La educación en artes visuales es el área de aprendizaje que se basa en el tipo de arte que uno puede ver, artes visuales ( dibujo , pintura , escultura , grabado y diseño en joyería , cerámica , tejido , telas , etc.) y diseño aplicado a campos más prácticos como gráficos comerciales y muebles para el hogar. Los temas contemporáneos incluyen fotografía , video , cine , diseño y arte computacional . La educación artística puede centrarse en que los estudiantes creen arte, en aprender a criticar o apreciar el arte, o en alguna combinación de los dos.
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El arte se enseña a menudo a través del dibujo , la pintura, la escultura, la instalación y la creación de trazos. El dibujo se considera una actividad empírica que implica ver, interpretar y descubrir trazos apropiados para reproducir un fenómeno observado. La enseñanza del dibujo ha sido un componente de la educación formal en Occidente desde el período helenístico . [1] En Asia oriental , la educación artística para artistas no profesionales se centraba normalmente en la pincelada; la caligrafía se contaba entre las seis artes de los caballeros en la dinastía Zhou china , y la caligrafía y la pintura china se contaban entre las cuatro artes de los funcionarios académicos en la China imperial. [2]
Un enfoque alternativo a la educación artística implica un énfasis en la imaginación, tanto en la interpretación como en la creación de arte. Muchos educadores preguntan a sus estudiantes "¿Por qué crees que el artista hizo esta elección?", una vez que han dado una respuesta, les dan el contexto de la pieza y luego les preguntan nuevamente. Esto es para que los estudiantes consideren el significado más profundo detrás de las obras, en lugar de simplemente mostrarles una imagen bonita. La educación artística también se trata de experimentación y juego con un propósito y vincular su arte con mensajes conceptuales y experiencias personales. [3] Permitir que los estudiantes relacionen una pieza con la emoción los ayuda a comprender mejor cómo se conecta la obra de arte con el artista y su tema, desarrollando sus habilidades de pensamiento crítico. Los enfoques alternativos, como la cultura visual y los enfoques basados en problemas en los que los estudiantes exploran cuestiones sociales y personales a través del arte, también informan la educación artística actual. [4]
Entre los modelos curriculares más destacados para la educación artística se incluyen:
Además, especialmente en la educación superior en la tradición de las artes liberales , el arte a menudo se enseña como "apreciación del arte", un tema de crítica estética más que de compromiso directo. [9]
Algunos estudios muestran que los programas de educación artística sólidos han demostrado un mayor rendimiento de los estudiantes en otras áreas académicas, debido a que las actividades artísticas ejercitan los hemisferios derechos de sus cerebros y deslateralizan su pensamiento. [10] Véase también Drawing on the Right Side of the Brain de Betty Edwards .
La educación artística no se limita a las instituciones educativas formales. Algunos artistas profesionales imparten clases privadas o semiprivadas en sus propios estudios. Esto puede adoptar la forma de un aprendizaje en el que el estudiante aprende de un artista profesional mientras lo ayuda con su trabajo. Una forma de este estilo de enseñanza es el método de taller , ejemplificado por Gustave Moreau , que enseñó a Picasso, Braque y muchos otros artistas. [11]
Históricamente, el arte se enseñaba en Europa a través del sistema del método de taller [12], en el que los artistas contrataban a aprendices que aprendían su oficio de forma muy similar a la de los gremios , como los albañiles o los orfebres . Durante su tiempo libre, la formación formal se llevaba a cabo en talleres de arte o, más a menudo, en casas o solos al aire libre. En estos talleres los artistas aprendían el oficio a través del aprendizaje con los maestros, una relación que estaba controlada por los estatutos del gremio. Los contratos florentinos que datan de finales del siglo XIII establecen que se esperaba que el maestro vistiera y alimentara al aprendiz, quien estaba llamado a ser un sirviente fiel a cambio. Un aprendiz a menudo pagaba al maestro durante los primeros años de su educación; suponiendo que el aprendizaje fuera productivo, el estudiante sería compensado más adelante en su formación. Los talleres del norte de Europa presentaban condiciones similares. [13]
En un principio, aprender a dibujar era una prioridad en este sistema. Miguel Ángel recomendaba que un pintor joven pasara un año dibujando únicamente, luego seis años puliendo colores, preparando paneles y utilizando pan de oro, tiempo durante el cual continuaría el estudio del dibujo. Se necesitarían otros seis años para dominar la pintura al fresco y al temple. [14]
Históricamente, el diseño ha tenido cierta precedencia sobre las bellas artes , y en el siglo XVIII se establecieron escuelas de diseño en toda Europa. Estos ejemplos de destreza y valores del arte europeo primitivo inspiraron a generaciones posteriores, incluidos los colonos de los primeros Estados Unidos.
Las personas que emplean la apropiación cultural tienen la capacidad de producir obras de considerable mérito estético. [15] El uso de propiedades del arte de diferentes culturas, como la decoración o la emulación del proceso creativo, puede fomentar una mayor comprensión y apreciación de las artesanías de diferentes culturas. Esta técnica se puede apreciar en la producción de proyectos de fabricación de máscaras africanas o nativas americanas, donde los estudiantes emulan la técnica y exploran nuevos usos de materiales y métodos de construcción que valoran las prácticas de diferentes culturas. [16]
País líder en el desarrollo de las artes en América Latina , en 1875 creó la Sociedad Nacional de Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , y otros artistas. Su gremio fue reautorizado como Academia Nacional de Bellas Artes en 1905 y, en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova , como departamento de la Universidad de Buenos Aires , la Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la principal organización educativa para las artes en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes . [17]
Las universidades australianas que cuentan con departamentos o cursos de Bellas Artes o Artes Visuales han dejado de lado los modelos de enseñanza basados en talleres, asociados a las escuelas de arte, para pasar a un énfasis teórico y práctico más integrado. La Universidad de Australia Occidental ha pasado de ofrecer un máster con énfasis teórico a una licenciatura teórica en Arte.
Se han implementado iniciativas de enseñanza en estudio que integran elementos contextuales y mediáticos como parte de un Proyecto Nacional de Enseñanza en Estudio [18] apoyado por el Consejo Australiano de Aprendizaje y Enseñanza (ALTC) desde 2007.
La primera escuela de arte moderno de Egipto se inauguró en 1908 con el nombre de Cairo College of Fine Arts. [19] Estas primeras escuelas de arte enseñaban en gran medida las tradiciones estéticas occidentales. Como resultado, después de la independencia hubo un esfuerzo por incorporar las tradiciones egipcias y de Oriente Medio en los cursos de arte y apreciación artística. [20] Sin embargo, el proceso fue lento; los estudiantes de Cairo College of Fine Arts no pudieron especializarse en historia del arte no europeo hasta 1999. [20]
La primera academia, la Académie royale de peinture et desculpture , fue fundada en 1648.
En la actualidad, la educación artística, que incluye la educación de las artes visuales, es una parte obligatoria de la educación escolar a partir del segundo ciclo [21] (seis años) y se extiende hasta el final de la escuela secundaria inferior ( collège ) .
En algunas escuelas, existen clases de arte ( classes à horaires aménagés ) que imparten una formación artística avanzada en paralelo a la educación primaria o secundaria inferior normal. En las escuelas secundarias superiores , es posible preparar un bachillerato tecnológico en ciencias y tecnologías del diseño y las artes aplicadas (STD2A, antiguo F12).
En la enseñanza superior , escuelas especializadas proponen un diploma nacional de profesiones artísticas y de diseño (DN MADE, diploma nacional de profesiones artísticas y de diseño) con varios diplomas de profesiones artísticas (DMA, licenciatura en profesiones artísticas), y luego un diploma superior de artes aplicadas (DSAA, maestría en artes aplicadas).
Las escuelas de arte se establecieron en Italia ya en el siglo XIII, comenzando con una escuela de pintura en Venecia fundada por un pintor griego llamado Teófanes alrededor de 1200. [22]
La Asociación de Profesores de Arte Holandeses (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) fue fundada en 1880 y comenzó a publicar una revista mensual en 1884. [23] Desde finales del siglo XX, la creciente diversidad de la sociedad holandesa ha hecho que el arte y la educación artística holandeses sean cada vez más multiculturales . [24]
La educación artística formal surgió en el Reino Unido a principios del siglo XIX, motivada en parte por el deseo de igualar la calidad del trabajo de diseño que se hacía en Francia. [25] El modelo adoptado inicialmente fue el de las escuelas comerciales alemanas. [25] El Príncipe Alberto fue particularmente influyente en la creación de escuelas de arte en el Reino Unido. [26]
Actualmente, en el Reino Unido, el plan de estudios de arte está prescrito por el Plan de estudios nacional del gobierno, excepto en las escuelas públicas o de pago. [27] El Príncipe Carlos ha creado la Escuela de Dibujo del Príncipe en Hoxton para preservar la enseñanza del dibujo académico.
El estudio de la apreciación del arte en Estados Unidos comenzó con el Movimiento de los Artistas de Hoy a finales del siglo XIX y comenzó a desaparecer a finales de la década de 1920. El estudio de la imagen era una parte importante del plan de estudios de educación artística. La atención a la estética en las aulas condujo al interés público por embellecer la escuela, el hogar y la comunidad, lo que se conoció como "El arte en la vida diaria". La idea era acercar la cultura al niño para cambiar a los padres. [28] El movimiento de estudio de la imagen se extinguió a finales de la década de 1920 como resultado de las nuevas ideas sobre el aprendizaje de la apreciación del arte a través del trabajo de estudio que se hicieron más populares en los Estados Unidos. [ cita requerida ]
El filósofo educativo y reformador escolar estadounidense John Dewey influyó en la ampliación del acceso a la educación artística en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. [ cita requerida ]
Desde la Segunda Guerra Mundial , la formación de los artistas se ha trasladado a las escuelas primarias, y el arte contemporáneo se ha convertido en un campo cada vez más académico e intelectual. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un artista no solía necesitar un título universitario. Desde entonces, la Licenciatura en Bellas Artes y luego la Maestría en Bellas Artes se convirtieron en títulos recomendados para ser un artista profesional, facilitados por la aprobación de la Ley GI en 1944, que envió una ola de veteranos de la Segunda Guerra Mundial a la escuela, incluida la escuela de arte. Los departamentos de arte universitarios se expandieron rápidamente. Los artistas estadounidenses que alguna vez podrían haber estudiado en escuelas bohemias y de artesanía intensiva como la Art Students League , Black Mountain College o la Hans Hofmann School of Art en Greenwich Village ; comenzaron a inscribirse en universidades. En los años 60, la Escuela de Artes Visuales , el Instituto Pratt y la Cooper Union en la ciudad de Nueva York y otras escuelas de arte en todo el país como el Instituto de Arte de Kansas City , el Instituto de Arte de San Francisco , la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , Princeton y Yale se habían convertido en una de las primeras academias de arte. [29] Esta tendencia se extendió desde los Estados Unidos a todo el mundo. [ cita requerida ]
La matrícula en clases de arte en el nivel secundario alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. [ cita requerida ] Con No Child Left Behind (NCLB) [ ¿cuándo? ] (que conserva las artes como parte de la "vida diaria", pero no requiere informes ni datos de evaluación sobre esta área) ha habido un declive adicional de la educación artística en las escuelas públicas estadounidenses. [ cita requerida ] El Departamento de Educación de los Estados Unidos ahora otorga subvenciones para el Desarrollo y Difusión del Modelo de Artes en la Educación para apoyar a las organizaciones con experiencia en arte en el desarrollo de currículos artísticos. Después de 2010, se estima que el 25% de las escuelas secundarias públicas del país terminarán con todos los programas de arte. [ cita requerida ] Varias empresas de "tecnología educativa" como Kadenze y edX han intentado mitigar esta pérdida a través de la educación artística en línea. [ 30 ]
Las organizaciones nacionales que promueven la educación artística incluyen Americans for the Arts [31] , incluida Art. Ask For More. [32] , su campaña nacional de concienciación pública sobre la educación artística; Association for the Advancement of Arts Education; Arts Education Partnership. [33]
Las organizaciones profesionales para educadores de arte incluyen la Asociación Nacional de Educación Artística [34] , que publica la revista Art Education, para profesionales , y la revista de investigación Studies in Art Education ; USSEA (la Sociedad de los Estados Unidos para la Educación a través del Arte ) e InSEA (la Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte [35] ).
La educación a través de las artes visuales es una influencia importante y eficaz que permite a los estudiantes, desde una edad temprana, comprender e implementar el proceso democrático fundamental que se destaca en la estructura social de los Estados Unidos. [36] En 2008, la Evaluación Nacional del Progreso Educativo (NAEP, por sus siglas en inglés) estudió a 7.900 estudiantes de octavo grado en los campos del arte y la música. Los resultados del estudio concluyeron que las estudiantes obtuvieron puntuaciones más altas que sus compañeros masculinos tanto en música como en artes visuales. [37]
Olivia Gude , beneficiaria en 2009 de la beca Lowenfeld Lecture Scholarship de la National Art Education Association, habló sobre las numerosas maneras en que la educación artística es fundamental para formar un ciudadano informado, consciente de sí mismo y del mundo. Afirma que:
A través de la educación artística, los estudiantes desarrollan habilidades mejoradas para comprender la construcción de significados de los demás. A través de una educación artística de calidad, los jóvenes desarrollan la capacidad de aprender varios trabajos con mucha más facilidad que otros. Lo más importante es que la participación en las artes enseña a los jóvenes a percibir la complejidad como placer y posibilidad, no como incertidumbre irritante. La mayor conciencia de sí mismos se extiende a una mayor conciencia de los demás... [36]
Michelle Marder Kamhi , que ha escrito sobre educación artística , [38] es muy crítica de las tendencias recientes en el campo en los Estados Unidos y en otros lugares. Ella descarta gran parte del arte contemporáneo que se muestra en los principales museos como gestos políticos que no son arte. [39] En "Rethinking Art Education", capítulo 8 de su libro Who Says That's Art?, se centra en dos tendencias en el campo que cree que "deberían ser motivo de preocupación para los ciudadanos reflexivos, incluso para aquellos con poco interés en el arte". Por ejemplo, un artículo de opinión suyo en el Wall Street Journal criticaba Brinco de Judi Werthein -una pieza de " arte de performance " que consistía principalmente en que Werthein repartiera zapatillas especialmente equipadas a inmigrantes ilegales- que había sido recomendada para su estudio por un destacado educador de arte en una sesión de la conferencia de la NAEA. [40]
La educación artística se combinó con la educación especial incluso antes de que se produjeran reformas para crear adaptaciones especiales para niños con necesidades especiales en aulas típicas. Cuando se trata de arte, los terapeutas de arte suelen ser utilizados para conectar con estudiantes con necesidades especiales. Sin embargo, algunos terapeutas de arte sacan a los estudiantes del aula, lo que hace que se queden atrás en sus otras tareas escolares, como matemáticas, inglés y ciencias. Debido a esto, la terapia de arte se reserva para estudiantes que no tienen muchas posibilidades de mejoras a largo plazo, sino más bien habilidades de desarrollo a corto plazo, o para aquellos que buscan aumentar sus capacidades generales. [41]
La educadora especial Jean Lokerson y la educadora de arte Amelia Jones escribieron que "el aula de arte es un lugar donde las discapacidades de aprendizaje pueden convertirse en recursos de aprendizaje". Los estudiantes con necesidades especiales a menudo salen de su caparazón y se entusiasman con la creación. El arte también es una forma en que los educadores especiales enseñan a sus estudiantes principios básicos que tal vez ni siquiera comprendan. [42]
Hay estudios en curso que siguen demostrando que el arte y la educación especial van de la mano. Las pruebas siguen demostrando que el arte en cualquier aula, pero especialmente en las aulas de educación especial, hace que los estudiantes estén motivados, entusiasmados y, en algunos casos, incluso promueve el aprendizaje en otras áreas temáticas. [43]
El campo de la educación artística se está ampliando para incluir una gama más amplia de cultura visual y popular. Las tendencias actuales en materia de investigación emplean enfoques posmodernos y de cultura visual para la educación artística, [44] [45] consideran los efectos del globalismo en la producción e interpretación de imágenes [46] y centran un renovado interés en cuestiones de creatividad. [47] Dentro de la NAEA, la investigación y las publicaciones se están orientando hacia cuestiones de aprendizaje, comunidad, defensa, investigación y conocimiento. [48] Desde 2016, el Art Education Research Institute (AERI) ha celebrado un simposio anual que apoya la investigación y la investigación crítica, sistemática, empírica y teórica que aborda cuestiones intelectuales y prácticas clave en el campo de la educación artística. AERI busca promover una amplia gama de prácticas y metodologías de investigación rigurosas extraídas de las artes, las humanidades y las ciencias sociales para mejorar la investigación relacionada con la enseñanza y el aprendizaje en y a través de las artes visuales. [49]