El arte inuit , también conocido como arte esquimal , se refiere a las obras de arte producidas por los inuit , es decir, los pueblos del Ártico anteriormente conocidos como esquimales , un término que ahora suele considerarse ofensivo. Históricamente, su material preferido era el marfil de morsa , pero desde el establecimiento de mercados sureños para el arte inuit en 1945, también se han popularizado los grabados y las obras figurativas talladas en piedras relativamente blandas como la esteatita , la serpentinita o la argilita .
La Galería de Arte de Winnipeg posee la colección pública de arte inuit contemporáneo más grande del mundo. [1] En 2007, el Museo de Arte Inuit abrió sus puertas en Toronto , [2] pero cerró por falta de recursos en 2016. [3]
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Alrededor del año 4000 a. C., los nómadas conocidos como la tradición de las herramientas pequeñas predorset o ártica (ASTT) cruzaron el estrecho de Bering desde Siberia hacia Alaska, el Ártico canadiense , Groenlandia y Labrador . [4] Quedan muy pocos restos de ellos, y solo unos pocos artefactos conservados tallados en marfil podrían considerarse obras de arte. La cultura dorset , que se volvió culturalmente distinta alrededor del año 600 a. C., produjo una cantidad significativa de arte figurativo en los medios de marfil de morsa, hueso, asta de caribú y, en raras ocasiones, piedra. Los temas incluían pájaros, osos, morsas, focas y figuras humanas, así como máscaras notablemente pequeñas. Los dorset representaban osos y otros animales en marfil con líneas que indicaban su sistema esquelético incisas en la superficie del marfil; los osos en este estilo se conocen como "osos voladores". [5] Estos objetos tenían un significado mágico o religioso, y se usaban como amuletos para alejar a los malos espíritus, o se utilizaban en la religión inuit .
La cultura Ipiutak parece representar un período clásico del desarrollo inuit. Las obras de arte son sumamente elaboradas e incorporan diseños geométricos, animales y antropomórficos. [6]
Alrededor del año 1000 d. C., los habitantes de la cultura Thule , ancestros de los actuales inuit, emigraron desde el norte de Alaska y desplazaron o masacraron a los primeros habitantes de Dorset. [7] El arte Thule tenía una clara influencia de Alaska e incluía objetos utilitarios como peines, botones, estuches de agujas, ollas, lanzas ornamentadas y arpones. Las decoraciones gráficas grabadas en ellos eran puramente ornamentales y no tenían ningún significado religioso, sino que pretendían hacer atractivos los objetos utilizados en la vida cotidiana.
Todos los utensilios, herramientas y armas de los inuit se fabricaban a mano con materiales naturales: piedra, hueso, marfil, asta y pieles de animales. Los pueblos nómadas no podían llevarse consigo mucho más que las herramientas de su vida diaria; también tallaban en miniatura objetos no utilitarios para poder llevarlos consigo o usarlos, como delicados pendientes, máscaras de baile , amuletos, figuras fetiche y peines y figuras intrincados que se usaban para contar leyendas y objetivar su religión e historia oral .
En el siglo XVI, los inuit comenzaron a hacer trueques con balleneros europeos , misioneros y otros visitantes del norte a cambio de té, armas o alcohol. Los artículos que antes se producían como herramientas decorativas o amuletos para el angakkuq ( chamán ), como tallas de animales y escenas de caza o acampada, se convirtieron en productos comerciales. Los artistas inuit también comenzaron a producir miniaturas de marfil específicamente como bienes comerciales, para decorar rifles, herramientas, barcos e instrumentos musicales europeos. Los tableros de cribbage y los colmillos tallados de morsa y narval estaban destinados a los balleneros. Los misioneros fomentaron el uso de imágenes cristianas , que fueron aceptadas en una medida limitada.
Tradicionalmente, los inuit tallaban objetos para decorar, utilizarlos en juegos, con fines religiosos o para divertirse. Sin embargo, la naturaleza y las funciones de las tallas inuit cambiaron rápidamente después del contacto con la sociedad europea y eurocanadiense. Este cambio se aceleró alrededor de 1949, cuando los inuit comenzaron a establecerse en comunidades y el gobierno canadiense comenzó a fomentar una industria de la talla como fuente de ingresos para los inuit. El arte cambió notablemente con respecto a la forma que prevalecía en el pasado, en tamaño, medios, motivos y estilo. [8]
El fomento de la talla comercial por parte del Gobierno de Canadá fue inicialmente torpe, como lo demuestra más claramente el panfleto "Artesanías esquimales", que circuló entre las comunidades inuit a principios de los años 1950. [ cita requerida ] Este panfleto, destinado a servir de inspiración a los escultores inuit, mostraba artefactos de la colección del Museo Canadiense de la Civilización ; muchos de los objetos representados, como los tótems , no eran pertinentes a la cultura inuit . [ cita requerida ]
La primera generación de artistas inuit de Kinngait (antiguamente Cabo Dorset) vendió sus esculturas a la Baffin Trading Company (1939-1946) y a la Hudson's Bay Company en las décadas de 1940 y 1950. La Cooperativa Esquimal de Baffin Occidental se fundó en Kinngait en 1959 y se convirtió en el principal comprador de artículos de arte y artesanía. [9]
James Archibald Houston , que había ayudado a atraer la atención del Canadian Handicrafts Guild hacia las tallas inuit a finales de los años 1940, viajó a Kinngait, entonces llamado Cabo Dorset en la isla de Baffin en 1951 e introdujo el grabado en el repertorio de los artistas allí. [10] [11] Las figuras de animales y cazadores, las escenas familiares y las imágenes mitológicas se hicieron populares. En los años 1960, se establecieron cooperativas en la mayoría de las comunidades inuit y el mercado del arte inuit comenzó a florecer.
De 2018 a 2019, el Museo de Arte de la Universidad de Michigan exhibió grabados en bloque inuit, en una exposición llamada The Power Family Program for Inuit Art: Tillirnanngittuq [12] (curada por Marion "Mame" Jackson, en colaboración con Pat Feheley). [13] Tillirnannqittuq significa "inesperado" en inuktitut , [13] y la muestra contó con la participación de Kenojuak Ashevak , Lucy Qinnuayuak , Niviaksiak, Osuitok Ipeelee , Kananginak Pootoogook y Johnny Inukpuk . [13]
Desde principios de la década de 1950, cuando se estaban desarrollando estilos gráficos inuit como el estarcido y la impresión en bloque, algunos artistas inuit han adoptado un estilo refinado con raíces en el naturalismo . Otros artistas, como John Pangnark , han desarrollado un estilo muy abstracto . Ambos estilos se utilizan generalmente para representar creencias tradicionales o animales.
La piedra es una opción habitual para la impresión en bloque, pero su disponibilidad y el hecho de que los impresores eran a menudo talladores familiarizados con la piedra la convirtieron en una buena opción. A mediados de la década de 1980, uno de los impresores, Iyola, que era propietario de una sala de billar, experimentó con pizarra hecha para mesas de billar y desde entonces este tipo de pizarra se ha utilizado para la impresión. Antes de eso, se utilizaba piedra de la región, incluida la esteatita y el talco.
La impresión final es una colaboración entre el impresor/tallador de piedra y el artista. El impresor toma algunas decisiones artísticas con respecto al producto final. Por ejemplo, si el dibujo original tiene muchas líneas finas o complejidades, el impresor/tallador debe alterar el dibujo para que sea posible tallarlo en piedra. Es posible que se alteren aspectos específicos del dibujo para que encaje en la piedra. En un caso, se tuvo que acortar el cuello de un pato, en otro solo se seleccionó una parte del dibujo original del artista para su reproducción. [14]
Antes de la llegada de James Houston al Ártico a finales de la década de 1940, los inuit no tenían una tradición de dibujar imágenes en papel. [15] Los artistas producían dibujos y los vendían a la cooperativa local o al estudio de impresión, que determinaría la selección de imágenes que se convertirían en impresiones. [15] Houston alentó a los artistas a representar el estilo de vida tradicional inuit en sus dibujos. Pitseolak Ashoona, con sede en Kinngait, fue una de las primeras artistas inuit en incluir explícitamente contenido autobiográfico en sus obras. [15] Tuvo una importante influencia artística en su nieta, Annie Pootoogook , y su sobrina, Shuvinai Ashoona, quien, a través de sus vívidos dibujos de la vida cotidiana en el Norte, jugó un papel fundamental en el establecimiento del arte inuit como una forma de arte contemporáneo. [16]
La vestimenta inuit ha sido durante mucho tiempo un medio de expresión artística para las costureras inuit, quienes históricamente emplearon técnicas decorativas como adornos y marqueterías , tintes y otros métodos de coloración, accesorios decorativos como colgantes y abalorios , y motivos de diseño , integrando y adaptando nuevas técnicas y materiales a medida que se introducían por el contacto cultural. [17] [18]
La moda inuit moderna es un subconjunto del movimiento de moda indígena estadounidense más amplio . Los diseñadores inuit y del norte contemporáneos utilizan una mezcla de materiales contemporáneos y tradicionales para crear prendas con siluetas tanto tradicionales como modernas. Muchos diseñadores también elaboran joyas con materiales locales o sostenibles como el hueso. [19] [20] El trabajo de la diseñadora de moda Victoria Kakuktinniq , que se centra en las parkas con un estilo tradicional, ha sido citado como una influencia importante en la modernización de la moda inuit. [19] Algunos diseñadores centran aspectos de la cultura inuit a través del diseño visual de sus productos, incluidos estampados con herramientas tradicionales, productos alimenticios contemporáneos del norte y diseños geométricos que se originaron con el tatuaje tradicional inuit . [21] [22] [23]
Las esculturas inuit se habían producido antes del contacto con el mundo occidental. Eran de pequeña escala y estaban hechas de marfil. En 1951, James Houston animó a los inuit de Kinngait a producir tallas de piedra. [24] Fueron principalmente hombres los que se dedicaron a la talla. Oviloo Tunnillie fue una de las pocas mujeres que trabajó en escultura y que cosechó una reputación nacional. [25] Hoy en día, los inuit siguen tallando piezas completamente a mano. Ocasionalmente se utilizan herramientas eléctricas , pero la mayoría de los artistas prefieren usar un hacha y una lima, ya que esto les da más control sobre la piedra. La etapa final del tallado es el pulido, que se realiza con varios grados de papel de lija resistente al agua y horas y horas de frotamiento. El material más común ahora es la esteatita , la serpentina , ya sea depósitos del Ártico, que varían de color negro a verde claro, o importaciones de color rojo anaranjado de Brasil. Otros materiales utilizados en las esculturas inuit incluyen astas de caribú , marfil de mamíferos marinos y huesos de varios animales.
La Sociedad de Arte Inuit, cuyos miembros se encuentran en su mayoría en el Medio Oeste de los Estados Unidos , se estableció en 2003. Su misión es "brindar educación y apoyo a la cultura, las formas de arte y los artistas del Ártico". [26] Hay aproximadamente 100 miembros que pagan cuotas. Sus reuniones anuales de dos días "incluyen artistas inuit nativos de Canadá, oradores conocedores del arte y la cultura inuit, un mercado donde se puede comprar arte inuit y tiempo suficiente para conocer o reconectarse con los asistentes. La mayoría de las reuniones también incluyen una visita a una colección privada cerca del lugar de la reunión y/o una oportunidad para una visita privada a una colección pública".
Conversación sobre las transformaciones de humanos a animales en el arte inuit y el papel del chamán en la vida inuit.