La cerámica y la porcelana (陶磁器, tōjiki , también yakimono (焼きもの) o tōgei (陶芸) ) son una de las artesanías y formas de arte japonesas más antiguas , que se remonta al período Neolítico . [1] Los tipos han incluido loza , cerámica , loza , porcelana y loza azul y blanca . Japón tiene una historia excepcionalmente larga y exitosa de producción de cerámica. La loza se fabricó ya en el período Jōmon (10.500-300 a. C.), lo que le da a Japón una de las tradiciones cerámicas más antiguas del mundo. Japón se distingue además por la estima inusual que tiene la cerámica dentro de su tradición artística, debido a la duradera popularidad de la ceremonia del té . Durante el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), los hornos de todo Japón produjeron cerámicas con diseños poco convencionales. A principios del período Edo, la producción de porcelana comenzó en la región de Hizen-Arita de Kyushu, empleando técnicas importadas de Corea. Estas obras de porcelana pasaron a conocerse como cerámicas Imari , en honor al puerto de Imari desde el que se exportaban a varios mercados, incluida Europa.
La historia de la cerámica japonesa registra los nombres de numerosos ceramistas distinguidos, y algunos eran alfareros artistas, por ejemplo, Hon'ami Kōetsu , Ninsei , Ogata Kenzan y Aoki Mokubei. [2] Los hornos anagama japoneses también han florecido a lo largo de los siglos, y su influencia pesa con la de los alfareros. Otro componente japonés importante del arte es la continua popularidad del gres cocido a alta temperatura sin esmaltar incluso después de que la porcelana se volviera popular. [2] Desde el siglo IV d. C., la cerámica japonesa a menudo se ha visto influenciada por las sensibilidades artísticas de las civilizaciones vecinas del este de Asia, como la cerámica de estilo chino y coreano . Los ceramistas y alfareros japoneses se inspiraron en sus contrapartes artísticas del este de Asia al transformar y traducir los prototipos chinos y coreanos en una creación exclusivamente japonesa, con la forma resultante siendo claramente japonesa en carácter. Desde mediados del siglo XVII, cuando Japón comenzó a industrializarse, [3] las piezas estándar de alta calidad producidas en fábricas se convirtieron en exportaciones populares a Europa. En el siglo XX, comenzó a arraigarse y a surgir una industria cerámica artesanal de cosecha propia. Entre las principales empresas cerámicas japonesas se encuentran Noritake y Toto Ltd.
La cerámica japonesa se distingue por dos tradiciones estéticas polarizadas. Por un lado, existe una tradición de cerámica muy simple y de acabado tosco, principalmente en loza y utilizando una paleta apagada de colores terrosos. Esto se relaciona con el budismo zen y muchos de los grandes maestros fueron sacerdotes, especialmente en los primeros períodos. Muchas piezas también están relacionadas con la ceremonia del té japonesa y encarnan los principios estéticos del wabi-sabi . La mayoría de la cerámica raku , donde la decoración final es en parte aleatoria, se encuentra en esta tradición. [4] La otra tradición es la de las piezas de fábrica de acabado alto y colores brillantes, principalmente en porcelana, con una decoración compleja y equilibrada, que desarrolla los estilos de porcelana china de una manera distinta. [5] Una tercera tradición, de cerámicas simples pero perfectamente formadas y esmaltadas , también se relaciona más estrechamente con las tradiciones china y coreana. En el siglo XVI, varios estilos de cerámicas rústicas utilitarias tradicionales que entonces se producían fueron admirados por su simplicidad, y sus formas a menudo se han mantenido en producción hasta el día de hoy para un mercado de coleccionistas. [6]
Los tipos de cerámica se pueden dividir en cinco grupos:
Algunos de los tipos de vasijas típicas (器utsuwa ) son:
Las diversas características de un recipiente, como la apertura, el borde, el cuello, la pared, el interior, el pie, las marcas de la superficie, etc., tienen nombres estandarizados en japonés.
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En el Neolítico ( aproximadamente en el milenio XI a.C.) se fabricaron las primeras piezas de cerámica blanda.
Durante el período Jōmon temprano , en el sexto milenio a. C. , aparecieron las típicas cerámicas hechas con espirales , decoradas con patrones de cuerdas impresas a mano. La cerámica Jōmon desarrolló un estilo extravagante en su apogeo y se simplificó en el período Jōmon posterior. La cerámica se formaba enrollando cuerdas de arcilla y cociéndolas al fuego.
En los siglos IV y III a. C., aproximadamente , durante el período Yayoi , apareció la cerámica Yayoi , otro estilo de cerámica que se caracterizaba por tener un patrón simple o no tenerlo. La cerámica Jōmon, Yayoi y, posteriormente, la cerámica Haji compartían el proceso de cocción, pero tenían diferentes estilos de diseño.
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Entre los siglos III y IV d. C. aparecieron el horno anagama , un horno de túnel techado situado en una ladera, y el torno de alfarero , traídos a la isla de Kyushu desde la península de Corea. [8]
El horno anagama podía producir cerámica de gres, la cerámica Sue , cocida a altas temperaturas de más de 1200–1300 °C (2190–2370 °F), a veces embellecida con accidentes producidos al introducir material vegetal en el horno durante la fase de cocción con oxígeno reducido. Su fabricación comenzó en el siglo V y continuó en áreas periféricas hasta el siglo XIV. Aunque se han identificado varias variaciones regionales, Sue era notablemente homogénea en todo Japón. Sin embargo, la función de la cerámica Sue cambió con el tiempo: durante el período Kofun ( 300–710 d. C.) fue principalmente cerámica funeraria; durante el período Nara (710–94) y el período Heian (794–1185), se convirtió en una vajilla de élite; y finalmente se utilizó como una cerámica utilitaria y para los vasos rituales de los altares budistas.
Los objetos funerarios contemporáneos de la cultura Haji y Haniwa eran de barro, como el Yayoi.
Aunque la técnica del esmaltado de plomo de tres colores fue introducida en Japón por la dinastía Tang de China en el siglo VIII, los hornos oficiales solo producían esmaltado de plomo verde simple para templos en el período Heian , alrededor de 800-1200.
En esta época apareció la cerámica Kamui , así como la cerámica Atsumi y la cerámica Tokoname .
Hasta el siglo XVII, la cerámica sin esmaltar era popular para las necesidades diarias de trabajo pesado de una sociedad predominantemente agraria; jarras funerarias, jarras de almacenamiento y una variedad de ollas de cocina caracterizan la mayor parte de la producción. Algunos de los hornos mejoraron su tecnología y se denominan los "Seis Hornos Antiguos": Shigaraki ( cerámica Shigaraki ), Tamba, Bizen, Tokoname, Echizen y Seto. [9] [10]
Entre ellos, el horno Seto en la provincia de Owari (actual prefectura de Aichi ) tenía una técnica de esmaltado. Según la leyenda, Katō Shirozaemon Kagemasa (también conocido como Tōshirō) estudió técnicas de cerámica en China y trajo cerámica esmaltada a alta temperatura a Seto en 1223. El horno Seto imitó principalmente la cerámica china como sustituto del producto chino. Desarrolló varios esmaltes: marrón ceniza, negro hierro, blanco feldespato y verde cobre. Las piezas se utilizaron tan ampliamente que Seto-mono ("producto de Seto") se convirtió en el término genérico para la cerámica en Japón. El horno Seto también produjo cerámica sin esmaltar. A finales del siglo XVI, muchos alfareros de Seto que huyeron de las guerras civiles se mudaron a la provincia de Mino en la prefectura de Gifu, donde produjeron cerámica esmaltada: Seto amarillo ( Ki-Seto ) , Shino, Seto negro ( Seto-Guro ) y cerámica Oribe .
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Según las crónicas, en 1406, el emperador Yongle (1360-1424) de la dinastía Ming otorgó diez cuencos de cerámica Jian de la dinastía Song al shōgun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que gobernó durante el período Muromachi . Varios monjes japoneses que viajaron a monasterios en China también trajeron piezas a casa. [11] A medida que se volvieron valorados para las ceremonias del té, se importaron más piezas de China, donde se convirtieron en productos muy preciados. Cinco de estos recipientes de la dinastía Song del sur son tan valorados que el gobierno los incluyó en la lista de Tesoros Nacionales de Japón (artesanías: otros) . La cerámica Jian se produjo más tarde y se desarrolló aún más como tenmoku y fue muy apreciada durante las ceremonias del té de esta época.
Desde mediados del siglo XI hasta el siglo XVI, Japón importó mucha cerámica china de color verde celadón , porcelana blanca y cerámica azul y blanca. Japón también importó cerámica china, así como cerámica coreana y vietnamita. Estas cerámicas chinas ( tenmoku ) se consideraban artículos sofisticados, que las clases altas utilizaban en la ceremonia del té. Los japoneses también encargaban cerámicas diseñadas a medida a hornos chinos.
También se importaban productos de alto precio procedentes de Luzón , denominados Rusun-yaki o " cerámica de Luzón ", así como Annan , procedente de Annam , en el norte de Vietnam. [12]
Con el auge del budismo a finales del siglo XVI, los principales maestros del té introdujeron un cambio de estilo y favorecieron los humildes cuencos de té coreanos y la vajilla doméstica en lugar de la sofisticada porcelana china. El influyente maestro del té Sen no Rikyū (1522-1591) recurrió a los estilos japoneses nativos de cerámica rústica sencilla, a menudo imperfecta, que admiraba por su "espontaneidad resistente", un "cambio decisivo" de enorme importancia para el desarrollo de la cerámica japonesa. [13] La familia Raku (llamada así por la cerámica y no al revés) suministraba cuencos de té de loza esmaltada de color marrón. Mino, Bizen, Shigaraki ( cerámica Shigaraki ), Iga (similar a Shigaraki) y otros hornos domésticos también suministraban utensilios de té. El artista alfarero Hon'ami Kōetsu fabricó varios cuencos de té que ahora se consideran obras maestras.
Durante la invasión de Corea de Toyotomi Hideyoshi en 1592 , las fuerzas japonesas trajeron alfareros coreanos como esclavos a Japón. Según la tradición, uno de los secuestrados, Yi Sam-pyeong , descubrió una fuente de arcilla de porcelana cerca de Arita y pudo producir la primera porcelana japonesa. Estos alfareros también trajeron tecnología de horno mejorada en el noborigama u horno ascendente, que funcionaba por una ladera y permitía alcanzar temperaturas de 1400 °C (2550 °F). [14] Pronto se iniciaron los hornos Satsuma, Hagi, Karatsu, Takatori, Agano y Arita.
En la década de 1640, las rebeliones en China y las guerras entre la dinastía Ming y los manchúes dañaron muchos hornos, y entre 1656 y 1684 el nuevo gobierno de la dinastía Qing detuvo el comercio cerrando sus puertos. Los alfareros chinos refugiados pudieron introducir técnicas refinadas de porcelana y esmaltes en los hornos de Arita. A partir de 1658, la Compañía Holandesa de las Indias Orientales se dirigió a Japón en busca de porcelana azul y blanca para vender en Europa (véase porcelana de Imari ). En ese momento, los hornos de Arita, como el horno Kakiemon, aún no podían suministrar suficiente porcelana de calidad a la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, pero rápidamente ampliaron su capacidad. De 1659 a 1740, los hornos de Arita pudieron exportar enormes cantidades de porcelana a Europa y Asia. Poco a poco, los hornos chinos se fueron recuperando y desarrollaron sus propios estilos de vajillas esmaltadas de colores intensos que los europeos encontraban tan atractivas, entre ellas la familia rosa , la familia verde y el resto de ese grupo. A partir de 1720, los hornos chinos y europeos también comenzaron a imitar el estilo esmaltado de Imari en el extremo inferior del mercado, y hacia 1740, el primer período de exportación de porcelana japonesa prácticamente había cesado. [15] Los hornos Arita también suministraban utensilios domésticos como la denominada vajilla esmaltada Ko-Kutani. [16]
La porcelana también se exportaba a China, y gran parte de ella era revendida por comerciantes chinos a otras "Compañías de las Indias Orientales" europeas a las que no se les permitía comerciar en el propio Japón. Se ha sugerido que la elección de tales artículos estaba principalmente dictada por el gusto chino, que prefería las piezas de Kakiemon a las de "Imari", lo que explica una notable disparidad en las primeras colecciones europeas que se puede reconstruir entre las holandesas y las de otros países, como Inglaterra, Francia y Alemania. [17] Debido a que Imari era el puerto de embarque, algunas piezas de porcelana, tanto para exportación como para uso doméstico, se llamaban Ko-Imari (antiguo Imari) . La costumbre europea ha sido generalmente llamar a las piezas azules y blancas "Arita" y a las azules, rojas y doradas "Imari", aunque de hecho ambas se fabricaban a menudo en los mismos hornos cerca de Arita. En 1759, el pigmento de esmalte rojo oscuro conocido como bengara se volvió disponible industrialmente, lo que llevó a un renacimiento rojizo del estilo naranja Ko-Imari de 1720 .
En 1675, la familia local Nabeshima que gobernaba Arita estableció un horno personal para hacer porcelana esmaltada de primera calidad para las clases altas en Japón, que se llama cerámica Nabeshima . Esta utiliza principalmente decoración en estilos japoneses tradicionales, a menudo inspirándose en textiles, en lugar de los estilos derivados de China de la mayoría de la cerámica Arita. [18] La cerámica Hirado fue otro tipo de porcelana reservada inicialmente para la presentación como obsequios políticos entre la élite, concentrándose en una pintura muy fina en azul sobre un cuerpo blanco inusualmente fino, para lo cual se contrataba a pintores de pergaminos. Estos dos tipos representaron la porcelana más fina producida después de que el comercio de exportación se estancara en la década de 1740. A diferencia de la cerámica Nabeshima, Hirado pasó a ser un exportador significativo en el siglo XIX.
Durante el siglo XVII, en Kioto, entonces capital imperial de Japón, los hornos producían únicamente cerámica vidriada con plomo transparente que se parecía a la cerámica del sur de China. Entre ellos, el alfarero Nonomura Ninsei inventó un esmalte sobre vidriado opaco y, con el patrocinio del templo, pudo refinar muchos diseños de estilo japonés. Su discípulo Ogata Kenzan inventó un estilo de artes y oficios idiosincrásico y llevó el Kyōyaki (cerámica de Kioto) a nuevas alturas. Sus obras fueron los modelos para el Kyōyaki posterior. Aunque Okuda Eisen introdujo los cuerpos de porcelana en el Kyōyaki , la cerámica sobre vidriada todavía floreció. Aoki Mokubei, Ninami Dōhachi (ambos discípulos de Okuda Eisen) y Eiraku Hozen ampliaron el repertorio del Kyōyaki .
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, se descubrió arcilla de porcelana blanca en otras zonas de Japón y se comercializó a nivel nacional, lo que permitió a los alfareros moverse con mayor libertad. Los señores y comerciantes locales establecieron muchos hornos nuevos (por ejemplo, el horno Kameyama y el horno Tobe ) para obtener beneficios económicos, y los hornos antiguos, como el Seto, volvieron a funcionar como hornos de porcelana. Estos hornos se denominan "hornos nuevos" y popularizaron la porcelana al estilo de los hornos Arita entre la gente común.
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Durante la apertura internacional del período Meiji, las artes y artesanías japonesas encontraron un nuevo público y un nuevo conjunto de influencias. Los mecenas tradicionales, como la clase daimyō, se separaron y muchos de los artesanos perdieron su fuente de ingresos. El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873. [ 19] [20] La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y artesanías, nombrando artistas de la Casa Imperial y encargando obras ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [21] La mayoría de las obras promocionadas internacionalmente fueron de artes decorativas, incluida la cerámica.
El término "cerámica Satsuma" se dio originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con esmaltes sobre vidriado y dorado . Estas piezas fueron muy elogiadas en Occidente. Considerado en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y a las influencias occidentales, y había sido creado con la exportación en mente. [22] Los talleres de muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de manera rápida y económica. Por lo tanto, el término "cerámica Satsuma" pasó a asociarse no con un lugar de origen, sino con piezas de menor calidad creadas exclusivamente para la exportación. [23] A pesar de esto, hubo artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan que mantuvieron los más altos estándares artísticos al mismo tiempo que exportaban con éxito. Estos artistas ganaron múltiples premios en exposiciones internacionales. [24] Meizan usó placas de cobre para crear diseños detallados y los transfirió repetidamente a la cerámica, a veces decorando un solo objeto con mil motivos. [25]
La industria de la porcelana de Japón estaba bien establecida al comienzo del período Meiji, pero los productos producidos en masa no eran conocidos por su elegancia. [26] Durante esta era, las innovaciones técnicas y artísticas convirtieron a la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. [26] Mucho de esto se debe a Makuzu Kōzan , conocido por la cerámica Satsuma, quien a partir de la década de 1880 introdujo una nueva sofisticación técnica en la decoración de la porcelana, al tiempo que se comprometía a preservar los valores artísticos tradicionales. [27] Durante la década de 1890 desarrolló un estilo de decoración que combinaba múltiples colores bajo cubierta en cada artículo. [28] La sofisticación técnica de sus bajo cubierta aumentó durante esta década a medida que continuaba experimentando. [29] En la década de 1900 a 1910 hubo un cambio sustancial en la forma y la decoración de sus obras, lo que refleja las influencias occidentales. [27] Su trabajo influyó fuertemente en las percepciones occidentales del diseño japonés. [30]
La cerámica japonesa influyó fuertemente en el alfarero británico Bernard Leach (1887-1979), considerado el "padre de la cerámica de estudio británica". [31] Vivió en Japón entre 1909 y 1920 durante el período Taishō y se convirtió en el principal intérprete occidental de la cerámica japonesa y, a su vez, influyó en varios artistas extranjeros. [32]
Durante el período Shōwa temprano , se desarrolló el movimiento de arte popular mingei (民芸) , que comenzó a fines de la década de 1920 y en la de 1930. Su padre fundador fue Yanagi Sōetsu (1889-1961). Rescató ollas humildes utilizadas por la gente común en el período Edo y Meiji que estaban desapareciendo en un Japón en rápida urbanización. Shōji Hamada (1894-1978) fue un alfarero que fue una figura importante del movimiento mingei , estableciendo la ciudad de Mashiko como un centro reconocido para la cerámica Mashiko . Otro alfarero influyente en este movimiento fue Kawai Kanjirō (1890-1966) y Tatsuzō Shimaoka (1919-2007). Estos artistas estudiaron técnicas tradicionales de esmaltado para preservar las piezas nativas en peligro de desaparecer.
Uno de los momentos más críticos fue durante la Guerra del Pacífico , cuando todos los recursos se destinaron a los esfuerzos bélicos y la producción y el desarrollo se vieron gravemente obstaculizados y los mercados sufrieron.
Varias instituciones quedaron bajo la égida de la División de Protección de Bienes Culturales.
Los hornos de Tamba , con vistas a Kobe , continuaron produciendo las piezas de uso diario utilizadas en el período Tokugawa , a la vez que añadían formas modernas. La mayoría de las piezas de cerámica de la aldea fueron fabricadas anónimamente por alfareros locales con fines utilitarios. Los estilos locales, ya fueran nativos o importados, tendieron a continuar sin alteraciones hasta el presente. En Kyūshū, los hornos instalados por alfareros coreanos en el siglo XVI, como en Koishiwara, Fukuoka y su rama en Onta ware , perpetuaron las piezas de cerámica campesinas coreanas del siglo XVI. En Okinawa , la producción de piezas de cerámica de la aldea continuó bajo la dirección de varios maestros destacados, y Kinjo Jiro fue honrado como ningen kokuho (人間国宝, lit. ' tesoros culturales vivientes ' , oficialmente un Conservador de Bienes Culturales Intangibles Importantes) .
Los alfareros modernos operan en Shiga , Iga , Karatsu , Hagi y Bizen . Yamamoto Masao (Toushuu) de Bizen y Miwa Kyusetsu de Hagi fueron designados ningen kokuho . Solo media docena de alfareros habían sido honrados de esa manera en 1989, ya sea como representantes de famosas piezas de horno o como creadores de técnicas superlativas en esmaltado o decoración; dos grupos fueron designados para preservar las piezas de distinguidos hornos antiguos.
En la antigua capital de Kioto , la familia Raku siguió produciendo los cuencos de té toscos que tanto habían deleitado a Hideyoshi. En Mino , los alfareros continuaron reconstruyendo las fórmulas clásicas de las vajillas de té de tipo Seto del período Momoyama de Mino, como el esmaltado verde cobre de la vajilla Oribe y el preciado esmaltado lechoso de la vajilla Shino. Los alfareros artistas experimentaron en las universidades de arte de Kioto y Tokio para recrear la porcelana tradicional y sus decoraciones con maestros de cerámica como Fujimoto Yoshimichi, un ningen kokuho . Los antiguos hornos de porcelana alrededor de Arita en Kyūshū todavía se mantenían por el linaje de Sakaida Kakiemon XIV e Imaizumi Imaemon XIII, fabricantes de porcelana hereditarios del clan Nabeshima ; ambos eran jefes de grupos designados mukei bunkazai (無形文化財, ver porcelana Kakiemon e Imari ) .
La artista británica Lucie Rie (1902-1995) estuvo influenciada por la cerámica japonesa y por Bernard Leach, y también fue apreciada en Japón con una serie de exposiciones. El artista británico Edmund de Waal (nacido en 1964) estudió a Leach y pasó varios años en Japón estudiando el estilo mingei . [32] Thomas Bezanson , de Canadá, también estuvo influenciado por él. [33]
En cambio, a finales de los años 1980, muchos alfareros de estudio ya no trabajaban en hornos importantes o antiguos, sino que fabricaban piezas clásicas en diversas partes de Japón. En Tokio, un ejemplo notable es Tsuji Seimei, que trajo su arcilla de Shiga pero la envasó en la zona de Tokio. Varios artistas se dedicaron a reconstruir estilos chinos de decoración o esmaltes, especialmente el celadón verde azulado y el qingbai verde agua . Uno de los esmaltes chinos más queridos en Japón es el esmalte tenmoku marrón chocolate que cubría los cuencos de té campesinos traídos del sur de China Song (en los siglos XII y XIII) por los monjes zen . Para sus usuarios japoneses, estas piezas de color marrón chocolate encarnaban la estética zen del wabi (simplicidad rústica). En los Estados Unidos, un ejemplo del uso de esmaltes tenmoku son las ollas torneadas por el artista nacido en Japón Hideaki Miyamura .
Las materias primas se eligen en gran medida en función de la disponibilidad local. En Japón abundan muchos de estos elementos básicos. Debido a los depósitos naturales de caolín , en Kyushu se encuentran muchas arcillas. Tradicionalmente, los hornos se construían en los lugares donde había depósitos de arcilla, y la mayoría de los alfareros de estudio todavía utilizan arcillas locales, habiendo desarrollado una gama de esmaltes y técnicas de decoración especialmente adecuadas para esa arcilla. Las materias primas que se encuentran en el archipiélago japonés varían desde las adecuadas para la cerámica hasta los caolines más refractarios. Desde el período Jōmon hasta el período Yayoi, los alfareros japoneses dependían de la pizarra con alto contenido de hierro y de las arcillas aluviales. Los materiales orgánicos aparecen en gran parte de las obras del período Jōmon temprano, pero a partir de entonces predominan la arena o la piedra triturada. [ cita requerida ]
En los siglos VIII y IX d. C. se produjeron mejoras adicionales bajo la influencia china , cuando los creadores de cerámicas tricolores de Nara y cerámicas esmaltadas en ceniza de Heian buscaron arcillas blancas refractarias y mejoraron su finura mediante levigación. [ cita requerida ]
Las primeras piezas se hacían presionando la arcilla para darle forma. Este método se siguió utilizando después de la invención del torno, como en la producción de cerámica Rengetsu . Los métodos de enrollado se desarrollaron en el período Jōmon. La producción mediante amasado y corte de losas se desarrolló más tarde, por ejemplo, para las figuras de arcilla haniwa .
En Koishibara, Onda y Tamba, los cuencos y jarras grandes se construyen primero de manera tosca en forma de espiral en el torno y luego se les da forma mediante el torneado, en lo que se conoce como la "técnica de enrollar y tirar". Los pasos preliminares son los mismos que para la construcción en espiral, después de lo cual la forma tosca se lubrica con barbotina y se le da forma entre las manos del alfarero mientras el torno gira. El proceso se remonta 360 años atrás a una técnica coreana que se introdujo en Japón después de la invasión de Corea por parte de Hideyoshi.
Estas herramientas para dar forma a la cerámica, que suelen estar hechas de bambú o madera de rápido crecimiento, tienen un tacto natural que resulta muy atractivo. Aunque la mayoría son versiones japonesas de herramientas conocidas en Occidente, algunas son invenciones japonesas exclusivas.
A lo largo de su historia han existido cientos de artículos y estilos diferentes. Los más históricos y conocidos han recibido el reconocimiento del gobierno. Para obtener más información, consulte la lista de sitios de cerámica japonesa .
En Japón existen numerosos museos dedicados exclusivamente a la cerámica. Entre los más conocidos se encuentran el Museo de Cerámica de la Prefectura de Aichi , cerca de Nagoya , el Parque de Porcelana de Arita , el Museo de Cerámica Oriental de Fukuoka , el Museo de Cerámica de Kyushu , el Jardín Noritake , el Museo de Cerámica Oriental de Osaka , el Museo de Cerámica Bizen de la Prefectura de Okayama y el Museo de Arte de Ōtsuka . Los museos públicos, como el Museo Nacional de Kyushu , el Museo Nacional de Kioto , el Museo Nacional de Nara , el Museo Nacional de Tokio y el Museo de Arte de la Prefectura de Ishikawa , cuentan con importantes colecciones de cerámica. Varios museos privados también cuentan con piezas importantes, como el Museo de Arte MOA , el Museo Conmemorativo Mitsui , el Museo de Arte Seikadō Bunko , el Museo de Arte Fujita y el Museo Conmemorativo Kubosō de Arte de Izumi . También se poseen y conservan varios objetos de cerámica importantes en varios templos de Japón, como el Ryūkō-in, el Kohō-an y el Shōkoku-ji , aunque dichos objetos no se exhiben públicamente.
La mayoría de los museos de cerámica del mundo cuentan con colecciones de cerámica japonesa, muchas de ellas muy extensas. Las obras de cerámica japonesa moderna suelen ser muy buscadas y caras. Además de los estilos tradicionales, también se fabrican cerámicas de estudio en estilos de arte contemporáneo para el mercado internacional.
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