Féerie ( pronunciación francesa: [feʁi] ), a veces traducido como "obra de hadas", [1] fue un género teatral francés conocido por sus tramas fantásticas y efectos visuales espectaculares, que incluían escenarios lujosos y efectos escénicos trabajados mecánicamente. [2] Las féeries combinaban música, baile, pantomima y acrobacias, así como transformaciones mágicas creadas por diseñadores y técnicos de escenario, [3] para contar historias con una moralidad claramente definida similar al melodrama y un uso extensivo deelementos sobrenaturales . [4] El género se desarrolló a principios del siglo XIX y se volvió inmensamente popular en Francia durante todo el siglo XIX, influyendo en el desarrollo del burlesque , la comedia musical y el cine . [2]
Las féeries usaban una estética de cuento de hadas para combinar teatro con música, danzas, mimo, acrobacias y, especialmente, efectos visuales espectaculares creados por maquinaria escénica innovadora, [3] como trampillas , máquinas de humo y decorados rápidamente intercambiables. [5] Siempre aparecían canciones, generalmente con letras nuevas para melodías familiares. [6] Las escenas de transformación, en las que una escena cambiaba como por arte de magia a la vista de todo el público, eran un componente importante del estilo; hasta 1830, casi todos los cambios de escena en las féeries eran transformaciones a la vista de todo el público. [7] La última transformación en una féerie , acompañada de un floreo musical, conducía a la apoteosis : una gran imagen final del escenario, generalmente con hermosos supernumerarios que descendían del cielo o suspendidos de cables. [8]
Estos elementos, especialmente el espectáculo y los efectos escénicos, eran mucho más prominentes que la trama. El crítico Francisque Sarcey sugirió que para una féerie , el equipo a cargo del diseño y la puesta en escena debería considerarse más importante que los escritores, señalando que los propios guiones eran tan incoherentes que "uno puede poner el principio al final, y viceversa". [9] Théophile Gautier incluso sugirió, con considerable ironía, que la inmensamente exitosa féerie Les Pilules du diable podría representarse como una producción puramente mímica , de modo que ninguna palabra hablada distrajera a la audiencia del espectáculo que habían llegado a disfrutar. [10] [a] El efecto total fue el de una deslumbrante y onírica variedad de imágenes, que evocaban las tradiciones de los cuentos de hadas y una sensación infantil de asombro a través del uso de tecnología escénica innovadora. [9] En una reseña de El pájaro azul , un escritor del Journal des débats comentó satíricamente la frivolidad espectacular de una féerie típica , pero positivamente el vasto potencial del género para la creatividad:
Nada es más raro que un cuento de hadas que no sea una mezcla absurda de aventuras ridículas e invenciones burlescas y que, por lo demás, no consista más que en una exhibición de trucos, disfraces y decorados… Sin embargo, ¡cuántos recursos ofrecen los cuentos de hadas a la imaginación poética! [11]
Las tramas de las féeries solían tomarse prestadas de los cuentos de hadas de la tradición francesa, como los de Charles Perrault y Madame d'Aulnoy ; otras féeries tomaban prestado de fuentes externas como Las mil y una noches , o creaban tramas originales. [9] Al igual que los melodramas, la forma féeries implicaba una batalla conmovedora entre las fuerzas del bien y del mal. Sin embargo, donde el melodrama simplemente sugería la existencia de estos extremos, las féeries los hacían descaradamente literales al encarnarlos como brujas, gnomos y otras criaturas sobrenaturales. [12] El claro tono moral se acentuaba con el diálogo, que a menudo incluía máximas sobre el amor, el deber, la virtud y temas similares. [13] Una féerie de larga duración a menudo duraba varias horas. [9]
Cuatro personajes humanos aparecían de manera confiable entre las fuerzas sobrenaturales: dos jóvenes amantes (una ingenua y su heroico pretendiente), un rival a menudo cómico y grotesco por el afecto de la ingenua, y un ayuda de cámara holgazán obsesionado con la comida. Las fuerzas sobrenaturales de la trama conducían a estos personajes a través de paisajes fantásticos y múltiples aventuras, que generalmente involucraban talismanes mágicos utilizados para transformar personas, cosas y lugares. La apoteosis reunía a los amantes con un efecto deslumbrante. [8]
La féerie puede rastrear sus orígenes a la tradición del ballet de cour ("ballet de la corte") del Renacimiento , [3] en el que líderes de la corte como Catalina de Médici y Enrique IV de Francia encargaban ballets espectacularmente diseñados basados en temas mitológicos y fábulas. [14] Otro precursor notable es el género de pièces à machines ("obras con máquinas"), popular en el Théâtre du Marais a mediados del siglo XVII, que nuevamente usaba la mitología como material de origen; Psyché de Molière es un notable ejemplo a pequeña escala, [2] y Andromède y La Toison d'or de Corneille también cuentan dentro del género. [3] Estos géneros debieron mucho al trabajo de ingeniería teatral de los arquitectos italianos, especialmente Nicola Sabbatini . [3] Estos espectáculos abrieron el camino a las pantomimas de feria ( théâtre de la foire ) del siglo XVIII , como Arlequin dans un oeuf en el Théâtre des Jeunes-Artistes , [2] o Les Eaux de Merlin de Alain-René Lesage . [10] Las pantomimas de feria, al combinar motivos de la Commedia dell'Arte con una lujosa fantasía creada por el espectáculo teatral, [10] sirvieron como el precursor más directo de la féerie del siglo XIX . [2]
La Revolución Francesa cambió la faz del teatro francés, con un nuevo público grande al que complacer: la burguesía . Varios géneros se desarrollaron para complacer los gustos burgueses. La féerie , que combinaba las influencias de las ferias con el estilo farsesco de la comédie en vaudeville , [3] comenzó como una forma de melodrama , pero la brecha entre ellos rápidamente se hizo muy pronunciada. [10] Para el público del siglo XIX, los dos géneros estaban en extremos opuestos de un espectro: en un extremo estaba el melodrama, con sus tramas calculadas para hacer llorar al público; la féerie ocupaba un lugar en el otro extremo, proporcionando entretenimiento diseñado para hacer reír al público. [3] Los primeros intentos notables hacia el género fueron las adaptaciones de Cuvelier de Trie de Tom Thumb y Puss-in-Boots , en 1801 y 1802, respectivamente. [4] El desarrollo de la féerie fue ayudado por un creciente interés francés en las cualidades literarias de los cuentos de hadas clásicos y por la popularidad de Las mil y una noches después de su primera publicación en Francia. [10]
El 6 de diciembre de 1806, con el estreno en el Théâtre de la Gaîté de Le Pied de mouton [3] (El pie de cordero) [5] , nació la féerie en el pleno sentido de la palabra en el siglo XIX. La obra, escrita por Alphonse Martainville en colaboración con el actor César Ribié, sigue la búsqueda de un héroe enamorado, Guzmán, para salvar a su amada Leonora de las manos de un villano rival. Con la ayuda de un talismán mágico (el pie de cordero del título) y bajo la vigilancia de un hada que defiende el valor de la virtud y el deber, Guzmán se abre camino a través de una serie de pruebas espectaculares, aderezadas con música, ballet y duelos. Gracias a la maquinaria escénica, los acontecimientos mágicos fluyen libremente a través de la obra: los retratos se mueven, la gente vuela, las chaperonas se transforman en guitarristas, la comida desaparece. Al final, el amor lo conquista todo y el hada interviene una vez más para asegurar el triunfo del bien sobre el mal. [5]
Le Pied de mouton tuvo un gran éxito y fue reeditado con frecuencia. [2] Codificó la forma estándar de las féeries durante los siguientes cien años: una narración en la que el héroe o los héroes viven una serie de aventuras a través de escenas espectaculares, con escenarios que a menudo se transforman "mágicamente" a la vista del público. [3] Los académicos continúan citándolo como un ejemplo por excelencia del género. [5]
El género féerie , una vez establecido, floreció rápidamente; solo entre 1800 y 1820, se produjeron unas sesenta féeries . [12] Un " mélodrame féerie " de 1826 en la Porte Saint-Martin, Le Monstre et le magicien , tocó nuevos caminos no solo temáticamente (tenía un toque gótico y estaba basado en Frankenstein de Mary Shelley ), sino también literalmente: un diseñador inglés, Tomkins, fue contratado para instalar un nuevo y complejo sistema de trampillas en el suelo del escenario. Si bien las trampillas se convirtieron en un elemento básico para los efectos féerie , la moda de la ficción gótica en el escenario disminuyó en la década de 1830. [15] Una de las obras más famosas de Guilbert de Pixérécourt en el género, Ondine o La Nymphe des Eaux (1830), marca el comienzo de una tendencia popular para las tramas que presentan romances entre mortales y seres sobrenaturales; Cuenta la historia de amor balética, a menudo acuática, de la ninfa del agua Ondina, que obtiene un alma al enamorarse de un mortal. [13] Los avances técnicos en la maquinaria escénica se incorporaron rápidamente a las nuevas producciones feéricas : la iluminación a gas , instalada en la mayoría de los principales teatros de París a fines de la década de 1830, permitió diseños de escenarios más realistas y varios efectos atmosféricos, y la luz de calcio se volvió especialmente útil para simular rayos de sol y de luna. [6] De manera similar, la invención del diorama por parte de Louis Daguerre (un cuadro escenificado animado y transformado por cambios en la iluminación) influyó ampliamente en los efectos de transformación feérica . [6]
El primer gran éxito que igualó el éxito de Le Pied de mouton fue Les Pilules du diable (1839) del Cirque Olympique , [2] a partir de un guión del escritor de vodevil Auguste Anicet-Bourgeois y dos escritores de producciones circenses, Laloue y Laurent. Si bien los efectos escénicos se habían vuelto más espectaculares desde las féeries iniciales , las tramas seguían siendo familiares; en esta obra, el rico hidalgo Sottinez, locamente enamorado de la ingenua Isabelle, la persigue a ella y a su amante Albert a través de extrañas y espectaculares aventuras. [16] Les Pilules du diable fue ampliamente revivida e imitada, [16] y posiblemente fue la féerie más celebrada de todas. [4]
Las féeries posteriores exitosas incluyeron La Biche au bois , La Chatte Blanche y Peau d'Âne , todas las cuales tomaron prestado mucho de los cuentos de hadas y romances [2] mientras reformulaban sus historias para adaptarse a los gustos de la época. [3] El popular dramaturgo Adolphe d'Ennery tuvo un éxito en la Gaîté en 1844 con Les Sept Châteaux du diable , una fantasía similar a una obra moral en la que una pareja de jóvenes se enfrentan a tentaciones en castillos que representan los Siete Pecados Capitales ; entre las otras féeries de d'Ennery está la igualmente moral Rothomago (1862). [17] Muchas féeries exitosas fueron obra de los prolíficos hermanos Cogniard; su adaptación de 1843 de Las mil y una noches , Les Mille et une nuits , introdujo el exotismo al género al tiempo que preservaba su diálogo vodevilesco desenfadado. Otras producciones notables de Cogniard fueron La Chatte blanche con la intérprete de café-concierto Thérésa , La Poudre de Perlinpinpin llena de trucos y, en colaboración con el escritor de vodevil Clairville, la producción de Variétés de 1858 Les Bibelots du diable , un espectáculo cómico con referencias y alusiones a la mayoría de las principales féeries que lo habían precedido. [18] La vena cómica de Le Pied de mouton y Les Pilules du diable se enfatizó en muchos de estos éxitos, como Les Sept Châteaux , Perlinpinpin y Les Bibelots . [15]
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Debido a la gran escala del espectáculo, los escenarios parisinos más grandes y mejor equipados técnicamente se convirtieron en los lugares más solicitados para los espectáculos. El Cirque Olympique, anteriormente un estadio utilizado para espectáculos políticos y ecuestres , aprovechó su profundo escenario para presentar féeries costosamente montadas ; finalmente fue reemplazado por un nuevo auditorio construido específicamente para el espectáculo, el Théâtre du Châtelet . [19] El Théâtre de la Porte Saint-Martin , originalmente diseñado para producciones de ópera, tenía un escenario y una maquinaria muy adecuados a las demandas de las féeries , [7] y floreció con el género bajo la dirección de Marc Fournier. [2]
El término féerie comenzó como un adjetivo, usado junto con términos descriptivos más establecidos para anunciar el género de una producción. Muchas de las primeras féeries se anunciaban como mélodrame-féeries ("melodrama de hadas"; la mitad de todas las féeries presentadas entre 1800 y 1810 se describían así), una descripción que cayó en desgracia durante la década de 1810. La pantomima-féeries , desarrollada por el mimo Deburau, se volvió muy popular en la década de 1840. Otros descriptores populares incluían folie-féeries y comédie-féeries . [20] Las opéra-féeries , con un énfasis creciente en la música, florecieron por primera vez en la década de 1820, [13] eventualmente desarrollándose en una forma de opereta en obras como Le Voyage dans la lune de Jacques Offenbach de 1874 . [7] Las más populares de todas eran las vodevil-féeries , escritas por dramaturgos de vodevil y que incluían más canciones y chistes que otras producciones. Este estilo se generalizó tanto que a finales de la década de 1840, las vodevil-féeries se conocían simplemente como féeries , y su tono particular se convirtió en el estándar en todo el género. [20]
James Robinson Planché , después de ver una féerie en el Théâtre de la Porte Saint-Martin en su luna de miel en 1821, trajo el género a Inglaterra como la " extravagancia de las hadas ". Presentó unas veinte extravagancias de hadas en Londres entre 1836 y 1854. [21] La pantomima del siglo XIX también tenía fuertes similitudes con la féerie , con un crítico de un periódico de Nueva Zelanda describiendo Les 400 coups du diable como una "obra de hadas que en todo menos en el nombre se parece mucho a nuestra propia pantomima navideña". [22] Con sus temas de cuentos de hadas, la féerie también puede compararse con "obras de hadas" inglesas posteriores como Peter Pan de JM Barrie [11] o con extravagancias de cuentos de hadas estadounidenses como la versión musical de L. Frank Baum de El mago de Oz . [23]
En España, la comedia de magia un género muy similar a la féerie , [5] comenzó a cobrar importancia en 1715 con las obras de Juan Salvo y Vela [ 24] La forma ya estaba bien establecida allí cuando Juan Grimaldi Le Pied de mouton para el escenario español en 1829. La versión de Grimaldi, La pata de cabra , fue un éxito popular pronunciado y fue ampliamente imitada. [5]
En Rusia, el concepto de espectáculo de cuento de hadas se fusionó con el ballet narrativo para crear el ballet-féerie ("ballet de hadas"). [25] Esta forma tomó su nombre del género francés y sus características de baile del estilo italiano ballo grande . A menudo se consideraba un entretenimiento de clase baja, más comercializado que el ballet tradicional; muchos críticos rusos de finales del siglo XIX lo atacaron, describiéndolo como una amenaza extranjera a las tradiciones nacionales del ballet. No obstante, la forma ballet-féerie atrajo una considerable atención artística: La bella durmiente y El cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski son ambos ballet-féeries . [26] Al igual que la féerie francesa , el ballet-féerie enfatizaba el espectáculo y los efectos escénicos. Donde las puestas en escena de danza anteriores habían enfatizado la técnica y el virtuosismo solista de la prima ballerina , el nuevo género puso el foco en bailes de conjunto, transformaciones mágicas e imágenes escénicas cambiantes creadas con movimiento y color. [26]
A mediados del siglo XIX, las féeries se habían convertido en uno de los principales lugares de narración de cuentos de hadas en la cultura popular, [9] y habían ganado la fascinación y el respeto de algunos de los escritores más destacados de la época. [12] Théophile Gautier a menudo las reseñaba en su calidad de escritor sobre teatro, [12] comparando las escenas cambiantes y los sucesos mágicos de las féeries con un sueño: [8]
¡Qué espectáculo de verano más encantador es el de las hadas! Aquello que no exige atención y se desarrolla sin lógica, como un sueño que hacemos despiertos... [Es] una sinfonía de formas, de colores y de luces... Los personajes, brillantemente vestidos, deambulan por una serie de cuadros en perpetua transformación, presas del pánico, aturdidos, corriendo unos tras otros, buscando recuperar la acción que va quién sabe dónde; pero ¡qué importa! El deslumbramiento de los ojos es suficiente para hacer una velada agradable. [27]
La popularidad de la féerie alcanzó su primer pico en la década de 1850; [28] a finales de la década, en la época de Les Bibelots du diable , el foco había pasado de la trama de cuento de hadas a la extravagancia en sus propios términos. La sátira de Siraudin y Delacour de 1856 La Queue de la poêle parodió las convenciones del género, de forma muy similar a lo que Frédérick Lemaître había hecho con el melodrama en su versión de L'Auberge des Adrets . [29]
Aunque se consideraba algo anticuado durante la década de 1860, el género experimentó un segundo auge en popularidad entre 1871 y 1890, cuando se montaron versiones cada vez más suntuosas de los clásicos del género. [7] En su diccionario de artes teatrales de 1885, Arthur Pougin señaló que "el público siempre se presenta en gran número a cualquier [ féerie ] que se ofrezca, porque adoran este entretenimiento verdaderamente mágico", y elogió a la féerie como "seguramente un entretenimiento delicioso cuando está en manos de un verdadero poeta. Entra libremente en el capricho de su imaginación y puede deleitar la mente del espectador y encantar sus ojos". [30]
Uno de los poemas de Les Fleurs du mal de Charles Baudelaire , "L'Irreparable", se inspiró en una féerie que había visto, La Belle aux Cheveaux d'Or , protagonizada por Marie Daubrun, una actriz de la que estaba enamorado. Gustave Flaubert incluso escribió una féerie de larga duración , Le Château des cœurs , en 1863, aunque nunca se representó. [12] Julio Verne hizo su propia contribución al género en 1881 con Viaje a través de lo imposible , escrita en colaboración con Adolphe d'Ennery y que presenta temas y personajes de las conocidas novelas de Verne. [31] La obra de teatro de Maurice Maeterlinck de 1908 El pájaro azul también fue descrita por los observadores contemporáneos como una féerie , aunque los críticos notaron que era un ejemplo más abiertamente poético e intelectual del género que las producciones clásicas de Châtelet. [11]
A partir de La Voyage dans la lune de 1875 , algunas féeries comenzaron a mostrar una tendencia a incorporar temas científicos y tecnológicos en sus tramas, [32] una novedad debida en parte a la popularidad e influencia de las obras de Julio Verne. [7] Un género relacionado y muy popular también se derivó de Verne: la pièce de grand spectacle , una producción extravagantemente lujosa construida sobre una trama colorida pero no basada en la fantasía. El género se lanzó con la exitosa dramatización de Verne y d'Ennery de 1874 de La vuelta al mundo en ochenta días , seguida rápidamente por dos adaptaciones más del mismo equipo, Los hijos del capitán Grant y Michael Strogoff . [33] El estilo de la pièce de grand spectacle era tan cercano al de las féeries que algunos críticos encontraron los términos intercambiables; Alphonse Daudet llamó a La vuelta al mundo "la más suntuosa, la más original de todas las féeries ", [34] mientras que Jules Claretie dijo que escuchó a un espectador describir el espectáculo como La Biche au bois "por locomotora". [35] Finalmente, La vuelta al mundo y Michael Strogoff , ambos inmensamente exitosos, codificaron la pièce de grand spectacle como un género propio, en competencia con la forma similar pero basada en la magia de la féerie "clásica" . [36]
La féerie perdió popularidad a finales del siglo XIX, momento en el que se la consideraba en gran medida un entretenimiento para niños. [4] Desapareció de los escenarios franceses justo cuando otro medio, el cine, estaba empezando a suplantarla como una forma de espectáculo narrativo. [3]
Con su versión cinematográfica de La Cenicienta de 1899 , Georges Méliès introdujo el género de hadas en el mundo del cine, que estaba en pleno desarrollo. El género de hadas se convirtió rápidamente en uno de los más populares y profusamente representados en los primeros años del siglo XX, con pioneros como Edwin S. Porter , Cecil Hepworth , Ferdinand Zecca y Albert Capellani , que contribuyeron con adaptaciones de cuentos de hadas al estilo de las hadas o con versiones cinematográficas de populares cuentos de hadas teatrales como Le Pied de mouton , Les Sept Châteaux du diable y La Biche au bois . Sin embargo, el líder del género siguió siendo Méliès, [37] que diseñó muchas de sus principales películas como hadas y cuyo trabajo en su conjunto está intensamente impregnado de la influencia del género. [38] La película Peau d'Âne de Jacques Demy de 1970 también muestra una fuerte influencia féerie , utilizando elementos de la féerie del mismo nombre de Emile Vanderburch, Evrard Laurencin y Charles Clairville. [39]
Con sus exploraciones sobre las formas de integrar el espectáculo, la comedia y la música en el teatro, las féeries también influyeron en el desarrollo de la comedia burlesca y musical . [2] En los recuerdos de su carrera haciendo películas en la tradición de Méliès, Ferdinand Zecca reflexionó sobre el poder del género: "No es en los dramas y las películas acrobáticas donde puse mi mayor esperanza. Fue en las féeries". [40]