Jean Marie Maurice Schérer o Maurice Henri Joseph Schérer , conocido como Éric Rohmer ( en francés: [eʁik ʁomɛʁ] ; 21 de marzo de 1920 [a] - 11 de enero de 2010), fue un director de cine, crítico de cine, periodista, novelista, guionista y profesor francés.
Rohmer fue el último de los directores de la Nouvelle Vague francesa que se consagró como tal tras la Segunda Guerra Mundial . Entre 1957 y 1963 dirigió la influyente revista cinematográfica Cahiers du cinéma , mientras la mayoría de sus colegas (entre ellos Jean-Luc Godard y François Truffaut ) hacían la transición de críticos a cineastas y ganaban atención internacional.
Rohmer ganó reconocimiento internacional alrededor de 1969 cuando su película My Night at Maud's fue nominada a los Premios de la Academia . [1] Ganó el Festival Internacional de Cine de San Sebastián con Claire's Knee en 1971 y el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por The Green Ray en 1986. Rohmer recibió el León de Oro a la Carrera del Festival de Cine de Venecia en 2001.
Después de la muerte de Rohmer en 2010, su obituario en The Daily Telegraph lo describió como "el cineasta más duradero de la Nueva Ola Francesa", que sobrevivió a sus pares y "todavía hizo películas que el público quería ver" al final de su carrera. [2]
Rohmer nació como Jean-Marie Maurice Schérer (o Maurice Henri Joseph Schérer ) [3] en Nancy (también mencionada como Tulle ), departamento de Meurthe-et-Moselle , Lorena , Francia, hijo de Mathilde (née Bucher) y Lucien Schérer. [4] Rohmer era católico . [2] [5] Era reservado sobre su vida privada y a menudo daba diferentes fechas de nacimiento a los periodistas. [6] Creó su seudónimo a partir de los nombres de dos artistas famosos: el actor y director Erich von Stroheim y el escritor Sax Rohmer , autor de la serie Fu Manchu . [7] Rohmer se educó en París y recibió un título avanzado en historia, aunque parecía igualmente interesado y erudito en literatura, filosofía y teología. [8]
Rohmer trabajó primero como profesor [9] en Clermont-Ferrand . [8] A mediados de la década de 1940 dejó su trabajo de profesor y se mudó a París, donde trabajó como periodista independiente. [7] En 1946 publicó una novela, Elisabeth (también conocida como Les Vacances ) bajo el seudónimo de Gilbert Cordier. [7] [8] Mientras vivía en París, Rohmer comenzó a asistir a proyecciones en la Cinémathèque Française de Henri Langlois , donde conoció y se hizo amigo de Jean-Luc Godard , François Truffaut , Claude Chabrol , Jacques Rivette y otros miembros de la Nouvelle Vague . Rohmer nunca había estado muy interesado en el cine, prefiriendo la literatura, pero pronto se convirtió en un intenso amante de las películas y alrededor de 1949 pasó del periodismo a la crítica cinematográfica. Escribió críticas cinematográficas para publicaciones como Révue du Cinéma , Arts , Temps Modernes y La Parisienne . [8]
En 1950, cofundó la revista de cine La Gazette du Cinéma con Rivette y Godard, pero duró poco. En 1951, Rohmer se unió al personal de la recién fundada revista de cine Cahiers du Cinéma de André Bazin , de la que se convirtió en editor en 1956. [9] [10] Allí, Rohmer se estableció como un crítico con una voz distintiva; su compañero colaborador de Cahiers y cineasta de la Nouvelle Vague francesa Luc Moullet comentó más tarde que, a diferencia de los escritos más agresivos y personales de críticos más jóvenes como Truffaut y Godard, Rohmer favorecía un estilo retórico que hacía un uso extensivo de preguntas y rara vez usaba la primera persona del singular . [11] Rohmer era conocido por ser más políticamente conservador que la mayoría del personal de Cahiers , y sus opiniones fueron muy influyentes en la dirección de la revista mientras fue editor. Rohmer publicó por primera vez artículos bajo su nombre real, pero comenzó a utilizar "Éric Rohmer" en 1955 para que su familia no descubriera que estaba involucrado en el mundo del cine, ya que lo habrían desaprobado. [8]
El artículo más conocido de Rohmer fue "Le Celluloïd et le marbre" ("El celuloide y el mármol", 1955), que analiza la relación entre el cine y otras artes. En el artículo, Rohmer escribe que en una época de autoconciencia cultural, el cine es "el último refugio de la poesía" y la única forma de arte contemporáneo de la que la metáfora todavía puede surgir de forma natural y espontánea. [8]
En 1957, Rohmer y Claude Chabrol escribieron Hitchcock (París: Éditions Universitaires, 1957), el primer estudio en forma de libro sobre Alfred Hitchcock . Se centra en el origen católico de Hitchcock y ha sido calificado como "uno de los libros de cine más influyentes desde la Segunda Guerra Mundial, que arroja nueva luz sobre un cineasta hasta entonces considerado un mero artista". [2] Hitchcock ayudó a establecer la teoría del autor como método crítico y contribuyó a la reevaluación del cine estadounidense que fue central para ese método.
En 1963, Rohmer se encontraba cada vez más en desacuerdo con algunos de los críticos de izquierda más radicales de Cahiers du Cinéma . Siguió admirando las películas estadounidenses, mientras que muchos de los otros críticos de izquierda las habían rechazado y defendían el cinéma vérité y la crítica cinematográfica marxista . Rohmer dimitió ese año y fue sucedido por Rivette. [8]
En 1950, Rohmer realizó su primer cortometraje en 16 mm, Journal d'un scélérat . La película fue protagonizada por el escritor Paul Gégauff y se realizó con una cámara prestada. En 1951, Rohmer tenía un presupuesto mayor proporcionado por amigos y filmó el cortometraje Présentation ou Charlotte et son steak . La película de 12 minutos fue coescrita y protagonizada por Jean-Luc Godard. [8] La película no se completó hasta 1961. En 1952, Rohmer comenzó a colaborar con Pierre Guilbaud en un cortometraje de una hora, Les Petites Filles modèles , pero la película nunca se terminó. En 1954, Rohmer hizo y actuó en Bérénice , un corto de 15 minutos basado en una historia de Edgar Allan Poe . En 1956, Rohmer dirigió, escribió, montó y protagonizó La sonata de Kreutzer , una película de 50 minutos producida por Godard. En 1958, Rohmer realizó Véronique et son cancre , un cortometraje de 20 minutos producido por Chabrol.
La compañía de Chabrol, AJYM, produjo el debut como director de largometrajes de Rohmer , El signo de Leo ( Le Signe du lion ) en 1959. En la película, un compositor estadounidense pasa el mes de agosto esperando su herencia mientras todos sus amigos están de vacaciones y se empobrece gradualmente. Incluía música de Louis Sagver. [8] El signo de Leo fue posteriormente reeditada y musicalizada por los distribuidores cuando Chabrol se vio obligado a vender su compañía de producción, y Rohmer renunció a la versión reeditada. [12] En 1962, Rohmer y Barbet Schroeder cofundaron la compañía de producción Les Films du Losange (a la que se unió más tarde Pierre Coltrell a fines de la década de 1960). [12] Les Films du Losange produjo todo el trabajo de Rohmer (excepto sus últimos tres largometrajes producidos por La Compagnie Eric Rohmer). [13]
La carrera de Rohmer comenzó a cobrar impulso con sus Seis cuentos morales ( Six contes moraux ). Cada una de las películas del ciclo sigue la misma historia, inspirada en Sunrise: A Song of Two Humans (1927) de F. W. Murnau : un hombre, casado o comprometido de alguna manera con una mujer, es tentado por una segunda mujer pero finalmente regresa a la primera. [14]
Para Rohmer, a los personajes de estas historias "les gusta sacar a la luz sus motivos, las razones de sus acciones, tratan de analizar, no son personas que actúan sin pensar en lo que están haciendo. Lo que importa es lo que piensan sobre su comportamiento, más que su comportamiento en sí". [15] La palabra francesa "moraliste" no se traduce directamente al inglés "moralist" y tiene más que ver con lo que alguien piensa y siente. Rohmer citó las obras de Blaise Pascal , Jean de La Bruyère , François de La Rochefoucauld y Stendhal como inspiraciones para la serie. [16] : 292 Aclaró, "un moralista es alguien que está interesado en la descripción de lo que sucede dentro del hombre. Se preocupa por los estados de ánimo y los sentimientos". [15] En cuanto a la repetición de una sola historia, explicó que le permitiría explorar seis variaciones del mismo tema. Además, afirmó, "estaba decidido a ser inflexible e intratable, porque si persistes en una idea, me parece que al final consigues seguidores". [16] : 295
El primer cuento moral fue La panadera de Monceau (1963). Esta película de 26 minutos retrata a un joven, un estudiante universitario, que ve a una joven en la calle y pasa días buscándola obsesivamente. Conoce a una segunda mujer que trabaja en una panadería y comienza a coquetear con ella, pero la abandona cuando finalmente encuentra a la primera mujer. Schroder protagonizó el papel del joven y Bertrand Tavernier fue el narrador. [8] El segundo cuento moral fue La carrera de Suzanne (1963). Esta película de 60 minutos retrata a un joven estudiante que es rechazado por una mujer y comienza una relación romántica con una segunda. El primer y el segundo cuento moral nunca se estrenaron en cines y Rohmer se sintió decepcionado por su mala calidad técnica. No fueron muy conocidos hasta después del estreno de los otros cuatro. [8]
En 1963 Les Films du Losange produjo la película ómnibus de la Nouvelle Vague Six in Paris , de la que el cortometraje de Rohmer "Place de l'Etoile" fue la pieza central. [16] : 290 Después de ser expulsado de su puesto de editor en Cahiers , Rohmer comenzó a hacer documentales cortos para la televisión francesa. Entre 1964 y 1966, Rohmer realizó 14 cortometrajes para televisión a través de la Office de Radiodiffusion Télévision Française (ORTF) y Télévision Scolaire. [12] Estos incluyeron episodios de Cineastas de nuestro tiempo sobre Louis Lumière y Carl Theodor Dreyer , películas educativas sobre Blaise Pascal y Stéphane Mallarmé , y documentales sobre la leyenda de Percival , la Revolución Industrial y las estudiantes en París. Rohmer dijo más tarde que la televisión le enseñó a hacer "imágenes legibles". Más tarde dijo: "Cuando se muestra una película en la televisión, el encuadre se desmorona, las líneas rectas se deforman... la forma en que la gente se para, camina y se mueve, toda la dimensión física... todo eso se pierde. Personalmente, no siento que la televisión sea un medio íntimo". [8] En 1964, Rohmer realizó el cortometraje de 13 minutos Nadja à Paris con el director de fotografía Nestor Almendros . [8]
Rohmer y Schröder vendieron los derechos de dos de sus cortometrajes a la televisión francesa para recaudar 60.000 dólares para producir el largometraje La Collectionneuse en 1967, el tercer cuento moral . [17] El presupuesto de la película se destinó únicamente a material fílmico y al alquiler de una casa en Saint-Tropez como decorado. Rohmer la describió como una película sobre l'amour par désoeuvrement ("el amor por ociosidad"). La Collectionneuse ganó el Gran Premio del Jurado en el 17º Festival Internacional de Cine de Berlín y fue elogiada por los críticos de cine franceses, aunque los críticos de cine estadounidenses la calificaron de "aburrida". [8]
El cuarto cuento moral fue Mi noche con Maud en 1969. La película se hizo con fondos recaudados por Truffaut, a quien le gustó el guion, y en un principio estaba destinada a ser el tercer cuento moral . Pero debido a que la película tiene lugar en Nochebuena, Rohmer quería rodar la película en diciembre. El actor Jean-Louis Trintignant no estaba disponible, por lo que el rodaje se retrasó un año. [18] La película se centra en la apuesta de Pascal y está protagonizada por Trintignant, Françoise Fabian , Marie-Christine Barrault y Antoine Vitez . Mi noche con Maud fue la primera película exitosa de Rohmer tanto comercial como críticamente. Se proyectó y fue muy elogiada en el Festival de Cine de Cannes de 1969 y más tarde ganó el Prix Max Ophüls. Se estrenó en los EE. UU. y también fue elogiada por los críticos allí. Finalmente recibió nominaciones al Óscar a Mejor guion original y Mejor película extranjera . [7] [9] [19] James Monaco escribió: "Aquí, por primera vez, el foco está claramente puesto en la cuestión ética y existencial de la elección. Si no está claro en Maud quién está haciendo realmente la apuesta y si gana o pierde, eso sólo amplía la idea de le pari ("la apuesta") hasta convertirla en la metáfora abarcadora que Rohmer quiere para toda la serie". [8]
El quinto cuento moral fue Le genou de Claire ( La rodilla de Claire , 1970). Ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de San Sebastián , [9] el Prix Louis Delluc y el Prix Méliès , y fue un gran éxito internacional. Vincent Canby lo llamó "algo cercano a una película perfecta". [8] Fue la segunda película de Rohmer en color. Rohmer dijo: "la presencia del lago y las montañas es más fuerte en color que en blanco y negro. Es una película que no podría imaginar en blanco y negro. El color verde me parece esencial en esa película... Esta película no tendría ningún valor para mí en blanco y negro". [8]
El sexto y último cuento moral fue Love in the Afternoon (1972 ) , estrenada en Estados Unidos como Chloe in the Afternoon . Molly Haskell criticó la película por traicionar al resto de la serie al hacer un juicio moral sobre el personaje principal y aprobar su decisión en la película. [8]
En general, Rohmer dijo que quería que los Seis cuentos morales "retrataran en una película lo que parecía más ajeno al medio, que expresaran sentimientos enterrados en lo más profundo de nuestra conciencia. Es por eso que tienen que ser narrados en primera persona del singular... El protagonista habla de sí mismo y juzga sus acciones. Yo filmo el proceso". [8]
Tras los cuentos morales, Rohmer quiso hacer una película menos personal y adaptó una novela corta de Heinrich von Kleist , La marquesa de O... en 1976. Fue una de las películas de Rohmer más aclamadas por la crítica, y muchos críticos la clasificaron junto con Mi noche en casa de Maud y Claire's Knee . Rohmer afirmó que "no era simplemente la acción lo que me atraía, sino el texto en sí. No quería traducirlo en imágenes ni hacer un equivalente cinematográfico. Quería utilizar el texto como si el propio Kleist lo hubiera puesto directamente en la pantalla, como si estuviera haciendo una película... Kleist no me copió y yo no lo copié a él, pero obviamente había una afinidad". [8]
En 1978, Rohmer hizo la película Perceval le Gallois , una leyenda del Santo Grial basada en un manuscrito del siglo XII de Chrétien de Troyes . La película recibió críticas mayoritariamente malas. Tom Milne dijo que la película fue "casi universalmente recibida como una decepción, en el mejor de los casos un ejercicio caprichoso de falso ingenuidad en su intento de capturar la simplicidad poética de la fe medieval, en el peor, un error anticlimático" y que era "más bien como ver la animación de un manuscrito medieval, con el texto leído en voz alta con gravedad mientras las imágenes -apenas y abarrotadas, coloreadas con un brillo joyero, deleitando la vista con perspectivas extrañas- desempeñan magníficamente el papel tradicionalmente asignado a las iluminaciones marginales". [8] En 1980, Rohmer hizo una película para televisión de su producción teatral de la obra de Kleist Catherine de Heilbronn , otra obra con un entorno medieval. [20]
Más tarde, en 1980, Rohmer se embarcó en una segunda serie de películas: las "Comedias y proverbios" ( Comédies et Proverbes ), donde cada película estaba basada en un proverbio . La primera "Comedia y proverbio" fue La mujer del aviador , que se basaba en una idea que Rohmer había tenido desde mediados de la década de 1940. A esta le siguió en 1981 Le Beau Mariage ( Un matrimonio perfecto ), la segunda "Comedia y proverbio". Rohmer afirmó que "lo que me interesa es mostrar cómo funciona la imaginación de alguien. El hecho de que la obsesión pueda reemplazar a la realidad". [8] En su reseña de la película, el crítico de cine Claude Baignères dijo que "Eric Rohmer es un virtuoso del dibujo a lápiz... [No se había sentido] cómodo con los tubos de pintura que requería Persival, [pero en esta película creó] una pequeña figura cuyo cada rasgo, cada rizo, cada tono está destinado a revelarnos un estado del alma y del corazón". [8] Raphael Bassan dijo que "el cineasta no logra en estos diálogos la flexibilidad, la libertad textual de La mujer del aviador . Un matrimonio perfecto es solo una variación de los estados espirituales de la pequeña burguesía que habla sin parar sobre la legitimidad de ciertas instituciones o creencias enfrentadas a problemas de las emociones. Sencillamente, se trata de una variación menor de este tema central rohmeriano". [8]
La tercera "Comedia y proverbio" fue Pauline en la playa en 1983. Ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el 33° Festival Internacional de Cine de Berlín . Se basaba en una idea que Rohmer tuvo en los años 50, originalmente pensada para Brigitte Bardot . Rohmer a menudo hacía películas en las que había estado trabajando durante muchos años y afirmaba: "No puedo decir 'hago una película, luego después de esa película busco un tema y escribo sobre ese tema... luego filmo'. En absoluto... estas son películas que surgen de una masa en evolución, películas que han estado en mi cabeza durante mucho tiempo y en las que pienso simultáneamente". [8]
La cuarta "Comedia y proverbio" fue Luna llena en París en 1984. El proverbio de la película fue inventado por el propio Rohmer: "Quien tiene dos mujeres pierde su alma, quien tiene dos casas pierde su mente". El director de fotografía de la película, Renato Berta, la calificó como "una de las películas más lujosas jamás realizadas" debido a la gran cantidad de preparación invertida en ella. La película comienza con Rohmer y los actores discutiendo sus papeles y leyendo el guión de la película mientras graban los ensayos. Luego Rohmer reescribió el guión basándose en estas sesiones y filmó la película en Super 8 mm como un ensayo general. Cuando finalmente se filmó la película, Rohmer a menudo utilizó entre dos y tres tomas para cada toma, y a veces solo una toma. Alain Bergala y Alain Philippon han declarado que "todo el arte de Éric Rohmer consiste en crear en el set una verdadera ósmosis entre él, los actores y los técnicos". [8] Rohmer incluso animó a la actriz Pascale Ogier a diseñar los decorados de la película, ya que su personaje es una decoradora de interiores. Ogier ganó más tarde el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia . Alain Philippon calificó la película como "una de las películas más logradas que nos ha dado Rohmer... y si la película conmueve es por su propia toma de riesgos". [8]
La quinta película de la serie "Comedia y proverbio" fue El rayo verde en 1986. Rohmer explicó que "me impresionó la naturalidad de las entrevistas televisivas. Se puede decir que aquí la naturaleza es perfecta. Si la buscas, la encuentras porque la gente se olvida de las cámaras". [8] Como ya era su costumbre en la preproducción, Rohmer reunió a su elenco para hablar sobre el proyecto y sus personajes, pero luego permitió que cada actor inventara su propio diálogo. Rohmer afirmó que la actriz principal, Marie Rivière , "era la que tomaba las decisiones, no solo por lo que decía, sino por la forma en que hablaba, la forma en que interrogaba a la gente y también por las preguntas que su personaje evocaba en los demás". [8] La película se rodó cronológicamente y en 16 mm para ser "lo más discreta posible, para que Delphine se mezclara con la multitud como una forma, en última instancia, de acentuar su aislamiento". [8] Rohmer también le encargó a su directora de fotografía Sophie Maintigneux que mantuviera los aspectos técnicos del rodaje al mínimo para no interrumpir ni distraer a los actores. El único gasto importante de la película fue un viaje a las Islas Canarias para filmar allí los rayos verdes . Rohmer decidió estrenar la película en Canal Plus TV, una cadena de televisión de pago que pagó 130.000 dólares por la película, lo que representaba solo una quinta parte de su presupuesto. Rohmer afirmó que "el cine aquí sobrevivirá solo gracias a la televisión. Sin una alianza así no podremos permitirnos películas francesas". [8] El experimento dio sus frutos cuando la película fue un éxito en los cines después de ser estrenada tres días después de su emisión inicial. Ganó el León de Oro y el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia de 1986. Fue elogiada en su mayoría por los críticos de cine, aunque Alain Robbe-Grillet escribió una crítica desfavorable y afirmó: "No me gustó mucho". [8]
La sexta "comedia y proverbio" fue Novios y novias ( L'Ami de mon amie ) en 1987.
A estos les siguió una tercera serie en la década de 1990: Cuentos de las cuatro estaciones ( Contes des quatre saisons ). Conte d'automne o Cuento de otoño fue un lanzamiento aclamado por la crítica en 1999 cuando Rohmer tenía 79 años. [9] Los títulos anteriores de la serie fueron Un cuento de primavera (1990), Un cuento de invierno (1992) y Un cuento de verano (1996).
A principios de la década de 2000, Rohmer, ya octogenario, volvió al drama de época con La dama y el duque y Triple agente . La dama y el duque causó una considerable controversia en Francia, donde su retrato negativo de la Revolución Francesa llevó a algunos críticos a etiquetarla como propaganda monárquica . Su estilo cinematográfico innovador y sus sólidas actuaciones hicieron que fuera bien recibida en otros lugares.
En 2001, su trabajo fue reconocido cuando recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia . [21] [22]
En 2007, la última película de Rohmer, El romance de Astrea y Celadón , se mostró durante el Festival de Cine de Venecia, [21] en el que habló de retirarse. [9] [21]
Las películas de Rohmer se centran en protagonistas inteligentes y articulados que con frecuencia no reconocen sus deseos. El contraste entre lo que dicen y lo que hacen alimenta gran parte del drama de sus películas. Gerard Legrand dijo una vez que "es uno de los raros cineastas que constantemente te invita a ser inteligente, de hecho, más inteligente que sus (agradables) personajes". [8] Rohmer consideraba que el cine estaba "más cerca de la novela -de un cierto estilo clásico de novela que el cine está adoptando ahora- que otras formas de entretenimiento, como el teatro". [8]
Muchas de las películas de Rohmer tienen una estructura circular, en la que la parte principal consiste en una digresión que "parece prometer un escape de una trampa que el protagonista siente cerrarse a su alrededor, pero que llegará a ser vista más bien como una trampa de la que el protagonista debe escapar". [23] Esto se observa más fácilmente en películas como Pauline en la playa y Un cuento de verano , que comienzan con la llegada de sus protagonistas y terminan con sus protagonistas yéndose de la misma manera en que llegaron. [24]
Rohmer vio el primer plano de rostro completo como un recurso que no refleja cómo nos vemos los unos a los otros y evitó su uso. Evita la música extradiegética (que no proviene de fuentes de sonido en pantalla), viéndola como una violación de la cuarta pared . En ocasiones se ha apartado de la regla al insertar música de banda sonora en lugares en The Green Ray (1986) (estrenada como Summer en los Estados Unidos). Rohmer también tiende a pasar un tiempo considerable en sus películas mostrando a sus personajes yendo de un lugar a otro, caminando, conduciendo, en bicicleta o viajando en un tren, involucrando al espectador en la idea de que parte del día de cada individuo implica viajes cotidianos. Esto fue más evidente en Le Beau Mariage (1982), donde la protagonista femenina viajaba constantemente, particularmente entre París y Le Mans.
Rohmer suele llenar sus películas de personajes de entre veinte y treinta años y los escenarios suelen ser playas agradables y complejos turísticos populares, sobre todo en La Collectionneuse (1967), Pauline en la playa (1983), El rayo verde (1986) y Un cuento de verano (1996). Estas películas están inmersas en un entorno de luz solar brillante, cielos azules, césped verde, playas de arena y agua clara. Explicó que "la gente a veces me pregunta por qué la mayoría de los personajes principales de mis películas son jóvenes. No me siento a gusto con gente mayor... No puedo conseguir que la gente mayor de cuarenta años hable de forma convincente". [8]
Media docena de las películas de Rohmer se desarrollan en verano, época que él describe como una época de belleza y ocio, pero también de "estancamiento y falta de rumbo". [24] : 777 Lo hace a través de la cinematografía y el diseño de sonido, pero principalmente presentando "personajes reflexivos con demasiado tiempo libre y demasiados pensamientos en sus cabezas". [24] : 777 Rohmer dijo que quería mirar "pensamientos en lugar de acciones", tratando "menos con lo que la gente hace que con lo que pasa por sus mentes mientras lo están haciendo". Dado el interés profesado de Rohmer en la anticipación en lugar del clímax en sus cuentos, el verano proporciona a sus personajes el tiempo y el espacio para mostrar su autoconciencia y ansiedad, en lugar de la soledad y la relajación que desean. [24] : 778
Rohmer prefería utilizar actores no profesionales en sus películas. Normalmente realizaba numerosos ensayos antes de rodar y rodaba sus películas muy rápidamente. Dedicaba poco tiempo a editar sus películas. Normalmente rodaba sus películas cronológicamente y a menudo rodaba las escenas durante el momento del día en el que transcurrían. Explicó que "mis películas se basan en la meteorología. Si no llamara al servicio meteorológico todos los días, no podría hacer mis películas porque se ruedan en función del tiempo que hace fuera. Mis películas son esclavas del tiempo". [8]
De manera similar, todas las películas de Rohmer tienen un fuerte sentido del lugar. Ya sea filmadas en París, Clermont-Ferrand o en cualquier otro lugar, sus películas muestran claramente dónde están y cómo los personajes son parte de ese lugar. Los personajes viajan o pasan por delante de señales o monumentos, o conversan sobre esos lugares. Los lugares en los que existen los personajes son un elemento tan importante en sus películas como lo que sus personajes dicen y hacen. Por esta razón, a Rohmer se lo ha llamado un "poeta del lugar". [25]
Los personajes del director mantienen largas conversaciones, en las que hablan principalmente de relaciones entre hombres y mujeres, pero también de cuestiones mundanas como encontrar un lugar de vacaciones. También hay ocasionales digresiones de los personajes sobre literatura y filosofía, ya que la mayoría de los personajes de Rohmer son de clase media y con estudios universitarios.
Un cuento de verano (1996) tiene la mayoría de los elementos de una película típica de Rohmer: sin música de banda sonora, sin primeros planos, un balneario, largas conversaciones entre jóvenes guapos (de clase media y educados) y discusiones que involucran los intereses de los personajes, desde la composición de canciones hasta la etnología.
A finales de los años 70, durante la producción de Perceval le Gallois, Rohmer comenzó a reducir el número de miembros del equipo técnico de sus películas. Primero prescindió del supervisor de guion , luego (de manera controvertida) eliminó al asistente de dirección , luego a todos los demás asistentes y gerentes técnicos hasta que, cuando filmó El rayo verde en 1986, su equipo estaba compuesto únicamente por un operador de cámara y un ingeniero de sonido. Rohmer afirmó que "incluso me pregunto si podría trabajar en las condiciones habituales de la realización cinematográfica". [8]
Su estilo fue criticado famosamente por el personaje de Gene Hackman en la película Night Moves de 1975 , quien describe ver las películas de Rohmer como "algo así como ver pintura secarse". [9]
Rohmer era un hombre de gran capacidad literaria. Sus películas hacen referencia con frecuencia a ideas y temas de obras de teatro y novelas, como por ejemplo referencias a Julio Verne (en El rayo verde ), William Shakespeare (en Un cuento de invierno ) y La apuesta de Pascal (en Ma nuit chez Maud ).
El hermano de Rohmer fue el filósofo René Schérer . En 1957, Rohmer se casó con Thérèse Barbet. [2] La pareja tuvo dos hijos. [2] El mayor, René Monzat (nacido en 1958), es autor y periodista de investigación en, más recientemente, Le Monde y Mediapart . [26] Su trabajo se centra en la extrema derecha francesa. [27] [28]
Rohmer era un católico devoto, monárquico [ 29] y "fanático ecologista". [8] Durante años no tuvo teléfono y se negó a subirse a los coches, a los que llamaba "contaminadores inmorales". [8] Durante muchos años se supo que corría dos millas hasta su oficina todas las mañanas. Era bien conocido por su necesidad de privacidad personal y a veces usaba disfraces, como un bigote falso en el estreno en Nueva York de una de sus películas. La madre de Rohmer murió sin saber nunca que su hijo era un famoso director de cine.
Rohmer murió en la mañana del 11 de enero de 2010 a la edad de 89 años [9] [21] [22] después de una serie de accidentes cerebrovasculares. [30] : 1345 Había sido ingresado en el hospital la semana anterior. [19]
El ex ministro de Cultura Jack Lang calificó a Rohmer como "uno de los maestros del cine francés". [21] El director Thierry Fremaux calificó su obra de "única". [21]
La tumba de Rohmer se encuentra en el distrito 13 del cementerio de Montparnasse .
En los Premios César 2010 , el actor Fabrice Luchini presentó un homenaje especial a Rohmer:
Voy a leer un texto notable de Jacques Fieschi, escritor, director, creador de "el cinematógrafo", rival de Les cahiers du cinéma , que acaba de publicar un número especial sobre Éric Rohmer. Truffaut dijo una vez que era uno de los más grandes directores del siglo XX, Godard era su hermano, Chabrol lo admiraba, Wenders no dejaba de fotografiarlo. Rohmer es una tremenda estrella internacional. El único director francés que ha sido coherente con el dinero gastado en sus películas y el dinero que han ganado sus películas. Recuerdo una frase de Daniel Toscan Du Plantier el día de la inauguración de Les Visiteurs , que acabó vendiendo 15 millones de entradas: "Sí, pero hay una película increíble llamada L'arbre, le maire et la médiathèque que vendió 100.000 entradas, lo que puede parecer ridículo en comparación, pero no, porque sólo se proyectó en una sala durante un año entero". Una época feliz para el cine cuando podían pasar este tipo de cosas. Rohmer. Jacques Fieschi nos hace un homenaje: "Todos estamos conectados con el cine, al menos durante un breve período. El cine tiene sus leyes económicas, sus leyes artísticas, un oficio que de vez en cuando nos recompensa o nos olvida. Éric Rohmer parece haber escapado a esta realidad inventando sus propias leyes, sus propias reglas de juego. Se podría decir que su propia economía del cine que servía a su propio propósito, que podía saltarse a los demás, o para ser más precisos, que no podía saltarse al público con su originalidad. Tenía un punto de vista muy particular sobre los diferentes niveles del lenguaje y sobre el deseo que actúa en el corazón de cada ser humano, sobre la juventud, sobre las estaciones, sobre la literatura, por supuesto, y se podría decir sobre la historia. Éric Rohmer, este intelectual sensual, con su silueta de profesor y de caminante. Como outsider, hizo películas luminosas y cándidas en las que olvidó deliberadamente su perfecto conocimiento del cine en un vínculo muy directo con la belleza del mundo". El texto es de Jacques Fieschi y es un homenaje a Éric Rohmer. Gracias.
El 8 de febrero de 2010, la Cinémathèque Française realizó un homenaje especial a Rohmer que incluyó la proyección de La rodilla de Claire y un breve vídeo homenaje a Rohmer realizado por Jean-Luc Godard . [31]
Eric Rohmer, que comenzó a escribir para Cahiers a los 31 años.