El arte cubano es una mezcla cultural excepcionalmente diversa de elementos norteamericanos, sudamericanos, europeos y africanos, que refleja la diversa composición demográfica de la isla. Los artistas cubanos abrazaron el modernismo europeo , y la primera parte del siglo XX vio un crecimiento de los movimientos de vanguardia cubanos , que se caracterizaron por la mezcla de géneros artísticos modernos. Algunos de los artistas cubanos más celebrados del siglo XX incluyen a Amelia Peláez (1896-1968), mejor conocida por una serie de proyectos murales , y el pintor Wifredo Lam (8 de diciembre de 1902 - 11 de septiembre de 1982), quien creó una versión muy personal del primitivismo moderno . El pintor nacido en Cuba Federico Beltrán Masses (1885-1949), fue reconocido como un colorista cuyas seductoras representaciones de mujeres a veces hacían referencias abiertas a los escenarios tropicales de su infancia.
Más conocido internacionalmente es el trabajo del fotógrafo Alberto Korda , cuyas fotografías posteriores a los primeros días de la Revolución Cubana incluyeron una imagen del Che Guevara que se convertiría en una de las imágenes más reconocibles del siglo XX.
Hay un floreciente movimiento de arte callejero influenciado por los artistas latinoamericanos José Guadalupe Posada y el muralista Diego Rivera .
Después de la Revolución Cubana de 1959, algunos artistas sintieron que lo mejor para ellos era abandonar Cuba y producir su arte, mientras que otros se quedaron, felices o simplemente contentos de crear arte en Cuba, que contaba con el patrocinio del gobierno. Como el patrocinio era estatal, se produjo una censura implícita, ya que los artistas no querían hacer arte que fuera contrario al movimiento revolucionario, ya que esa era la fuente de su financiación. Fue durante la década de 1980 cuando el arte comenzó a reflejar una expresión verdaderamente no influenciada. El "renacimiento" de la expresión en el arte cubano se vio muy afectado por el surgimiento de una nueva generación de cubanos, que no recordaban directamente la revolución. [1]
En 1981, los cubanos presenciaron la presentación del "Volumen Uno", una serie de exposiciones individuales de artistas cubanos contemporáneos. Tres años más tarde, la presentación de la "Bienal de La Habana" contribuyó a un mayor avance de la liberación del arte y la libertad de expresión en ese ámbito. [2]
Durante la mayor parte de sus 400 años bajo el dominio español, Cuba, y específicamente La Habana, funcionó como el principal centro de distribución del imperio español en las Américas, con una población de comerciantes, administradores y profesionales interesados en apoyar las artes. En el siglo XVI, pintores y escultores comenzaron a llegar de Europa para decorar iglesias y edificios públicos cubanos. A mediados del siglo XVIII, los artistas nativos que trabajaban en la tradición europea estaban activos en Cuba. [3] [4]
El primero de ellos que dejó una obra sustancial e identificable fue José Nicolás de la Escalera (1734-1804). Aunque en su mayor parte carecen de originalidad, sus escenas religiosas, en particular las que decoran la cúpula y el altar de la iglesia de Santa María del Rosario, cerca de La Habana, son espectaculares e incluyen las primeras representaciones artísticas de esclavos negros cubanos. [5] [3]
Vicente Escobar (1762 - 1834) fue un mestizo cuya habilidad como retratista lo hizo popular entre la élite cubana. [6] Aunque no tenía educación artística formal, abrió lo que posiblemente fue el primer taller/estudio de pintura de Cuba y más tarde se graduó con honores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Sus retratos estaban firmemente en el estilo clásico europeo, pero tenían una frescura y energía distintivas. [7]
Una revuelta de esclavos que culminó con la declaración de independencia del vecino Haití en 1804 resultó ser una bendición para Cuba, ya que los propietarios de plantaciones refugiados y sus esclavos se trasladaron a la parte oriental de la isla, subdesarrollada y poco poblada. Sin embargo, el éxito de la revuelta de esclavos de Toussaint y Dessalines sembró una intensa ansiedad en todo el Caribe, y una respuesta a ella fue el crecimiento del costumbrismo -visiones realistas pero romantizadas de la vida cotidiana- en el arte cubano. [4]
Uno de los primeros artistas destacados de este género fue el español Víctor Patricio de Landaluze (1830-1889), cuyas pinturas retrataban la vida en las plantaciones como dura pero esencialmente natural y armoniosa. Sus caricaturas políticas para la revista El Almendares adoptaban una visión más satírica de la "aristocracia criolla" urbanizada. Opuesto a la independencia cubana, Landaluze acabó perdiendo el favor del público, pero su obra sigue siendo valorada por capturar la atmósfera y las actitudes de su época. [8] [3] [4]
El 11 de enero de 1818 se fundó en La Habana la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro (conocida como la "Academia San Alejandro", en honor a un importante fundador/benefactor), bajo la dirección del francés Jean Baptiste Vermay . Es la academia de arte más antigua de América Latina y la segunda institución de educación superior más antigua de Cuba, después de la Universidad de La Habana . Hasta el día de hoy, ha producido a muchos de los artistas más importantes de Cuba. [ cita requerida ]
A finales del siglo XIX, la pintura de paisajes se había vuelto popular, con artistas como Miguel Arias Bardou , Guillermo Collazo , José Abreu Morell y José Joaquín Tejada creando escenas que mostraban el exuberante entorno natural de Cuba. A pesar del contenido benigno de su obra, muchos artistas (quizás el más destacado, Collazo) fueron firmes partidarios de la independencia cubana, y algunos se vieron obligados a exiliarse.
En 1898, los cuatro siglos de dominio español sobre Cuba llegaron a su fin cuando las tropas estadounidenses intervinieron del lado de los combatientes rebeldes. Sin embargo, la independencia resultó ilusoria, ya que Estados Unidos controlaba la política exterior de Cuba y gran parte de su economía, [9] mientras que los presidentes autoritarios hicieron poco por fomentar la libertad y la democracia. Los artistas de la era republicana temprana continuaron como antes, pintando paisajes y escenas de la vida cubana en el estilo tradicional europeo, algunos de ellos mostrando ligeros toques de impresionismo . Muchos, como Antonio Sánchez Araujo , Armando Menocal , Antonio Rodríguez Morey , Domingo Ramos Enríquez y Leopoldo Romañach , se convirtieron en instructores o administradores de la Academia San Alejandro y otras instituciones artísticas. Los movimientos modernistas que convulsionaron el arte europeo a principios del siglo XX inicialmente tuvieron poco impacto en el mundo académico y cerrado del arte cubano contemporáneo. [3]
A finales del siglo XIX, los paisajes dominaban el arte cubano y el clasicismo seguía siendo el género preferido. [10] Los movimientos artísticos radicales que transformaron el arte europeo en las primeras décadas del siglo llegaron a América Latina en la década de 1920 para formar parte de una vigorosa corriente de innovación artística, cultural y social. [3]
A fines de la década de 1920, los artistas de Vanguardia habían rechazado las convenciones de la academia nacional de arte de Cuba, la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” , en La Habana , a la que la mayoría de ellos habían asistido. En sus años de formación, muchos habían vivido en París , donde estudiaron y absorbieron los principios del surrealismo , el cubismo y el primitivismo modernista . El modernismo irrumpió en la escena cubana como parte del movimiento crítico de regeneración nacional que surgió en oposición a la dictadura de Gerardo Machado , el control neocolonial estadounidense y la consiguiente crisis económica. [11] Regresaron a Cuba comprometidos con la nueva innovación artística y ansiosos por abrazar la herencia de su isla. Estos artistas se volvieron cada vez más políticos en su ideología, viendo a los pobres rurales como símbolos de identidad nacional en contraste con la élite gobernante de la Cuba posterior a la independencia. El líder de la vanguardia Eduardo Abela , un pintor que estudió en París, fue típico del movimiento. Abela descubrió su patria, Cuba, desde el extranjero, motivado aparentemente por una combinación de distancia y nostalgia. A su regreso, Abela entró en un período de trabajo altamente productivo. Sus murales de la vida cubana se complementaron con caricaturas que se convirtieron en críticas sociales de la vida cubana bajo el régimen autoritario de Machado. [12]
Entre los pioneros del movimiento se encuentran Abela, Antonio Gattorno , Víctor Manuel , Fidelio Ponce de León y Carlos Enríquez Gómez . Nacidos a finales del siglo XX, estos artistas crecieron en medio de la agitación de la construcción de una nueva nación y alcanzaron la madurez cuando los cubanos se dedicaban a descubrir e inventar una identidad nacional. Compartían plenamente el sentido de confianza, renovación y nacionalismo que caracterizó a los intelectuales progresistas cubanos del segundo cuarto del siglo XX.
Antonio Gattorno (1904-1980) y Eduardo Abela (1889-1965) fueron los primeros pintores de su generación en adaptar el arte moderno europeo y mexicano a la interpretación de sus temas cubanos. También encontraron en la franqueza y la idealización de la pintura del Renacimiento temprano un modelo eficaz para su expresión de temas cubanos. Las imágenes criollas de estos pintores, a pesar de todas sus diferencias, compartían una visión primitivista moderna de Cuba como una tierra exótica, atemporal y rural habitada por gente sencilla y sensual, aunque también triste y melancólica. Aunque arraigada en el entorno natural y cultural de Cuba, la visión de lo cubano estaba muy alejada de la realidad histórica contemporánea. En cambio, se basaba en una concepción ideal de la Patria que había sido un componente del nacionalismo y el arte cubanos desde el siglo XIX. [3]
Esta visión idealizada se hizo presente en los retratos y paisajes de Víctor Manuel (1897-1969), quien quedó particularmente impresionado por las obras de Paul Cézanne y Paul Gauguin durante sus dos estancias relativamente breves en París. Egresado de San Alejandro y con gran habilidad para el dibujo y la composición, Manuel optó por aplicar la simplicidad primitivista a sus temas cubanos (uno de sus favoritos era el rostro femenino) y sacó a relucir cualidades de melancolía y fuerza, como se capturó en La gitana tropical ( 1929), considerada por los críticos como una de las piezas definitorias del arte de vanguardia cubano. [3] [13]
El énfasis que Carlos Enríquez (1900-1957) y Fidelio Ponce (1895-1949) pusieron en los temas del cambio, la transformación y la muerte ha tenido un impacto duradero en el arte cubano. [14] Enríquez y Ponce representan dos enfoques de la muerte: el primero marcado por la huida exuberante y la emoción; el segundo por la contemplación melancólica. Si Enríquez pintó el delirio después del sitio triunfante, Ponce pintó la antesala del dolor. Enríquez era un pintor autodidacta de una familia adinerada, mientras que Ponce, aunque había asistido a la Academia de San Alejandro, pasó su vida en la pobreza. Lo que estos dos pintores más originales y distintivos de la Vanguardia tenían en común -además de graves problemas con el alcoholismo- era el hecho de que ninguno de ellos había estudiado en Europa. [3]
A principios de 1927 se realizaron exposiciones individuales de Víctor Manuel y Antonio Gattorno en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, seguidas en mayo por la Primera Exposición de Arte Nuevo , una muestra colectiva que incluía principalmente a modernistas cubanos. Aclamadas por la revista de vanguardia Revista de Avance , estas muestras bien recibidas fueron pasos importantes hacia la aceptación del arte moderno en Cuba. [3]
Los maestros de la primera generación del modernismo cubano prepararon el terreno para la prevalencia de ciertos temas que regirían el arte cubano después de 1930 y que tendrían diversos grados de impacto en las generaciones que luego surgirían totalmente en el exilio después de 1960. Entre 1934 y 1940, y todavía recuperándose del derrocamiento de Machado, Cuba buscaba su identidad cultural en sus raíces europeas y africanas. El paisaje, la flora, la fauna y la tradición de la isla, así como sus campesinos -la base a menudo descuidada del alma y la economía de Cuba- surgieron en su arte. [14]
Wifredo Lam (1902 - 1982), cubano de ascendencia china, española y africana, tuvo poca relación directa con la Vanguardia de La Habana, pero era de la misma generación y tenía motivaciones y experiencias similares con su arte. Después de asistir a la Academia de San Alejandro, inicialmente tomó la ruta más tradicional de estudiar en Madrid y vivió y trabajó en España durante muchos años. Después de servir en la Guerra Civil Española , huyó a París, donde quedó bajo el ala de Pablo Picasso , quien despertó el interés de Lam por la escultura africana. Lam también se hizo amigo del poeta y filósofo surrealista André Breton . En París, Wilfredo Lam conoció a José Sainz, un compatriota cubano, y los dos siguieron siendo amigos después de que Lam regresara a Cuba. En la vida del artista, Sainz tuvo un papel importante al vincular su arte con su herencia afrocubana y caribeña, que posteriormente tendría un impacto significativo en su producción. Al regresar a Cuba en 1941 después de dos décadas en el extranjero, Lam se sintió encantado, consternado y poderosamente inspirado por su tierra natal. Rápidamente desarrolló su estilo maduro, que incorporó elementos del cubismo, el surrealismo y el arte africano , junto con imágenes de los rituales de la santería en los que había crecido. En 1943 pintó La jungla , que se considera una de las obras maestras del arte cubano. [15] [4] [3]
Amelia Peláez (1896 - 1968) fue la única artista femenina de importancia de la Vanguardia. Graduada de San Alejandro, estudió y trabajó durante varios años en París, donde, antes de regresar a La Habana en 1934, absorbió la influencia de Henri Matisse y, especialmente, el cubismo de Pablo Picasso y Georges Braque . Durante su larga carrera, trabajó en una variedad de medios, incluida la pintura, la cerámica y el mosaico, y exploró una variedad de temas y asuntos, pero ya sea creando sus pinturas abstractas de naturaleza muerta o sus famosos murales públicos a gran escala, su trabajo empleó constantemente colores vivos y composiciones elaboradas, así como representaciones de la flora tropical de Cuba y los omnipresentes motivos arquitectónicos coloniales españoles de La Habana. Sin embargo, a pesar de toda su energía colorida, el crítico francés Francis de Miomandre percibió en su obra "un mundo cerrado, completamente enigmático, embrujado por un silencio enigmático". Ella, Lam y Enriquez han llegado a ser considerados los estilistas más distintivos y definitivos del arte cubano. [3] [16] [4]
En 1935, la Vanguardia ya era reconocida en Cuba como una fuerza cultural importante y comenzó a ganar notoriedad a nivel internacional. A fines de los años treinta y durante los cuarenta, se realizaron importantes exposiciones de arte moderno cubano en los Estados Unidos y en toda América Latina. Albert H. Barr, Jr., organizador de la exposición de pintura moderna cubana en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1944, escribió: "Podemos estar agradecidos por esa exuberancia temeraria, alegría, franqueza y amor por la vida que los pintores cubanos muestran quizás más que los artistas de cualquier otra escuela". [3]
El arte cubano moderno fue visto por última vez en París, Francia, en una exposición en el Museo Nacional de Arte Moderno en 1951. [3]
Los propios artistas no se beneficiaron materialmente del creciente interés por el arte cubano moderno. Se repartieron premios ocasionales, como en el Primer Salón Nacional de Pintura y Escultura en 1935, pero no hubo un sistema consistente de mecenazgo y los encargos para los vanguardistas cubanos eran escasos. La mayoría subsistía con trabajos mal pagados de enseñanza y trabajo comercial; unos pocos, como Enríquez y Peláez, tenían medios de subsistencia a través de sus familias, y algunos, como Ponce y Manuel, vivían en la pobreza. [3] El único de ellos que llegó a conseguir precios altos por su obra mientras aún vivía fue Wifredo Lam. [15]
Otros artistas notables de la vanguardia original fueron Jorge Arche, Marcelo Pogolotti , Arístides Fernández, Rafael Blanco, Domingo Ravenet, Alberto Peña y Lorenzo Romero Arciaga. El Segundo Salón Nacional de Pintura y Escultura de 1938 puso de relieve una segunda generación de artistas modernos que incluía a Cundo Bermúdez , Mario Carreño , Rita Longa , Alfredo Lozano, Luis Martínez-Pedro y René Portocarrero [3].
A finales de la década de 1940, la primera generación de artistas de vanguardia se había dispersado y se dedicaba a sus carreras individuales. Lam siguió cosechando un gran éxito y vivió principalmente en París después de 1952. [15] Arche, Fernández y Peña murieron jóvenes; Enriquez y Ponce alcanzaron cierto reconocimiento internacional antes de morir en la mediana edad. Otros, como Gattorno y Pogolotti, abandonaron Cuba y llevaron su arte por rumbos completamente nuevos; aún más emigraron después de la Revolución cubana de 1959, que dejó a los artistas cubanos aislados de los acontecimientos y mercados artísticos en los Estados Unidos y Europa. Varios, como Peláez, Abela y Manuel, continuaron produciendo obras en Cuba. [3]
Los artistas de Vanguardia recibieron reconocimiento internacional en 2003 con la exposición Pintura Moderna Cubana en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, posteriormente mostrada en París. [17] Los artistas cubanos modernos continúan haciendo un trabajo significativo en esta tradición, incluidos Juan Ramón Valdés Gómez (llamado Yiki) y José Toirac .
Según los críticos de arte europeos y norteamericanos, el arte naif suele reconocerse por su frescura infantil y sus cualidades amateurs, [18] como la falta de perspectiva precisa, poco o ningún modelado y una coloración llamativa. [19] Los artistas que trabajan en este estilo suelen ser reconocidos por favorecer un estilo de arte más "primitivo" o "folk". [20] El término naif en sí mismo puede ser problemático; por lo general significa que un artista es autodidacta, y en el pasado lo han utilizado los artistas académicos o los críticos como un término despectivo, ya que los artistas naif tienden a ignorar las reglas básicas del arte. A pesar de su desprecio por las convenciones académicas, los artistas naif suelen ser bastante sofisticados en sus formas personales de expresión artística.
Los colores utilizados en el arte naif cubano son especialmente vivos, y los artistas utilizan los tonos vibrantes de su hogar tropical para presentar una visión idealizada de la vida rural, con referencias espirituales al catolicismo y a los Orichas (deidades) de la santería, leyendas y otros aspectos de la cultura afrocubana, pasada y presente. Este estilo de arte naif retrata la típica cosmovisión cubana del disfrute de la vida a pesar de sus dificultades [19]
En la década de 1950, el turismo estadounidense en Cuba creó una gran demanda de arte folclórico y pintoresco, lo que llevó a una mayor producción de lo que llegó a conocerse como "arte turístico", la mayor parte del cual se clasificó como naif. [21] En ese momento, este arte era visto como una "forma de expresión atrasada, bárbara y cruda que debía eliminarse", en lugar de una representación auténtica de una cultura viva. [22] Después de la Revolución cubana de 1959, se alentaron las actividades educativas, culturales y artísticas, y los artistas pudieron asistir a las escuelas de arte de libre acceso del país ( Escuelas Nacionales de Arte , ahora conocidas como Instituto Superior de Arte ). Aun así, ya sea por aislamiento físico o por desinterés en el mundo de la pintura académica, permaneció una gran cantidad de pintores ingenuos o espontáneos autodidactas . Muchos de estos artistas se unieron para formar el Movimiento de Artistas Populares a principios de la década de 1960. Aunque este y otros esfuerzos de cooperación disminuyeron en las décadas siguientes, los propios artistas continuaron pintando. [23]
Debido al orgullo nacional cubano por los logros académicos y la formación artística, en los primeros años posteriores a la Revolución se consideraba denigrante que se los llamara artistas ingenuos. Como el gobierno no los reconocía en general como artistas profesionales, la comunidad artística en general no los tomaba en serio y, en ocasiones, eran acosados, pues el gobierno cubano consideraba que sus ventas de arte eran una actividad ilegal. [24] Sin embargo, a fines del siglo XX, esta actitud comenzó a cambiar.
En 1997, Sandra Levinson, directora ejecutiva del Centro de Estudios Cubanos Art Space de la ciudad de Nueva York, organizó Naïf Art in Cuba , una exposición pionera en su tipo en el Metropolitan Arts Center que presentaba el arte de catorce artistas naif cubanos, además de los ocho miembros del colectivo de artistas Grupo Bayate de Mella , Santiago de Cuba . Estos artistas fueron descubiertos durante un viaje a Cuba en 1996 por Levinson, Olga Hirshhorn y otros, quienes recorrieron la isla en busca de ejemplos de este estilo de arte, del cual tan poco se había visto anteriormente en los Estados Unidos [19]
El jefe no oficial del Grupo Bayate es Luis Rodríguez Arias (nacido en 1950), panadero de profesión. Se le conoce como el maestro para diferenciarlo de su hijo, el artista Luis Rodríguez Ricardo (nacido en 1966), quien se hace llamar el Estudiante . Ambos estuvieron representados en la exposición Arte Naif de Cuba , que se realizó del 11 de septiembre al 10 de octubre de 1997. [19]
Luis El Estudiante Rodríguez es uno de los pintores naif cubanos más destacados. Comenzó a pintar a los dieciocho años de edad; ha descrito su primera pintura, de la casa de una novia, como "horrible". [25] Después de servir en el ejército y trabajar en la construcción, fue asignado a trabajos agrícolas durante el "período especial" de Cuba. En esos años comenzó a trabajar con la escultura como una forma de complementar sus ingresos, pasando a la pintura unos años más tarde. [26] Como la mayoría de los artistas naif, encuentra inspiración para su trabajo en las experiencias de su vida diaria: rituales religiosos y los eventos y la gente de su comunidad. Habiendo crecido en un barrio de familias en su mayoría haitianas, es muy consciente de sus luchas; a veces describe su trabajo como "polémico". [26] En enero de 1997, el Estudiante realizó una exposición individual en la galería más grande y prestigiosa de Santiago de Cuba, Oriente, y continúa participando en exposiciones realizadas por el Grupo Bayate . En junio de 2002 su obra fue descrita como "descontroladamente colorida y apilada como un tren en hora punta" en un artículo del New York Times titulado "Los cubanos efervescentes hacen mucho con poco", [27] que también habla del éxito en el mercado del arte de su estilo naif.
Otro artista que apareció en la exposición Arte naif de Cuba del Centro de Artes Metropolitano de 1997 fue Julián Espinoza Rebolledo, también conocido como Wayacón. Nacido en 1931 (aunque su nacimiento no fue registrado hasta 1941, lo que lo hace "oficialmente" 10 años más joven de lo que realmente es), Wayacón comenzó a pintar cuando era niño. Asistió a la escuela solo hasta el tercer grado, este artista autodidacta se mantuvo como constructor, asistiendo a cursos en la academia cubana cuando era mayor. En la década de 1950 se unió al grupo de artistas Signos y participó en sus primeras exposiciones en Japón y Suiza. [28] Aunque admiraba a Miró , Chagall , Degas y Picasso , sus mayores inspiraciones provienen de la observación de la práctica de la religión de la santería. [29] Muchas de sus pinturas muestran su influencia, conteniendo colores vivos e imágenes religiosas, con una calidad casi alucinógena. [19]
El artista naif más destacado de Cuba es José Rodríguez Fuster , conocido como Fuster. Además de sus pinturas y dibujos, a lo largo de los años ha transformado el suburbio pobre de Jaimanitas, en La Habana, en un paisaje urbano mágico y onírico, aprovechando su experiencia como ceramista para crear un entorno que evoca al famoso Parque Güell de Antoni Gaudí en Barcelona . Hay un parque de ajedrez, con tableros y mesas gigantes, casas decoradas individualmente con murales y cúpulas ornamentadas, un tumulto de gallos gigantes, gauchos, figuras religiosas afrocubanas instaladas a la entrada de muchas casas, un teatro fusterizado, plazas públicas y un gran mural.
El arte primitivo y marginal de Corso de Palenzuela (n. La Habana, ca.1960), pintor autodidacta de ascendencia sefardí, se nutre de una rica veta de memoria como material de partida, representado en un paisaje cubano muy personal. Aunque emigró a los Estados Unidos con su familia a la edad de ocho años, sus obras de arte, llenas de colorido, ponen gran énfasis en resaltar el rico patrimonio cultural de su tierra natal. [30]
Aunque técnicamente no es un artista naif, Manuel Mendive es quizás el exponente más importante del afrocubanismo contemporáneo en las artes visuales. Nacido en 1944 en una familia de practicantes de la santería, se graduó de la prestigiosa Academia de Artes Plásticas San Alejandro de La Habana en 1962 con honores en escultura y pintura.
En los Salones de Arte Contemporáneo y en la Bienal de La Habana han sido pocos los artistas naif que han estado representados, sin embargo, con el creciente interés por el género, a partir de 2015, hay un número cada vez mayor de artistas académicos que han comenzado a pintar en este estilo, con una mayor representación para todos. [31]
En la década de 1960, las consecuencias de la revolución cubana trajeron consigo nuevas restricciones, lo que provocó un éxodo de intelectuales y artistas. El nuevo régimen exigía "una práctica de la cultura como propaganda ideológica, junto con un nacionalismo estereotipado". [32] Aunque las políticas gubernamentales -impulsadas por recursos limitados- restringieron la expresión artística, ampliaron, a través de la educación y los subsidios, el número de personas que podían practicar el arte, derribando barreras mediante la democratización y la socialización. La creciente influencia de la Unión Soviética en las décadas de 1960 y 1970 sí afectó a la cultura cubana, pero el gobierno cubano no igualó a la URSS en su grado de control sobre las artes. [32]
En la década de 1960, agencias gubernamentales como la Comisión de Orientación Revolucionaria (la división editorial del Partido Comunista de Cuba, posteriormente rebautizada como Editora Política (EP)) y la OSPAAAL comenzaron a producir carteles con fines propagandísticos. Muchos de ellos utilizaban características de diseño estereotípicamente soviéticas, pero incluso algunas de las primeras muestras mostraban indicios del estilo cubano para el diseño gráfico colorido e inventivo, y a finales de los años 60, el arte gráfico cubano estaba en su apogeo. Aunque todavía producían esencialmente propaganda, artistas como René Mederos , Raúl Martínez , Alfredo Rostgaard y Félix Beltrán estaban creando obras vívidas, poderosas y muy distintivas que tuvieron una influencia global en el diseño gráfico. [33] [34]
Una imagen comúnmente utilizada por los diseñadores gráficos cubanos fue "Guerillero Heroica", una fotografía del Ché Guevara tomada por Alberto Korda (n. La Habana, 1928 - f. París, 2001). La fotografía espontánea de un Guevara malhumorado y exhausto, tomada en marzo de 1960 en un servicio conmemorativo para las víctimas de la explosión de un barco de municiones en el puerto de La Habana , se convirtió en una de las imágenes más icónicas del mundo. Con el tiempo fue alterada y adaptada para todo, desde envoltorios de chicles hasta una escultura de hierro conmemorativa de 90 pies de altura en la Plaza de la Revolución de La Habana . Korda fue un popular fotógrafo de moda que se convirtió en un revolucionario devoto y compañero cercano de Fidel Castro, tomando miles de fotografías de los viajes de Castro y la transformación de Cuba. [35] [36]
Los cubanos siguieron empeñados en reforzar una identidad cubana enraizada en su propia cultura, como lo ejemplifica el trabajo del Grupo Antillano . [37] La asimilación o síntesis simultánea de los principios del arte occidental moderno y el desarrollo de las escuelas y movimientos artísticos afrocubanos crearon una nueva cultura cubana. [ cita requerida ] El arte proliferó bajo programas estatales de patrocinio y empleo durante este período posrevolucionario; los programas politizaron el contenido artístico e inspiraron confianza en el pueblo en el marco del nacionalismo reinventado de Cuba. Nelson Domínguez y Roberto Fabelo pasaron de la abstracción y el neoexpresionismo de la década de 1950 a inmortalizar al proletariado, los campesinos, los trabajadores y los soldados, mientras continuaban utilizando muchas de las técnicas que aprendieron bajo la tutela de Antonia Eiriz Vázquez. Al combinar el nacionalismo con la politización del arte, los artistas mantuvieron un nivel de libertad que continúa inspirando innovación. [ cita requerida ]
El Salón de Mayo fue una exposición de arte celebrada en La Habana en julio de 1967. Organizada por Carlos Franqui , presentó obras de más de cien artistas y representó a las escuelas rivales del arte del siglo XX: los primeros modernistas (Picasso, Miró, Magritte); la siguiente generación (Lam, Calder, Jacques Hérold, Stanley Hayter ); y la posguerra ( Asger Jorn , Antonio Saura , Jorge Soto. [38] Representó el punto culminante de la libre expresión artística en la década posterior a la revolución. [39]
En los años 1960 y 1970 se introdujo el arte conceptual , que hizo que el énfasis pasara de la artesanía a las ideas. Esto a menudo supuso la eliminación de los objetos en la producción artística; solo se enunciaban o discutían ideas. Se requería un mayor nivel de participación por parte del mecenas (participación interactiva o un conjunto de instrucciones a seguir). El arte conceptual, el minimalismo , el arte de la tierra y el arte de performance se mezclaron para ampliar la propia definición de arte. [40]
A finales de los años 70, muchos de los graduados de la escuela de artes de Cuba, la "Facultad de Artes Plásticas del Instituto Superior de Arte" (fundada en 1976), iban a trabajar como maestros de escuela, enseñando arte a jóvenes cubanos de toda la isla. Esto proporcionó una plataforma para que los graduados enseñaran a los estudiantes sobre la libertad de expresión en cuanto a medios, mensajes y estilos artísticos. Fue este nuevo nivel de experimentación y expresión lo que posibilitaría el movimiento de los años 80. [2]
En Cuba, estos nuevos desarrollos se sintetizaron naturalmente a través de la sensibilidad afrocubana y surgieron como El Nuevo Arte, un movimiento artístico ampliamente reconocido como distintivamente cubano. [ cita requerida ] Los artistas jóvenes nacidos después de la revolución se rebelaron contra el modernismo y abrazaron el arte conceptual, entre otros géneros. Muchos continuaron las tradiciones folclóricas y los motivos de la santería en sus expresiones individuales, al tiempo que infundían humor y burla en su mensaje. [32] El arte dio un salto cualitativo al crear arte internacional estructurado en puntos de vista africanos, no desde afuera como el surrealismo, sino desde adentro, vivo con las complejidades culturales y espirituales de su propia existencia.
La exposición Volumen Uno, en 1981, abrió las puertas al Nuevo Arte. Los participantes, muchos de los cuales todavía estaban en la escuela, crearon una reacción generacional típica de los artistas de la generación anterior, incluidos Alberto Jorge Carol, Nelson Domínguez y César Leal, quienes atacaron a los advenedizos. El grupo, Volumen Uno, formado por José Bedia , Lucy Lippard , Ana Mendieta , Ricardo Brey , Leandro Soto, Juan Francisco Elso , Flavio Garciandia, Gustavo Pérez Monzón, Rubin Torres Lloret, Gory (Rogelio López Marín) y Tomás Sánchez , presentó una "mezcla ecléctica fresca filtrada a través del informalismo, el pop, el minimalismo, el conceptualismo, la performance, el graffiti y el arte povera reconfigurado y reactivado... para ser crítica, ética y orgánicamente cubano". [41]
Esta era de artistas estaba dedicada a personas que estaban dispuestas a tomar riesgos en su arte y expresarse verdaderamente, en lugar de expresar cosas que apoyaran el movimiento político. Al observar el arte de la década de 1980, vemos una tendencia en el uso de la forma de Cuba como inspiración para el arte. La pieza Inmediatamente geográfica del artista Florencio Gelabert Soto es una escultura con la forma de Cuba, pero está dividida en muchos pedazos. Una interpretación podría reflejar el trato aún desigual hacia los artistas y la represión que sufrían. Un movimiento que reflejaba esta pieza artística estaba en marcha en el que la forma de Cuba se convirtió en un símbolo en la obra de arte en una fase conocida como "tokenización". Esta obra de arte a menudo combinaba la forma de la isla de Cuba con otros atributos de la nación, como la bandera. Al combinar los diversos símbolos de Cuba, los artistas proclamaban con orgullo "esto es lo que somos". Sin embargo, algunos críticos e historiadores del arte argumentarán que esto se debió en parte a la naturaleza aislada de la isla, y que el uso de la isla en las obras de arte representaba un sentimiento de estar solo; Como ocurre con todo arte, la intención del artista puede tener muchas interpretaciones. [42]
A mediados de los años 1980, otro grupo de artistas buscó una responsabilidad política más explícita para “reavivar el desorden”, “revivir la confusión”, como Aldo Menéndez incorporó en su instalación de 1988. Acompañando la instalación de Menéndez había una nota: “Como pueden ver, esta obra está casi en blanco. Sólo pude comenzarla debido a la falta de materiales. Por favor, ayúdenme”. Aquí está el humor cubano, la fotografía , “quizás la expresión cubana más por excelencia”. [41]
La risa se convirtió en el antídoto de la energía anarquista para y desde la revolución; "un momento una resaca agresiva, luego una provocación de bufón, presionando las tensiones", escribió Rachel Weiss en To and from Utopia in the New Cuban Art . [41] "La fotografía es alérgica a la autoridad y al prestigio, enemiga del orden en todas sus manifestaciones... el desencanto civil, la naturaleza interior incrédula y burlona del cubano sale a la superficie". [41] La fotografía , eliminando la exactitud, tiende a representar los límites extremos de un ejemplo. Este humor cubano sardónico se ha vuelto tan omnipresente en el arte cubano como los brillantes colores caribeños de su paleta. Eduardo Ponjuan, Glexis Novoa (del grupo ABTV), Carlos Rodríguez Cárdenas , Carlos Garaicoa , René Francisco y Enrique Silvestre [43] son ejemplos de esta sensibilidad, mezclándola con el kitsch y evocando el pasado al mismo tiempo que se identifica con las actitudes cubanas actuales, liberando el arte en vísperas del "período especial" cubano, en el que la Unión Soviética retiró su ayuda financiera.
En 1990, el gobierno cubano inició programas para estimular el turismo como una forma de compensar la pérdida del apoyo soviético. En 1992, la constitución fue enmendada [ ¿por quién? ] para permitir y proteger la propiedad extranjera, y en 1993 se permitió que el dólar circulara legalmente. En 1994 se creó un departamento a nivel de gabinete, el Ministerio de Turismo, para promover aún más el turismo, que es la mayor fuente de ingresos de Cuba. [41] La reacción inicial de los artistas, así como de la población en general, fue la de retirada; "Retirada de lo público a lo privado... de lo colectivo a lo individual... de lo épico a lo mundano... de la sátira a la metáfora... Retirada de la controversia... retirada de la confrontación". [41] Pero fue la retirada del arte conceptual al arte figurativo lo que definió el cambio en la pintura. Debido en gran medida al interés de los turistas, el arte adquirió mayor visibilidad, así como el retorno a un modo de expresión más figurativo. El arte también funcionó como espacio donde los cubanos debatieron algunos de los problemas sociales magnificados por el " Período Especial ", como lo ilustra el proyecto artístico Queloides , que aborda temas de raza y discriminación. [44]
"Cada cubano es un artista y cada hogar es una galería de arte", escribió Rachel Weiss en To and from Utopia in the New Cuban Art . [41]
“Una cuestión de suma importancia en la cultura cubana es el vínculo entre posiciones políticas y artísticas radicales…donde la cultura lleva consigo un marcado matiz social en sintonía con las circunstancias en que se produce y donde se ve obligada a construir una identidad nacional frente a los poderes coloniales y neocoloniales.” [32]
En la década de 1980, cuando se consolidaba el Nuevo Movimiento Artístico Cubano, muchos aún albergaban la esperanza de establecer la utopía tercermundista de justicia social prometida por la revolución cubana. Si bien Cuba comparte muchas características con otros países latinoamericanos, tres factores le garantizan una posición única entre los países ex colonizados de las Américas:
"Aunque la libertad de expresión es inexistente en Cuba, se puede tolerar cierta cantidad de disonancia para artistas reconocidos, en el momento y lugar adecuados, lo que básicamente significa ocasionalmente, en lugares oficialmente sancionados (y controlados), con muy poca (o ninguna) repercusión en los medios. Esto mantiene a todos alerta y crea una tensión que es útil para el Estado. Al mercado global parece gustarle el arte cubano con una pizca de irreverencia política, aunque muchas grandes obras de artistas cubanos vendidas en el extranjero no presentan un estilo o contenido cubano, caribeño o latinoamericano obvio. Los artistas cubanos a menudo son maestros del doble sentido y el distanciamiento (parodia, ironía, sarcasmo y pastiche). El régimen puede darse el lujo de parecer moderadamente abierto de mente, ya que este tipo de arte es en su mayoría intrascendente en la isla. Puede ser censurado cuando parece cruzar la línea, tal vez dejando al artista libre para presentarlo en el extranjero y exhibir algunas otras obras en casa". [45]
Además de la religión cristiana, predominantemente católica, cuatro religiones africanas siguen influyendo en la cultura que se practica en Cuba: la santería (yoruba), el palo monte (kongo), la regla arara (ewé fon) y la religión secreta, exclusiva de los hombres, la abakuá (calabar). Las religiones africanas funcionan de forma independiente y se sintetizan entre sí y con las religiones cristianas ( sincretismo ). Estas visiones únicas de la realidad forman un núcleo de prácticas, creencias y costumbres que han dado forma a una distinción cultural denominada afrocubana y conocida como la fuerza dominante en el arte cubano; una cultura transracial, "hibridada, inventiva e influyente en la construcción de la cultura [cubana] contemporánea". [46]
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