Un retrato de donante o retrato votivo es un retrato en una pintura más grande u otra obra que muestra a la persona que encargó y pagó la imagen, o a un miembro de su familia o (mucho más raramente) de ella. El retrato del donante generalmente se refiere al retrato o retratos de los donantes solos, como una sección de una obra más grande, mientras que el retrato votivo a menudo puede referirse a una obra de arte completa concebida como un exvoto , incluida, por ejemplo, una Virgen, especialmente si el donante es muy destacado. Los historiadores del arte no utilizan los términos de manera muy consistente, como señala Angela Marisol Roberts, [1] y también pueden usarse para temas religiosos más pequeños que probablemente fueron hechos para ser retenidos por el comisionado en lugar de donados a una iglesia.
Los retratos de donantes son muy habituales en las obras de arte religiosas, especialmente en pinturas, de la Edad Media y el Renacimiento , mostrándose habitualmente el donante arrodillado a un lado, en el primer plano de la imagen. A menudo, incluso ya avanzado el Renacimiento, los retratos de los donantes, especialmente cuando son de una familia entera, estarán en una escala mucho menor que las figuras principales, desafiando la perspectiva lineal . A mediados del siglo XV los donantes comenzaron a aparecer integrados en la escena principal, como espectadores e incluso participantes.
El propósito de los retratos de los donantes era conmemorar al donante y su familia, y especialmente solicitar oraciones por ellos después de su muerte. [2] Las donaciones a la iglesia de edificios, retablos o grandes áreas de vidrieras a menudo iban acompañadas de un legado o condición de que se dijeran misas para el donante a perpetuidad, y se pensaba que los retratos de las personas en cuestión animaban a orar en su nombre. durante estos y en otros momentos. Exhibir retratos en un lugar público también era una expresión de estatus social; los retratos de los donantes se superponían con los monumentos funerarios de las iglesias, la otra forma principal de lograr estos fines, aunque los retratos de los donantes tenían la ventaja de que el donante podía verlos expuestos en vida.
Además, los retratos de donantes en la pintura holandesa temprana sugieren que su propósito adicional era servir como modelos para el espectador orante durante su propia meditación y oración emocional, no para ser imitado como personas ideales como los santos pintados, sino para servir como espejo. para que el destinatario reflexione sobre sí mismo y su condición de pecador, idealmente llevándolo a un conocimiento de sí mismo y de Dios. [4] Hacerlo durante la oración está de acuerdo con los conceptos de oración de finales de la Edad Media, plenamente desarrollados por la Devoción Moderna . Este proceso puede intensificarse si el espectador que ora es el propio donante. [5]
Cuando se financiaba un edificio completo, se podía incluir una escultura del mecenas en la fachada o en cualquier otro lugar del edificio. La Virgen Rolin de Jan van Eyck es un cuadro pequeño en el que el donante Nicolas Rolin comparte el espacio de la pintura a partes iguales con la Virgen y el Niño, pero Rolin había donado grandes sumas de dinero a su iglesia parroquial, donde estaba colgado, representado por la iglesia de arriba. sus manos en oración en el paisaje urbano detrás de él. [6]
A veces, como en el Retablo de Gante , los donantes aparecían en la vista cerrada de un retablo con alas móviles, o en ambos paneles laterales, como en el Retablo de Portinari y los Memlings de arriba, o solo en un lado, como en el Mérode. Retablo . Si están en lados diferentes, los hombres normalmente están a la izquierda para el espectador, la ubicación honorífica a la derecha dentro del espacio de la imagen. En los grupos familiares las cifras suelen estar divididas por género. También se encuentran grupos de miembros de cofradías , a veces con sus esposas. [7] Más tarde se podrían agregar miembros adicionales de la familia, por nacimiento o matrimonio, y las muertes podrían registrarse mediante la adición de pequeñas cruces sostenidas en las manos entrelazadas. [8]
Al menos en el norte de Italia, además de los grandes retablos y frescos de grandes maestros que atraen la mayor atención en la historia del arte, había un grupo más numeroso de pequeños frescos con un solo santo y un donante en las paredes laterales, que podían ser destruidos. repintados tan pronto como el número de velas encendidas ante ellas disminuyó, o un donante rico necesitaba el espacio para un gran ciclo de frescos, como se describe en un cuento italiano del siglo XV: [9]
Y dando vueltas con el maestro albañil, examinando qué figuras dejar y cuáles destruir, el cura divisó a un San Antonio y dijo: 'Salvad a éste'. Entonces encontró una figura de San Sano y dijo: 'Éste hay que quitarlo, que desde que soy aquí Cura nunca he visto a nadie encender una vela delante de él, ni me ha parecido jamás. yo útil; por lo tanto, albañil, deshazte de él.
Los retratos de los donantes tienen una historia continua desde la antigüedad tardía , y el retrato del manuscrito del siglo VI Dioscurides de Viena bien puede reflejar una tradición clásica establecida desde hace mucho tiempo, tal como se cree que lo hacen los retratos del autor encontrados en el mismo manuscrito. Una pintura de las Catacumbas de Commodilla de 528 muestra a la Virgen y el Niño en trono , flanqueados por dos santos, con Turtura, una donante, frente al santo de la izquierda, que tiene su mano sobre su hombro; Un milenio después se estaban produciendo composiciones muy similares. [10] Otra tradición que tenía un precedente precristiano eran las imágenes reales o imperiales que mostraban al gobernante con una figura religiosa, generalmente Cristo o la Virgen María en ejemplos cristianos, con las figuras divinas y reales mostradas comunicándose entre sí de alguna manera. Aunque ninguno ha sobrevivido, hay evidencia literaria de retratos de donantes en pequeñas capillas del período paleocristiano , [11] probablemente continuando las tradiciones de los templos paganos.
Los paneles de mosaico del siglo VI en la Basílica de San Vitale en Rávena del emperador Justiniano I y la emperatriz Teodora con cortesanos no son del tipo que muestra al gobernante recibiendo la aprobación divina, pero cada uno muestra a uno de la pareja imperial de pie con confianza con un grupo de asistentes, mirando al espectador. Su escala y composición son únicas entre las supervivencias a gran escala. También en Rávena hay un pequeño mosaico de Justiniano, posiblemente originario de Teodorico el Grande, en la Basílica de San Apolinar Nuovo . En la Alta Edad Media , un grupo de retratos en mosaico de Papas que habían encargado la construcción o reconstrucción de las iglesias que los contenían en Roma muestran figuras de pie sosteniendo modelos del edificio, generalmente entre un grupo de santos. Poco a poco, estas tradiciones se abrieron paso en la escala social, especialmente en los manuscritos iluminados , donde a menudo son retratos de sus propietarios, ya que los manuscritos se conservaban para ser utilizados por la persona que los encargaba. Por ejemplo, una capilla en Mals, en Tirol del Sur, tiene dos figuras de donantes al fresco anteriores al 881, una laica y la otra de un clérigo tonsurado sosteniendo un edificio modelo. [12] En los siglos siguientes, los obispos, abades y otros clérigos fueron los donantes más comúnmente mostrados, además de la realeza, y permanecieron representados de manera destacada en períodos posteriores. [13]
Los retratos de donantes de nobles y empresarios ricos se estaban volviendo comunes en los encargos en el siglo XV, al mismo tiempo que el retrato sobre tabla comenzaba a ser encargado por esta clase, aunque quizás haya más retratos de donantes en obras más grandes de iglesias que se conservan antes de 1450. que los retratos sobre paneles. Un formato holandés muy común de mediados de siglo era un pequeño díptico con una Virgen y el Niño, generalmente en el ala izquierda, y un "donante" en el derecho; el donante era aquí un propietario, ya que normalmente estaban destinados a conservarse. en el domicilio del sujeto. En estos, el retrato puede adoptar una pose de oración, [14] o puede posar más como el sujeto en un retrato puramente secular. [15] El díptico Wilton de Ricardo II de Inglaterra fue un precursor de estos. En algunos de estos dípticos el retrato del propietario original ha sido sobrepintado con el de otro posterior. [dieciséis]
Una convención particular en los manuscritos iluminados era el "retrato de presentación", donde el manuscrito comenzaba con una figura, a menudo arrodillada, que presentaba el manuscrito a su propietario o, a veces, al propietario que encargaba el libro. La persona que presenta puede ser un cortesano que hace un regalo a su príncipe, pero a menudo es el autor o el escriba, en cuyos casos el destinatario realmente pagó por el manuscrito. [17]
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Durante la Edad Media, las figuras de los donantes a menudo se mostraban en una escala mucho menor que las figuras sagradas; un cambio fechado por Dirk Kocks en el siglo XIV, aunque se pueden encontrar ejemplos anteriores en manuscritos. [18] Una convención posterior fue para figuras de aproximadamente tres cuartos del tamaño de las principales. Desde el siglo XV, los primeros pintores holandeses como Jan van Eyck integraron, con distintos grados de sutileza, retratos de donantes en el espacio de la escena principal de los retablos, a la misma escala que las figuras principales.
Se puede encontrar un estilo comparable en la pintura florentina de la misma fecha, como en la Santísima Trinidad de Masaccio (1425-28) en Santa Maria Novella donde, sin embargo, los donantes aparecen arrodillados en un alféizar fuera y debajo del entorno arquitectónico principal. [19] Esta innovación, sin embargo, no apareció en la pintura veneciana hasta principios del siglo siguiente. [20] Normalmente, las figuras principales ignoran la presencia de los intrusos en las escenas narrativas, aunque los santos presentes pueden poner una mano de apoyo en el hombro en un panel lateral. Pero en temas devocionales como la Virgen y el Niño , que probablemente estaban destinados a la casa del donante, las figuras principales pueden mirar o bendecir al donante, como se muestra en el Memling.
Antes del siglo XV, es posible que no se hubiera intentado ni logrado una semejanza física; En cualquier caso, es posible que los individuos representados a menudo no estuvieran disponibles para el artista, o incluso no estuvieran vivos. [21] A mediados del siglo XV este ya no era el caso, y los donantes de los cuales sobreviven otras imágenes a menudo pueden verse cuidadosamente retratados, aunque, como en el Memling anterior, las hijas en particular a menudo aparecen como bellezas estandarizadas en el estilo del día. [22]
En las escenas narrativas comenzaron a incorporarse a las figuras de la escena representada, quizás una innovación de Rogier van der Weyden , donde a menudo se les puede distinguir por su costosa vestimenta contemporánea. En Florencia, donde ya existía la tradición de incluir retratos de personajes notables de la ciudad en escenas de multitudes (mencionada por Leon Battista Alberti ), la Procesión de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli (1459-61), que ciertamente tuvo lugar en la capilla privada del Palazzo Medici , está dominada por la glamorosa procesión que contiene más retratos de los Medici y sus aliados de los que ahora se pueden identificar. En 1490, cuando se completó el gran ciclo de frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio , familiares y aliados políticos de los Tornabuoni pueblan varias escenas en cantidades considerables, además de los convencionales retratos arrodillados de Giovanni Tornabuoni y su esposa. [24] En un pasaje citado con frecuencia, John Pope-Hennessy caricaturizó a los donantes italianos del siglo XVI: [25]
la moda del retrato colectivo creció y creció... el estatus y el retrato se entrelazaron inextricablemente, y no había casi nada que los mecenas no hicieran para inmiscuirse en las pinturas; apedrearían a las mujeres sorprendidas en adulterio, limpiarían después de los martirios, servirían en la mesa de Emaús o en casa del fariseo. Los ancianos de la historia de Susana eran algunas de las pocas figuras que los venecianos respetables no estaban dispuestos a personificar. ... la única contingencia que no previeron fue lo que realmente ocurrió, que sus rostros sobrevivirían pero sus nombres se extraviarían.
En Italia, los donantes o propietarios rara vez eran representados como figuras religiosas importantes, pero en las cortes del norte de Europa hay varios ejemplos de esto a finales del siglo XV y principios del XVI, la mayoría en pequeños paneles que no están a la vista del público. [8] [26] El más notorio de ellos es la representación como Virgen lactana (o simplemente postlactante ) de Agnès Sorel (fallecida en 1450), la amante de Carlos VII de Francia , en un panel de Jean Fouquet . [27]
Los retratos de los donantes en obras para iglesias y la heráldica demasiado prominente fueron desaprobados por los intérpretes clericales de los vagos decretos sobre arte del Concilio de Trento , como San Carlos Borromeo , [28] pero sobrevivieron hasta bien entrado el período barroco y desarrollaron un equivalente secular en la pintura de historia , aunque aquí a menudo eran las figuras principales a quienes se les daban los rasgos del comisionado. Un ejemplo muy tardío del antiguo formato holandés del tríptico con los donantes en los paneles de las alas es el Tríptico Rockox de Rubens de 1613-15, una vez en una iglesia sobre la lápida de los donantes y ahora en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes. . El panel central muestra la Incredulidad de Tomás ("Tomás el incrédulo") y la obra en su conjunto es ambigua en cuanto a si los donantes están representados ocupando el mismo espacio que la escena sagrada, con indicaciones diferentes en ambas direcciones. [29]
Otro desarrollo secular fue el retrato histórico , donde grupos de retratados se hacían pasar por figuras históricas o mitológicas. Uno de los grupos más famosos y llamativos de retratos de donantes barrocos son los de los miembros masculinos de la familia Cornaro , que se sientan en palcos como si estuvieran en el teatro a ambos lados del retablo esculpido del Éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini ( 1652). Estos se derivaron de frescos de Pellegrino Tibaldi un siglo antes, que utilizan la misma presunción. [30]
Aunque los retratos de donantes han sido relativamente poco estudiados como género distinto, en los últimos años ha habido más interés y un debate sobre su relación, en Italia, con el surgimiento del individualismo con el Renacimiento temprano, y también sobre los cambios en su iconografía. después de la Peste Negra de mediados del siglo XIV. [31]
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