Una galería de arte es una sala o un edificio en el que se exhiben obras de arte . En las culturas occidentales, desde mediados del siglo XV, una galería era cualquier pasaje largo, angosto y cubierto a lo largo de una pared, que se utilizó por primera vez en el sentido de lugar para el arte en la década de 1590. [1] La galería larga en las casas isabelinas y jacobinas tenía muchos propósitos, incluida la exhibición de arte. Históricamente, el arte se exhibe como evidencia de estatus y riqueza, y en el caso del arte religioso, como objetos de ritual o representación de narraciones. Las primeras galerías estaban en los palacios de la aristocracia o en las iglesias. A medida que las colecciones de arte crecieron, los edificios se dedicaron al arte y se convirtieron en los primeros museos de arte.
Entre las razones modernas por las que se puede exhibir arte se encuentran el disfrute estético , la educación , la preservación histórica o los fines de marketing . El término se utiliza para referirse a establecimientos con funciones sociales y económicas diferenciadas, tanto públicas como privadas. Las instituciones que conservan una colección permanente pueden denominarse "galerías de arte" o "museos de arte". En este último caso, las salas donde se exhibe el arte dentro del edificio del museo se denominan galerías. Las galerías de arte que no mantienen una colección son empresas comerciales para la venta de obras de arte o espacios similares operados por cooperativas de arte u organizaciones sin fines de lucro . Como parte del mundo del arte , las galerías de arte desempeñan un papel importante en el mantenimiento de la red de conexiones entre artistas, coleccionistas y expertos en arte que definen las bellas artes .
Los términos "museo de arte" y "galería de arte" pueden usarse indistintamente, como se refleja en los nombres de instituciones de todo el mundo, algunas de las cuales se denominan galerías (por ejemplo, la National Gallery y la Neue Nationalgalerie ), y otras se denominan museos (por ejemplo, el Museum of Modern Art y el National Museum of Western Art ). Sin embargo, los establecimientos que exhiben arte con otros fines, pero que no cumplen funciones de museo , solo se denominan galerías de arte.
La función distintiva de un museo es la preservación de artefactos con valor cultural, histórico y estético mediante el mantenimiento de una colección de objetos valiosos. Los museos de arte también funcionan como galerías que exhiben obras de la propia colección del museo o prestadas de las colecciones de otros museos. Los museos pueden ser de propiedad pública o privada y pueden ser accesibles para todos o tener restricciones de acceso. Aunque se ocupan principalmente de las artes visuales , los museos de arte a menudo se utilizan como un lugar para otros intercambios culturales y actividades artísticas donde el objeto de arte se reemplaza por prácticas como el arte escénico , la danza, los conciertos de música o las lecturas de poesía .
El mundo del arte comprende a todos aquellos involucrados en la producción y distribución de bellas artes. [2] : xxiv El mercado de las bellas artes depende de mantener su distinción como alta cultura , aunque durante las últimas décadas el límite entre la alta cultura y la cultura popular ha sido erosionado por el posmodernismo . [3]
En el caso de obras históricas o de Antiguos Maestros, esta distinción se mantiene por la procedencia de la obra ; prueba de su origen e historia. [4]
En el caso de las obras más recientes, el estatus se basa en la reputación del artista. La reputación incluye factores estéticos (escuelas de arte a las que asistió, pertenencia a un movimiento estilístico o histórico, opiniones de historiadores y críticos de arte) y factores económicos (inclusión en exposiciones colectivas e individuales y éxitos anteriores en el mercado del arte). Los marchantes de arte, a través de sus galerías, han desempeñado un papel central en el mundo del arte al reunir muchos de estos factores, como "descubrir" nuevos artistas, promover sus asociaciones en exposiciones colectivas y gestionar la valoración del mercado. [5]
Las exposiciones de arte que funcionaban de manera similar a las galerías actuales para comercializar el arte aparecieron por primera vez en el período moderno temprano , aproximadamente entre 1500 y 1800 d. C. En la Edad Media que lo precedió, los pintores y escultores eran miembros de gremios que buscaban encargos para producir obras de arte para mecenas aristocráticos o iglesias. El establecimiento de academias de arte en el siglo XVI representó los esfuerzos de los pintores y escultores por elevar su estatus de simples artesanos que trabajaban con sus manos al de las artes clásicas como la poesía y la música, que son actividades puramente intelectuales. Sin embargo, la exhibición pública de arte tuvo que superar el sesgo contra la actividad comercial, que se consideraba por debajo de la dignidad de los artistas en muchas sociedades europeas. [6]
Las galerías de arte comerciales ya estaban bien establecidas en la era victoriana , lo que fue posible gracias al creciente número de personas que buscaban poseer objetos de valor cultural y estético. [7] A fines del siglo XIX y principios del XX también hubo los primeros indicios de valores modernos con respecto al arte: el arte como inversión versus la estética pura, y la mayor atención a los artistas vivos como una oportunidad para tal inversión. [8]
Las galerías comerciales propiedad de un comerciante de arte o "galerista" o dirigidas por él [9] ocupan el nivel medio del mercado del arte y representan la mayoría de las transacciones, aunque no las de mayor valor monetario. Las galerías de arte, que antes estaban limitadas a los grandes mundos del arte urbano, como Nueva York, París y Londres, se han vuelto globales. Otra tendencia en la globalización es que, si bien mantienen sus establecimientos urbanos, las galerías también participan en ferias de arte como Art Basel y Frieze Art Fair [3] .
Las galerías de arte son el principal vínculo entre artistas y coleccionistas . En el extremo superior del mercado, un puñado de casas de subastas y comerciantes de élite venden las obras de artistas famosos; en el extremo inferior, los artistas venden sus obras desde su estudio o en lugares informales como restaurantes. Las galerías de punto de venta conectan a los artistas con los compradores organizando exposiciones e inauguraciones. Las obras de arte se venden en consignación y el artista y la galería se reparten las ganancias de cada venta. Según la experiencia del propietario y el personal de la galería, y del mercado en particular, las obras de arte que se muestran pueden ser más innovadoras o más tradicionales en estilo y medios. [10]
Las galerías pueden operar en el mercado primario de obras nuevas de artistas vivos, o en los mercados secundarios de obras de períodos anteriores propiedad de coleccionistas, patrimonios o museos. Los períodos representados incluyen los viejos maestros , el arte moderno (1900-1950) y el arte contemporáneo (1950-presente). El arte moderno y el contemporáneo pueden combinarse en la categoría de arte de posguerra , mientras que el arte contemporáneo puede limitarse al siglo XXI o a los "artistas emergentes". [11]
Leo Castelli estableció un modelo duradero para las galerías contemporáneas . En lugar de ser simplemente un agente de ventas, Castelli se involucró activamente en el descubrimiento y desarrollo de nuevos artistas, al tiempo que esperaba seguir siendo un agente exclusivo para su trabajo. Sin embargo, también se centró exclusivamente en obras nuevas, sin participar en la reventa de obras antiguas de los mismos artistas. [12]
Todas las ventas de arte posteriores a la primera forman parte del mercado secundario, en el que no participan ni el artista ni el comerciante original. Muchas de estas ventas se realizan de forma privada entre coleccionistas o las obras se venden en subastas. Sin embargo, algunas galerías participan en el mercado secundario según las condiciones del mercado. Como en cualquier mercado, las condiciones principales son la oferta y la demanda. Como el arte es un producto único, el artista tiene el monopolio de la producción, que cesa cuando el artista muere o deja de trabajar. [13]
Algunas empresas funcionan como galerías de vanidad y cobran a los artistas una tarifa por exhibir sus obras. Al carecer de un proceso de selección que garantice la calidad de las obras y tener pocos incentivos para promover las ventas, las galerías de vanidad se evitan por considerarlas poco profesionales. [14]
Algunas organizaciones sin fines de lucro o gobiernos locales albergan galerías de arte para el enriquecimiento cultural y para apoyar a los artistas locales. Las organizaciones sin fines de lucro pueden comenzar como espacios de exhibición para colectivos de artistas y expandirse a programas de arte completos. Otras organizaciones sin fines de lucro incluyen las artes como parte de otras misiones, como brindar servicios a vecindarios de bajos ingresos. [15]
Históricamente, las actividades del mundo del arte se han beneficiado de la concentración ya sea en ciudades [3] o en áreas remotas que ofrecen belleza natural.
La proximidad de las galerías de arte facilitó una tradición informal de inauguraciones de exposiciones de arte en la misma noche, que se han coordinado oficialmente como " eventos del primer viernes " en varios lugares.
Las galerías que venden las obras de artistas reconocidos pueden ocupar espacios en áreas comerciales establecidas de una ciudad. Históricamente, los nuevos estilos artísticos se han visto atraídos por los bajos alquileres de los barrios marginales. Ya en 1850 existía una colonia de artistas en Greenwich Village , y los edificios de viviendas construidos alrededor de Washington Square Park para albergar a los inmigrantes después de la Guerra Civil también atrajeron a jóvenes artistas y galerías de arte de vanguardia . [16] La gentrificación resultante impulsó a los artistas y las galerías a mudarse al barrio adyacente "al sur de Houston" ( SoHo ), que a su vez se gentrificó. [17]
En un intento por recrear este proceso natural, los gobiernos locales han creado distritos artísticos en colaboración con promotores privados como estrategia para revitalizar los barrios. Estos desarrollos suelen incluir espacios para que los artistas vivan y trabajen, así como galerías. [18]
Una práctica contemporánea ha sido el uso de espacios comerciales vacíos para exposiciones de arte que duran desde un solo día hasta un mes. Ahora llamadas "galerías emergentes", [19] un precursor fue Artomatic , que tuvo su primer evento en 1999 y se ha realizado periódicamente hasta el presente, principalmente en el área metropolitana de Washington .