Iphigénie en Tauride ( francés: [ifiʒeni ɑ̃ toʁid] , Iphigenia in Tauris ) es una ópera de 1779 de Christoph Willibald Gluck en cuatro actos. Fue su quinta ópera para los escenarios franceses. El libreto fue escrito por Nicolas-François Guillard .
Con Ifigenia, Gluck llevó su reforma operística a su conclusión lógica. Los recitativos son más cortos y son récitatif accompagné (es decir, se tocan cuerdas y quizás otros instrumentos, no solo acompañamiento continuo ). Los movimientos de danza normales que se encuentran en la tragédie en musique francesa están casi completamente ausentes. El drama se basa en última instancia en la obra Ifigenia en Tauris del antiguo dramaturgo griego Eurípides , que trata historias sobre la familia de Agamenón después de la Guerra de Troya .
Ifigenia en Táuride se estrenó el 18 de mayo de 1779 en la Ópera de París en la segunda Salle du Palais-Royal y fue un gran éxito. Algunos piensan que el director de la Ópera de París, Devismes, había intentado avivar la rivalidad entre Gluck y Niccolò Piccinni , un compositor italiano también residente en la capital francesa, pidiéndoles a ambos que escenificaran una ópera sobre el tema de Ifigenia en Táuride. Al final, Ifigenia en Táuride de Piccinni no se estrenó hasta enero de 1781 y no gozó de la misma popularidad que la obra de Gluck. [1]
En 1781 Gluck produjo una versión alemana de la ópera Ifigenia en Táuride para la visita del gran duque ruso Pablo a Viena , con el libreto traducido y adaptado por Johann Baptist von Alxinger en colaboración con el compositor. Entre los cambios más importantes se encontraba la transposición del papel de Oreste de barítono a tenor y la sustitución del coro final del segundo acto por un movimiento instrumental. [2] [3] La versión revisada fue la única ópera que Gluck escribió en alemán, [4] y su última obra para el teatro. Conocida como «un singspiel trágico», se representó el 23 de octubre de 1781 en el Nationalhoftheater , [5] ya que el emperador José II había cambiado el nombre del Burgtheater después de despedir a los cantantes italianos y su orquesta en 1776 e instalar actores alemanes en el teatro. Cuando los magros resultados obtenidos por los nuevos programas de Singspiel [6] llevaron al emperador a dar marcha atrás, reclutando de nuevo una compañía de ópera bufa italiana y contratando a Lorenzo Da Ponte como su poeta teatral, [7] este último fue encargado de preparar una traducción italiana de la ópera de Gluck, que se representó en el restaurado Burgtheater , el 14 de diciembre de 1783. [8] Según las "reminiscencias" del tenor irlandés Michael Kelly , esta producción también fue supervisada personalmente por Gluck. [9] La edición alemana fue reestrenada en Berlín en el antiguo Königliches Nationaltheater en el Gendarmenmarkt el 24 de febrero de 1795, [10] mientras que la traducción de Da Ponte fue elegida para la primera representación en Londres en el King's Theatre el 7 de abril de 1796. [11] La versión original en francés finalmente resultó ser una de las composiciones más populares de Gluck en París: "fue presentada en 35 fechas en 1779, y disfrutó de más de cuatrocientas representaciones en 1781-93, 1797-1808, 1812-18, 1821-23, 1826-28 y 1829. [12] Se montó en el Châtelet (1868), [13] el Renaissance (1899) y la Opéra-Comique (1900). Fue llevada al escenario de la actual casa de ópera en París el 11 de abril de 1796. [14] La versión original en francés finalmente resultó ser una de las composiciones más populares de Gluck en París: "fue presentada en 35 fechas en 1779, y disfrutó de más de cuatrocientas representaciones en 1781-93, 1797-1808, 1812-18, 1821-23, 1826-28 y 1829. [15] Se montó en el Châtelet (1868), [16] el Renaissance (1899) y la Opéra-Comique (1900). Fue llevada al escenario de la actual casa de ópera en París el 11 de abril de 1796. 27 de junio de 1931 con la ayuda de la Sociedad Wagner de Amsterdam y con Pierre Monteux dirigiendo la orquesta". [14]
En 1889 Richard Strauss hizo un nuevo arreglo alemán de la obra para el editor Adolph Fürstner , que luego se representó en Weimar en el Hoftheater el 9 de junio de 1900, bajo el título inspirado en Goethe de Iphigenie auf Tauris . [15] La versión de Strauss se representó con bastante frecuencia a principios del siglo XX y también se utilizó para el estreno de la obra en la Metropolitan Opera en 1916, [16] pero ahora rara vez se escucha. [11] Fue grabada en 1961 con Montserrat Caballé en el papel principal, [17] dirigida por Antonio de Almeida , en una presentación en el Teatro Nacional de São Carlos , Lisboa. Recientemente fue reestrenada en el Festival della Valle d'Itria de 2009 en Martina Franca . [15]
En cuanto a la versión italiana de Da Ponte, [18] hubo una puesta en escena "memorable" en el Teatro alla Scala en 1957, con Nino Sanzogno dirigiendo la orquesta, Luchino Visconti como director y Maria Callas en el papel principal. [19]
Escena: El vestíbulo de entrada del templo de Diana en Tauris .
No hay obertura; la ópera comienza con un breve pasaje que evoca la calma antes de convertirse en una representación de una gran tormenta en el mar. Ifigenia , hermana de Orestes , es la suma sacerdotisa de Diana en el templo de Táuride, habiendo sido transportada allí mágicamente por la diosa cuando su padre Agamenón intentó ofrecerla como sacrificio. Ifigenia y sus sacerdotisas ruegan a los dioses que las protejan de la tormenta ( ¡Grands dieux! soyez nous secourables ).
Aunque la tormenta amaina, Ifigenia sigue preocupada por un sueño que ha tenido, en el que imagina a su madre Clitemnestra asesinando a su padre, luego a su hermano Orestes matando a su madre y finalmente su propia mano apuñalando a su hermano. Reza a Diana para que la reúna con Orestes ( Ô toi qui prolongeas mes jours ). Entra Toas, rey de Tauris. Él también está obsesionado con pensamientos oscuros ( De noirs pressentiments ): los oráculos, le dice, predicen su perdición si un solo extraño escapa con vida. (La costumbre de los escitas , que habitan Tauris, es sacrificar ritualmente a cualquiera que naufrague en sus costas).
Un coro de escitas llega con noticias de dos jóvenes griegos que acaban de naufragar y exigen su sangre ( Il nous fallait du sang ). Después de que Ifigenia y las sacerdotisas se van, Toas trae a los griegos, que resultan ser Orestes y su amigo Pílades. Después de preguntarles con qué propósito vinieron (han venido a recuperar la estatua de Diana y devolverla a Grecia, aunque no lo divulgan), Toas les promete la muerte y hace que se los lleven.
Escena: Una cámara interior del templo.
Orestes y Pílades languidecen encadenados. Orestes se reprende a sí mismo por haber causado la muerte de su querido amigo ( Dios que me ayude ), pero Pílades le asegura que no se siente desanimado porque morirán unidos ( Unis dès la plus tendre enfance ). Un ministro del santuario viene a destituir a Pílades. Orestes se queda medio dormido ( Le calme rentre dans mon coeur ), pero lo atormentan visiones de las Furias , que desean vengar el asesinato de su madre (a quien Orestes mató por asesinar a su padre Agamenón).
Ifigenia entra y, aunque los dos no se reconocen, Orestes ve un asombroso parecido entre ella y la asesinada Clitemnestra que vio en su sueño. Ella lo interroga más, preguntándole por el destino de Agamenón y de toda Grecia, y él le cuenta que Agamenón fue asesinado por su esposa y que su esposa fue asesinada por su hijo. Agitada, ella le pregunta por el destino del hijo, y Orestes dice que el hijo encontró la muerte que había buscado durante mucho tiempo y que solo su hermana Electra sigue con vida. Ifigenia despide a Orestes y con sus sacerdotisas lamenta la destrucción de su país y la supuesta muerte de su hermano ( Ô malheureuse Iphigénie ). Ella y las sacerdotisas realizan una ceremonia fúnebre para Orestes ( Contemplez ces tristes apprêts ).
Escena: La cámara de Ifigenia
Ifigenia se siente atraída por el extraño que le recuerda a su hermano Orestes ( D'une image, hélas! trop chérie ). Les dice a Orestes y a Pílades que puede persuadir a Toas para que salve a uno de ellos del sacrificio ( Je pourrais du tyran tromper la barbarie ) y le pide al que se salve que lleve la noticia de su destino a su hermana Electra en Argos . Ambos hombres aceptan de inmediato, e Ifigenia elige a Orestes para sobrevivir.
Pero, al salir, Orestes insiste en que Pílades acepte cambiar de lugar con él, ya que Orestes no puede soportar la idea de la muerte de su amigo y ve la muerte como un escape de su propia locura; Pílades, por el contrario, se alegra de pensar en morir para que Orestes pueda vivir (Dúo: Et tu prétends encore que tu m'aimes y aria para Pílades: Ah! mon ami, j'implore ta pitié! ). Cuando Ifigenia regresa, Orestes insiste en que revierta su decisión, amenazando con suicidarse ante sus ojos si no lo hace. A regañadientes, ella acepta perdonar a Pílades y lo envía a llevar su mensaje a Electra. Todos, excepto Pílades, se van, y él cierra el acto prometiendo hacer todo lo posible para salvar a Orestes ( Divinité des grandes âmes! ).
Escena: Dentro del templo de Diana
Ifigenia se pregunta cómo podrá llevar a cabo el asesinato de Orestes, ya que de alguna manera su alma se encoge de pensar en ello. Le pide a la diosa Diana que la ayude a prepararse para la tarea ( Je t'implore et je tremble ). Las sacerdotisas traen a Orestes, que ha sido preparado para el sacrificio (Estribillo: Ô Diane, sois nous propice ). Él le dice que no se lamente por él, sino que golpee, diciéndole que es la voluntad de los dioses. Las sacerdotisas cantan un himno a Diana mientras conducen a Orestes al altar (Estribillo: Chaste fille de Latone ). Mientras ella empuña el cuchillo, Orestes exclama el nombre de Ifigenia, lo que lleva a ella y a las sacerdotisas a reconocerlo y detener la matanza ritual.
El feliz reencuentro entre la hermana y el hermano se ve interrumpido por la noticia de que Toas está llegando, pues ha oído que uno de los cautivos ha sido liberado y está decidido a matar al otro. El rey entra furioso, ordena a sus guardias que capturen a Orestes y promete sacrificarlo a él y a su hermana. En ese momento entra Pílades con una banda de griegos y mata a Toas en el mismo lugar donde se encuentra.
La derrota de los escitas por parte de los griegos se ve frenada por la aparición de Diana, que ordena a los escitas que devuelvan su estatua a Grecia ( Arrêtez! Écoutez mes décrets éternels ). También concede el perdón a Orestes por asesinar a su madre, lo envía a reinar sobre Micenas y le pide que devuelva a Ifigenia a su país. Mientras Diana es llevada de vuelta a las nubes, todos cantan un coro final de regocijo por haber recuperado el favor de la tierra y el cielo ( Les dieux, longtemps en courroux ).
La fuente última del drama fue la tragedia de Eurípides Ifigenia en Tauride . Debido a su simplicidad y temas heroicos, esta obra tuvo un atractivo particular para los defensores del neoclasicismo del siglo XVIII y hubo varias versiones dramáticas a fines del siglo XVIII, la más famosa de las cuales es Ifigenia en Tauris (1787) de Goethe . Sin embargo, la más importante en lo que respecta a Gluck, porque formó la base del libreto de Guillard, es la tragedia hablada de Guimond de la Touche, que se estrenó en París el 4 de junio de 1757. [22] La obra de De la Touche tuvo tal éxito que se trasladó a Viena en 1761. Contribuyó a que la historia de Tauride se pusiera de moda en la ciudad. En 1763, una "ópera reformista" sobre el tema de Tommaso Traetta con un libreto de Marco Coltellini , Ifigenia en Tauride , apareció en el escenario vienés. Las ideas de Coltellini y Traetta sobre cómo reformar la ópera eran similares a las de Gluck y el propio Gluck dirigió la obra en 1767. Gluck pudo haber querido componer su propia ópera de reforma sobre el tema de Tauris, pero la ópera de Traetta lo hizo imposible por el momento. En cambio, en 1765 Gluck compuso un ballet, Sémiramis , que tiene muchos puntos en común con él y reutilizó parte de la música de Sémiramis en Iphigénie en Tauride . [23]
Gluck tuvo la oportunidad de ambientar la historia de Táuride recién después de mudarse a París, y eso después de haber compuesto otra ópera sobre el tema de Ifigenia, Ifigenia en Áulide (1774). Gluck comenzó a trabajar en 1778 y colaboró estrechamente con el joven poeta Nicolas-François Guillard, quien basó su libreto en la obra de Guimond de la Touche. La obra de De la Touche había sido elogiada por su simplicidad, pero Gluck y su libretista simplificaron el drama aún más. Sus principales innovaciones fueron comenzar la ópera con una tormenta (lo que habría sido más difícil en un drama hablado) y retrasar el reconocimiento hasta el final. [24]
Ifigenia en Táuride fue un libreto innovador en la historia de la ópera. Michael Ewans ha comentado: "La 'ópera reformista' más radical de Gluck incluso prescinde del tema amoroso. El interés romántico es periférico en el drama griego, pero Ifigenia en Táuride , 'la primera ópera sin amor que existe en nuestros teatros' [25] debe ser una de las pocas óperas importantes que prescinde por completo del tema". [26]
Los préstamos que Gluck hizo en esta, su última ópera importante, son numerosos, y muchos estudiosos creen que constituyen un "resumen" de los ideales artísticos que persiguió a lo largo de su carrera como compositor. Reciclar música era una práctica común entre los compositores del siglo XVIII. [27] Gluck sabía que sus óperas anteriores en italiano y los ballets y opéras comiques que había escrito para Viena probablemente nunca volverían a interpretarse, mientras que los franceses tenían la tradición de mantener las óperas exitosas en el repertorio. El reciclaje era, por lo tanto, una forma de salvar algunas de sus ideas musicales más destacadas. [28] La mayor parte de la música reutilizada es del propio Gluck, extraída de sus óperas anteriores o de su ballet Sémiramis . Sin embargo, en al menos un caso, un aria de Iphigénie en Tauride es en realidad un préstamo que Gluck hizo de sí mismo y de Johann Sebastian Bach . Esta es una lista completa de los préstamos de Gluck: [29] [30]
En una ópera francesa, Ifigenia sólo contiene un breve divertimento [31] (una oportunidad para la danza y el espectáculo): el coro y la danza de los escitas en estilo "turco" al final del primer acto. [30] Esto era tan fuera de lo común que, después de las primeras cinco representaciones, con el consentimiento de Gluck, las autoridades de la Ópera de París añadieron música de ballet de François-Joseph Gossec al final, con la coreografía de Jean-Georges Noverre . [32] Lo cual fue comentado de la siguiente manera en el Journal de Paris :
El aprecio del público por el talento superior de los bailarines principales ha inspirado, para el final de esta tragedia, un ballet que era una especie de continuación de la misma. Los escitas derrotados y encadenados son presentados a Orestes, quien les concede la libertad. Se alegran con los griegos. El ballet termina con el traslado de la estatua de Diana, único objeto del viaje emprendido por Orestes y Pílades. La música es de Gossec. Las melodías parecían muy adecuadas a las costumbres de los dos pueblos unidos.
— Journal de Paris , "Spectacles", Opéra (3 de junio de 1779, p. 619) [33]
La ópera contiene «la pieza de instrumentación psicológica más famosa de Gluck», [30] «Le calme rentre dans mon cœur» . Como la describe Donald Grout : «Orestes, que se queda solo después de que los guardias del templo arrestaran a Pílades, cae en un semiestupor; en un lastimoso autoengaño, intenta fomentar el sentimiento de paz que desciende sobre él momentáneamente, cantando Le calme rentre dans mon cœur . Pero el acompañamiento, con una reiteración de semicorcheas agitada y apagada de un tono, y con un acento sforzando en el primer tiempo de cada compás, delata el estado atribulado de su mente, del que no puede desterrar las punzadas del remordimiento por su crimen pasado. Es quizás la primera aparición en la ópera de este recurso de utilizar la orquesta para revelar la verdad interna de una situación, a diferencia de, e incluso en contradicción con, las palabras del texto, una práctica que Richard Wagner incorporaría más tarde a un sistema completo». [34] Cuando un crítico se quejó de la contradicción entre las palabras de Orestes y el acompañamiento musical, Gluck respondió: "Está mintiendo: mató a su madre". [30]
Notas
Fuentes
