Urs Fischer (nacido en 1973) es un artista visual contemporáneo nacido en Suiza que vive en la ciudad de Nueva York y Los Ángeles. La práctica de Fischer incluye esculturas, instalaciones, fotografías e imágenes con medios digitales.
Nacido en 1973, hijo de dos médicos, fue el segundo de dos hijos . [1] Fischer estudió en la Schule für Gestaltung de Zúrich , Suiza. [2] Después del curso básico de primer año de arte y diseño, se inscribió en el departamento de fotografía de la escuela y se mantuvo trabajando como portero en clubes nocturnos y fiestas en casas de Zúrich. [1]
Fischer se mudó a Ámsterdam , Países Bajos, en 1993, a los 19 años, y tuvo su primera exposición individual en una galería de Zúrich en 1996. Más tarde vivió en Londres , Los Ángeles y Berlín , antes de mudarse a la ciudad de Nueva York . [1] En Berlín y Nueva York, compartió estudios con su colega artista Rudolf Stingel . [1]
En 2009, el estudio de Fischer ocupaba un gran almacén en la sección Red Hook de Brooklyn , cerca de la costa. [1] En 2019 tenía un estudio en el barrio de Frogtown de Los Ángeles . [3]
Fischer trabaja en escultura, fotografía, dibujo, pintura, publicación y arte digital. El artista emplea una variedad de materiales y procesos en su obra, [4] incluyendo nuevos sistemas de computación e inteligencia artificial , [5] dando como resultado una obra que “resiste una clasificación fácil”. [6] Su enfoque subversivo y metafísico del arte a menudo se considera influenciado por movimientos antiarte como Neo-Dada, Lost Art o la Internacional Situacionista. [7] Desde que Fischer comenzó a mostrar su trabajo en Europa a mediados de la década de 1990, ha producido una enorme cantidad de objetos, dibujos, collages e instalaciones del tamaño de una habitación. [1] Fischer ha sido descrito por la revista de arte y cultura Vault como “internacionalmente celebrado” y uno de los artistas contemporáneos más importantes que trabajan en la actualidad, [8] con precios de venta globales que alcanzan hasta $ 6.8 millones. [9]
En 1996, Fischer tuvo su primera exposición individual en la Galerie Walcheturm, Zurich. [10] En 1999, fue seleccionado para ser artista residente en la Fundación Delfina en Londres, junto a Keith Tyson , Mark Wallinger y Sonia Boyce . [11]
En 2002, Fischer realizó su primera exposición institucional en los EE. UU. en el Museo de Arte de Santa Mónica , que incluyó una escultura de cera temprana, What Should an Owl Do with a Fork . [12]
En 2010, Fischer publicó una publicación con su colega artista Darren Bader titulada The Bearded Island / The Artists Lament . La publicación fue un proyecto paralelo a la exposición colectiva de 2009 “Remembering Henry's Show” en la Fundación Brant en Greenwich, Connecticut. El texto es un análisis minucioso del miedo y las obsesiones que impregnan la vida de un artista, en contraste con una serie de imágenes. [4]
En Death of a Moment (2007), dos paredes enteras están equipadas con espejos de piso a techo y puestas en movimiento por un sistema hidráulico, para crear el efecto surrealista de una habitación en cambio, transformándose en forma y tamaño. [13]
En 2011, Fischer creó una reproducción en cera a escala de El rapto de las sabinas del escultor flamenco-italiano Giambologna para la Bienal de Venecia. La escultura se produjo en la fundición suiza The Kunstgiesserei. La obra original de Giambologna en la Piazza della Signoria se digitalizó utilizando un escáner óptico y la imagen se utilizó para crear un modelo 3D en espuma de poliuretano. Se hizo un negativo a partir del modelo de espuma y se rellenó con cera pigmentada para imitar el efecto del mármol. Se desarrolló un sistema de mecha para permitir que la obra, Untitled 2011, se derritiera como una vela durante la Bienal. La exposición incluyó otra escultura de cera del amigo y compañero artista de Fischer, Rudolf Stringel, y una creación en cera de la propia silla de oficina de Fischer. [14] La revista Vault describió la obra como uno de los puntos destacados de la Bienal de Venecia. [8]
Pinturas problemáticas
En 2012, Fischer exhibió su primera muestra en Gagosian , “Beds & Problem Paintings”, que presentaba enormes fotogramas publicitarios de Hollywood obstruidos por imágenes serigrafiadas de objetos mundanos. [15]
"El 'problema' es que un objeto orgánico o inorgánico obstruye cada rostro. Remolachas, una llave inglesa o un plátano: cada obstáculo es cotidiano, pero a este tamaño, ya que algunos son tan grandes como un poni, se convierten inmediatamente en un icono". - The New York Times Magazine [16]
En 2012, Fischer lanzó su propio sello editorial, Kiito-San, cuyos libros son distribuidos por DAP [17] y Buchhandlung Walther König. El sello ha publicado catálogos de exposiciones de Fischer, así como libros sobre la obra de Spencer Sweeney, Peter Regli y Darren Bader. En 2015, Kiito-San publicó un libro de cocina llamado Cooking for Artists, escrito por Mina Stone, quien cocina el almuerzo en el estudio de Fischer.
En 2018, concibió PLAY , con coreografía de Madeline Hollander , una exhibición del tamaño de una sala que combina coreografía y escultura en la que los miembros de la audiencia pueden interactuar con sillas de oficina robóticas equipadas con sensores de movimiento y motores que se mueven por sí solos y reaccionan a las acciones de los participantes en la galería. [18]
Ese mismo año, Fischer comenzó a explorar la pintura en un iPad: “Es mucho más parecido a tocar un instrumento: tu toque directo se transfiere inmediatamente a lo que es, en lugar de tener que mover el material”. Sus pinturas para iPad, que recuerdan a las de David Hockney , [19] se exhibieron en la sede de Sadie Coles en Londres y en Gagosian en Beverly Hills.
En 2019, Fischer exhibió "SIRENS" en la Galerie Max Hetzler en Berlín, una serie de nuevas pinturas que se basaron en la estética de sus anteriores Problem Paintings, utilizando imágenes fijas clásicas de Hollywood como base para explorar la forma, el contorno y el color. [20]
HEADZ , que según el New York Times “resucitó el espíritu de la Factory de Andy Warhol”, [21] era un salón semanal de boca en boca de comida, música y creatividad en el estudio de Spencer Sweeney en Chinatown, en la ciudad de Nueva York. Abierto al público, se invitaba a los invitados a comer, escuchar música improvisada y crear sus propias obras de arte para colgarlas en las paredes del estudio. Después de nueve meses, cuando expiró el contrato de arrendamiento de Sweeney, se fotografiaron las paredes del estudio y Fischer las recreó 1:1 como un papel tapiz conmemorativo que se exhibió in situ como una instalación en Beirut en 2020 (la primera muestra de Fischer en Medio Oriente). [22]
Mientras estaba encerrado en Los Ángeles durante la pandemia de COVID, Fischer creó una nueva serie de pinturas inspiradas en la vida hogareña (incluidas su casa, jardín, estudio y fotografías de la infancia), The Intelligence of Nature , que se exhibió en Sadie Coles HQ en 2021. [23]
A lo largo de su carrera, Fischer ha utilizado tecnología digital para mezclar imágenes reutilizadas con imágenes generadas. [24] En 2021, exploró por primera vez la escultura digital con CHAOS , una serie que contiene 1000 objetos físicos cotidianos escaneados y recreados digitalmente (como un huevo y un encendedor) emparejados para interactuar entre sí.
Lanzado como una serie de 500 NFT individuales y culminando en una pieza final, CHAOS #501 , el proyecto tardó más de dos años en completarse e involucró a un equipo global de expertos en modelado 3D, animación y captura de movimiento. Fischer eligió los objetos porque fueron "diseñados, cultivados o fabricados por humanos". [25]
En abril de 2021, CHAOS #1–#500 se lanzó al público a través de subastas en línea en Fair Warning y MakersPlace. CHAOS #1 se vendió por casi $100,000 [26] a un comprador desconocido. [27] En septiembre de 2022, CHAOS #501 , la culminación de la serie, se exhibió en la muestra "Denominator" en Gagosian en la ciudad de Nueva York en una pantalla de pared micro LED de última generación de 14' x 30' con un paso de píxeles de 0,84. [28] La pantalla presentaba los 1000 objetos digitales interactuando en un solo espacio.
En la misma muestra, Fischer presentó dos nuevas piezas: People , una recreación de la Sala 43 de la National Gallery que presenta réplicas de pinturas de artistas como Van Gogh , con clips de cabezas recortadas de influencers de videos de YouTube proyectados sobre ella. La instalación fue comparada con “ la serie Gazing Ball de Jeff Koons , donde la participación del espectador en la obra se convierte en parte de su imagen”. [5] Denominator era un cubo de 12' x 12' de pantallas LED que mostraban videoclips generados algorítmicamente de comerciales de televisión, almacenados en un nuevo tipo de base de datos de video que Fischer diseñó con ingenieros de software.
“El resultado es una extraña fusión de imágenes que muestra sistemas de valores y tiempo descompuestos por nuevos modos de procesamiento. En lugar de construir una estructura interpretativa para estas imágenes que explore su significado y comprensión por parte de la cognición humana, Fischer deja que el código haga lo que quiera y permite que surjan nuevas interpretaciones... Es como si Fischer se preguntara cuál es el significado de una audiencia en la era moderna e incluso, tal vez, si esa audiencia necesita ser humana”. [5]
A finales de 2022, Fischer lanzó su línea de ropa, UF, en la galería Jeffrey Deitch de la ciudad de Nueva York. [29]
En Untitled (Bread House) (2004-2005), Fischer construyó un chalet de estilo suizo a partir de hogazas de pan. Su Bad Timing, Lamb Chop! (2004-2005) muestra una silla gigante de madera (en realidad de aluminio fundido) que se cruza con un paquete de cigarrillos medio vacío de escala dramáticamente aumentada.
Entre 2005 y 2006, creó Untitled (Lamp/Bear) , una edición de tres osos de bronce de 23 pies de alto y 20 toneladas (dos son amarillos, el tercero es azul) entrecruzados con lámparas funcionales genéricas que parecen brotar de sus cabezas; [2] en 2011, una de las piezas se exhibió durante cinco meses en la plaza del Seagram Building antes de ser subastada en Christie's , donde Jose Mugrabi la vendió por $ 6 millones. [30] Actualmente se exhibe en el Aeropuerto Internacional Hamad en Doha , Qatar . [31] [32] La versión azul, conocida cariñosamente como "Blueno", se instaló en la Universidad de Brown en Providence, Rhode Island de 2016 a 2020. [33] [34] [35]
Para su exposición de 2007 en la galería Gavin Brown's Enterprise de Nueva York, Fischer excavó la sala principal de la galería, contratando a contratistas para cavar un hoyo de ocho pies donde había estado el piso y llamó al resultado You . [1] La obra fue descrita por el crítico de arte Jerry Saltz como "experimentalmente rica, llena de energía y entropía, repleta de caos y contradicción". [36]
Las esculturas de cera temporales de Fischer se han convertido en un icono de la práctica del artista. Fischer comenzó a hacer esculturas de cera a principios de la década de 2000, dando como resultado formas femeninas anónimas y toscamente recortadas. Hoy, sus esculturas de cera son retratos refinados de figuras importantes del mundo del arte que se encienden como velas y se derriten durante la duración de una exposición. Las obras de cera son casi exclusivamente retratos escultóricos de sujetos humanos, y el proceso de derretimiento se presta a la contemplación del existencialismo y el significado último del arte y su legado. [4]
Francesco 2017 es una escultura de cera de cuatro metros de alto del curador italiano Francesco Bonami , un amigo personal cercano del artista. La Galería Nacional de Australia adquirió Francesco en 2018, la primera adquisición bajo el liderazgo del nuevo director Nick Mitzevich . [37] Es la primera obra de Fischer que se incorpora a una colección en el hemisferio sur. [8]
Francesco 2017 representa a Bonami sobre un refrigerador abierto lleno de frutas y verduras. El refrigerador actúa como un pedestal, una sátira de la elevación de hombres importantes en pedestales de mármol. La figura mira fijamente su teléfono inteligente, en una posición "emblemática de nuestra era". [6] La cera derretida y las frutas y verduras en el refrigerador son una referencia al memento mori de la pintura holandesa del siglo XVII, donde se utilizan motivos como comida, velas, relojes de arena y calaveras como recordatorio de la mortalidad. [38] El artista no establece parámetros estrictos para la quema de la escultura. Se insertan mechas en varios lugares de la obra; todas las mechas se pueden encender a la vez para acelerar el proceso o se puede extender la vida de la obra limitando el número de mechas encendidas a la vez. La obra se puede encender de forma continua o esporádica. Una vez que la figura se haya derretido por completo, los restos se devolverán a la fundición suiza donde se hizo para volver a fundirla y regresar al museo para la próxima instalación. [8]
Mitzevich describió la adquisición a The Australian como “[la personificación] de lo que representa esta generación de arte”. [37] En otra entrevista con el Canberra Times, Mitzevich dice que la escultura demuestra que el arte contemporáneo “no es estático, está vivo y siempre cambiante, reflejando el mundo en el que vivimos”. [39]
La primera exposición individual a gran escala de Fischer fue Kir Royal en 2004 en el Kunsthaus Zurich en 2004. [6]
La primera exposición individual de Fischer en un museo estadounidense fue 'Urs Fischer: Marguerite de Ponty', exhibida en tres pisos del New Museum en 2009. La exposición, curada por el artista, presentó "instalaciones inmersivas y entornos alucinatorios". [40] A pesar de la amplia revisión de las obras escultóricas y de instalación de Fischer, la exposición fue descrita como "elegante e impresionantemente austera", [41] y fue bien recibida por los críticos.
En 2012, el Palazzo Grassi expuso una retrospectiva de la obra de Fischer, concebida por la artista y curadora Caroline Bourgeois. La exposición fue una reinterpretación del estudio londinense del artista e incluyó una muestra de maquetas, bocetos, notas, muebles y obras de arte. [4] Fischer fue el primer artista vivo en recibir una exposición monográfica en el Palazzo Grassi. [42]
En 2013, el MOCA realizó una gran retrospectiva de la obra de Fischer en sus dos sedes, The Geffen Contemporary y MOCA Grand Avenue. Esto incluyó la curaduría de las propias obras de Fischer, así como intervenciones físicas en el espacio como You 2007, donde el artista ha cortado enormes agujeros en la pared del museo, y una pieza interactiva Yes 2013 que consistió en muchos "experimentos escultóricos" en arcilla creados por los visitantes de la exposición. [43] Michelle Kuo , escribiendo para Artforum, describió las intervenciones como un desafío a los métodos "seriados y uniformes" de la curaduría contemporánea. [44] La cobertura en Los Angeles Times fue más crítica, comentando que el trabajo de Fischer era en gran medida derivado de artistas que vinieron antes, como Robert Gober, Marcel Duchamp y Bruce Nauman; y que la sátira del mundo del arte se sentía hueca considerando que la gran mayoría de las obras fueron prestadas de galerías y colecciones privadas. [45]
Las instalaciones y esculturas de Fischer se han exhibido en algunas exposiciones grupales y bienales en todo el mundo, incluyendo Manifesta 3 [46] y la Bienal de Venecia en 2003, 2007 y 2011. [47] Su exposición individual en la Kunsthaus Zürich en 2004, titulada "Kir Royal", fue su primera exposición individual a gran escala en un museo. [48] Las exposiciones importantes recientes incluyen "Not My House Not My Fire", Espace 315, Centre Pompidou , París (2004); "Mary Poppins", Blaffer Gallery , Art Museum of the University of Houston, Houston, Texas (2006); "Urs Fischer: Marguerite de Ponty", New Museum of Contemporary Art , Nueva York (2009-10); [49] "Skinny Sunrise", Kunsthalle Wien , Viena (2012); [50] “Madame Fisscher”, Palazzo Grassi , Venecia (2012); “Urs Fischer”, Museo de Arte Contemporáneo , Los Ángeles (2013); y “YES”, Deste Foundation Project Space, Hydra, Grecia (2013); [51] “Play”, Gagosian West 21st Street, Nueva York, 2018, “Maybe”, The Modern Institute, Glasgow (2018); “Dasha”, Gagosian, Davies Street, Londres (2018); “Big Clay #4 y 2 Tuscan Men”, Piazza della Signoria, Florencia (2017); “The Public & the Private”, Museo de la Legión de Honor, San Francisco (2017); “SIRENS”, Galerie Max Hetzler (2019); e “Images”, Gagosian, Beverly Hills (2019). [52]
En abril de 2022, Fischer inauguró su primera exposición institucional en América Latina en el Museo Jumex de la Ciudad de México. [53] [54] Las nuevas obras de velas creadas para la exposición presentan a los artistas Spencer Sweeney, Kembra Pfahler , la comerciante de arte Esthella Provas y el fundador Eugenio López Alonso . [55] La exposición fue curada por Francesco Bonami. [56] Ganó el PREMIO GNMH en 2016.
Un perfil de The New Yorker de 2009 decía: “El arte de Fischer, como el de él mismo, es muy memorable pero difícil de encasillar”. [57] El New York Times destacó la naturaleza progresista de su obra: “Implícitamente duchampianas pero maravillosamente experienciales, estas piezas parecen señalar el fin del arte de instalación, como las pinturas monocromáticas a veces parecen advertir el fin de la pintura”. [58]
Desde principios de la década de 2000 y hasta 2019, Fischer ha estado viviendo en una casa de la década de 1920 en el vecindario de Solano Canyon en Los Ángeles. [59] Anteriormente también vivió en Greenwich Village de Nueva York . [60]
Fischer estuvo en una relación con Cassandra MacLeod y de esa relación nació una hija. [57]
A finales de 2014, Fischer se casó con Tara Subkoff . [61]
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