En música , los bucles de cinta son bucles de cinta magnética que se utilizan para crear patrones musicales rítmicos y repetitivos o capas densas de sonido cuando se reproducen en una grabadora . Con origen en la década de 1940 con el trabajo de Pierre Schaeffer , fueron utilizados entre los compositores contemporáneos de las décadas de 1950 y 1960, como Éliane Radigue , Steve Reich , Terry Riley y Karlheinz Stockhausen , quienes los utilizaron para crear patrones de fase , ritmos, texturas y timbres . Los autores de música popular de las décadas de 1960 y 1970, particularmente de los géneros psicodélico , progresivo y ambiental , utilizaron bucles de cinta para acompañar su música con efectos de sonido innovadores. En la década de 1980, el audio analógico y los bucles de cinta dieron paso al audio digital y a la aplicación de computadoras para generar y procesar sonido.
En un bucle de cinta, una sección de cinta magnética se corta y se empalma de extremo a extremo, creando un círculo o bucle que se puede reproducir continuamente, generalmente en una grabadora de cinta de carrete a carrete , haciendo que el sonido se repita sin cesar.
La reproducción simultánea de bucles de cinta para crear patrones y ritmos fue desarrollada y utilizada inicialmente por compositores de música concreta y música en cinta , y fue utilizada más ampliamente por Steve Reich para sus piezas de " fase " como " Come Out " (1966) y " It's Gonna". Rain " (1965), y de Karlheinz Stockhausen en Gesang der Jünglinge (1955–56) y Kontakte (1958–60). Stockhausen también utilizó la técnica para presentaciones en vivo en Solo (1965-1966).
Si, en lugar de simplemente reproducir un bucle grabado, se hace algo para alterar progresivamente el material grabado entre ciclos, como volver a grabar el sonido antes de que pase por el cabezal de reproducción o agregar nuevo material al bucle, entonces se iniciará un proceso de cambio. ocurren en el contenido, la calidad y la complejidad del material. [1]
En una grabadora de cinta estándar de carrete a carrete, un bucle no puede durar más de unos pocos segundos. Algunos compositores estaban satisfechos con este enfoque, pero había otros métodos para permitir bucles más largos. Por ejemplo, colocar dos máquinas de bobina a bobina una al lado de la otra con el recorrido de la cinta de una a la otra. Al utilizar este método, algunos compositores podían crear bucles muy largos que permitían sonidos de mayor duración. Al grabar su histórico álbum ambiental de 1978 Music for Airports , Brian Eno informó que para una canción en particular, "Uno de los bucles de la cinta tenía setenta y nueve pies de largo y el otro ochenta y tres pies". [2] Barry Anderson realizó el bucle de cinta abierto más largo jamás creado para interpretaciones de Solo de Stockhausen , [3] pero los cartuchos cerrados suelen ofrecer longitudes mucho más largas.
Al acelerar la velocidad de un bucle en un grado suficiente (por ejemplo, 1280 veces más rápido), una secuencia de eventos originalmente percibidos como un ritmo se escucha como un tono, y la variación del ritmo en la sucesión original de eventos produce diferentes timbres en el sonido. sonido acelerado. [4] [5] La aceleración máxima disponible de la mayoría de las grabadoras de tres velocidades es cuatro veces.
A finales de la década de 1940, Pierre Schaeffer utilizó discos de fonógrafo especiales con un sillon cerrado (ranura cerrada) para repetir segmentos de sonidos en su estudio de música concreta de París. Cuando estuvo disponible la tecnología de cinta magnética, reemplazó esta técnica con bucles de cinta, donde dichos segmentos podían repetirse simplemente o sufrir una transformación electrónica durante la repetición. [6]
En 1955, Éliane Radigue , aprendiz de Pierre Schaeffer en el Studio d'Essai , aprendió a cortar, empalmar y editar cintas utilizando sus técnicas. Sin embargo, a finales de los años 60 se interesó más por la retroalimentación en cinta. Compuso varias piezas ( Jouet Electronique [1967], Elemental I [1968], Stress-Osaka [1969] , Usral [1969] , Ohmnht [1970] Vice Versa, etc [1970]) procesando la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono. [7]
Halim El-Dabh , que experimentó con música en cinta desde principios de los años 1940 hasta los años 1950, también utilizó bucles de cinta. [8] A finales de la década de 1950, el Taller Radiofónico de la BBC comenzó a utilizar bucles de cinta para agregar efectos especiales a algunos programas de la BBC. [9] En los primeros años del estudio WDR de Colonia se emplearon varias configuraciones diferentes de bucles de cinta . Uno de esos arreglos se utilizó para crear texturas de múltiples capas grabando sonidos secuencialmente con el cabezal de borrado desconectado o con un arreglo personalizado de los cabezales. Gottfried Michael Koenig aplicó este método en 1954, en su Klangfiguren I. [10]
En Canadá, Hugh Le Caine produjo "un ejemplo particularmente claro y memorable de música concreta " en 1955, titulado Dripsody . Fue construido a partir del sonido de una sola gota de agua, utilizando una grabadora de velocidad variable, bucles de cinta y sólo 25 empalmes. [11] Al mismo tiempo, en Colonia, Karlheinz Stockhausen produjo una obra más ambiciosa, Gesang der Jünglinge (1955-1956), que hizo un uso extensivo de bucles de cinta, particularmente para sus grupos de impulso estratificados y enjambres corales. [12]
El compositor minimalista Terry Riley comenzó a emplear loops de cinta a finales de los años cincuenta. Utilizando sencillas grabadoras Wollensak , grabó música de piano, discursos y otras muestras de sonido, que reproducía en altavoces que rodeaban al público junto con la actuación en vivo, creando "texturas orquestales", como dice Edward Strickland. Con la ayuda de Richard Maxfield y Ramon Sender , Riley combinó bucles de cinta con dispositivos echoplex , produciendo una pieza de "viaje ácido" Mescalin Mix (1961), hecha a partir de muestras de sonido de sus trabajos anteriores. Más tarde, experimentó combinando diferentes cintas, produciendo piezas como Music for the Gift (1963) y culminando con el uso de un sistema de retardo/retroalimentación de cinta que empleaba dos grabadoras (descritas colectivamente por Riley como el "acumulador de retardo de tiempo"). en presentaciones en vivo en solitario. [13] [14]
El uso de bucles de cinta en la música popular se remonta a la música dub jamaicana de la década de 1960. El productor de doblaje King Tubby utilizó bucles de cinta en sus producciones, mientras improvisaba con unidades de retardo caseras . Otro productor de dub, Sylvan Morris, desarrolló un efecto de eco slapback utilizando bucles de cinta mecánicos y hechos a mano. Estas técnicas fueron adoptadas más tarde por los músicos de hip hop en la década de 1970. [15]
Steve Reich también utilizó loops de cinta para componer, utilizando una técnica que llamó " phasing ". Juntó dos bucles de cinta a velocidades ligeramente diferentes, de modo que comenzaran a reproducirse simultáneamente y luego se separaran. Las piezas creadas con este método son It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). En Violin Phase (1967) combinó el loop de cinta con una partitura instrumental. Más tarde, Gavin Bryars exploró un concepto similar en la composición 1, 2, 1-2-3-4 (1971), interpretada por un pequeño conjunto en el que cada músico intentaba reproducir de forma independiente una grabación en cinta. [dieciséis]
En las décadas de 1960 y 1970, el uso de bucles de cinta supuso un gran avance en la música popular . A medida que avanzaban hacia su fase " psicodélica ", los Beatles experimentaron cada vez más con nuevas tecnologías y grabadoras, proceso que culminó con Revolver (1966) y su último tema " Tomorrow Never Knows ", basado en cinco bucles de cinta que se ejecutan simultáneamente. " Revolution 9 " (1968) fue una empresa aún más experimental, que consistía casi exclusivamente en bucles de cinta que aparecían y desaparecían. [17]
La introducción de nuevas tecnologías, como los secuenciadores y sintetizadores de música analógicos en la década de 1970, seguidos de los secuenciadores digitales en 1977, marcó el fin de la era de los bucles de cinta en la industria musical. Con la llegada del MIDI en 1983, las computadoras y los dispositivos digitales se hicieron cargo de la producción de efectos de sonido a partir de dispositivos analógicos. [18] Las composiciones en bucle de cintas han tenido sólo resurgimientos esporádicos desde entonces, como la serie The Disintegration Loops de William Basinski (2002-2003), que evidencia la lenta muerte de sus cintas grabadas originalmente en la década de 1980. [19]
Fuentes