadores se sienten inmediatamente atraídos por el diseño del escenario, lo que da forma a su impresión inicial del espectáculo. En este momento, los diseñadores establecen el concepto del espectáculo, definen su estilo, evocan el estado de ánimo y la atmósfera, y establecen el tono al revelar la fecha y el escenario. Los escenógrafos seleccionan intencionalmente elementos para crear la percepción del público de los mundos representados en una obra, en lugar de simplemente replicar escenarios de manera realista. Durante gran parte de la historia del teatro, no hubo un papel dedicado al diseñador escénico. En cambio, los profesionales del teatro confiaron en escenarios existentes o utilizaron el espacio mismo para establecer escenarios.
Si bien los dramaturgos, productores, directores, diseñadores e intérpretes tienen roles específicos que desempeñar, el director de escena es quien gestiona la intrincada colaboración entre todos estos importantes participantes. Al actuar como punto central de la producción, el director de escena se asegura de que todos los aspectos, desde el personal hasta los materiales, funcionen al unísono para hacer realidad el concepto teatral. [10] Sus responsabilidades son amplias e incluyen la gestión de operaciones detrás del escenario, la organización de indicaciones técnicas y la organización de ensayos. Además, el director de escena desempeña un papel fundamental a la hora de mediar en los problemas y fomentar la comunicación constructiva entre los actores y el equipo creativo durante el transcurso de la producción. Como resultado, incluso si los actores y directores reciben la mayor parte de la atención, el arduo trabajo y el conocimiento del director de escena detrás de escena preservan la integridad y el profesionalismo de la producción teatral en vivo.
