Jirō Yoshihara (吉原 治良, Yoshihara Jirō , 1 de enero de 1905 - 10 de febrero de 1972) fue un pintor, educador artístico, curador y hombre de negocios japonés.
Principalmente conocido por sus pinturas gestuales abstractas de empastes de la década de 1950 y sus círculos de bordes duros inspirados en la pintura zen a partir de la década de 1960, la obra de Yoshihara también abarca dibujos, murales, esculturas, caligrafía, pinturas con tinta china, cerámicas, acuarelas y diseño escénico.
Yoshihara fue una figura clave del arte y la cultura japoneses de posguerra a través de su trabajo como pintor, educador de arte, promotor de las artes y creador de redes entre las artes, el comercio y la industria en la región de Kansai y más allá, y, especialmente, como líder del colectivo de arte de vanguardia de posguerra Gutai Art Association , que cofundó en 1954. Bajo la guía de Yoshihara, Gutai exploró enfoques radicalmente experimentales, incluidas exposiciones al aire libre, performances, presentaciones en el escenario y obras interactivas. Impulsado por las ambiciones globales de Yoshihara, Gutai desarrolló estrategias artísticas para comunicarse internacionalmente e insertarse en un mundo del arte globalizado.
Además de sus actividades artísticas, Yoshihara participó en la gestión y dirección del negocio de aceite de cocina de su familia, Yoshihara Oil Mill, Ltd.
Nacido en Osaka en 1905 como segundo hijo de un mayorista de aceite vegetal, Yoshihara creció en un ambiente cosmopolita, rico y refinado. [1] (Después de la muerte de su hermano mayor en 1914, se convirtió en el futuro heredero del negocio familiar. [2]
Yoshihara mostró talento artístico e interés por la pintura desde niño, adquiriendo su habilidad en la pintura al óleo de forma autodidacta. Quedó profundamente impresionado por el idealismo humanista del movimiento literario de Shirakabaha (Sociedad del Abedul Blanco), que también promovía a artistas postimpresionistas como Cézanne, Van Gogh y Renoir. [3] [4] [5] Yoshihara asistió a la Escuela Secundaria Kitano en Osaka y estudió comercio en la facultad de negocios de la Universidad Kwansei Gakuin . [2] [6] [7]
Después de contraer tuberculosis en 1925, Yoshihara se mudó a Ashiya y conoció a artistas de Ashiya, como el pintor establecido Jirō Kamiyama, quien le enseñó sobre la cultura y el arte europeos, [8] y Saburō Hasegawa , quien se convirtió en amigo y compañero de armas en la promoción del arte abstracto. [9] Yoshihara recordó más tarde que Kamiyama le había dicho que "la originalidad y la personalidad son las cosas más importantes". [10]
Yoshihara participó en las exposiciones del grupo de pintores Sōenkai (Grupo de jardín de hierba) y en 1926 se convirtió en miembro del club de pintura Gengetsukai (Grupo de luna creciente) de la Universidad Kwansei Gakuin. Su primera exposición individual de pinturas al óleo tuvo lugar en 1928.
En 1928, Yoshihara conoció a los pintores Seiji Tōgō y Tsuguharu Fujita en 1929, durante sus escalas en Kobe, tras su regreso de sus estancias de un año en Europa. [11] [12] La observación de Fujita de que las obras de Yoshihara mostraban demasiada influencia de otros artistas le dejó un impacto duradero, impulsándolo a buscar la originalidad. Reconociendo el talento de Yoshihara, Fujita lo animó a estudiar pintura en París, pero Yoshihara finalmente abandonó este plan ante la objeción de su padre. [13] [14] En 1929, Yoshihara se casó con Chiyo Okuda, con quien tuvo cuatro hijos. [15] Ese mismo año, Yoshihara abandonó el curso de posgrado de la Universidad Kwansei Gakuin y se unió al negocio familiar. Yoshihara trabajó como auditor, luego como director de la junta a partir de 1941, y en 1955 se convirtió en presidente de Yoshihara Oil Mill, Ltd. [7]
En la década de 1920, Yoshihara creó pinturas, entre ellas naturalezas muertas, que fusionaban las influencias del posimpresionismo francés y la pintura al óleo moderna japonesa temprana. [16] A principios de la década de 1930 adoptó un estilo que reflejaba el de Giorgio de Chirico . A partir de 1934, Yoshihara mostró obras en las exposiciones de Nika-kai (Sociedad de la Segunda Sección, comúnmente conocida como Nika).
Alrededor de 1936, Yoshihara comenzó a experimentar con el lenguaje visual de la abstracción orgánica y geométrica, inspirado por artistas abstractos europeos y británicos. [17] En 1938, junto con otros miembros de vanguardia de Nika que perseguían la abstracción y el surrealismo, Yoshihara fundó la Kyūshitsukai (Sociedad de la Sala Nueve), que organizaba sus propias exposiciones. [18] [19] Tras la intensificación de los esfuerzos bélicos del gobierno japonés en Asia a finales de la década de 1930 y sus medidas de opresión anticomunistas y antiliberales, que también afectaron a los artistas, la Kyūshitsukai cesó todas sus actividades en 1943. [20] En 1944, Yoshihara, que se salvó del servicio militar debido a una recurrencia de tuberculosis, fue evacuado a Ōzōchō, prefectura de Hyōgo. [21]
Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Yoshihara se dedicó de inmediato a reconstruir la escena artística y la vida cultural en la región de Kansai y más allá. Además, desde alrededor de 1946 Yoshihara diseñó carteles, productos, escaparates y murales, así como escenografías para operetas, danza, conciertos al aire libre, teatro y desfiles de moda. [22]
Yoshihara participó activamente en la reconstrucción de Nika en 1945. Asistió a las reuniones del Tensekikai (Grupo de los Rolling Stones) dirigido por el filósofo Tsutomu Ijima, cofundó grupos de artistas como el Han-bijutsu Kyōkai (Asociación Pan-Arte), el Nihon Avangyarudo Bijutsuka Kurabu (Club de Artistas de Vanguardia de Japón) en 1947, la Asociación de Arte de la Ciudad de Ashiya en 1948 (un grupo paraguas local que organizó su propio salón local, la Exposición de la Ciudad de Ashiya), y el Nihon Absutorakuto Āto Kurabu (Club de Arte Abstracto de Japón) y Āto Kurabu (Club de Arte) en 1953.
También participó en actividades educativas, asesorando a jóvenes artistas en su casa o, de 1949 a 1958, en el Osaka Shiritsu Bijutsu Kenkyūjo (Instituto de Investigación de Arte de Osaka, una escuela de arte afiliada al Museo Municipal de Arte). Como miembro establecido del mundo del arte, sirvió como jurado en exposiciones de arte para niños y estudiantes, como Dōbiten (Exposición de Arte Infantil, originalmente Jidō sōsaku bitsuten Exposición de Arte Creativo Infantil) y Bi'ikuten (Exposición de Educación Artística), y colaboró con la revista de poesía infantil Kirin (Jirafa). [23] [24]
Junto con artistas como Shigeru Ueki, Kokuta Suda y Makoto Nakamura, en 1952 Yoshihara fundó Gendai Bijutsu Kondankai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo, comúnmente conocido como Genbi), un foro interdisciplinario para artistas, críticos, académicos y expertos con base en Kansai para participar en sesiones de discusión temática interdisciplinarias y exposiciones conjuntas. Entre los participantes había pintores, escultores, diseñadores industriales, de productos y de moda, fotógrafos y, en particular, artistas de vanguardia de las artes tradicionales, como la caligrafía, la cerámica y el ikebana, que abarcaban a miembros de Bokujinkai (Sociedad de la Gente de la Tinta), Sōdeisha (Asociación de Barro Corriente), Shikōkai (Grupo de los Cuatro Labradores) y las escuelas de ikebana Ohara , Sōgetsu y Mishō . [25] Compartían una fuerte aspiración global y un entusiasmo por el arte abstracto moderno. Además, Yoshihara participó en mesas redondas de Bokujinkai y la escuela Ohara, contribuyó con textos e ilustraciones para sus publicaciones (incluida Bokubi ) y se benefició de los intercambios artísticos que organizaron con pintores abstractos europeos y estadounidenses como Pierre Soulages, Jackson Pollock y otros. [26]
En 1954 Yoshihara cofundó la Gutai Bijutsu Kyōkai (Asociación de Arte Gutai) con algunos de sus estudiantes y jóvenes participantes de Genbi (Masatoshi Masanobu, Shōzō Shimamoto , Chiyū Uemae, Tsuruko Yamazaki , Toshio Yoshida, su hijo Michio Yoshihara y Hideo Yoshihara). La fundación de Gutai coincidió con el nombramiento de Yoshihara como director gerente de la empresa Yoshihara Oil Mill tras la muerte de su padre en diciembre de 1954. La revista homónima de Gutai, que se publicó por primera vez en enero de 1955, documentó las actividades del grupo en 14 números hasta 1965, reviviendo su aspiración con la publicación de Kyūshitsukai y emulando la estrategia de Bokujinkai de establecer redes internacionales a través de su revista. [26] Durante los meses siguientes, el grupo experimentó cambios sustanciales. Más de la mitad de los miembros fundadores se marcharon, algunos frustrados por la priorización de Yoshihara de la revista sobre las exposiciones reales. [27] Sin embargo, Gutai también ganó nuevos miembros en respuesta a la invitación de Yoshihara: incluían a Akira Kanayama , Saburō Murakami , Atsuko Tanaka y Kazuo Shiraga , que pertenecían a un pequeño grupo de artistas llamado Zerokai (Sociedad Cero) y también estaban afiliados a Shinseisaku Kyōkai (Asociación de Nuevas Creaciones). Yoshihara y el grupo también reclutaron a Sadamasa Motonaga , Yasuo Sumi y Yōzō Ukita, quienes también se unieron más tarde en 1955.
Durante los siguientes 18 años, Gutai organizó de manera semirregular Exposiciones de Arte Gutai y otras exhibiciones de arte bajo el liderazgo de Yoshihara, incluyendo formatos no convencionales de exhibiciones al aire libre y presentaciones en el escenario. Adaptándose a estos formatos no convencionales, los miembros de Gutai, incluido el propio Yoshihara, exploraron métodos radicalmente experimentales de producción y presentación, involucrando elementos performativos, efímeros e interactivos. Para las exhibiciones al aire libre y presentaciones en el escenario de Gutai, Yoshihara contribuyó con varias obras interactivas e instalaciones. Aunque el grupo se basaba en una estructura igualitaria, Yoshihara era su líder y portavoz de facto: escribió el “Manifiesto de Arte Gutai” del grupo en 1956 en respuesta al revuelo por la pintura informal en Japón [28] —y tomó decisiones finales sobre sus proyectos, las obras que se incluirían en las exhibiciones de Gutai y cómo se presentarían. [29] En sus enseñanzas, Yoshihara hacía referencia a fuentes de su extensa biblioteca de alrededor de 6.500 publicaciones relacionadas con el arte [30] que había recopilado a lo largo de los años y que incluía numerosos catálogos y revistas de arte en idiomas extranjeros. Sin embargo, aunque sus juicios se basaban en su profundo y extenso conocimiento teórico sobre el arte, al tiempo que evitaba enfoques excesivamente intelectuales y explicativos sobre el arte, la orientación de Yoshihara a menudo consistía simplemente en un "sí" o "no" cuando se le presentaban obras. [31] También instaba a sus miembros a nunca imitar a otros artistas y a siempre "crear lo que nunca se ha hecho antes". [32] [33] [34]
La ambición global de Yoshihara tomó una forma más concreta cuando Gutai comenzó su colaboración internacional con el crítico de arte francés Michel Tapié , el promotor de la pintura informal europea. En 1958, Yoshihara viajó a Nueva York para presentar una exposición de Gutai asesorada por Tapié en la Martha Jackson Gallery , y posteriormente visitó Europa. Siguieron otras colaboraciones internacionales de Gutai, como exposiciones en galerías y espacios de arte en París y Turín. Una nueva fase de Gutai comenzó en 1962 cuando el espacio de exhibición propio del grupo, Gutai Pinacotheca, abrió en almacenes propiedad de la familia Yoshihara en la isla Nakanoshima en el corazón de Osaka. [35] La Pinacotheca se convirtió en un lugar de visita obligada para artistas, críticos de arte y curadores de todo el mundo. En esta época, Yoshihara comenzó a reorientar Gutai en parte para liberar a Gutai del control del informalismo participando en nuevas colaboraciones y reclutando activamente nuevos miembros más jóvenes para traer nuevos enfoques artísticos. [36] En 1965, Gutai fue invitado a participar en NUL 1965, una exposición en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, a la que Yoshihara viajó con su hijo Michio.
Yoshihara había sido reconocido como uno de los pintores japoneses más influyentes de principios de la década de 1950, y muchas de sus obras, tanto de principios del período de posguerra como de su período Gutai, se incluyeron en importantes exposiciones de arte contemporáneo nacionales e internacionales. Por ejemplo, en 1952, sus obras fueron seleccionadas para el Salón de Mayo de París, la Exposición Internacional de Pintura y Escultura Contemporánea de Pittsburgh en el Museo Carnegie. Recibió el Premio Cultural de la Prefectura de Osaka en 1951. Las pinturas de Yoshihara se exhibieron posteriormente en la Nihon Kokusai Bijutsuten ( Exposición Internacional de Arte de Japón ) desde 1952, Nichibei Chūshō Bijutsuten ( Exposición de Arte Abstracto: Japón y EE. UU. ) en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio en 1955, las Exposiciones Internacionales de Pintura y Escultura Contemporánea de Pittsburgh en el Instituto Carnegie en 1958 y 1961, y Japanische Malerei der Gegenwart que viajó por las ciudades alemanas de Berlín, Essen y Frankfurt en 1961. Fue galardonado con el Premio Cultural de la Prefectura de Hyogo en 1963. Sin embargo, la presión de producir obras de arte nuevas y originales aumentó y se complicó por la falta de tiempo de Yoshihara debido a su trabajo para el negocio de su familia, así como por el éxito crítico y comercial de los miembros de Gutai de primera generación y la libertad de los miembros más jóvenes. [37]
Su serie Circle , que desarrolló a partir de 1962, le valió un renovado reconocimiento nacional e internacional, con exposiciones continuas que incluyeron la exposición Contemporary Japanese Painting & Sculpture que viajó por varias ciudades de los EE. UU. en 1963, el Premio Internacional Guggenheim en 1964, la exposición Contemporary Japanese Art en la Corcoran Gallery en Washington en 1964, la muestra The New Japanese Painting and Sculpture en el Museo de Arte de San Francisco y otros lugares en 1965, los Japan Art Festivals de 1966 a 1968, y fueron galardonados con la medalla de oro en la 2da Trienal de Arte Mundial de la India en 1971.
Yoshihara murió en Ashiya el 10 de febrero de 1972, debido a una hemorragia subaracnoidea. [7] Después de su muerte, Gutai se disolvió en marzo de 1972. Yoshihara recibió póstumamente la Orden del Sol Naciente, Rayos Dorados con Roseta. [7]
Las pinturas de Yoshihara de la década de 1920 y principios de la de 1930 consistieron en naturalezas muertas inspiradas en naturalezas muertas y paisajes barrocos europeos, pintura postimpresionista y pintores al óleo japoneses como Yuichi Takahashi. [16] Alrededor de 1930, sus pinturas, que a menudo representaban motivos marítimos, adoptaron un lenguaje visual que se hacía eco de las pinturas metafísicas de Giorgio De Chirico. En los años siguientes, Yoshihara desarrolló un estilo surrealista, pintando paisajes desintegrados y distorsionados, que prefiguraban su transición a la abstracción.
Alrededor de 1934, Yoshihara comenzó a crear pinturas abstractas orgánicamente geométricas (disposiciones de campos rectangulares que contienen formas biomórficas) y experimentó con técnicas como el collage y el montaje. Las obras de Yoshihara de la segunda mitad de la década de 1930 muestran una amplia gama de estilos. Algunas de sus pinturas abstractas producidas entre 1936 y 1938 se referían estilísticamente a obras de artistas abstractos europeos y británicos como Hans Erni , Naum Gabo , Jean Hélion , Arthur Jackson, Fernand Léger y Ben Nicholson de la década de 1930, que Yoshihara podría haber visto en publicaciones europeas. [38] También hizo collages surrealistas. Las obras que mostró en las exposiciones de Kyūshitsukai consistieron en lienzos abstractos cubiertos con capas de pintura al óleo untada y extendida, en las que Yoshihara experimentó con diferentes texturas, así como con las herramientas y métodos utilizados para su aplicación, anticipándose a sus lienzos abstractos de posguerra.
A finales de la década de 1930, el gobierno japonés intensificó los esfuerzos bélicos en Asia y aumentó la presión sobre los artistas para que contribuyeran con obras patrióticas. Los artistas de vanguardia, especialmente los que practicaban el surrealismo, se vieron amenazados por estas medidas opresivas. Yoshihara, que se salvó del servicio militar y fue evacuado, luchó contra las exigencias del estado de entregar pinturas de guerra [39] y creó paisajes surrealistas y pinturas de género en forma aislada. [40]
En los años posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, Yoshihara produjo pinturas que representaban rostros y cuerpos humanos y pájaros borrosos, con el primer plano y el fondo fusionándose entre sí, muchas de las cuales estaban segmentadas por una cuadrícula rígida de líneas. Alrededor de 1948, los cuerpos y rostros humanos estaban cada vez más distorsionados y fragmentados en formas geométricas, y con la reducción de los fondos a superficies negras monocromáticas por parte de Yoshihara, parecían arcaicos.
Después de 1950, Yoshihara continuó con esta imaginería arcaica, arenosa y con forma de signo en lo que respecta a la textura de la superficie, ahora rayando las líneas de contorno de sus motivos en capas gruesas de pintura. En un paso más hacia la abstracción, Yoshihara creó pinturas con figuras geométricas arcaicas con forma de signo sobre fondos opacos monocromos, y más tarde pasó a composiciones puramente abstractas de líneas y formas planas, que se transformaban entre sí.
En su exploración de la abstracción en estos años, Yoshihara se inspiró en la expresividad del arte infantil no figurativo, la caligrafía y la pintura zen, en particular las obras del sacerdote zen del siglo XX Nakahara Nantenbō , que Yoshihara vio en el templo Kaiseiji en Nishinomiya, [41] y sus intercambios con los calígrafos de vanguardia Shiryū Morita y Yuichi Inoue a principios de la década de 1950, y artistas abstractos estadounidenses. [42] [43] El creciente interés de Yoshihara por las líneas también se ha asociado con la visita del artista a Gendai sekai bijutusten en Tokio en 1950, que incluyó obras recientes de artistas abstractos europeos como Hans Hartung y Pierre Soulages , [44] su intercambio con calígrafos y su interés en la pintura expresionista abstracta estadounidense, en particular las obras de Jackson Pollock. Cuando las pinturas de Pollock se mostraron por primera vez en Japón en su forma original en la 3.ª Exposición Independiente Yomiuri en 1951/1952, Yoshihara fue una de las primeras y pocas voces en reconocer y elogiar la novedad y originalidad de Pollock y del arte estadounidense frente a la visión dominante moldeada por los críticos de Tokio. [45] [46] Aunque inspirado por la caligrafía y Pollock, Yoshihara buscó sus propios modos de superar las limitaciones que encontró, ya fueran las restricciones del género de la caligrafía, por ejemplo, la legibilidad de los caracteres escritos, o, a través de su estudio de la obra de Pollock, los límites de la pintura sobre lienzo. [47]
Coincidiendo con los primeros años de Gutai, Yoshihara, desde 1955 hasta principios de los años 1960, un período que a menudo se describe como su fase informalista, [48] [49] intensificó su exploración de la materialidad de la pintura y creó pinturas aplicando varias capas de pintura al óleo con rastros de aplicación dinámica de pintura gestual. Estas obras surgieron de la sinergia con Gutai y sus actividades, incluidas las exposiciones experimentales de Gutai, así como la colaboración de Gutai con Michel Tapié.
Además de pintar, Yoshihara también contribuyó con obras tridimensionales interactivas e instalaciones para las exposiciones al aire libre y los espectáculos teatrales de Gutai, como Light Art (1956), que eran columnas con lámparas, Rakugakiban ( Por favor, dibuja libremente ) (1956), un tablero en el que se invitaba a los visitantes a garabatear, o Muro (Habitación) (1956), una instalación laberíntica transitable.
Alrededor de 1962, Yoshihara comenzó a trabajar en una serie de pinturas de círculos singulares sobre fondos monocromáticos, inspirados tanto en los círculos ensō de la pintura zen como en la pintura de bordes duros de la década de 1960. Quedó impresionado por la poderosa caligrafía del monje zen Nantenbō y las propias creaciones de ensō de Nantenbō , círculos que simbolizan la iluminación en el zen. Sin embargo, mientras que los ensō se pintaban de un solo trazo con tinta sobre papel, los círculos de Yoshihara se aplicaban con pintura al óleo o acrílica. Como sugiere Reiko Tomii , "Esta maniobra deliberada dio como resultado una forma que no era ni oriental ni occidental, sublimando el gesto caligráfico que tanto admiraba en Pollock y Nantebō y el minimalismo que resaltaba lo mejor de su formalismo". [50] Estas nuevas pinturas circulares finalmente resultaron en un renovado éxito para Yoshihara: la pintura fue seleccionada para el Premio Internacional Guggenheim de 1964, y por Círculo blanco sobre negro y Círculo negro sobre blanco recibió la medalla de oro en la 2.ª Trienal de Arte Mundial de la India en 1971.
A lo largo de su vida, Yoshihara se dedicó a la colaboración interdisciplinaria, más allá de sus pinturas. Desde el comienzo de su carrera artística, contribuyó con ilustraciones para revistas de poesía y libros infantiles. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, continuó creando murales, carteles, anuncios, diseños de productos, escaparates y escenografías para operetas, espectáculos de danza, piezas de teatro, conciertos y desfiles de moda en la región de Kansai. Entre estos se incluyen telones de escenario donchō , así como escenografías para la diseñadora de moda Chiyo Tanaka entre 1952 y 1954, y escenografías para el Festival Noh desde 1962 hasta su muerte. [44] [51] Yoshihara también fue un prolífico escritor y contribuyó con reseñas y artículos para periódicos y revistas de arte.
Yoshihara influyó de manera sustancial en el curso del arte japonés de posguerra, tanto como artista por derecho propio como facilitador del nuevo arte experimental. Como artista, dejó una extensa obra que se desarrolló a través de una amplia gama de fases estilísticas. Sobre la base del profundo conocimiento práctico y teórico de Yoshihara de las artes japonesas y occidentales, sus obras se relacionaron tanto con las artes tradicionales japonesas y la pintura moderna como con los desarrollos artísticos globales más actualizados y, a través de su búsqueda continua de nuevo arte, trató de superar sus límites y limitaciones.
A través de su participación en exposiciones de arte infantil y en libros y revistas infantiles, Yoshihara contribuyó a la revalorización del arte infantil en Japón en los años de posguerra y al reconocimiento/aceptación más amplio de un enfoque educativo de arte liberal que fomentaba la creatividad expresiva radicalmente libre, en oposición al enfoque de formación ampliamente extendido. [52]
Los proyectos que Yoshihara cofundó y en los que participó se convirtieron en factores importantes para la vitalización de las artes y la cultura en la región de Kansai. Genbi, por ejemplo, inspiró a los artistas establecidos y emergentes que participaron a ampliar los límites de sus artes. Otras iniciativas resultaron ser eventos duraderos e influyentes, como la Dōbiten (Exposición de arte infantil), que sigue proporcionando un lugar para el arte creativo gratuito de los niños, o Ashiyashiten ( Exposiciones de la ciudad de Ashiya ) de la Asociación de Arte de la Ciudad de Ashiya, que se convirtió en un lugar importante para generaciones de artistas de vanguardia en toda la región de Kansai.
Su logro más influyente es Gutai, que Yoshihara dirigió y mantuvo unido con su instinto artístico, habilidad organizativa y estratégica durante 18 años, y que se convirtió en un elemento fijo en la historia del arte japonés y mundial. Yoshihara identificó activamente a nuevos miembros con potencial artístico, y facilitó y alentó trabajos radicalmente experimentales de sus miembros que anticiparon los enfoques adoptados o imitados más tarde por artistas europeos y estadounidenses en los años 1960 y 1970. Impulsado por su ambición global de lograr "terreno común internacional", [53] es decir, ser reconocido internacionalmente por contemporáneos en todo el mundo, Yoshihara utilizó y alentó estrategias artísticas, comunicativas y promocionales para ayudar a Gutai a convertirse en uno de los grupos de arte japonés de posguerra más conocidos internacionalmente. Aunque criticado por su colaboración demasiado cercana con Tapié e Informel o la reticencia del grupo a las declaraciones abiertamente críticas desde el punto de vista sociopolítico, Yoshihara fue fundamental para hacer de Gutai un caso sin precedentes en la historia del arte japonés como un grupo de arte japonés que participó directa y activamente en los discursos de arte global.