El estilo de escritura de William Shakespeare se inspiró en las convenciones de la época y las adaptó a sus necesidades.
Las primeras obras de William Shakespeare fueron escritas en el estilo convencional de la época. Las escribió en un lenguaje estilizado que no siempre surge naturalmente de las necesidades de los personajes o del drama. [1] La poesía depende de metáforas y conceptos extensos y elaborados , y el lenguaje es a menudo retórico , escrito para que los actores declamen en lugar de hablar. Por ejemplo, los grandes discursos de Tito Andrónico , en opinión de algunos críticos, a menudo detienen la acción, mientras que el verso de Los dos hidalgos de Verona ha sido descrito como forzado. [2] [3]
Sin embargo, pronto William Shakespeare comenzó a adaptar los estilos tradicionales a sus propios propósitos. El soliloquio de apertura de Ricardo III tiene sus raíces en la autodeclaración del vicio en el drama medieval. Al mismo tiempo, la vívida autoconciencia de Ricardo anticipa los soliloquios de las obras de madurez de Shakespeare. [4] [5] Ninguna obra en particular marca un cambio del estilo tradicional al más libre. Shakespeare combinó los dos a lo largo de su carrera, siendo Romeo y Julieta quizás el mejor ejemplo de la mezcla de los estilos. [6] En la época de Romeo y Julieta , Ricardo II y El sueño de una noche de verano a mediados de la década de 1590, Shakespeare había comenzado a escribir una poesía más natural. Cada vez más, adaptó sus metáforas e imágenes a las necesidades del drama en sí.
La forma poética estándar de Shakespeare era el verso blanco , compuesto en pentámetro yámbico con un uso inteligente de juegos de palabras e imágenes . En la práctica, esto significaba que sus versos generalmente no tenían rima y constaban de diez sílabas por línea, pronunciadas con un acento en cada segunda sílaba. El verso blanco de sus primeras obras es bastante diferente al de sus obras posteriores. A menudo es hermoso, pero sus oraciones tienden a comenzar, hacer pausas y terminar al final de las líneas , con el riesgo de la monotonía. [7] Una vez que Shakespeare dominó el verso blanco tradicional, comenzó a interrumpir y variar su flujo. Esta técnica libera el nuevo poder y flexibilidad de la poesía en obras como Julio César y Hamlet . Shakespeare lo usa, por ejemplo, para transmitir la agitación en la mente de Hamlet: [8]
Señor, en mi corazón había una especie de lucha
que no me dejaba dormir. Pensé que estaba
peor que los motines en los Bilboes. Temerariamente (
y alabada sea la temeridad por ello) háganos saber que
nuestra indiscreción a veces nos resulta útil...— El príncipe Hamlet , en William Shakespeare, Hamlet , 5.2.4–8. [9]
Después de Hamlet , Shakespeare varió aún más su estilo poético, particularmente en los pasajes más emotivos de las últimas tragedias. El crítico literario AC Bradley describió este estilo como "más concentrado, rápido, variado y, en la construcción, menos regular, no pocas veces retorcido o elíptico". [10] En la última fase de su carrera, Shakespeare adoptó muchas técnicas para lograr estos efectos. Estas incluían encabalgamientos , pausas y paradas irregulares y variaciones extremas en la estructura y la longitud de las oraciones. [11] En Macbeth , por ejemplo, el lenguaje pasa de una metáfora o símil no relacionado a otro en uno de los conocidos discursos de Lady Macbeth :
¿Se emborrachó la esperanza
con la que te vestías? ¿Ha dormido desde entonces? ¿
Y se despierta ahora, para verse tan verde y pálida
ante lo que hizo tan libremente?— Lady Macbeth, en William Shakespeare, Macbeth , I.VII.35–8. [12]
Y en el discurso anterior de Macbeth :
Y la piedad, como un recién nacido desnudo,
cabalgando sobre el viento, o los querubines del cielo, montados
sobre los ciegos mensajeros del aire,— Macbeth, en William Shakespeare, Macbeth , I.VII.21–3. [14]
El público tiene el reto de completar el sentido. [11] Los romances tardíos, con sus cambios en el tiempo y sorprendentes giros de trama, inspiraron un último estilo poético en el que se contraponen oraciones largas y cortas, se apilan las cláusulas, se invierten el sujeto y el objeto y se omiten palabras, creando un efecto de espontaneidad. [15] [16]
El genio poético de Shakespeare se alió con un sentido práctico del teatro. [17] Como todos los dramaturgos de la época, Shakespeare dramatizó historias de fuentes como Petrarca y Holinshed . [18] Reformó cada trama para crear varios centros de interés y mostrar tantos lados de una narrativa a la audiencia como fuera posible. Esta fuerza de diseño asegura que una obra de Shakespeare pueda sobrevivir a la traducción, el corte y la interpretación amplia sin pérdida de su drama central. [19] A medida que crecía la maestría de Shakespeare, dio a sus personajes motivaciones más claras y variadas y patrones distintivos de discurso. Sin embargo, preservó aspectos de su estilo anterior en las obras posteriores. En sus romances tardíos , deliberadamente regresó a un estilo más artificial, que enfatizaba la ilusión del teatro. [20] [21]
En algunas de las primeras obras de Shakespeare, la puntuación al final de las líneas refuerza el ritmo. Él y otros dramaturgos de la época utilizaron esta forma de verso libre para gran parte del diálogo entre personajes para elevar la poesía del drama. [22] Para finalizar muchas escenas de sus obras utilizó un pareado rimado , creando así suspenso. [23] Un ejemplo típico ocurre en Macbeth cuando Macbeth abandona el escenario para asesinar a Duncan:
[ Suena una campana.
Me voy y ya está: la campana me invita.
No la escuches, Duncan, porque es un toque de campana
que te convoca al cielo o al infierno. [ Sale.— Macbeth, en William Shakespeare, Macbeth , II.I.62–4. [24]
Sus obras hacen un uso efectivo del soliloquio , en el que un personaje hace un discurso solitario, dando a la audiencia una idea de las motivaciones del personaje y el conflicto interno. [25] El personaje habla directamente a la audiencia (en el caso de coros o personajes que se convierten en epílogos), o más comúnmente, habla consigo mismo en el ámbito ficticio. [26] La escritura de Shakespeare presenta un extenso juego de palabras de doble sentido y florituras retóricas inteligentes. [27] El humor es un elemento clave en todas las obras de Shakespeare. Sus obras han sido consideradas controvertidas a lo largo de los siglos por su uso de juegos de palabras obscenos , [28] hasta el punto de que "prácticamente todas las obras están plagadas de juegos de palabras sexuales". [29] De hecho, en el siglo XIX, se produjeron versiones populares censuradas de las obras como La familia Shakespeare [ sic ] de Henrietta Bowdler (escribiendo anónimamente) y más tarde por su hermano Thomas Bowdler . [30] La comedia no se limita a las comedias de Shakespeare, y es un elemento central de muchas tragedias y obras históricas. Por ejemplo, las escenas cómicas predominan sobre el material histórico en Enrique IV, Parte 1. [ 31]
Además de seguir las formas populares de su época, el estilo general de Shakespeare es comparable al de varios de sus contemporáneos. Sus obras tienen muchas similitudes con los escritos de Christopher Marlowe y parecen revelar fuertes influencias de las representaciones de los Hombres de la Reina , especialmente en sus obras históricas. Su estilo también es comparable al de Francis Beaumont y John Fletcher , otros dramaturgos de la época. [32]
Shakespeare solía tomar prestadas tramas de otras obras e historias. Hamlet , por ejemplo, es comparable a Gesta Danorum de Saxo Grammaticus . [33] Se cree que Romeo y Julieta está basada en el poema narrativo de Arthur Brooke La trágica historia de Romeo y Julieta . [34] El rey Lear está basada en la historia del rey Leir en Historia Regum Britanniae de Geoffrey de Monmouth , que fue contada nuevamente en 1587 por Raphael Holinshed . [35] Tomar prestadas tramas de esta manera no era raro en esa época. Después de la muerte de Shakespeare, los dramaturgos rápidamente comenzaron a tomar prestado de sus obras, una tradición que continúa hasta el día de hoy. [32]
Las obras de Shakespeare expresan la gama completa de la experiencia humana. [36] Sus personajes eran seres humanos [37] que inspiraban la simpatía del público cuando muchos otros personajes de dramaturgos eran planos o arquetipos . [38] [39] Macbeth, por ejemplo, comete seis asesinatos al final del cuarto acto y es responsable de muchas muertes fuera del escenario, pero aun así inspira la simpatía del público hasta el final [40] porque se lo ve como un ser humano defectuoso, no como un monstruo. [41] Hamlet sabe que debe vengar la muerte de su padre, pero es demasiado indeciso, demasiado dubitativo, para llevarlo a cabo hasta que no tenga otra opción. [42] Sus fallas causan su caída y exhibe algunas de las reacciones y emociones humanas más básicas. Los personajes de Shakespeare eran complejos y de naturaleza humana. Al hacer que el desarrollo del personaje del protagonista fuera central para la trama, Shakespeare cambió lo que se podía lograr con el drama. [43]
Todas las referencias a Hamlet , a menos que se especifique lo contrario, se toman del Arden Shakespeare Q2. Según su sistema de referencia, 3.1.55 significa acto 3, escena 1, línea 55. [44]
Todas las referencias a Macbeth , a menos que se especifique lo contrario, se toman de la segunda serie de Arden Shakespeare. Según su sistema de referencia, III.I.55 significa acto 3, escena 1, línea 55. [45]