La Asociación de Arte Gutai (具体美術協会, Gutai Bijutsu Kyōkai , o, abreviado, Gutai) fue un grupo de artistas de vanguardia japonés fundado en la región de Hanshin por jóvenes artistas bajo el liderazgo del pintor Jirō Yoshihara en Ashiya , Japón , en 1954. Operó hasta poco después de la muerte de Yoshihara en 1972.
El grupo, hoy uno de los ejemplos más reconocidos internacionalmente del arte japonés del siglo XX, es más conocido por la amplia gama de formas de arte experimental que combinan la pintura con la performance, las obras conceptuales, interactivas, de sitio específico, teatrales y de instalación, que sus miembros exploraron en lugares no convencionales como parques públicos y en el escenario. El compromiso de los miembros con la relación entre el espíritu, el cuerpo humano y la materia, a menudo se concretó en métodos artísticos que involucraban el cuerpo del artista y gestos violentos.
Impulsadas por las ambiciones de Yoshihara, su alcance global y su conciencia estratégica, las exposiciones y publicaciones de Gutai llegaron a audiencias de todo el mundo, logrando lo que Yoshihara llamó un "terreno común internacional" del arte. [1] : 2, 76 Gutai intercambió y colaboró con muchos artistas, críticos de arte y curadores de Europa, Estados Unidos y Sudáfrica, entre ellos el crítico de arte francés Michel Tapié y los artistas que promovió, los marchantes de arte Martha Jackson en Nueva York y Rodolphe Stadler en París, el grupo de artistas holandés Nul, el grupo de artistas alemán Zero y artistas individuales como John Cage , Christo Coetzee , Merce Cunningham , Paul Jenkins , Ray Johnson , Isamu Noguchi y Robert Rauschenberg . Hasta la disolución del grupo en 1972 tras la muerte de Yoshihara, alrededor de 60 artistas participaron como miembros.
La recepción crítica de Gutai se vio fuertemente afectada por los cambios en el discurso artístico desde la década de 1950 hasta fines de la década de 1960, particularmente de la pintura gestual a enfoques más performativos y los llamados movimientos antiarte de la década de 1960. Si bien las obras de Gutai son reconocidas por anticipar ideas y enfoques del arte europeo y estadounidense de la década de 1960, como la performance, el happenning, el pop, el minimal, el conceptual, el ambiental y el land art, los artistas de Gutai hicieron referencia a una comprensión más amplia de la pintura encarnada en el término japonés e (imagen), que les permitió superar las convenciones de la pintura.
Gutai fue fundada en 1954 por artistas bajo el liderazgo del pintor y empresario Jirō Yoshihara, residente en Ashiya y una figura influyente en la revitalización de la vida cultural en Japón en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Yoshihara, miembro de Nika-kai, había cofundado la Asociación de Arte de la Ciudad de Ashiya en 1947, participó en el establecimiento de las Exposiciones de la Ciudad de Ashiya y fue mentor de jóvenes artistas. En 1951, cofundó el Gendai Bijutsu Kondankai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo, conocido como Genbi), un foro para el intercambio y debate interdisciplinario de las artes modernas y tradicionales de Asia oriental y Occidente, incluyendo el ikebana , la caligrafía y la cerámica . Los artistas de Genbi compartían una preferencia por el arte abstracto y tenían un fuerte alcance internacional impulsado por su compromiso continuo con artistas europeos y estadounidenses, que también se convirtió en un aspecto clave para Gutai.
A finales de 1954, Yoshihara y 16 artistas, incluidos sus alumnos (por ejemplo, Tsuruko Yamazaki y Shozo Shimamoto , sus alumnos desde 1946 y 1947 [2] : 30 ), participantes en la exposición de la ciudad de Genbi y Ashiya , decidieron crear un nuevo grupo bajo el nombre de Gutai (el nombre fue propuesto por Shimamoto) [1] : 22, nota 56 y publicar una revista con el mismo nombre. Los miembros fundadores fueron Sadami Azuma, Kei Iseya, Tamiko Ueda, Chiyū Uemae, Hiroshi Okada, Hajime Okamoto, Shōzō Shimamoto, Yoshio Sekine, Shigeru Tsujimura, Tōichirō Fujikawa, Hiroshi Funai, Masanobu Masatoshi, Tsuruko Yamazaki, Toshio Yoshida, Hideo Yoshihara, Jirō Yoshihara y su hijo Michio Yoshihara. [2] : 30 El primer número de Gutai apareció en enero de 1955.
En marzo de 1955, varios miembros fundadores mostraron pinturas todas tituladas Gutai en la 3.ª Exposición Independiente Yomiuri en el Museo de Arte Metropolitano de Tokio en marzo de 1955, pero hasta el verano de 1955, más de la mitad de ellos habían abandonado el grupo (algunos decepcionados por la prioridad que Yoshihara dio a la revista Gutai en lugar de exposiciones reales). [1] : 81 Sin embargo, el grupo tomó una dirección más fuerte y conceptual después de esta ruptura con la incorporación de nuevos miembros como Sadamasa Motonaga y los artistas de Zero-kai (Sociedad Cero) Akira Kanayama , Saburō Murakami , Kazuo Shiraga y Atsuko Tanaka .
Al elegir el término japonés gutai , que significa concreto, en oposición tanto a abstracto ( chūshō ) como a figurativo ( gushō ), [3] : 25 el grupo se distinguió del arte figurativo contemporáneo, como el surrealismo y el realismo social, así como de la abstracción geométrica formalista. El kanji utilizado para escribir 'gu' significa herramienta, medidas o una forma de hacer algo, mientras que 'tai' significa cuerpo. [4] Los enfoques artísticos individuales de muchos miembros se caracterizaron por métodos experimentales y no convencionales de aplicación de pintura, que pronto extendieron a objetos tridimensionales, performances y obras de instalación. Yoshihara instó constantemente a sus compañeros más jóvenes a "¡Crear lo que nunca se ha hecho antes!", [5] y al proponer formatos de exhibición no convencionales, estimuló la creación de obras radicalmente innovadoras que trascendieron las definiciones convencionales de géneros artísticos. Esta relación artística dinámica entre Yoshihara y sus compañeros más jóvenes a lo largo de los años engendró la "cultura de la experimentación" de Gutai. [3] : 29
En el “Manifiesto del Arte Gutai”, publicado en la edición de diciembre de la revista de arte Geijutsu shinchō en 1956, Yoshihara afirmó que el Arte Gutai aspiraba a “ir más allá de la abstracción” y “perseguir… las posibilidades de la creatividad pura”, rechazando las convenciones y los límites de los géneros. [6] Además, que el Arte Gutai imaginaba una relación dinámica entre el espíritu humano y la materia, que permitía a la materia hablar por sí misma y celebrar el proceso de daño o descomposición como una forma de revelar su vida interior: [7] : 88
“El arte Gutai da vida a la materia. El arte Gutai no distorsiona la materia. En el arte Gutai, el espíritu humano y la materia se dan la mano mientras mantienen la distancia. […] Ahora, curiosamente, encontramos una belleza contemporánea en el arte y la arquitectura del pasado devastados por el paso del tiempo o los desastres naturales. Aunque su belleza se considera decadente, puede ser que la belleza innata de la materia esté resurgiendo detrás de la máscara del embellecimiento artificial. Las ruinas nos dan la bienvenida inesperadamente con calidez y amabilidad; nos hablan a través de sus hermosas grietas y escombros, lo que podría ser una venganza de la materia que ha recuperado su vida innata. […] Creemos que al fusionar las cualidades humanas y las propiedades materiales, podemos comprender concretamente el espacio abstracto”. [6]
Subrayando la importancia de la creatividad artística para la autonomía y la libertad individuales, Yoshihara en el primer número de Gutai afirmó: “Lo que más nos importa es asegurar que el arte contemporáneo proporcione un lugar que permita a las personas que viven el presente severo ser libres. Creemos firmemente que las creaciones logradas en ese lugar libre pueden contribuir al progreso de la humanidad. […] Esperamos presentar una prueba concreta de que nuestros espíritus son libres. Nunca dejamos de buscar emociones nuevas en todo tipo de artes plásticas. Esperamos encontrar amigos en todas las artes visuales”. [8] Muchos de los artistas de Gutai, como Yoshihara, Shimamoto, Yamazaki, Yōzō Ukita, Murakami y Tanaka participaron en la educación artística, particularmente para niños pequeños. Dieron clases de arte, ayudaron con exposiciones de arte infantil como la Dōbiten (exposición de arte para niños pequeños) organizada por la Asociación de Arte de la Ciudad de Ashiya, y contribuyeron a la revista de poesía gratuita para niños Kirin , donde abogaron por el fomento de la libre expresión creativa de los niños.
Cuando se publicó en Geijutsu shinchō en diciembre de 1956, el texto del "Manifiesto de Arte Gutai" estaba enmarcado con fotografías de miembros de Gutai mostrando sus procedimientos creativos con motivo de la 2ª Exposición de Arte Gutai en Tokio en octubre de 1956, tomadas por el fotógrafo de la revista, Kiyoji Ōtsuji .
La revista del grupo Gutai sirvió como un vehículo importante para promover las obras de los miembros y conectarse con audiencias de arte de todo el mundo a través de géneros artísticos, incluidos artistas, críticos, historiadores de arte, libreros, [9] : 143–161 como Jackson Pollock , [10] Ben Friedman, George Wittenborn, Ray Johnson , Michel Tapié, Martha Jackson, Henk Peeters , Jean Clay y Allan Kaprow . [1] : 74–97 [11] Las revistas consistían en documentaciones de las obras de los miembros y los proyectos de exhibición del grupo a través de láminas, fotografías y artículos. [9] : 145 Si bien el primer número de Gutai , publicado en enero de 1955 como primer acto oficial del grupo, consistió principalmente en placas fotográficas de las obras de los miembros, a partir del segundo número (octubre de 1955), la revista adaptó un formato cuadrado y un diseño lujoso que organizaba libremente dibujos, impresiones gráficas, fotografías y textos. Los números experimentaron con diferentes calidades de papel, incluidos recortes y obras originales en papel. En total, entre 1955 y 1965, aparecieron 12 de los 14 números de Gutai , y los números 10 y 13 nunca se publicaron. [12] : 127–128 Como evidencia de las ambiciones globales de Yoshihara, los nombres de los miembros se escribieron en letras romanas y los números de Gutai incluyeron textos escritos por miembros de Gutai con traducciones al inglés y, más tarde, también al francés, [1] : 80–81 así como contribuciones de artistas y críticos del extranjero. La edición de los números 8, 9 y 10 fue supervisada por Yoshihara y Tapié. En 2010 se publicó una edición facsímil de la revista Gutai , complementada con traducciones al inglés y ensayos académicos. [13]
Gutai organizó y participó en varios proyectos experimentales de arte al aire libre, como la Exposición Experimental al Aire Libre de Arte Moderno para Desafiar el Sol de Verano en el Parque Ashiya en julio de 1955, una exposición al aire libre que estuvo abierta las veinticuatro horas del día durante dos semanas. [1] : 25–30 En esta exposición, que fue organizada oficialmente por la Asociación de Arte de la Ciudad de Ashiya, pero realizada de facto por miembros de Gutai, [7] : 43 [14] : 286 los participantes, que también incluían aficionados y niños de la escuela, tuvieron que seguir los requisitos del comité de exposición para soportar las condiciones climáticas como el sol, la lluvia y el viento, así como tener en cuenta las características del lugar de la exposición y los riesgos de daños y robo. En respuesta, crearon obras tridimensionales a gran escala hechas de materiales producidos industrialmente para uso diario, materiales de construcción y material de desecho: Sadamasa Motonaga suspendió una bolsa de vinilo llena de agua coloreada de las ramas de un árbol; Yasuo Sumi instaló una malla de alambre cubierta con pintura de esmalte; Atsuko Tanaka colocó una lámina de nailon rosa justo por encima del suelo que se ondulaba con el viento; Kazuo Shiraga construyó una estructura similar a una tienda de campaña con postes de madera, que cortó con un hacha desde el interior. Danger de Tsuruko Yamazaki consistía en una hilera de placas de hojalata con bordes afilados que colgaban de los árboles. Al interactuar con las condiciones naturales y técnicas, los participantes crearon numerosas obras experimentales, incluidas obras de arte performativas, interactivas y de instalación que exploraban la relación entre el objeto, el lugar y el espectador y que precedieron a las tendencias artísticas que surgieron en Europa y los EE. UU. en la década de 1960, como la performance, el arte específico del sitio, el arte de la tierra, el arte ambiental y el arte de instalación. [3] : 29
Las obras de la primera exposición al aire libre y de la 1.ª Exposición de Arte Gutai en el otoño de 1955 pasaron a formar parte de una sesión fotográfica para la revista LIFE . La Exposición de Arte al Aire Libre de Un Solo Día (abril de 1956) tuvo lugar en los terrenos de la Fábrica de Aceite de Yoshihara en Nishinomiya y en las ruinas de la fábrica de la empresa en Amagasaki, y presentó actuaciones de los miembros de Gutai y demostraciones escenificadas de sus procesos creativos. [15] Las fotografías nunca se publicaron en LIFE , [16] : 171 pero la sesión fotográfica es evidencia de un interés internacional temprano en Gutai, así como de la escala de la ambición del grupo.
En la Exposición de Arte Gutai al Aire Libre del verano de 1956, celebrada de nuevo en el Parque Ashiya, los participantes exploraron aún más la interactividad de sus obras con los visitantes y el entorno natural, [3] : 31 [17] : 10 incluidas obras que utilizaban los efectos de la luz eléctrica en la oscuridad, como el gran cubo de vinilo rojo de Yamazaki colgado del árbol, o la columna de Jirō Yoshihara hecha de linternas de papel, Light Art , o la obra de Michio Yoshihara en la que se instalaron bombillas eléctricas en el suelo. [5] : 696 Shōzō Shimamoto creó una pintura colgando un lienzo de quince metros de largo colgado de los árboles y disparando pintura desde un cañón; Motonaga creó una versión grande de Work (Water) suspendiendo largas láminas de vinilo con agua coloreada entre los árboles; Akira Kanayama desenrolló una lámina de vinilo de 100 m de largo, sobre la que pintó huellas por todo el parque, y Tanaka creó Stage Clothes , que consiste en formas humanoides gigantes geométricamente abstractas con bombillas eléctricas en el lado frontal que se encendían todas las noches.
Gutai continuó organizando y participando en otros proyectos al aire libre, como el Festival Internacional del Cielo en la azotea de los grandes almacenes Takashimaya en Osaka (1960), en el que se colgaron de globos reproducciones de obras de expresionistas abstractos estadounidenses e informelistas europeos, [18] la exposición Zero op Zee (Cero en el mar) planificada por el grupo holandés Nul [19] como una muestra a gran escala en el muelle de Scheveningen en La Haya en 1966 (que nunca se realizó), [20] y la escultura de jardín colectiva a gran escala de Gutai para la Expo '70 .
Adaptando la práctica de las asociaciones de arte establecidas, Gutai realizó sus propias exposiciones grupales anuales para mostrar sus obras en espacios interiores a partir de 1955. Hasta la disolución del grupo, se llevaron a cabo 21 Exposiciones de Arte Gutai en lugares como el Ohara Hall en Tokio, el Museo Municipal de Arte de Kioto y espacios de galerías de Takashimaya y los grandes almacenes Keio en Osaka y Tokio. [7] : 59–65
Las Exposiciones de Arte Gutai en el Ohara Hall de Tokio en 1955 y 1956 son particularmente conocidas por las actuaciones públicas de algunos miembros, que enfatizaban el uso del cuerpo humano interactuando con varios materiales en gestos violentos. [21] : 396–399 En la 1.ª Exposición de Arte Gutai en octubre de 1955, Kazuo Shiraga se desnudó hasta quedar en ropa interior y luchó con un montón de barro, dejando las huellas de su lucha en el material amasado ( Challenging Mud , 1955). En las salas de exposición, Saburō Murakami utilizó su cuerpo para golpear y rasgar conjuntos de grandes pantallas de papel ( 6 Holes , 1955), que permanecieron en exhibición. [1] : 11 Otras exhibiciones incluyeron pinturas, obras de papel, objetos de piedra de Motonaga y pequeñas bolsas de vinilo llenas de agua teñida en diferentes colores, el enorme globo rojo que llenaba la habitación de Kanayama, las latas de Yamazaki pintadas con pintura rosa y otras obras poco convencionales que desafiaban las nociones mismas de la pintura y el arte. [22] : 146 En la 2da Exposición de Arte Gutai (otoño de 1956), los miembros de Gutai presentaron sus procesos artísticos para la prensa y los fotógrafos. En el techo del edificio, Shimamoto rompió botellas de vidrio llenas de pintura sobre lienzos y papel colocados en el suelo, Murakami rompió y tropezó con 24 biombos de papel en Passage (1956), y Shiraga demostró su método de pintura con el pie. Además, algunas de las fotografías tomadas por el fotógrafo Kiyoji Ōtsuji en esta ocasión se utilizaron para enmarcar el “Manifiesto de Arte Gutai”, que se publicó en la revista de arte Geijutsu shinchō en diciembre de 1956.
La exposición del grupo Gutai en la galería Martha Jackson de Nueva York en el otoño de 1958, que pasó a llamarse retroactivamente 6.ª exposición de arte Gutai , fue la primera exposición del grupo fuera de Japón. La muestra fue facilitada por el crítico de arte francés Michel Tapié, quien, tras conocer el grupo Gutai a través de los pintores japoneses Hisao Dōmoto y Toshimitsu Imai en París, había viajado a Japón en el otoño de 1957 para conocer al grupo. En ese momento, Tapié estaba promoviendo el informalismo como un movimiento artístico global y asesoraba a la marchante de arte neoyorquina Martha Jackson. Yoshihara viajó a los EE. UU. para participar en los preparativos. Tapié y Yoshihara seleccionaron principalmente pinturas de estilo Informel de artistas Gutai para esta exposición, lo que, en el contexto del cambio de la escena artística de Nueva York del expresionismo abstracto hacia ..., condujo a críticas de sus obras por ser derivadas de Pollock, (Dore Ashton) Sin embargo, las redes europeas de Tapié proporcionaron a Gutai las oportunidades de exponer en espacios de arte en Turín en 1959 y 1960. Su exposición colectiva en la Galleria Arti Figurative de Turín en 1959 pasó a llamarse 7ª Exposición de Arte Gutai .
Las Exposiciones de Arte Gutai proporcionaron el principal lugar para que los miembros exhibieran sus obras, complementadas por las Exposiciones de Obras Pequeñas de Arte Gutai , las Exposiciones de Nuevos Artistas de Arte Gutai y las Exposiciones de Obras Nuevas de Arte Gutai , así como las exposiciones individuales de los miembros en la galería propia del grupo, Gutai Pinacotheca en Osaka, que se inauguró en 1962. La 21.ª Exposición de Arte Gutai en 1968 fue la última muestra. Con el creciente reconocimiento de los miembros como artistas solistas y el surgimiento de galerías de arte comerciales para arte contemporáneo en Japón, miembros como Yoshihara, Shiraga, Motonaga y Tanaka participaron cada vez más en otras importantes exposiciones colectivas de arte japonés contemporáneo en Japón y en el extranjero. Sin embargo, la Exposición de la Ciudad de Ashiya continuó proporcionando una plataforma importante para la mayoría de los miembros de Gutai a lo largo de los años.
En 1957 y 1958, Gutai presentó dos espectáculos en vivo titulados Gutai Art on the Stage que se presentaron en las salas Asahi de Osaka y Tokio. Los espectáculos consistieron en una serie de actuaciones individuales de los miembros, puestas en escena dramatúrgicamente. Durante el espectáculo de 1957, Kanayama pintó líneas rojas y negras en un globo grande, lo que dio como resultado un patrón similar a una telaraña. Este globo se infló lentamente, convirtiéndose en una pieza escultórica que giraba bajo luces de colores cambiantes. Luego, el globo se cortó y desinfló, volviendo casi a su estado original. Shimamoto golpeó bombillas eléctricas que colgaban del techo con un palo, y Murakami adaptó su método de rasgar papel a una versión escénica de golpear grandes pantallas de papel con un palo. Tanaka rasgó y despojó múltiples capas de ropa en una actuación, pero también montó su ropa de escenario gigante de la exposición al aire libre de 1956 y su vestido eléctrico de la 2.ª Exposición de Arte Gutai. Kazuo Shiraga interpretó su propia versión moderna de la danza tradicional Sanbasō del teatro tradicional Kyōgen y Noh, vistiendo un traje rojo con mangas y sombrero exageradamente largos. [5] : 697–698 Motonaga lanzó anillos de humo al interior de la sala con un aparato parecido a un cañón. El sonido y la música jugaron un papel importante en estas actuaciones, con Shimamoto, Michio Yoshihara y Motonaga experimentando libremente con sonidos eléctricos y sonidos de la vida cotidiana. [3] : 33
Con el paso de los años, Gutai participó en otras producciones teatrales además de colaborar en desfiles de moda. [3] : 31–35 En noviembre de 1962, Gutai presentó el espectáculo teatral Don't Worry, the Moon Won't Fall en el Sankei Hall de Osaka en colaboración con la compañía de danza moderna Morita de Osaka de los bailarines Masahiro y Masuyo Morita. En la primera parte, puesta en escena por Gutai, los miembros presentaron obras de su espectáculo teatral de 1957, como Balloon (1957) de Kanayama y Ultra-Modern Sanbasō (1957) de Shiraga o de otras exposiciones anteriores como Passage (1956) de Murakami. Shūji Mukai, que acababa de unirse a Gutai, realizó una actuación en la que pintó signos arcaicos sobre las caras de los participantes que metían la cabeza por agujeros en una tabla de pie mientras cantaban scat. En la Expo '70 en Osaka, Gutai organizó el espectacular espectáculo de entretenimiento Gutai Art Festival .
En 1957, el crítico de arte francés Michel Tapié conoció a Gutai a través de dos pintores japoneses afincados en París, Hisao Dōmoto y Toshimitsu Imai. Inspirado por las obras impresas en la revista Gutai , Tapié viajó ese año a Japón para conocer a Gutai y otros artistas en Japón. Tapié fue un promotor del arte abstracto gestual europeo bajo el término Informel y del expresionismo abstracto estadounidense , incluyendo obras de artistas como Jean Fautrier , Jean Dubuffet , Lucio Fontana , Giuseppe Capogrossi , Jackson Pollock, Helen Frankenthaler y Robert Motherwell . Para Tapié, Gutai, con su innovador y dinámico enfoque gestual y material de la pintura, era el socio ideal para demostrar la relevancia global del Informel. La colaboración de Gutai con Tapié dio como resultado publicaciones y exposiciones que Yoshihara y Tapié supervisaron y curaron conjuntamente, como la revista Gutai n.º 1957. 8 (1958) y la exposición Arte internacional de una nueva era: Informel y Gutai , que tuvo lugar en los grandes almacenes Takashimaya de Osaka en abril de 1958 y posteriormente viajó a Nagasaki, Hiroshima, Kioto y Tokio. Con motivo de la 9.ª Exposición de Arte Gutai en los grandes almacenes Takashimaya de Osaka en abril de 1960, Gutai montó el Festival Internacional del Cielo en la azotea del edificio, "exponiendo" obras de 30 artistas estadounidenses, europeos y japoneses que fueron copiadas en pancartas por los miembros de Gutai y elevadas al aire por globos publicitarios.
Gracias al apoyo de Tapié y a su extensa red de artistas, coleccionistas y galerías de todo el mundo, las obras de los miembros de Gutai se exhibieron en numerosas exposiciones grupales e individuales en ciudades de los EE. UU. y Europa, incluida la Martha Jackson Gallery en Nueva York, la Galerie Stadler en París, en la que Tapié sirvió como asesor, y espacios de arte en Turín. [1] : 98–119 Los miembros de Gutai como Shiraga, Tanaka y Motonaga firmaron contratos con Tapié o los comerciantes de arte para entregar obras de manera regular. La Exposición del Grupo Gutai en la Martha Jackson Gallery de Nueva York en el otoño de 1958, rebautizada retroactivamente como la 6.ª Exposición de Arte Gutai , [14] : 289 fue la primera exposición del grupo fuera de Japón. Tapié y Yoshihara seleccionaron principalmente pinturas de estilo informal para esta exposición, que fueron criticadas por los críticos de arte estadounidenses por derivarse del arte expresionista abstracto. [1] : 105–113 Reconociendo los riesgos de esta recepción desfavorable, Yoshihara comenzó a distinguir a Gutai del Informel de Tapié. Por ejemplo, en su ensayo publicado en la revista Notizie editada por el Circolo degli Artisti de Turín en 1959, presentó la amplia gama de producción artística del grupo y destacó su capacidad innovadora sin precedentes. [1] : 116–117
Sin embargo, la distribución del conocimiento sobre Gutai, facilitada por Tapié mediante estas exposiciones y publicaciones, proporcionó la base para el reconocimiento de Gutai en círculos de arte de vanguardia y experimental, como por ejemplo por parte del grupo de artistas alemán Nul y el grupo de artistas holandés Zero, [23] o por el artista de performance estadounidense Allan Kaprow.
En 1962, el espacio artístico propio de Gutai, Gutai Pinacotheca, abrió en el banco de arena de Nakanoshima en el centro de Osaka . Consistía en tres viejos almacenes propiedad de Yoshihara, que se habían convertido en un espacio de galería moderno y de moda. Con un espacio de exposición de aprox. 370 m2, [7] : 119 la Gutai Pinacotheca se convirtió en el lugar principal para las exposiciones grupales más pequeñas de Gutai y las exposiciones individuales de los miembros, así como de artistas europeos y estadounidenses como Lucio Fontana, Giuseppe Capogrossi y Sam Francis. La Gutai Pinacotheca se convirtió en un lugar de referencia para artistas, críticos de arte y curadores extranjeros que visitaban Japón, como Lawrence Alloway, John Cage, Merce Cunningham, Francis, Clement Greenberg, Peggy Guggenheim, Jasper Johns, Paul Jenkins, Billy Klüver, Isamu Noguchi, Robert Rauschenberg, Pierre Restany, Jean Tinguely. [7] : 122 [3] : 37 Por lo tanto, la apertura de la Pinacoteca Gutai marcó el establecimiento del grupo dentro del mundo del arte globalizado. [1] : 122–127 La Pinacoteca se cerró en abril de 1970 debido a un proyecto de planificación urbana. [7] : 152 [1] : 168? Los planes de Yoshihara para una nueva Pinacoteca no se hicieron realidad, a excepción de un espacio de arte de corta duración llamado Mini Pinacotheca, que abrió en 1971. [24] [7] : 152–153
Los artistas Gutai utilizaban nengajo, o postales de Año Nuevo, para su arte postal. Los nengajo eran más que simples tarjetas de felicitación. Tienen un significado tradicional de larga data y sirven como una interacción social ritualista, lo que refleja el objetivo Gutai de dar espíritu a lo típicamente inanimado. [ cita requerida ] Motonaga Sadamasa envió lo que se cree que es el primer nengajõ Gutai a Tsuruko Yamazaki en 1956. La tarjeta mostraba pigmentos verdes, azules, rojos, amarillos y negros, que luego se difuminaban para animar las marcas. El envío impartió vida a las pinturas y también amplió los límites de la pintura en lo que respecta al tiempo y el espacio. También amplió los límites de los espacios de exhibición, que era otro objetivo del grupo Gutai. Como afirmó Dick Higgins , "Hay dos formas de introducir el tiempo en una pieza: convertirla en una actuación o permitir que se revele lentamente, a través del correo". [1]
En la 11.ª Exposición de Arte Gutai, los visitantes podían pagar diez yenes en una caja de tarjetas Gutai para recibir un nengajo de uno de los miembros de Gutai que se encontraban dentro de la caja. Esto se consideraba una actuación, no consumismo, y el dinero se destinaba a una organización benéfica para niños, lo que fomentaba la idea del nengajo como regalo. [1] : 54–61
Habiendo visto fotografías de las obras al aire libre y escénicas de Gutai en el libro de Tapié Continuité et avant-garde au Japon (1961), el artista holandés Henk Peeters invitó a Gutai a participar en la exposición NUL 1965 en el Stedelijk Museum de Ámsterdam en 1965, que tenía como objetivo mostrar una nueva tendencia global hacia la integración de la tecnología, la cinética, los elementos naturales y la luz eléctrica en el arte. [23] : 19–23 [1] : 127–128 A diferencia de Tapié, Peeters solo estaba interesado en las primeras obras de instalación tridimensionales de Gutai de entre 1955 y 1957, como los 6 agujeros de Murakami , las latas pintadas de Yamazaki, el globo de Kanayama o el objeto de madera para caminar de Shimamoto, que fueron reproducidos en el lugar por y bajo la supervisión de Yoshihara y su hijo Michio. [25] : 256–258 Las pinturas gestuales sobre lienzo más recientes que Yoshihara había traído consigo no se exhibieron. [23] : 21 La muestra NUL de 1965 marcó un punto de inflexión hacia el reconocimiento de Gutai como pionero de las tendencias artísticas globales de la década de 1960, distinto y con un origen anterior al de otros artistas participantes, ya que Yoshihara, por ejemplo, se aseguró de que las primeras fechas de producción de las obras de Gutai se establecieran claramente. [1] : 128
Con la apertura de la Pinacoteca Gutai, el cambio de los discursos artísticos globales hacia enfoques experimentales, la expansión de las colaboraciones de Gutai y el creciente reconocimiento crítico de los miembros como figuras del arte contemporáneo (japonés), Gutai se convirtió en una institución hasta mediados de la década de 1960. Para estimular y rejuvenecer el grupo, Yoshihara reclutó activamente a artistas emergentes más jóvenes de la región Hanshin como los llamados miembros de segunda y tercera generación de Gutai. Artistas como Sadaharu Horio, Norio Imai, Kumiko Imanaka, Tsuyoshi Maekawa, Takesada Matsutani, Shūji Mukai, Yūko Nasaka, Minoru Onoda y Minoru Yoshida aportaron nuevos enfoques, mientras que en esa época muchos miembros de la primera generación de Gutai, como Yoshihara Motonaga, Shiraga y Yamazaki, adoptaron nuevos métodos, materiales y estilos de pintura, pasando de su anterior abstracción gestual a lenguajes visuales más simplificados que resonaban con la pintura de bordes duros, el pop y el arte óptico.
En la Expo '70 , que tuvo lugar en Osaka del 15 de marzo al 13 de septiembre de 1970, las obras de los miembros de Gutai se incluyeron en la exposición de arte principal, pero también se realizó una exposición grupal especial de Gutai con obras de técnica mixta inspiradas en la tecnología y el futuro en la entrada del Midori Hall. El grupo también contribuyó con una obra de instalación al aire libre colaborativa Garden on Garden . Además, durante tres días consecutivos durante la exposición, el grupo presentó la "extravagancia" Gutai Art Festival: Drama of Man and Matter en la Festival Plaza, un espectáculo compuesto por una secuencia de actuaciones individuales que incluían hombres flotando en globos gigantes, perros de juguete controlados a distancia y hombres en camiones de bomberos que hacían burbujas. [26] : 232 [1] : 164
Como grupo grande de muchos artistas con enfoques individuales, los cambios y tensiones dentro del grupo fueron un factor constante. Además, frente al desarrollo de las carreras en solitario de miembros individuales como Shiraga, Tanaka y Motonaga alrededor de 1960, Yoshihara, logró mantener unido al grupo reclutando y trayendo constantemente miembros nuevos y más jóvenes. Más de la mitad de los miembros fundadores habían renunciado en los primeros meses de 1955, y los miembros de la primera generación, Tanaka y Kanayama a mediados de la década de 1960, y Murakami y Motonaga alrededor de 1970, comenzaron a separarse de Gutai, pero mantuvieron su membresía. En febrero de 1972, Yoshihara murió mientras preparaba la participación de Gutai en el festival de jardines Floriade en Ámsterdam. [7] : 152–153 Posteriormente, los miembros del grupo decidieron por unanimidad terminar con Gutai y anunciaron públicamente la disolución en marzo de 1972. [7] : 153
La evaluación histórica del arte de Gutai se vio fuertemente afectada por los cambios en los discursos artísticos globales sobre el modernismo y la vanguardia, desde la pintura gestual abstracta de la década de 1950 hasta los enfoques experimentales, performativos y conceptuales de la década de 1960.
Al principio, los métodos creativos experimentales de los artistas de Gutai, que a menudo eran violentos pero lúdicos, no fueron valorados por la crítica de arte convencional, sino que se los informó como acrobacias espectaculares. [1] En 1957, la posición de Gutai dentro del mundo del arte japonés mejoró, cuando los artistas y críticos de arte europeos y estadounidenses, que habían aprendido sobre Gutai a través de intermediarios, la revista Gutai y artículos en periódicos importantes como The New York Times , comenzaron a manifestar su interés en el grupo. Además, el lenguaje visual gestual dinámico de los miembros de Gutai resonó con una exageración por el arte informal en Japón a mediados de la década de 1950. Sin embargo, esta asociación fracasó cuando el expresionismo abstracto, el arte informal y Tapié fueron atacados por estar obsoletos con el auge de la performance posterior a la pintura, los happennings y el arte de instalación. Yoshihara, consciente de los cambios en el discurso artístico global, logró alinear a su grupo con nuevos aliados artísticos como Nul y Zero a principios de la década de 1960. A mediados de la década de 1960, Gutai, que ya contaba con su propio espacio de exposiciones, la Pinacotheca, se había establecido como un elemento fijo del mundo del arte japonés, como un grupo de pintores y artistas de performance, particularmente después de que Allan Kaprow en su publicación seminal Assemblage, Environments, and Happenings (1966) enmarcara las primeras obras performativas del grupo como "prototipos" de acontecimientos.
En sintonía con estos intercambios artísticos, la evaluación histórica del arte de Gutai tras la disolución del grupo ha oscilado a menudo entre una interpretación de las obras de Gutai como pinturas o como performances. Sin embargo, desde mediados de los años 1990, los estudios han arrojado luz sobre el concepto de e (picturing), que permitió a los artistas de Gutai superar las estrechas convenciones artísticas euroamericanas y los conceptos de género artístico.
La primera aparición estadounidense de Gutai en la Martha Jackson Gallery en 1958 [27] enfrentó muchas acusaciones de los críticos que exclamaban que el arte imitaba a Jackson Pollock . Sin embargo, el arte de Gutai no copió de Pollock sino que tomó la inspiración que necesitaba para poder abordar el tema de la libertad después de la guerra mundial en Japón. [27] : 25–27 Yoshihara elogió a Pollock como el pintor estadounidense vivo más grande y admiró su originalidad pura e interpretación concreta de la libertad. Yoshihara compartía con Pollock el deseo de encarnar la naturaleza en lugar de crear arte figurativo. Yoshihara aceptó estar en el mismo reino estético que Pollock, sin embargo, se esforzó agresivamente por crear un estilo distintivo. Propenso a la suposición de que los artistas japoneses siguen a los artistas occidentales, Yoshihara insistió en que los artistas de Gutai crearan un estilo extremadamente distinguido. Una cosa que Yoshihara hizo para tratar de evitar acusaciones derivadas fue hacer que sus alumnos estudiaran en su biblioteca para aprender sobre temas contemporáneos para que su trabajo pudiera competir con el arte del centro. [28] : 47–54 Las obras Gutai realizadas a partir de procesos corporales encontraron inspiración en las pinturas de goteo de Jackson Pollock, pero ampliaron drásticamente estos conceptos.
A primera vista, las primeras pinturas de Gutai pueden parecer las pinturas de goteo de Jackson Pollock, sin embargo, su enfoque y métodos eran radicalmente diferentes. Si uno compara el Número 7 de Jackson Pollock con el trabajo de Sumi Yasuo, el de Pollock es deliberado y se compone dentro de límites rectilíneos. Mientras que Yasuo trabajaba "volviéndose imprudentemente salvaje" y salpicando pintura. [27] Gutai también fue llamado dadaísta, a lo que Yoshihara se refirió en el manifiesto: "A veces, a primera vista, se nos compara y se nos confunde con el dadaísmo, y nosotros mismos reconocemos plenamente los logros del dadaísmo. Pero pensamos de manera diferente, en contraste con el dadaísmo, nuestro trabajo es el resultado de investigar las posibilidades de dar vida al material". [27] : 19 El especialista en Gutai Fergus McCaffrey dijo: "Shiraga y otros miembros de la Asociación de Arte Gutai vieron su trabajo descartado como derivado del expresionismo abstracto de segunda generación cuando lo expusieron en la galería Martha Jackson en Nueva York en 1958, y solo recientemente hemos podido librarnos de ese terrible malentendido". [29] Jiro Yoshihara buscó crear un género que estuviera más allá de la clasificación en busca de una verdadera originalidad a pesar de estas acusaciones anteriores. [28] : 45–46
En 2013, las obras de arte del grupo Gutai fueron clasificadas colectivamente por Dale Eisinger de Complex como la quinta obra de arte de performance más importante, y el escritor argumentó: "Jiro mantuvo correspondencia con el artista estadounidense de Happenings Allan Kaprow, lo que dio como resultado un arte multimedia atractivo que intercambiaba ideas a través de un diálogo Este-Oeste de una manera nunca antes realizada". [30]
Gutai tenía un mensaje político muy importante. Intentaron hacer lo que no se había hecho antes en la historia de Japón. En la década de 1950, el arte japonés moderno estaba dominado por el tema del realismo social. Durante ese tiempo, la abstracción refinada (en particular, Nihonga de posguerra ) se exportó a exposiciones extranjeras como arte japonés que es representativo de su expresión artística. Un creciente deseo de escapar de esta monotonía era evidente. Jiro Yoshihara realmente empujó a los jóvenes miembros de Gutai a escapar de esta opresión artística/política, buscar la individualidad y resistir la opresión. Esta definición de libertad se encuentra ineludiblemente en el modelo idealista basado en derechos que requiere un escape de la opresión política. [31] Yoshihara no implicó ni anunció directamente una agenda política para Gutai. La historiadora de arte Alexandra Munroe y el curador Paul Schimmel leyeron el arte Gutai como una respuesta a la situación política prevaleciente en Japón a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. Munroe, por ejemplo, especuló que se dedicaron a sus acciones para acelerar la introducción de la democracia al estilo estadounidense en Japón. [32] Su deliberada ambigüedad en la pintura liberó a los artistas de la tiranía que propugna un tipo de actitud y, por lo tanto, un escape hacia la "libertad".
El trabajo del grupo Gutai se puede dividir en dos fases separadas, la primera duró desde 1954 hasta 1961, y la segunda comenzó en 1962 y duró hasta la disolución de Gutai en 1972. [33] La primera fase de Gutai y la intención original al formarse fue crear obras en nuevos medios y expandir la pintura para que se volviera más performativa. [34] Los artistas de esta fase de Gutai se centraron en la estética de la destrucción como una forma de arte para responder al Japón de posguerra. Los artistas mezclaron artista y material para el alivio psicológico al romper botellas llenas de pintura contra el lienzo o perforar agujeros en biombos de papel japoneses para ejemplificar la ruptura y la fragmentación y su deseo de transformación. [35] La segunda fase de las obras de Gutai, que comenzó en 1962, respondía al cambio cultural que estaba ocurriendo en Japón como resultado del rápido crecimiento de la población y los avances tecnológicos. [34]
