La indeterminación es un enfoque compositivo en el que algunos aspectos de una obra musical se dejan al azar o a la libre elección del intérprete. John Cage , pionero de la indeterminación, la definió como "la capacidad de una pieza de ser interpretada de maneras sustancialmente diferentes".
El uso más temprano y significativo de las características de indeterminación musical se encuentra en muchas de las composiciones del compositor estadounidense Charles Ives a principios del siglo XX. Henry Cowell adoptó las ideas de Ives durante la década de 1930, en obras que permitían a los intérpretes organizar los fragmentos de música en varias secuencias posibles diferentes. A principios de la década de 1950, el término pasó a referirse al movimiento (principalmente estadounidense) que creció alrededor de Cage. Este grupo incluía a los demás miembros de la Escuela de Nueva York . En Europa, tras la introducción de la expresión " música aleatoria " por Werner Meyer-Eppler , el compositor francés Pierre Boulez fue en gran medida responsable de popularizar el término.
Al describir la indeterminación, el compositor John Cage dijo: "Mi intención es dejar que las cosas sean ellas mismas". Cage definió inicialmente la indeterminación como "la capacidad de una pieza de ser interpretada de maneras sustancialmente diferentes". [1] Bryan Simms confunde así la indeterminación con lo que Cage llamó composición aleatoria cuando afirma que "cualquier parte de una obra musical es indeterminada si se elige al azar o si su interpretación no está especificada con precisión. El primer caso se llama 'indeterminación de la composición'; el segundo, 'indeterminación de la interpretación'". [2]
El uso más temprano y significativo de las características de indeterminación musical se encuentra en muchas de las composiciones del compositor estadounidense Charles Ives a principios del siglo XX. Henry Cowell adoptó las ideas de Ives durante la década de 1930, en obras como el Cuarteto Mosaico (Cuarteto de cuerdas n.º 3, 1934), que permite a los intérpretes organizar los fragmentos de música en varias secuencias posibles diferentes. Cowell también utilizó notaciones especialmente ideadas para introducir variabilidad en la interpretación de una obra, a veces instruyendo a los intérpretes para que improvisaran un pasaje corto o tocaran ad libitum. John Cage es considerado un pionero de la indeterminación en la música. A principios de la década de 1950, el término pasó a referirse al movimiento (principalmente estadounidense) que creció alrededor de Cage. Este grupo incluía a los otros miembros de la llamada Escuela de Nueva York : Earle Brown , Morton Feldman y Christian Wolff . Otros músicos que trabajaron en este sentido fueron la Scratch Orchestra del Reino Unido (desde 1968 hasta principios de los años 1970) y el compositor japonés Toshi Ichiyanagi (nacido en 1933). En Europa, tras la introducción de la expresión « música aleatoria » por parte de Werner Meyer-Eppler , el compositor francés Pierre Boulez fue en gran medida el responsable de popularizar el término. [3] [4]
En 1958, Cage dio dos conferencias en Europa: la primera en Darmstadt, titulada simplemente «Indeterminación» [5] , y la segunda en Bruselas, titulada «Indeterminación: nuevo aspecto de la forma en la música instrumental y electrónica» (que se volvió a dar en forma ampliada en 1959 en el Teacher's College de Columbia). Esta segunda conferencia consistió en una serie de cuentos (originalmente 30, ampliados a noventa en la segunda versión), cada uno leído por Cage en exactamente un minuto; debido a este límite de tiempo, la velocidad de la lectura de Cage varió enormemente [6] . La segunda interpretación y una grabación posterior [7] contenían música, también de Cage, interpretada por David Tudor al mismo tiempo. Posteriormente, Cage añadió aún más cuentos y publicó una selección de ellos, en parte como un artículo, «Indeterminación», [8] y en parte como interludios dispersos a lo largo de su primera colección de escritos, Silencio [9] .
Entre 2007 y 2013, el artista holandés Iebele Abel desarrolló un instrumento electrónico llamado Real-time Indeterminate Synthetic Music Feedback (RT-ISMF). El instrumento fue diseñado para la investigación empírica sobre experiencias subjetivas inducidas por música sintetizada en tiempo real, basándose en la salida de generadores electrónicos de números aleatorios. La idea básica de este enfoque era que la música indeterminada podría evocar una experiencia humana única y excepcional. [10]
La música indeterminada o aleatoria se puede dividir en tres grupos: (1) el uso de procedimientos aleatorios para producir una partitura determinada y fija, (2) la forma móvil y (3) la notación indeterminada, que incluye la notación gráfica y los textos. El primer grupo incluye partituras en las que el elemento aleatorio interviene solo en el proceso de composición, de modo que cada parámetro está fijado antes de su interpretación. En Music of Changes (1951) de John Cage, el proceso de composición implicaba la aplicación de decisiones tomadas utilizando el I Ching , un texto clásico chino que se utiliza comúnmente como sistema de adivinación. El I Ching se aplicó a grandes gráficos de sonidos, duraciones, dinámicas, tempo y densidades. El propio Cage, sin embargo, consideraba Music of Changes como una obra determinada, porque está completamente fija de una interpretación a otra. [1] Iannis Xenakis utilizó teorías de probabilidad para definir algunos aspectos microscópicos de Pithoprakta (1955–56), que es el término griego para "acciones por medio de la probabilidad". Esta obra contiene cuatro secciones, caracterizadas por atributos texturales y tímbricos, como glissandi y pizzicati. A nivel macroscópico, las secciones están diseñadas y controladas por el compositor, pero los componentes individuales del sonido son generados por teorías matemáticas. [11] Véase: música estocástica .
En el segundo tipo de música indeterminada (el único tipo de música indeterminada según la definición de Cage), los elementos aleatorios involucran la interpretación. Los eventos notados son proporcionados por el compositor, pero su disposición se deja a la determinación del intérprete. Según Cage, los ejemplos incluyen El arte de la fuga de Johann Sebastian Bach , Intersección 3 de Morton Feldman , Cuatro sistemas de Earle Brown y Dúo para pianistas II de Christian Wolff . [12] Una forma de indeterminación limitada fue utilizada por Witold Lutosławski (comenzando con Jeux vénitiens en 1960-61), [13] donde se especifican completamente los pasajes extensos de tonos y ritmos, pero la coordinación rítmica de las partes dentro del conjunto está sujeta a un elemento de azar. Twenty-Five Pages de Earle Brown , utiliza 25 páginas sin encuadernar y requirió entre uno y 25 pianistas. La partitura permitía a los intérpretes disponer las páginas en el orden que quisieran. Además, las páginas estaban escritas simétricamente y sin claves, de modo que la orientación superior e inferior eran reversibles.
El término "forma abierta" se utiliza a veces para referirse a formas musicales "móviles" o "polivalentes", en las que el orden de los movimientos o secciones es indeterminado o se deja a criterio del intérprete. Roman Haubenstock-Ramati compuso una serie de "móviles" influyentes, como Interpolation (1958).
Sin embargo, el término "forma abierta" en música también se utiliza en el sentido definido por el historiador de arte Heinrich Wölfflin (1915) para referirse a una obra que es fundamentalmente incompleta, representa una actividad inacabada o apunta fuera de sí misma. En este sentido, una "forma móvil" puede ser "abierta" o "cerrada". Un ejemplo de una composición musical móvil "dinámica y cerrada" es Zyklus (1959) de Karlheinz Stockhausen . [14] In C (1964) de Terry Riley estaba compuesta por 53 secuencias cortas; cada miembro del conjunto puede repetir una secuencia dada tantas veces como desee antes de pasar a la siguiente, lo que hace que los detalles de cada interpretación de In C sean únicos. Sin embargo, debido a que el curso general es fijo, es una forma cerrada. [ cita requerida ]
El mayor grado de indeterminación lo alcanza el tercer tipo de música indeterminada, en las piezas de partitura gráfica , en las que la música se representa mediante símbolos e ilustraciones que sugieren cómo se puede interpretar una obra. La partitura de Hans-Christoph Steiner para Solitude , creada utilizando las estructuras de datos de Pure Data. Esta notación puede ser, como la música en pentagramas tradicionales, un sistema gráfico de tiempo-tono. December 1952 de Earle Brown consiste puramente en líneas horizontales y verticales que varían en ancho, distribuidas por la página; es una pieza histórica en la historia de la notación gráfica de la música. El papel del intérprete es interpretar la partitura visualmente y traducir la información gráfica a música. En las notas de Brown sobre la obra, incluso sugiere que uno considere este espacio 2D como 3D e imagine moverse a través de él. Treatise de Cornelius Cardew es una partitura musical gráfica que comprende 193 páginas de líneas, símbolos y varias formas geométricas o abstractas que generalmente evitan la notación musical convencional. Aunque la partitura permite una libertad interpretativa absoluta (ninguna interpretación sonará igual a otra), la obra no suele interpretarse de forma espontánea, ya que Cardew había sugerido anteriormente que los intérpretes idearan de antemano sus propias reglas y métodos para interpretar e interpretar la obra. Sin embargo, existen infinitas posibilidades para la interpretación de Treatise que se enmarcan en las implicaciones de la pieza y los principios generales de la interpretación de la música experimental a finales de los años 1960, incluida la presentación como arte visual y la lectura de mapas [15].
Fuentes