La percusión de jazz es el arte de tocar percusión (predominantemente la batería , que incluye una variedad de tambores y platillos) en estilos de jazz que van desde el estilo Dixieland jazz de la década de 1910 hasta el jazz fusión de la década de 1970 y el jazz latino de la década de 1980 . Las técnicas y la instrumentación de este tipo de interpretación han evolucionado a lo largo de varios períodos, influenciadas por el jazz en general y los bateristas individuales que lo componen. Estilísticamente, este aspecto de la actuación estuvo determinado por su lugar de partida, Nueva Orleans, [1] así como por muchas otras regiones del mundo, incluidas otras partes de los Estados Unidos, el Caribe y África. [2]
El jazz requería un método de tocar la percusión diferente a los estilos tradicionales europeos, uno que fuera fácilmente adaptable a los diferentes ritmos del nuevo género, fomentando la creación de la técnica híbrida de la percusión del jazz. [3] Como cada período en la evolución del jazz ( swing y bebop , por ejemplo) tendía a tener su propio estilo rítmico, la percusión del jazz continuó evolucionando junto con la música durante el siglo XX. Una tendencia que surgió con el tiempo fue la "liberación" gradual del ritmo. Pero los estilos más antiguos persistieron en períodos posteriores. Las fronteras entre estos períodos no están claras, en parte porque ningún estilo reemplazó completamente a otros y en parte porque hubo numerosas influencias cruzadas entre estilos.
Los ritmos y el uso de la percusión en el jazz, así como la forma de arte en sí, fueron producto de una amplia mezcla cultural en varios lugares. La primera ocasión en que esto ocurrió fue la invasión árabe de Europa, donde las culturas de Francia, España y África, hasta cierto punto, se encontraron y muy probablemente intercambiaron alguna información cultural. [1] La influencia de la música y los ritmos africanos en la mezcla general que creó el jazz fue profunda, aunque esta influencia no apareció hasta más tarde.
Hay varias cualidades centrales que comparten la música africana y el jazz, entre las que destaca la importancia de la improvisación . [1] Algunas cualidades instrumentales de la música africana que aparecen en el jazz (especialmente su percusión) incluyen el uso de instrumentos sin tono para producir tonos musicales específicos o cualidades similares a tonos, el uso de todos los instrumentos para imitar la voz humana, [2] la superposición de una estructura rítmica. sobre otro (por ejemplo, un grupo de tres contra un grupo de dos), dividir una sección regular de tiempo (llamada compás en términos musicales) en grupos de dos y tres, y el uso de ritmos repetitivos utilizados a lo largo de una pieza musical, a menudo llamados ritmos de clave . Esta última cualidad es de especial importancia, ya que existen varias apariciones pronunciadas de este patrón y la estética que lo acompaña en el mundo del jazz.
Clave es una herramienta para mantener el tiempo y determinar qué tiempos de una composición deben acentuarse. En África, la clave se basa en la división del compás en grupos de tres, en los que sólo se enfatizan unos pocos tiempos. La clave cubana, derivada de la versión africana, se compone de dos compases, uno con tres tiempos y otro con dos. Los compases se pueden tocar en cualquier orden, con la frase de dos o tres tiempos primero, y están etiquetados como "2-3" o "3-2", respectivamente.
Dentro de la banda de jazz, las frases conocidas como patrones de composición han incluido elementos de la clave desde los primeros días de la música. [4] La composición es el apoyo de otros músicos, a menudo solistas, y un eco o refuerzo de la composición.
La cultura que creó la versión más utilizada de este patrón fue la de Cuba. Las circunstancias que crearon esa música y cultura fueron muy similares a las que crearon el jazz; Las culturas francesa , africana, española y cubana nativa se combinaron en Cuba y crearon muchas formas musicales populares, así como la clave, que fue una invención bastante temprana. La música también influyó en el desarrollo de una variante del jazz, conocida como jazz latino .
El jazz latino se caracteriza generalmente por el uso de combinaciones de notas pares, a diferencia de las notas swing comunes en la mayoría de las otras variedades de jazz. [5] También está fuertemente influenciado por la clave, y los compositores de la música requieren un conocimiento del funcionamiento de la percusión en la música afrocubana: los instrumentos deben combinarse entre sí de una manera lógica. [6] El género específico del jazz afrocubano está influenciado por los ritmos tradicionales de Cuba, más que de todo el Caribe y otras partes del mundo. [6]
Los tambores militares de Estados Unidos, predominantemente pífanos y cuerpos de tambores, en el siglo XIX y antes proporcionaron gran parte de la técnica y la instrumentación de los primeros bateristas de jazz. Jugadores influyentes como Warren "Baby" Dodds y Zutty Singleton utilizaron el tradicional agarre de baqueta militar , instrumentos militares y tocaron al estilo de los bateristas militares usando rudimentos , un grupo de patrones cortos que son estándar en la batería. [2] La composición rítmica de esta música también fue importante en el jazz temprano y más allá. Muy diferente de la estética interpretativa africana, un estilo fluido que no se corresponde directamente con los compás occidentales, la música interpretada por las bandas militares se ajustaba rígidamente a las convenciones métricas y de tiempo, aunque tenía composiciones tanto en métrica doble como triple .
El equipamiento de los bateristas de estos grupos fue de particular importancia en el desarrollo de las primeras baterías. Se utilizaron platillos , bajo y caja . De hecho, un método para amortiguar un conjunto de platillos haciéndolos crujir mientras se toca el bombo simultáneamente es probablemente la forma en que surgió el charles actual , una parte importante de la batería actual. [2] La técnica y la instrumentación militares fueron, sin duda, factores en el desarrollo del jazz temprano y su percusión, pero los elementos melódicos y métricos del jazz se remontan más fácilmente a las bandas de baile de la época.
Los bateristas negros pudieron adquirir su habilidad técnica en los cuerpos de pífanos y tambores, [2] pero la aplicación de estas técnicas en las bandas de baile del siglo XIX permitió un terreno más fértil para la experimentación musical. Los esclavos aprendieron música de baile tradicional europea que tocaban en los bailes de sus amos, sobre todo una danza francesa llamada cuadrilla , que tuvo una influencia particular en el jazz y, por extensión, en los tambores de jazz. Además del repertorio europeo, los músicos también pudieron tocar danzas originarias de África y el Caribe. Uno de esos bailes fue el "congo". [2] Los intérpretes de esta nueva música (para el público predominantemente blanco) crearon música para su propio entretenimiento y uso también.
Las personas esclavizadas en Estados Unidos tenían muchas tradiciones musicales que se volvieron importantes para la música del país, particularmente el jazz. Una vez finalizado el trabajo, estas personas realizaban actuaciones musicales en las que tocaban pseudoinstrumentos hechos de bañeras y otros objetos recientemente utilizados con fines musicales, y también tocaban ritmos en sus cuerpos, llamados " pattin' juba ". [2] La única área donde a las personas esclavizadas se les permitía tocar su música, además de en lugares privados, era un lugar en Nueva Orleans llamado Congo Square . [1]
Los antiguos africanos pudieron tocar su música tradicional, que comenzó a mezclarse con los sonidos de muchas otras culturas en Nueva Orleans en ese momento: haitiana , europea, cubana y estadounidense , así como muchas otras denominaciones más pequeñas. Utilizaban tambores casi indistinguibles de los fabricados en África, aunque los ritmos eran algo diferentes a los de las canciones de las regiones de donde procedían los esclavizados, probablemente resultado de haber vivido en América durante varias generaciones. Un gran número de músicos que tocaron en Congo Square también eran del Caribe. [7]
Otra influencia importante del jazz fue el blues , expresión de las penurias vividas a diario por las personas esclavizadas, en contraste directo con la canción del trabajo, una celebración del trabajo. Su inspiración musical vino de donde lo hicieron sus intérpretes, África. La forma rítmica del blues fue la base de muchos desarrollos que aparecerían en el jazz. Aunque su instrumentación se limitaba principalmente a instrumentos melódicos y un cantante, el sentimiento y el ritmo eran tremendamente importantes. Las dos sensaciones principales eran un pulso de ritmos alternos que vemos en muchas otras formas de música estadounidense, y el shuffle, que es esencialmente el ritmo de pattin' juba, una sensación basada en una división de tres en lugar de dos. [8]
Una de las influencias finales en el desarrollo del jazz temprano, específicamente en sus percusiones y ritmos, fue la percusión de segunda línea. El término " Segunda línea " se refiere literalmente a la segunda línea de músicos que a menudo se congregaban detrás de una banda de música que tocaba en una marcha fúnebre o en una celebración de Mardi Gras. Por lo general, había dos bateristas principales en la segunda línea: bombo y caja. Los ritmos tocados eran de naturaleza improvisada, pero la similitud entre lo que se tocaba en varias ocasiones llegó esencialmente a un punto de coherencia, y los primeros bateristas de jazz pudieron integrar patrones de este estilo en su interpretación, así como elementos de varios otros estilos. [9]
Antes de que el jazz adquiriera importancia, los bateristas solían tocar en un estilo conocido como ragtime , donde realmente comenzó a utilizarse por primera vez una cualidad rítmica esencial del jazz: la síncopa. La síncopa es sinónimo de "fuera de compás" y es, entre muchas cosas, el resultado de colocar ritmos africanos escritos en combinaciones impares de notas (por ejemplo, 3+3+2) en el concepto métrico europeo dividido uniformemente. [4] El ragtime fue otro estilo derivado de músicos negros que tocaban instrumentos europeos, específicamente el piano, pero utilizando ritmos africanos.
Los primeros bateristas de verdadero jazz tenían una paleta algo limitada a la que recurrir, a pesar de su amplio rango de influencia. Los rudimentos militares y los ritmos al estilo militar eran esencialmente la única técnica que tenían a su disposición. Sin embargo, era necesario adaptarse a la música particular que se tocaba, por lo que evolucionaron nuevas técnicas y una mayor maestría musical. El redoble fue el principal dispositivo técnico utilizado, y un patrón significativo fue simplemente el redoble en tiempos alternos. [3] Este fue uno de los primeros "patrones de paseo", una serie de ritmos que eventualmente dieron como resultado un ritmo que funciona en el jazz como lo hace la clave en la música cubana: un "metrónomo mental" para los demás miembros del conjunto. Warren "Baby" Dodds , uno de los más famosos e importantes de la segunda generación de bateristas de jazz de Nueva Orleans, destacó la importancia de que los bateristas tocaran algo diferente detrás de cada estribillo. Algunos miembros de la generación anterior de músicos de jazz, como Bunk Johnson , consideraban que su estilo era demasiado recargado .
Debajo de la constante improvisación rítmica, Dodds tocó un patrón que era sólo un poco más sofisticado que el básico uno/tres redobles, pero que, de hecho, era idéntico al ritmo actual, sólo que invertido. El ritmo era el siguiente: dos corcheas "osciladas" (la primera y tercera notas de un tresillo de corcheas ), una negra y luego una repetición de los primeros tres tiempos (muestra de sonido "Patrón de paseo invertido" a la derecha). Aparte de estos patrones, un baterista de esta época tendría un papel extremadamente pequeño en la banda en su conjunto. Los bateristas rara vez tocaban solos , como era el caso con todos los demás instrumentos del primer jazz, que se basaba en gran medida en el conjunto. Cuando lo hicieron, la actuación resultante sonó más como una cadencia de marcha que como una expresión personal. [3] La mayoría de las otras ideas rítmicas vinieron del ragtime y sus precursores, como la serie de corcheas con puntillo.
Los bateristas y los ritmos que tocaban servían de acompañamiento a las bandas de baile, que tocaban ragtime y bailes diversos, llegando después el jazz. Era común en estas bandas tener dos bateristas, uno tocando la caja y el otro el bajo. Sin embargo, finalmente, debido a varios factores (entre ellos la motivación financiera), el número de bateristas se redujo a uno, y esto creó la necesidad de que un percusionista tocara varios instrumentos, de ahí la batería. Las primeras baterías también comenzaron con baterías militares, aunque más tarde se agregaron otros accesorios para crear una gama más amplia de sonidos y también para darle un toque novedoso.
Los más comunes eran los bloques de madera , los tom-toms chinos (grandes tambores de dos cabezas), los cencerros , los platillos y casi cualquier otra cosa que al baterista se le ocurriera añadir. El sonido característico de este montaje podría describirse como "ricky-ticky": el ruido de palos golpeando objetos que tienen muy poca resonancia. [2] Sin embargo, los bateristas, incluido Dodds, centralizaron gran parte de su interpretación en el bajo y la caja. [10] En las décadas de 1920 y 1930, la era inicial del jazz estaba terminando y bateristas de swing como Gene Krupa , Chick Webb y Buddy Rich comenzaron a tomar las bases establecidas por los primeros maestros y experimentar con ellas. Sin embargo, no fue hasta un poco más tarde que las demostraciones de virtuosismo técnico de estos hombres fueron reemplazadas por un cambio definitivo en la estructura rítmica subyacente y la estética del jazz, pasando a una era llamada bebop .
En pequeña medida en la era del swing, pero con mayor fuerza en el período del bebop, el papel del baterista evolucionó desde una posición casi puramente de cronometraje a la de un miembro del conjunto musical interactivo. Utilizando como base el patrón de paseo claramente definido, que fue llevado de la anterior calidad áspera al ritmo suave y fluido que conocemos hoy por "Papa" Jo Jones , así como una batería estandarizada, los bateristas pudieron experimentar con patrones complementarios. y sutilezas en su interpretación. [10] [11] Uno de esos innovadores fue Sidney "Big Sid" Catlett . Sus muchas contribuciones incluyeron tocar el bombo, tocar "sobre el ritmo" (acelerando imperceptiblemente), tocar con el solista en lugar de simplemente acompañarlo, tocar solos propios con muchas cualidades melódicas y sutiles e incorporar el melodicismo en toda su forma de tocar. [12] Otro baterista influyente del bebop fue Kenny Clarke , el hombre que cambió el pulso de cuatro tiempos que previamente se había tocado en el bombo al platillo ride, haciendo posible que el comping avanzara en el futuro. [13] Una vez más, esta vez a finales de la década de 1950 y la mayor parte de la década de 1960, los bateristas comenzaron a cambiar toda la base de su arte. Elvin Jones , en una entrevista con la revista DownBeat , lo describió como "un paso natural". [14]
Durante este tiempo, el baterista asumió un papel aún más influyente en el grupo de jazz en general y comenzó a liberar la batería para convertirla en un instrumento más expresivo, permitiéndoles alcanzar una mayor igualdad e interactividad con las otras partes del conjunto. En el bebop, componer y mantener el compás eran dos requisitos completamente diferentes para el baterista, pero luego, los dos se convirtieron en una sola entidad. Esta nueva fluidez amplió enormemente las capacidades de improvisación que tenía el baterista. [15] La sensación en la percusión del jazz de este período se llamó "tiempo roto", que recibe su nombre de la idea de patrones cambiantes y movimientos y ritmos rápidos, erráticos y poco convencionales.
Secciones rítmicas , en particular las de John Coltrane y Miles Davis , incluyendo el primero a Elvin Jones; este último, Tony Williams , Philly Joe Jones y Jimmy Cobb , también estaban explorando nuevas posibilidades métricas y rítmicas. El concepto de manipular el tiempo, hacer que la música parezca ralentizarse o avanzar, era algo que los bateristas nunca habían intentado antes, pero que estaba evolucionando rápidamente en esta era. Superponer ritmos uno encima del otro (un polirritmo ) para crear una textura diferente en la música, así como usar combinaciones extrañas de notas para cambiar el sentimiento, nunca hubiera sido posible con la rigidez de la batería de la generación anterior. Las composiciones de este nuevo período requirieron este mayor elemento de participación y creatividad por parte del baterista.
Elvin Jones, miembro del cuarteto de John Coltrane, desarrolló un estilo novedoso basado en un sentimiento de tres, en parte debido al hecho de que las piezas de Coltrane de esa época se basaban en la triple subdivisión. [14]
A lo largo de la historia de la percusión del jazz, el ritmo y la forma de tocar del baterista se han vuelto progresivamente más fluidos y "libres", y en la vanguardia y el free jazz , este movimiento se cumplió en gran medida. [11] Un baterista llamado Sunny Murray es el principal arquitecto de este nuevo enfoque de la batería. En lugar de tocar un "ritmo", Murray esculpe su improvisación en torno a la idea de un pulso y juega con los "sonidos naturales que hay en el instrumento y las pulsaciones que hay en ese sonido". [16] Murray también señala que su La creación de este estilo se debió a la necesidad de un nuevo tipo de percusión para utilizar en las composiciones del pianista Cecil Taylor .
