La flauta mágica ( en sueco : Trollflöjten ) esla versión cinematográfica de 1975 dela ópera de Mozart La flauta mágica dirigida por Ingmar Bergman . Fue concebida como una producción televisiva y se mostró por primera vez en la televisión sueca el 1 de enero de 1975, pero fue seguida por un estreno en cines más tarde ese año. La obra es ampliamente considerada como una de las películas de ópera más exitosas jamás realizadas, [1] [2] [3] [4] y como un elemento inusual entre las obras del director. [5] La película ganó el premio BAFTA TV al mejor programa de televisión extranjero en 1976 [6] y fue nominada al Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera y al premio de la Academia al mejor diseño de vestuario .
La película se originó en la juventud de Bergman. Vio por primera vez La flauta mágica en la Ópera Real Sueca de Estocolmo cuando tenía 12 años y esperaba recrearla en el teatro de marionetas que tenía en casa; no pudo hacerlo porque no podía permitirse el costo de una grabación. [7] También cuando todavía era un niño, descubrió por casualidad el teatro barroco que sirvió de inspiración para su producción mucho más tardía:
De niño me encantaba pasear por el lugar. Un día de octubre me dirigí a Drottningholm (Estocolmo) para ver su singular teatro de la corte del siglo XVIII. Por alguna razón, la puerta del escenario estaba abierta. Entré y vi por primera vez el teatro barroco cuidadosamente restaurado. Recuerdo claramente lo fascinante que fue la experiencia: el efecto de claroscuro, el silencio, el escenario. En mi imaginación siempre he visto La flauta mágica viviendo dentro de ese viejo teatro, en esa caja de madera de gran acústica, con su suelo inclinado, sus telones de fondo y sus bastidores. Aquí reside la noble y mágica ilusión del teatro. Nada es; todo representa. En el momento en que se levanta el telón, se manifiesta un acuerdo entre el escenario y el público. Y ahora, ¡juntos, crearemos! En otras palabras, es obvio que el drama de La flauta mágica debe desarrollarse en un teatro barroco. [7]
En un momento dado, Bergman había esperado dirigir una producción en el Teatro de la Ciudad de Malmö . [7] El origen de su versión cinematográfica se remonta a la década de 1960, cuando Magnus Enhörning, director de la Radio Sueca , le preguntó por posibles proyectos y él respondió: "Quiero hacer La flauta mágica para la televisión". Enhörning aceptó de inmediato y apoyó el proyecto sin dudarlo. [7]
El libreto en alemán de La flauta mágica fue obra del colaborador de Mozart, Emanuel Schikaneder , quien también fue director de teatro y cantó Papageno en las primeras representaciones en 1791. Para la trama, véase La flauta mágica , y para detalles del libreto, véase Libreto de La flauta mágica .
En 1968, el poeta sueco Alf Henrikson preparó una versión en sueco del libreto para una representación de la Ópera Real Sueca , [8] que Bergman adoptó como base de su guión. Sin embargo, Bergman alteró el libreto en varios aspectos: Sarastro es el padre de Pamina, [9] se omiten los tríos del acto 2 y Papageno canta "Ein Mädchen oder Weibchen" [10] justo antes de ver a Papagena. En lugar de su habitual disfraz de plumaje, Papageno viste ropa convencional. [11] [12] Los papeles de los Tres Esclavos, papeles hablados originalmente asignados a actores adultos, se dan a niños, que son silenciosos. [13]
Evidon sugiere que los personajes de Frid y Petra en la película de Bergman de 1955 Sonrisas de una noche de verano , y Johan y Alma en su Hora del lobo (1968) prefiguran su concepción de Papageno y Papagena, y Tamino y Pamina respectivamente en La flauta mágica . [11] La última película incluye una secuencia de teatro de marionetas de parte del acto 1 de la ópera. [11] Evidon también ve un paralelo entre el tratamiento de Bergman de Sarastro y Amfortas en Parsifal . [11]
Al producir la ópera, Bergman buscó cumplir su sueño temprano de una producción en el Teatro del Palacio de Drottningholm (uno de los pocos teatros barrocos sobrevivientes en el mundo). Este escenario también se aproximaría a las condiciones de la producción original de 1791 en el Theater auf der Wieden en Viena . [14] Las tomas exteriores introductorias de la película tienen la intención de sugerir que efectivamente se filmó en el teatro de Drottningholm. Sin embargo, el escenario en Drottningholm "se consideró demasiado frágil para acomodar a un equipo de filmación. Por lo tanto, el escenario, completo con bastidores, cortinas y máquinas de viento, fue copiado minuciosamente y erigido en los estudios del Instituto de Cine Sueco ". [14]
Bergman le pidió a su amigo Hans Schmidt-Isserstedt que dirigiera la ópera, pero él se negó en redondo. El director del coro Eric Ericson también se negó en un principio, pero Bergman lo convenció más tarde para que se hiciera cargo. [7]
El vestuario fue obra de Henny Noremark y Karin Erskine ; ambas recibieron una nominación al Premio de la Academia por su trabajo.
La película es conocida por ser la primera película hecha para televisión (y filmada en la relación de aspecto de 4:3, el formato estándar de la televisión en ese momento) con una banda sonora estéreo. [14] Se filmó en película de 16 mm como medida de ahorro, pero se estrenó en el formato estándar de cine de 35 mm. El director de fotografía fue el colega de Bergman durante mucho tiempo, Sven Nykvist . [15]
El proceso de creación de la película comenzó con una sesión de grabación, que comenzó el 6 de abril de 1974, en el Teatro Circus de Estocolmo. [16] Además de los cantantes que aparecieron en la película, las fuerzas musicales incluyeron a la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca y al propio coro de Ericsson, el Coro de la Radio Sueca . [17] Esta grabación proporcionó una versión cuidadosamente cantada con audio balanceado, con la que los cantantes sincronizaron más tarde su canto mimético durante la filmación. Esta última comenzó el 16 de abril de 1974 en Filmhuset en Estocolmo, Studio 1, y se completó en julio. [16] La película tuvo su primera proyección en el antiguo granero de la casa de Bergman en Fårö (que acababa de transformarse en un cine) en una tarde de agosto del mismo año. [18]
Bergman escribió más tarde (en su libro Imágenes ) sobre cómo elegía a sus cantantes.
Como no estábamos representando La flauta mágica en un escenario, sino delante de un micrófono y una cámara, no necesitábamos voces potentes. Lo que necesitábamos eran voces cálidas, sensuales y con personalidad. Para mí también era absolutamente esencial que la obra fuera interpretada por actores jóvenes, naturalmente cercanos a vertiginosos cambios emocionales entre la alegría y la tristeza, entre el pensamiento y el sentimiento. Tamino debía ser un joven apuesto. Pamina debía ser una joven hermosa. Por no hablar de Papageno y Papagena. [7]
El Instituto de Cine Sueco enumera algunas de las otras personas que aparecen muy brevemente durante la obertura como miembros de la audiencia: el propio Ingmar Bergman, su hijo Daniel Bergman , su esposa Ingrid von Rosen , Erland Josephson , Lisbeth Zachrisson , el director de fotografía de la película Sven Nykvist , János Herskó , Magnus Blomkvist, la coreógrafa de la película Donya Feuer y Lars-Owe Carlberg. [22] [23]
Bergman no pretendía contar la historia con una representación cinematográfica realista de un mundo de cuento de hadas, sino con una representación realista de un acontecimiento teatral que, a su vez, retrata un mundo de cuento de hadas. Para ello, recuerda constantemente al espectador el contexto teatral, por ejemplo, mostrando al público. Cuando comienza la obertura, la pantalla se llena con un primer plano del rostro de una jovencita, profundamente absorta en la representación. A medida que avanza la música (nunca se muestra la orquesta), esta vista da paso a primeros planos de muchos rostros diferentes entre el público: rostros de muchas razas, edades y clases. Después de que comienza la acción, la jovencita reaparece brevemente de vez en cuando, y sus expresiones faciales a menudo reflejan la música.
Otra forma en que Bergman recuerda al espectador que la película es un acontecimiento teatral es mostrando abiertamente la escenografía mecánica del teatro del siglo XVIII. La escenografía de la época difícilmente podía rivalizar en realismo con los efectos de hoy en día, pero era fluida y rápidamente cambiante. [24] Así, cuando la Reina de la Noche llega por primera vez, el día se convierte en noche mientras presenciamos cómo se mueven los telones de fondo para crear la nueva escena. De manera similar, cuando Papagena y Papageno se descubren alegremente en un paisaje invernal, el repique de las campanas mágicas cambia rápidamente el escenario de invierno a primavera mientras los dos personajes se quitan mutuamente las prendas de invierno. La llegada de los Tres Muchachos descendiendo en un globo aerostático del siglo XVIII encantadoramente decorado representa un fiel reflejo por parte de Bergman del libreto original de Schikaneder; el teatro de Schikaneder abundaba en dispositivos mecánicos de este tipo.
Durante toda la representación y durante el intermedio, podemos ver el teatro desde detrás del escenario. Tamino toca su flauta mientras, entre bastidores, vemos a Papageno (respondiendo a la flauta de Tamino) y a Pamina. En este punto de la trama, Pamina y Tamino aún no se han conocido. Lo contrario ocurre cuando Pamina y Papageno están en el escenario y, esta vez, es Tamino quien aparece sentado en una escalera entre bastidores respondiendo a la flauta de pan de Papageno. Antes, cuando Papageno canta su primera aria, vemos a Papagena aparecer desde las vigas, pero en este punto, ellos tampoco se han conocido todavía. Durante el intermedio, los sacerdotes de Sarastro se reúnen en el escenario, preparándose para el consejo sacerdotal que dará comienzo al segundo acto. El propio Sarastro (Ulrik Cold fuera de personaje, lleva gafas) está sentado leyendo la partitura de Parsifal (en ese momento, Cold estaba ensayando para una grabación de la ópera) mientras la cámara enfoca a un niño que interpreta a uno de los esclavos de Monostatos leyendo un cómic del Pato Donald . Birgit Nordin se arregla el maquillaje, preparándose para su aparición posterior bajo una iluminación de colores grotescos mientras canta su aria del segundo acto " Der Hölle Rache ". [25] Finalmente, cuando el telón está a punto de levantarse para el segundo acto, otro de los niños esclavos de Monostatos mira a través de una mirilla baja en la cortina y se le une Sarastro, que mira a través de una más alta.
Una de las ventajas de estos vistazos entre bastidores es que los propios cantantes se parecen a los personajes que interpretan. [26] Por ejemplo, antes de la primera entrada de Papageno, hay un corte a Håkan Hagegård (el actor de Papageno) en el camerino, detrás del escenario. De repente, para estar listo para su entrada, salta de su cama y corre hacia los bastidores, donde toca las notas adecuadas con su flauta, luego un tramoyista (vestido como uno de los murciélagos que Tamino encuentra más adelante en el acto 1) lo ayuda a entrar en su jaula de pájaros y, de esta manera, logra hacer su entrada en el momento justo. [27] Así, Hagegård es visto como tan poco fiable e imperturbable como Papageno. Durante el intermedio, la Reina de la Noche (Birgit Nordin) y las Tres Damas, que ya han sido reveladas como malvadas, son vistas fumando cigarrillos frente a un cartel de "Prohibido fumar". Se ve a Pamina y Tamino (Irma Urrila y Josef Köstlinger) durante el intermedio jugando tranquilamente al ajedrez en el camerino, lo que quizás refleja la castidad de su relación como personajes de la ópera. [28] Ulrik Cold estudia su papel para Parsifal con no menos seriedad que la que le da al papel de Sarastro.
Aunque la película enfatiza el contexto del antiguo teatro, también incluye muchos efectos que son puramente cinematográficos. Así, hay muchos primeros planos de los cantantes. Mientras Tamino mira el relicario que contiene la foto de Pamina, cobra vida dentro del relicario, con el rostro siniestro de Monostatos vislumbrado por encima de su hombro. La escena en la que los Tres muchachos evitan el casi suicidio de Pamina tiene lugar en la nieve, y claramente no en el escenario del teatro. [29]
La película fue un gran éxito. En su estreno televisado el día de Año Nuevo de 1975, llegó a un tercio de la población de Suecia, [30] y en su estreno en cines creó "pandemonio en las taquillas de todo el mundo" ( Pauline Kael ) [31] y deleitó a muchos críticos. [32] En su reseña en The New Yorker , Kael escribió:
La versión cinematográfica de La flauta mágica de Ingmar Bergman es un regalo maravilloso, un modelo de cómo se puede filmar una ópera. Bergman debe haber alcanzado una nueva y serena seguridad para haber abordado esta ópera sensual y exuberante que ha desconcertado a tantos directores de escena, y haberla llevado a cabo con tanta naturalidad. Es una producción absolutamente sencilla, que aún conserva su esplendor. [33]
La película se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1975 , pero no participó en la competición principal. [34] Ganó un premio especial en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . El crítico de cine Roger Ebert clasificó a la película en el tercer lugar de su lista de las 10 mejores películas de 1975. [35]
En el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes , La flauta mágica tiene un índice de aprobación del 92 % basado en 25 reseñas, con una puntuación media de 8,00/10. El consenso crítico del sitio dice: "Fluida y alegre, la puesta en escena filmada de Ingmar Bergman de La flauta mágica de Mozart captura la alegría y la sátira de la ópera con estilo escandinavo". [36]
El estreno en cines generó ganancias suficientes para mitigar las críticas anteriores de que la Radio Sueca había dedicado demasiados fondos a un solo gran proyecto. [37] Finalmente, surgió un cuerpo sustancial de estudios críticos centrados en la película. [38] De los cantantes, Håkan Hagegård tuvo una destacada carrera internacional en ópera y recitales.
La película fue reseñada desde una perspectiva musical por Richard Evidon, quien le rindió a Bergman el cumplido de elogiar la película como una realización de la propia visión de Mozart: "Solo Ingmar Bergman podría haber hecho esta Flauta mágica ; pero parte de su logro es permitirnos olvidar la mano del director mientras miramos y nos acercamos al sublime trabajo de Mozart". [11] La película fue incluida en la lista de las 10 grandes películas de ópera del British Film Institute en 2017. [39]
Tras la remasterización realizada por el Swedish Film Institute , el BFI publicó una edición en Blu-ray en 2018; el crítico de Opera destacó las "imágenes nítidas y el sonido dinámico, que resaltan el cuidado espacial con el que Bergman combina la música con la palabra y la imagen". La restauración se acompañó con In Mozart's Footsteps (Dunn, 1938), la animación Papageno ( Reiniger , 1935) y On Such a Night ( Asquith , 1955). [40]
los críticos... invariablemente consideran La flauta mágica como una anomalía en el canon de Bergman, como una extensión de su papel interpretativo como director teatral más que de la autorrevelación manifiesta en sus películas.
Besch (1991), quien de hecho sugiere que la relativa lentitud de los decorados modernos, que ocupan un escenario mucho más grande, es una barrera para las representaciones teatrales contemporáneas efectivas de la ópera.