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En la producción musical , el estudio de grabación a menudo se trata como un instrumento musical cuando desempeña un papel importante en la composición de la música . A veces llamado "tocar en el estudio", el enfoque suele ser implementado por artistas o productores que favorecen el uso creativo de la tecnología de estudio en la producción discográfica, en lugar de simplemente documentar actuaciones en vivo en el estudio. [1] Las técnicas incluyen la incorporación de sonidos no musicales , sobregrabaciones , ediciones de cintas , síntesis de sonido , procesamiento de señales de audio y combinación de interpretaciones segmentadas ( tomas ) en un todo unificado.
Los compositores han explotado el potencial de la grabación multipista desde el momento en que se introdujo la tecnología. Antes de finales de la década de 1940, las grabaciones musicales se creaban típicamente con la idea de presentar una interpretación fiel de una actuación de la vida real. Tras la llegada de las grabadoras de tres pistas a mediados de la década de 1950, los espacios de grabación se acostumbraron más a la composición en el estudio. A finales de la década de 1960, la composición en el estudio se había convertido en una práctica habitual y se ha mantenido así hasta el siglo XXI.
A pesar de los cambios generalizados que han llevado a configuraciones de grabación más compactas, los componentes individuales, como las estaciones de trabajo de audio digital (DAW), todavía se denominan coloquialmente "el estudio". [2]
No hay un solo caso en el que el estudio haya sido reconocido repentinamente como un instrumento, e incluso en la actualidad [2018] puede que no tenga un reconocimiento amplio como tal. Sin embargo, existe un precedente histórico de estudio –en sentido amplio– utilizado conscientemente para interpretar música.
—Adam Bell, Dawn of the DAW: El estudio como instrumento musical [3]
"Reproducir en el estudio" equivale a "componer en el estudio", lo que significa que la escritura y la producción ocurren al mismo tiempo. [4] Las definiciones del criterio específico de "instrumento musical" varían, [5] y no está claro si el concepto de "estudio como instrumento" se extiende al uso de la grabación multipista simplemente para facilitar el proceso básico de escritura musical. [6] Según el académico Adam Bell, algunas definiciones propuestas pueden ser consistentes con la música producida en un estudio de grabación, pero no con la música que depende en gran medida de estaciones de trabajo de audio digital (DAW). [5] Varios educadores musicales aludieron a "utilizar el estudio como instrumento musical" en libros publicados ya a finales de la década de 1960. [7]
El historiador del rock Doyle Greene define el "estudio como herramienta de composición" como un proceso en el que la música se produce alrededor de construcciones de estudio en lugar del método más tradicional de capturar una actuación en vivo tal como está. [1] Las técnicas incluyen la incorporación de sonidos no musicales , sobregrabaciones , ediciones de cintas , síntesis de sonido , procesamiento de señales de audio y combinación de interpretaciones segmentadas ( tomas ) en un todo unificado. [1] A pesar de los cambios generalizados que han llevado a configuraciones de grabación más compactas, los componentes individuales como los DAW todavía se denominan "el estudio". [2]
Los compositores han explotado el potencial de la tecnología de grabación desde que se puso a su disposición por primera vez. [8] Antes de finales de la década de 1940, las grabaciones musicales se creaban típicamente con la idea de presentar una interpretación fiel de una actuación de la vida real. [9] En un escrito de 1937, el compositor estadounidense John Cage pedía el desarrollo de "centros de música experimental", lugares donde "los nuevos materiales, osciladores, tocadiscos, generadores, medios para amplificar pequeños sonidos, fonógrafos cinematográficos, etc." permitiría a los compositores "trabajar utilizando medios del siglo XX para hacer música". [10]
A principios de la década de 1950, poseer equipos electrónicos era caro y, para la mayoría de las personas, sólo era posible acceder a ellos a través de grandes organizaciones o instituciones. Sin embargo, prácticamente todos los jóvenes compositores estaban interesados en el potencial de la grabación en cinta. [11] Según Brian Eno , "el paso a la cinta fue muy importante", porque a diferencia de los discos de gramófono , la cinta era "maleable, mutable, cortable y reversible de una manera que los discos no lo son. Es muy difícil hacer algo interesante con una desct". [9] A mediados de la década de 1950, las convenciones de grabación populares cambiaron profundamente con la llegada de las grabadoras de cinta de tres pistas, [12] y a principios de la década de 1960, era común que los productores, compositores e ingenieros experimentaran libremente con la forma musical y la orquestación . , reverberación antinatural y otros efectos de sonido. Algunos de los ejemplos más conocidos son Wall of Sound de Phil Spector y el uso de efectos de sonido electrónicos caseros por parte de Joe Meek para actos como los Tornados . [13]
La composición en estudio se convirtió en una práctica estándar a finales de los años 1960 y principios de los 1970, y se mantuvo así hasta la década de 2010. Durante la década de 1970, el concepto de "estudio como instrumento" pasó del espacio de grabación del estudio a la sala de control del estudio, donde los instrumentos electrónicos se podían conectar directamente a la mesa de mezclas. [14] A partir de la década de 2010, la idea del "estudio como instrumento" sigue siendo omnipresente en géneros como el pop , el hip-hop y la música electrónica. [15]
Los pioneros de la década de 1940 incluyen a Bill Putnam , Les Paul y Tom Dowd , quienes contribuyeron al desarrollo de prácticas de grabación comunes como la reverberación, el retardo de cinta y la sobregrabación . Putnam fue uno de los primeros en reconocer el eco y la reverberación como elementos para mejorar una grabación, más que como subproductos naturales del espacio de grabación. Diseñó la novedosa canción de 1947 de los Harmonicats, " Peg o' My Heart ", que fue un importante éxito en las listas y se convirtió en la primera grabación popular en utilizar reverberación artificial para lograr un efecto artístico. [15] Aunque Les Paul no fue el primero en utilizar sobregrabaciones, popularizó la técnica en la década de 1950. [dieciséis]
Casi al mismo tiempo, los compositores franceses Pierre Schaeffer y Pierre Henry estaban desarrollando la música concreta , un método de composición en el que se reorganizan y unen trozos de cinta, y así se originó el sampleo . Mientras tanto, en Inglaterra, Daphne Oram experimentó intensamente con instrumentos electrónicos durante su mandato como ingeniera de equilibrio para la BBC ; sin embargo, sus experimentos en cintas eran prácticamente desconocidos en ese momento. [15]
El productor inglés Joe Meek fue uno de los primeros en explotar el uso de los estudios de grabación como instrumentos y uno de los primeros productores en afirmar una identidad individual como artista . [17] Comenzó a trabajar en producción en 1955 en los estudios IBC de Londres. Una de las técnicas distintivas de Meek era sobrecargar una señal con compresión de rango dinámico , lo cual era poco ortodoxo en ese momento. Sus empleadores lo hostilizaron por sus técnicas "radicales". Algunos de estos métodos, como los instrumentos con micrófono cercano, se convirtieron más tarde en parte de la práctica normal de grabación. [15] El periodista musical Mark Beaumont escribe que Meek "se dio cuenta de la filosofía del estudio como instrumento años antes que The Beatles o The Beach Boys ". [18]
Al hablar de Jerry Leiber y Mike Stoller , Adam Bell describe las producciones del dúo de compositores para los Coasters como "un excelente ejemplo de sus prácticas pioneras en el campo emergente de la producción", citando un relato de Stoller en el que recuerda "cortar eses de las palabras, pegar "Vuelve a juntar la cinta para que no te des cuenta. Y a veces, si el primer estribillo de una toma era bueno y el segundo malo, grabábamos otra grabación de la primera y la pegábamos en lugar de la segunda". [19]
Phil Spector , a veces considerado como la contraparte estadounidense de Joe Meek, [20] también es considerado "importante como el primer productor estrella de música popular y su primer 'autor'... Spector cambió la música pop de un arte escénico... a un arte". que a veces sólo podía existir en el estudio de grabación". [21] Su fórmula de producción original (apodada " Muro de Sonido ") requería grandes conjuntos (incluidos algunos instrumentos que generalmente no se utilizan para tocar en conjunto, como guitarras eléctricas y acústicas ), con múltiples instrumentos duplicando e incluso triplicando muchas de las partes. para crear un sonido más completo y rico. [22] [nb 1] Evolucionó a partir de su trabajo de mediados de la década de 1950 con Leiber y Stoller durante el período en el que buscaban un sonido más completo a través de una instrumentación excesiva. [24] [nb 2] La producción de Spector de 1963 de " Be My Baby ", según la revista Rolling Stone , fue una " piedra Rosetta para pioneros del estudio como los Beatles y Brian Wilson ". [25]
Al productor de los Beatles, George Martin , y al productor y compositor de los Beach Boys , Brian Wilson, se les atribuye generalmente el mérito de ayudar a popularizar la idea del estudio como instrumento utilizado para la composición en el estudio, y los productores musicales después de mediados de la década de 1960 se basaron cada vez más en su trabajo. . [26] [nb 3] Aunque Martin era nominalmente el productor de los Beatles, a partir de 1964 cedió el control a la banda, permitiéndoles utilizar el estudio como taller para sus ideas y más tarde como laboratorio de sonido. [28] El musicólogo Olivier Julien escribe que la "integración gradual de los arreglos y la grabación en un mismo proceso" de los Beatles comenzó ya en 1963, pero se desarrolló en serio durante las sesiones de Rubber Soul (1965) y Revolver (1966) y "finalmente floreció" durante las sesiones del sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper (1967). [29] Wilson, quien fue asesorado por Spector, [30] fue otro de los primeros autores de música popular. [26] Los autores Jim Cogan y William Clark lo acreditan como el primer productor de rock en utilizar el estudio como instrumento discreto. [30]
Según el autor David Howard, el trabajo de Martin en " Tomorrow Never Knows " de los Beatles, de Revolver , y la producción de Spector de " River Deep – Mountain High " del mismo año fueron las dos grabaciones que aseguraron que el estudio "ahora fuera propio". instrumento". [32] Citando el libro del compositor y productor Virgil Moorefield The Producer as Composer , el autor Jay Hodgson destaca que Revolver representa un "punto de inflexión dramático" en la historia de la grabación a través de su dedicación a la exploración en el estudio de la "interpretabilidad" de las canciones, como y los álbumes posteriores de los Beatles cambiaron las ideas preconcebidas de los oyentes sobre una grabación pop. [33] Según Julien, el siguiente LP Sgt. Pepper representa el "epítome de la transformación del estudio de grabación en una herramienta de composición", marcando el momento en que "la música popular entró en la era de la composición fonográfica". [34] El compositor y musicólogo Michael Hannan atribuye el impacto del álbum a Martin y sus ingenieros, en respuesta a las demandas de los Beatles, haciendo un uso cada vez más creativo del equipo de estudio y originando nuevos procesos. [35]
Al igual que Revolver , " Good Vibrations ", que Wilson produjo para los Beach Boys en 1966, fue uno de los principales defensores de revolucionar el rock desde conciertos en vivo hasta producciones de estudio que sólo podían existir en formato discográfico. [36] Por primera vez, Wilson se limitó a grabar fragmentos cortos intercambiables (o "módulos") en lugar de una canción completa. A través del método de empalme de cintas , cada fragmento podía ensamblarse en una secuencia lineal (como Wilson exploró en grabaciones posteriores de este período), permitiendo que se produjeran cualquier número de estructuras más grandes y estados de ánimo divergentes en un momento posterior. [37] [nb 4] El musicólogo Charlie Gillett calificó a "Good Vibrations" como "uno de los primeros discos que hace alarde de la producción de estudio como una cualidad en sí misma, en lugar de como un medio para presentar una interpretación", [38] mientras que el crítico de rock Gene Sculatti lo llamó "el viaje definitivo de producción en estudio", y agregó que su influencia era evidente en canciones como " A Day in the Life " de Sgt. Pimienta . [39]
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Adam Bell le da crédito a Brian Eno por popularizar el concepto del estudio como instrumento, en particular porque "no requería experiencia previa y, en cierto modo, la falta de conocimientos podría incluso ser ventajosa para la creatividad", y que "tal enfoque fue tipificado" por Kraftwerk , cuyos miembros proclamaban "nosotros jugamos en el estudio". [14] Continúa diciendo:
Mientras que aquellos como Brian Wilson utilizaron el estudio como instrumento para orquestar a todos los que trabajaban en él, el giro hacia la tecnología en los casos de Sly Stone , Stevie Wonder , Prince y Brian Eno significa un cambio conceptual en el que se necesita un enfoque alternativo. que pudiera hacer que utilizar el estudio como instrumento fuera más barato, más fácil, más conveniente o más creativo era cada vez más buscado. En comparación con la década de 1960, utilizar el estudio como instrumento se volvió menos acerca de trabajar el sistema como tal, y trabajar los sistemas . [14]
El productor Conny Plank fue citado por crear "un mundo de sonido utilizando el estudio como instrumento" produciendo bandas como Can , Cluster , Neu! , Kraftwerk y Ultravox , entre muchos otros, el estudio fue visto como una parte integral de la música. [40] [41]
El productor jamaicano Lee "Scratch" Perry se destacó por sus producciones de reggae y dub de los años 70, grabadas en su estudio Black Ark . [42] David Toop comentó que "en su apogeo, el genio de Perry ha transformado el estudio de grabación" en "un espacio virtual, una cámara imaginaria que presidía el mago de la electrónica, el evangelista, el columnista de chismes y el Dr. Frankenstein en el que se convirtió". [43]
Desde finales de la década de 1970 en adelante, la producción de hip hop ha estado fuertemente vinculada al linaje y la técnica de artistas anteriores que utilizaron el estudio como instrumento. El crítico de jazz Francis Davis identificó a los primeros DJ de hip-hop , incluidos Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash , como "sucesores de base de Phil Spector, Brian Wilson y George Martin, los productores de la década de 1960 que fueron pioneros en el uso del estudio de grabación como instrumento en sí mismo". bien." [44]
A partir de la década de 1980, los músicos asociados con los géneros dream pop y shoegazing hicieron un uso innovador de pedales de efectos y técnicas de grabación para crear atmósferas musicales etéreas y "de ensueño". [45] La banda de shoegazing inglesa-irlandesa My Bloody Valentine , dirigida por el guitarrista y productor Kevin Shields , es a menudo celebrada por sus álbumes de estudio Isn't Anything (1988) y Loveless (1991). Escribiendo para The Sunday Times , Paul Lester dijo que Shields es "ampliamente aceptado como el genio del shoegazing", con "su sorprendente muro de sonido, el uso del estudio como instrumento y la deslumbrante reinvención de la guitarra que lo convierten en una especie de Spector- Hendrix con cabeza de hidra". -Eno figura". [46]
La banda estadounidense de rock psicodélico The Flaming Lips obtuvo comparaciones de los críticos con el trabajo de Brian Wilson [ verificación fallida ] al hablar de sus álbumes Zaireeka (1997) y The Soft Bulletin (1999), que fueron el resultado de una extensa experimentación en el estudio. Cuando se le preguntó qué instrumento toca, el líder Wayne Coyne simplemente respondió "el estudio de grabación". [47] [¿ importancia del ejemplo(s)? ]
