El rondó es una forma musical que contiene un tema principal (a veces llamado "estribillo") que se alterna con uno o más temas contrastantes, generalmente llamados "episodios", pero también denominados ocasionalmente "digresiones" o "pareados". Algunos patrones posibles incluyen: ABACA, ABACAB, ABACBA o ABACABA . [1]
La forma rondó surgió en el período barroco y se hizo cada vez más popular durante el período clásico . [2] Los primeros ejemplos de composiciones que emplean la forma rondó se encuentran en las arias y coros de ópera italiana de los primeros años del siglo XVII. [2] Estos ejemplos utilizan un rondó de múltiples coplas o rondó en cadena (ABACAD) conocido como rondó italiano . [2]
La forma rondó, también conocida en inglés por su ortografía francesa rondeau , no debe confundirse con la forma fixe rondeau , una forma poética y chanson francesa de los siglos XIV y XV, que no tiene relación con ella. Si bien los orígenes de la forma rondó provienen de la ópera italiana, el compositor francés Jean-Baptiste Lully , a quien a veces se hace referencia como el padre de la forma rondó o rondeau, y sus contemporáneos, Jacques Champion de Chambonnières y Louis Couperin, popularizaron la forma rondó en Francia en el siglo XVII. A estos compositores los sucedieron en el período barroco posterior los compositores franceses Jean-Marie Leclair , François Couperin y, lo más importante, Jean-Philippe Rameau, quienes continuaron siendo importantes exponentes de composiciones musicales que utilizaban la forma rondó. Lully fue el primer compositor en utilizar un diseño de dos versos para su estructura de rondó, una técnica que no adoptó de manera consistente pero que luego fue adoptada y estandarizada por Rameau, cuya construcción del rondó fue codificada por el teórico musical del siglo XVII Jean Du Breuil en lo que se conoció como el rondeau francés . [2]
Estos compositores franceses emplearon la forma rondó en una amplia gama de medios, incluyendo ópera , ballet , música coral , canciones de arte , música orquestal , música de cámara y obras para instrumento solista. [2] Los franceses difundieron la popularidad de la forma internacionalmente, y el rondó pronto fue adoptado a fines del siglo XVII y principios del XVIII por compositores de otras naciones, como Henry Purcell en Inglaterra y Johann Sebastian Bach en Alemania. [2] Si bien los rondós de JS Bach se escribieron en la tradición francesa anterior de construcción y no fueron particularmente progresistas, su hijo Carl Philipp Emanuel Bach fue un compositor muy imaginativo e inusualmente innovador en la forma rondó; produjo trece rondós sofisticados y muy personales que lo ubican como una figura central en esta forma al final del período barroco y el período clásico temprano. [2]
A principios del período clásico en 1750, la forma rondó ya estaba bien establecida en toda Europa y alcanzó el apogeo de su popularidad a fines del siglo XVIII. [2] Durante este período, la forma rondó fue empleada con mayor frecuencia por los compositores como un solo movimiento dentro de una obra más grande; particularmente conciertos y serenatas , pero también con menor frecuencia en sinfonías y música de cámara. [2] Sin embargo, todavía se escribieron rondós independientes en este período, a menudo como piezas virtuosas. [2] Muchos compositores europeos de esta era utilizaron la forma rondó, incluidos los compositores Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven, quienes produjeron un cuerpo significativo de música empleando la forma rondó. [2] Estos tres compositores también fueron importantes exponentes de la forma sonata rondó ; una forma musical desarrollada en el período clásico que mezcló las estructuras de la forma sonata con la forma del rondó. [2]
En el siglo XIX, los compositores del período romántico continuaron utilizando la forma con cierta regularidad. [2] Algunos compositores de la era romántica que produjeron música utilizando la forma rondó incluyen a Beethoven, Johannes Brahms , Antonín Dvořák , Felix Mendelssohn , Franz Schubert , Robert Schumann , Richard Strauss y Pyotr Ilyich Tchaikovsky . La forma rondó ha seguido siendo utilizada por algunos compositores del siglo XX y XXI ; más a menudo por aquellos con una estética neoclásica o por aquellos compositores que hacen referencia a la composición de música clásica de alguna manera. Algunos compositores del siglo XX que utilizaron la forma rondó incluyen a Alban Berg , Béla Bartók , Duke Ellington , Alberto Ginastera , Paul Hindemith y Sergei Prokofiev . [2]
La palabra inglesa rondó proviene de la forma italiana del francés rondeau , que significa "un poco redondo ". [3] Hoy en día, la palabra rondó se usa ampliamente en el idioma inglés para referirse a cualquier obra musical, vocal o instrumental, que contiene un tema principal que se alterna con uno o más temas contrastantes. Sin embargo, algunos compositores de habla inglesa y alemana también han adoptado el término rondeau en lugar del término rondo para referirse a sus composiciones que utilizan esta forma; particularmente cuando escriben en un estilo compositivo francés. [4]
En Francia, la palabra rondeau se utilizó por primera vez en los períodos medieval y renacentista para referirse a la "forme fixe rondeau" ; un tipo de forma poética y chanson existente en Francia desde finales del siglo XIII hasta el siglo XV. [5] Originalmente se desarrolló como música monofónica (en el siglo XIII) y luego como música polifónica (en el siglo XIV). Desapareció del repertorio a principios del siglo XVI. [6] [7] [8] Junto con las formes fixes ballade y virelai , la forme fixe rondeau se limitó solo a la música vocal debido a su uso dentro del contexto específico de la poesía en lengua francesa. [5]
La forma fija rondeau no tiene ninguna relación con la forma musical posterior rondeau , que surgió principalmente a mediados del siglo XVII en Francia, pero tuvo sus orígenes en la ópera italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII. [2] Es esta forma musical posterior la que ahora se conoce como rondó en inglés. [2] En el siglo XVIII, el término Round O , una corrupción inglesa de la palabra francesa 'rondeau', también se usaba a veces en el idioma inglés para referirse a la forma musical rondeau. El término Round O se usó en varias publicaciones inglesas del siglo XVIII, incluidas Choice Lessons for the Harpsichord or Spinett (Londres, 1711) de Jeremiah Clarke y A Complete Dictionary of Music (Londres, 1770) de John Hoyle . En A Musical Dictionary (1740) de James Grassineau, el término Round O se definió como una ortografía alternativa de rondeau. [9]
En la forma rondó, un tema principal (a veces llamado "estribillo") se alterna con uno o más temas contrastantes, generalmente llamados "episodios", pero también denominados ocasionalmente "digresiones" o "pareados". Los patrones posibles incluyen: ABACA, ABACAB, ABACBA o ABACABA . [11] El "ABACA" a menudo se conoce como "rondó de cinco partes", el "ABACAB" y el "ABACBA" a veces se denominan "rondó de seis partes", y el ABACABA se conoce comúnmente como "rondó de siete partes". El número de temas puede variar de una pieza a otra, y el elemento recurrente a veces se embellece y/o se acorta para proporcionar variación . Quizás el ejemplo más conocido de la forma rondó es " Para Elisa " de Beethoven , un rondó ABACA.
Los autores que han estudiado el origen de la forma rondó han establecido vínculos con el uso y desarrollo del ritornello en la ópera italiana temprana, a finales del siglo XVI y principios del siglo XVII. [2] Si bien la forma rondó es similar a la forma ritornello, se diferencia en que la forma ritornello normalmente recupera el tema principal en una paráfrasis de ese tema mediante el uso de fragmentos de pasajes musicales anteriores y en diferentes tonalidades ; mientras que el rondó recupera su tema completo y en la misma tonalidad. [2]
Ritornello, que significa 'retorno' en italiano, tiene sus orígenes en los madrigales del siglo XV en los que la repetición o el retorno a una estrofa particular es una característica de la estructura compositiva. [12] Con la llegada de la ópera en Italia en los últimos años del siglo XVI, la forma ritornello continuó desarrollándose específicamente dentro de la estructura del aria y el coro de ópera. [12] La forma ritornello se utilizó en preludios instrumentales, interludios o postludios (o cualquier combinación de estos) dentro del aria y el coro de ópera; más frecuentemente en el contexto de arias de ópera pero también en obras sacras del siglo XVII como arias vocales y coros dentro de oratorios y cantatas . [12] Solo 100 años después, a principios del siglo XVIII, la técnica del ritornello se transfirió al concierto; [12] mucho después del surgimiento del rondó en Francia en el siglo XVII. [2]
El uso y desarrollo del ritornello en las arias tenía un propósito práctico, ya que la estructura se utilizaba para separar claramente las secciones vocales del aria de los preludios, interludios o postludios instrumentales dentro de la composición. La repetición o parafraseo de música instrumental en la estructura del aria proporcionaba una estructura dramática acertada que podía facilitar la entrada y salida de los personajes, enfatizar la intención dramática o proporcionar música utilizada con transformaciones de escena o incluso acompañamientos para bailes. [12] En última instancia, el uso del ritornello en la ópera italiana condujo a la creación de algunas arias y coros de ópera italianos tempranos que siguen una forma tradicional de rondó en la que el tema principal se repite en su totalidad y en la misma tonalidad. El primer ejemplo de esto se encuentra en Eurídice (1600) de Jacopo Peri , en la que los coros "Al canto al ballo" y "Sospirate aure celesti" están arreglados utilizando una estructura de rondó. [2] Estos primeros ejemplos utilizan un rondó de múltiples coplas o rondó en cadena (ABACAD), ahora conocido como rondó italiano . [2]
La forma rondó, generalmente denominada en inglés usando la ortografía francesa rondeau cuando se aplica a la música francesa, fue una forma popular en Francia desde mediados hasta fines del siglo XVII y hasta el siglo XVIII. [2] Los compositores franceses del período barroco emplearon la forma rondeau en una amplia gama de medios, incluyendo ópera , ballet , música coral , canciones de arte , música orquestal , música de cámara y obras para instrumento solista. [2] Al compositor Jean-Baptiste Lully a veces se le atribuye el mérito de ser el "padre del rondeau", ya que supuestamente fue el primer compositor en utilizar un diseño de dos pareados para su estructura de rondeau; una técnica que no adoptó de manera consistente pero que luego fue adoptada y estandarizada por Jean-Philippe Rameau, cuya construcción del rondeau fue codificada por el teórico musical del siglo XVII Jean Du Breuil en lo que se conoció como el rondeau francés . [2] Algunos ejemplos del uso que hace Lully del rondeau francés incluyen el "Rondeau pour les basques" del ballet Intermède de Xerxes (1660), el "Rondeau pour la gloire" del prólogo de la ópera Alceste (1674) y el coro "Suivons Armide" de la ópera Armide (1686). [2]
Otros tres compositores importantes de rondós del período barroco fueron Jacques Champion de Chambonnières y los hermanos Louis Couperin y François Couperin ; todos ellos escribieron varios rondós para teclado . [2] Chambonnières compuso un rondó francés para teclado en fa mayor titulado simplemente Rondeau , y también compuso muchas chaconas-rondós; algunas de las cuales siguen el diseño de dos pareados del rondó francés, pero otras muestran hasta cinco pareados. [2] Louis Couperin también experimentó con el número de pareados que empleó en sus composiciones de rondós; por lo general, utilizó tres o cuatro pareados en su construcción de rondós. La Passacaille para clave de Louis tiene una forma de rondó de nueve pareados. [2] François Couperin fue el principal y más prolífico compositor francés barroco de rondós compuesto para clave . [2]
A finales del período barroco, el compositor Jean-Marie Leclair fue un compositor particularmente innovador dentro de la forma francesa del rondó, especialmente en sus movimientos de aria para violín. Leclair fue uno de los primeros compositores en cambiar el compás y el tempo dentro de un pareado, como en su opus 1 n.º 9, Allegro ma non presto , y en incluir un rondó dentro de otro en el pareado final, como en su opus 1 n.º 1, Aria . [2]
La música de compositores franceses del Barroco como Lully y Rameau se extendió por toda Europa e influyó en compositores de todo el continente a partir de finales del siglo XVII. Henry Purcell fue uno de los primeros compositores de Inglaterra en adoptar la forma; escribió un Rondeau como segundo movimiento de su música para la obra Abdelazer de Aphra Behn , que se estrenó en el Dorset Garden Theatre el 3 de julio de 1676. En Alemania, los compositores Georg Muffat , Johann Caspar Ferdinand Fischer y Johann Sebastian Bach adoptaron formas y técnicas francesas en algunas de sus composiciones; incluida la utilización de la forma rondeau. El uso del rondó por parte de J. S. Bach incluye el Passepied I de la Suite n.º 5 en mi menor (c. 1725) en sus Suites inglesas , el quinto movimiento 'Rondeaux' de la Partita para teclado n.º 2, BWV 826 (c. 1725-1727), el tercer movimiento Partita para violín n.º 3 (1720) y el Rondó de la Suite n.º 2 en si menor (c. 1738-1739). [2]
Una expansión habitual de la forma rondó es combinarla con la forma sonata para crear la forma sonata rondó . En este caso, el segundo tema actúa de manera similar al segundo grupo temático de la forma sonata, ya que aparece primero en una tonalidad distinta a la tónica y luego se repite en la tonalidad tónica. A diferencia de la forma sonata, no es necesario que se produzca un desarrollo temático, excepto posiblemente en la coda .
El rondó como tipo de carácter (a diferencia de la forma) se refiere a música que es rápida y vivaz, normalmente Allegro . Muchos rondós clásicos presentan música de carácter popular o folclórico. La música que se ha designado como "rondó" normalmente se adhiere tanto a la forma como al carácter. Por otro lado, hay muchos ejemplos de obras más lentas y reflexivas que son rondó en forma pero no en carácter; incluyen el Rondó en la menor de Mozart , K. 511 (marcado Andante ).
Un conocido género vocal operístico de finales del siglo XVIII, denominado en aquel entonces con el mismo nombre pero que hoy se distingue en los escritos ingleses y alemanes por el término con diferente acento " rondò ", está formado en dos partes, lenta y rápida. [13]
Fuentes
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