Lorna Simpson (nacida el 13 de agosto de 1960) es una fotógrafa y artista multimedia estadounidense cuyas obras se han exhibido tanto a nivel nacional como internacional. En 1990, se convirtió en una de las primeras mujeres afroamericanas en exponer en la Bienal de Venecia . [1] Saltó a la fama en las décadas de 1980 y 1990 con instalaciones de fototexto como Guarded Conditions y Square Deal que cuestionaban la naturaleza de la identidad, el género, la raza, la historia y la representación. [2] Simpson continúa explorando estos temas en relación con la memoria y la historia utilizando la fotografía, el cine, el video, la pintura, el dibujo, el audio y la escultura. [3] [4]
Lorna Simpson nació el 13 de agosto de 1960 y creció en Queens y Brooklyn, Nueva York. [5] [2] Sus padres, un padre jamaiquino-cubano y una madre afroamericana, [6] [7] la llevaron a numerosas obras de teatro, museos, conciertos y espectáculos de danza cuando era niña. [8] Simpson asistió a la High School of Art and Design y tomó cursos en el Art Institute of Chicago en verano mientras visitaba a su abuela. [7]
Antes de recibir su Licenciatura en Bellas Artes, Simpson viajó por Europa, África y los Estados Unidos para desarrollar aún más sus habilidades a través de la fotografía documental . [5] Simpson asistió a la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York y recibió una Licenciatura en Bellas Artes en Pintura en 1982. [5] Durante ese tiempo, realizó una pasantía en el Studio Museum en Harlem , familiarizándose con la práctica del artista en residencia David Hammons . [6]
Simpson obtuvo su Maestría en Bellas Artes en la Universidad de California en San Diego en 1985. [9] Su enfoque se centró entre la fotografía y el arte conceptual, y sus profesores incluyeron a Allan Kaprow , Eleanor Antin , los cineastas Babette Mangolte , Jean-Pierre Gorin y el poeta David Antin . [10] Aquí desarrolló su estilo característico de combinar texto con retratos de estudio, al tiempo que cuestionaba si la fotografía documental era factual o servía como una verdad construida generada por los propios fotógrafos. [5] Estos trabajos analizaron narrativas estereotipadas de mujeres afroamericanas [11] dentro de la cultura estadounidense. [2]
Simpson recibió una beca del National Endowment for the Arts en 1985 y, en 1990, se convirtió en una de las primeras mujeres afroamericanas en exponer en la Bienal de Venecia . [1] También fue la primera mujer afroamericana en tener una exposición individual en el Museo de Arte Moderno con su exposición Projects 23. [12] En 1990, Simpson tuvo exposiciones individuales en varios museos importantes, incluido el Museo de Arte de Denver , el Museo de Arte de Portland y el Museo de Arte Moderno . [13] Al mismo tiempo, su trabajo se incluyó en The Decade Show: Frameworks of Identity in the 1980s , una exposición presentada por el Museo de Arte Hispánico Contemporáneo, el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo y el Studio Museum en Harlem . [12]
En 1997, Simpson recibió la beca de Artista en Residencia del Centro Wexner para las Artes en Columbus, Ohio, donde exhibió sus obras de fotografía. En 2001, recibió el Premio del Museo Whitney de Arte y, en 2007, su trabajo se presentó en una retrospectiva de 20 años en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en su ciudad natal de Nueva York. [2] [14] [15]
La primera retrospectiva europea de Simpson se inauguró en el Jeu de Paume de París en 2013, y luego viajó a Alemania, Inglaterra y Massachusetts. [16] [17] [18] [19] Ha sido una de los pocos artistas afroamericanos que expusieron en el Jamaica Arts Center en Queens, Nueva York y luego en la galería de Soho. [20]
Expuso sus pinturas por primera vez en 2015 en la 56ª Bienal de Venecia, seguida de una muestra en el Salón 94 Bowery. [21] [22]
En 2016, Simpson creó la portada del álbum Black America Again de Common . Durante el mismo año, apareció en el libro In the Company of Women , Inspiration and Advice from over 100 Makers, Artists, and Entrepreneurs. [23] En una edición de 2017 de la revista Vogue , Simpson mostró una serie de retratos de 18 mujeres creativas profesionales que consideran el arte central en sus vidas. Las mujeres fotografiadas incluyeron a Teresita Fernández , Huma Bhabha y Jacqueline Woodson . Inspirada por su resiliencia, Simpson dijo de estas mujeres: "No aceptan un no por respuesta". [24]
El trabajo de Simpson está incluido en la exposición Afrofuturist Period Room Before Yesterday We Could Fly en el Museo Metropolitano de Arte [25] y en la exposición de 2022 Women Painting Women en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [26]
Aunque comenzó su carrera como fotógrafa conceptual, desde entonces ha explorado el vídeo, la instalación, el dibujo, la pintura y el cine. [27] El objetivo de Simpson es seguir influyendo en el legado de los artistas negros hablando con artistas y activistas como el Art Hoe Collective. [28] Cuando se le pregunta sobre su carrera, Simpson dice: "Siempre he hecho exactamente lo que quería hacer, independientemente de lo que hubiera por ahí. Simplemente me apegué a ese principio y, como resultado, soy una persona mucho más feliz. Y no puedo imaginarme tratando de satisfacer a ningún público en particular". [29]
La obra de Simpson suele retratar a mujeres negras combinadas con texto para expresar la relación de la sociedad contemporánea con la raza, la etnicidad y el sexo. En muchas de sus obras anteriores, los sujetos son fotografiados con las caras oscurecidas, lo que provoca una negación de la mirada y la interacción asociada con el intercambio visual. El uso de Simpson de "figuras de espaldas" se utilizó no solo para "rechazar la mirada", sino también para "negar cualquier acceso presunto a la personalidad de la retratada y para refutar tanto los impulsos clasificatorios como las proyecciones emocionales que suelen satisfacer los retratos fotográficos de sujetos negros". [30] También se ha sugerido que estas figuras "representan el modo de mirar y cuestionar la representación fotográfica de una generación" [31]. A través del uso repetitivo del mismo retrato combinado con texto gráfico, los "anti-retratos" de Simpson tienen un sentido de clasificación científica, abordando las asociaciones culturales de los cuerpos negros. [32] Simpson comenzó a trabajar en cine en 1997 con Call Waiting (1997). [14] [33] Los intereses de Simpson en la fotografía siempre han estado acompañados de un interés en el cine, particularmente en la forma en que uno construye estructuralmente secuencias en la película. [31]
La obra de Simpson de 1989, Necklines , muestra dos fotografías circulares e idénticas de la boca, el mentón, el cuello y la clavícula de una mujer negra. El texto blanco, "ring, surround, lasso, noose, eye, areola, halo, cuffs, collar, loop" (anillo, rodear, lazo, lazo) , palabras individuales sobre placas negras, implican amenaza, atadura o algo peor. La frase final, texto en rojo "feel the ground sliding from under you" (siente el suelo deslizándose bajo tus pies), sugiere abiertamente un linchamiento , aunque las imágenes adyacentes permanecen serenas, no confrontativas y elegantes. [34]
Easy for Who to Say , la obra de Simpson de 1989, muestra cinco siluetas idénticas de mujeres negras de hombros hacia arriba que llevan una camiseta blanca similar a las mujeres retratadas en otras obras de Simpson. Los rostros de las mujeres están oscurecidos por una forma ovalada de color blanco, cada una con una de las siguientes letras en su interior: A, E, I, O, U. Debajo de los retratos correspondientes están las palabras: Amnesia, Error, Indifference, Omission, Uncivil. En esta obra Simpson alude a la racialización en el cine etnográfico y la revocación de la historia a la que se enfrentan muchas personas de color. [35] Además, las letras que cubren los rostros sugieren "una íntima multiplicidad de posiciones que podría ocupar y actitudes que podría asumir", [36] estos pensamientos potenciales se detienen, abruptamente, por las palabras, "socavando no solo la posición subjetiva que la figura buscaría sino también su control sobre cualquier posición reconocible". [36]
En su obra Guarded Conditions (Condiciones guardadas), de 1989, Simpson ha reunido imágenes Polaroid de una modelo femenina. El cuerpo está fragmentado, visto desde atrás, con la parte posterior de la cabeza de la modelo en un estado de cautela. También se ponen en juego asociaciones históricas y simbólicas de los peinados afroamericanos. El mensaje del texto con el tratamiento formal de las imágenes refuerza una sensación de vulnerabilidad. Las poses son similares, y difieren ligeramente en la colocación de los pies, el cabello y las manos. Estas diferencias sugieren "la relación cambiante de la modelo consigo misma". [37] La fragmentación y la serialización niegan la totalidad y la individualidad del cuerpo, y confrontan al espectador con historias de apropiación y consumo del cuerpo femenino negro. [38] Muchos críticos asocian la obra con la subasta de esclavos, como un recordatorio de que las "mujeres negras esclavizadas fueron retiradas del círculo del sufrimiento humano para que pudieran convertirse en objetos circulantes de intercambio sexual y pecuniario". [39] Las mujeres se convierten en objetos, un tema que Simpson a menudo convierte en el foco de su obra. [40]
Simpson incorporó la complicada relación que las mujeres afroamericanas tienen con su cabello natural en su obra Wigs (1994) . Las fotografías de pelucas, litografiadas sobre fieltro, van desde afros, trenzas y mechones rubios de cabello humano, de yak y sintético montados uno al lado del otro. [41] La obra no incluye ninguna figura, y la disposición sugiere especímenes científicos. [42] Simpson explica en una entrevista sobre Wigs (1994) "Esta obra llegó en un punto en el que quería eliminar la figura de la obra, o eliminar su presencia de la obra, pero aún quería hablar de esa presencia". [41] [20] El Museo de Arte Moderno describe la obra como si tuviera connotaciones sociales y políticas sobre la cultura circundante y los estándares de belleza que produce la cultura. La obra obliga al espectador a preguntarse por qué existen esos estándares de belleza y cómo los perpetúa la sociedad. [43]
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En una instalación de video de 2003, Corridor , Simpson coloca a dos mujeres una al lado de la otra; una sirvienta doméstica de 1860 y una rica dueña de casa de 1960. [44] Ambas mujeres son retratadas por el artista Wangechi Mutu , lo que permite trazar relaciones paralelas e inquietantes. [15] La música, a veces relajante y otras veces aguda e inquietante, se utiliza para crear "una fusión visual interesante de dos períodos de tiempo". [45] Simpson utiliza "narrativas abiertas" [45] tanto en fotografía como en cine debido a su interés en "insinuar cosas". [45] En Corridor , "en realidad no sucede nada, es solo una mujer que sigue su día a día, lo que hace a lo largo de un día". [45] Comienza a aparecer una "textura", que guía a los espectadores a preguntarse "qué falta en la imagen" y "qué [está] tratando de [transmitirse]". [45] Estas preguntas crean un entorno o un "período de tiempo" para imaginar una narrativa, para descifrar "la vida de estas personas durante un período de tiempo particular que es importante políticamente". [46] El espectador puede digerir el entorno político y encontrar asociaciones con su propio clima político. Además de considerar la identidad, Corridor considera el pasado y su efecto en el presente. Simpson examina la raza y la clase, e intenta "explorar la identidad estadounidense y las construcciones de la raza". [46] Simpson comentó en ese momento: "No aparezco en ninguna de mis obras. Creo que tal vez haya elementos y momentos en ellas que utilizo de mi propia experiencia personal, pero eso, en sí mismo, no es tan importante como lo que la obra intenta decir sobre la forma en que interpretamos la experiencia o la forma en que interpretamos las cosas sobre la identidad". [14]
En 2009, Simpson introdujo el autorretrato en su obra con la serie 1957-2009 . Simpson yuxtapuso imágenes encontradas, al estilo pin-up, de mujeres afroamericanas jóvenes de 1957 con fotografías actuales de ella misma que reproducían la pose, la ropa y el fondo de la modelo. De este modo, Simpson recreó una narrativa de ideales de belleza que excluían a las mujeres negras en la década de 1950. [47] [48]
Las obras más recientes de Simpson son series que incorporan fotografías encontradas e imágenes apropiadas de revistas antiguas y de Associated Press. Las imágenes en blanco y negro suelen estar superpuestas con tipos, serigrafiadas sobre plexiglás enyesado y lavadas con tintas saturadas. Los elementos naturales, en particular el hielo, suelen aparecer en estas obras. Los bloques de vidrio que representan el hielo también aparecen en su obra escultórica. La obra más reciente de Simpson continúa entrelazando la figuración, la abstracción, la metáfora y la paradoja para desafiar los estereotipos de raza y género. [49] [50] [51]
Los artistas que han influenciado el trabajo de Simpson incluyen a David Hammons , Adrian Piper y Felix-Gonzalex Torres ; y escritores como Ishmael Reed , Langston Hughes , Ntozake Shange , Alice Walker y Toni Morrison debido a su voz rítmica. [52]
En 1998, Simpson formó parte del jurado que seleccionó a Douglas Gordon como ganador del Premio Hugo Boss . [53]
Desde 2007 hasta 2018, Simpson estuvo casada con el también artista James Casebere . [7] Tienen una hija, Zora Casebere, artista y personalidad de Instagram. [54]
Simpson compartió un estudio de cuatro pisos con Casebere desde 2009 hasta 2018; el edificio fue el primer proyecto completado de David Adjaye en los EE. UU. [55] En 2014, pasó una residencia de tres semanas en la finca de la coleccionista Pamela Joyner en Sonoma, California . [7] En 2018, se mudó a un nuevo estudio en Brooklyn Navy Yard . [56] [6] [57]
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