Tarō Okamoto (岡本 太郎, Okamoto Tarō , 26 de febrero de 1911 - 7 de enero de 1996) fue un artista, teórico del arte y escritor japonés. Es particularmente conocido por sus pinturas, esculturas y murales públicos de vanguardia , y por su teorización de la cultura tradicional japonesa y las prácticas artísticas de vanguardia .
Taro Okamoto era hijo del dibujante Okamoto Ippei y del escritor Okamoto Kanoko . Nació en Takatsu , en Kawasaki, Prefectura de Kanagawa .
En 1927, a la edad de dieciséis años, Okamoto comenzó a recibir lecciones de pintura al óleo del artista Wada Eisaku . En 1929, Okamoto ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Tokio (hoy Universidad de las Artes de Tokio ) en el departamento de pintura al óleo. [1]
En 1929, Okamoto y su familia acompañaron a su padre en un viaje a Europa para cubrir el Tratado Naval de Londres de 1930. Mientras estuvo en Europa, Okamoto pasó un tiempo en los Países Bajos , Bélgica y París , donde alquiló un estudio en Montparnasse y se matriculó en un liceo en Choisy-le-Roi . Después de que sus padres regresaron a Japón en 1932, permaneció en París hasta 1940. [1]
Gran parte de la educación formativa de Okamoto se produjo durante su estancia en París. En 1932, comenzó a asistir a clases en la Sorbona , y se matriculó en el departamento de letras donde estudió filosofía y se especializó en estética . Asistió a conferencias sobre estética hegeliana de Victor Basch . [1] En 1938, Okamoto, junto con muchos otros artistas parisinos de la época, comenzó a estudiar etnografía con Marcel Mauss , y más tarde aplicaría esta lente etnográfica a su análisis de la cultura japonesa. [1] [2] [3]
Okamoto también comenzó a establecerse como pintor en París, trabajando con los artistas de vanguardia parisinos. Se inspiró en Jarra y cuenco de frutas (1931) de Pablo Picasso , que vio en la Galería Paul Rosenberg , y en 1932 comenzó a presentar con éxito sus propias pinturas para su exposición en el Salon des surindépendants, por las que recibió algunas críticas positivas. . De 1933 a 1936 formó parte del grupo Abstraction-Création , y mostró obras en sus exposiciones. [4] Participó en el grupo de discusión intelectual francés Collège de Sociologie y se unió a la sociedad secreta fundada por Georges Bataille , Acéphale . Su pintura Itamashiki ude (“Brazo herido”) se incluyó notablemente en la Exposición Surrealista Internacional de París en 1938. [5]
Okamoto conoció y se hizo amigo de muchas figuras destacadas del arte de vanguardia en París, entre ellas André Breton , Kurt Seligmann , Max Ernst , Pablo Picasso , Man Ray , Robert Capa y la pareja de Capa, Gerda Taro , quien adoptó el nombre de pila de Okamoto como apellido. [6]
Okamoto regresó a Japón en 1940 porque su madre había muerto, y por el estallido de la Segunda Guerra Mundial . A su regreso, encontró cierto éxito artístico en Japón, ganando el Premio Nika en la 28ª Exposición de Arte Nika en 1942. El mismo año, también realizó una exposición individual de obras que había completado en Europa, en los grandes almacenes Mitsukoshi en Ginza . [7]
En 1942, Okamoto fue reclutado en el ejército como artista encargado de documentar la guerra y partió para servir en China . [8] Regresó a Japón en 1946 después de pasar varios meses en un campo de prisioneros de guerra en Chang'an . Durante su ausencia, su casa familiar y todas sus obras fueron destruidas en un ataque aéreo . [7]
Después de la guerra, Okamoto estableció un estudio en Kaminoge, Setagaya , Tokio . Se convirtió en miembro de la asociación de artistas Nika-kai (Sociedad "Segunda Sección") en 1947 y comenzó a exponer regularmente obras en la Exposición de Arte Nika. También comenzó a dar conferencias sobre arte moderno europeo y comenzó a publicar sus propios comentarios sobre arte moderno. [7] En 1948, él y el crítico de arte Kiyoteru Hanada establecieron el grupo Yoru no Kai ("Sociedad Nocturna"), cuyos miembros intentaron teorizar la expresión artística después de la guerra. Se disolvió en 1949. Hanada y Okamoto fundaron entonces el Abangyarudo Kenkyūkai ("Grupo de Investigación de Vanguardia") que asesoró a artistas y críticos más jóvenes como Tatsuo Ikeda , Katsuhiro Yamaguchi y Yūsuke Nakahara. Con el tiempo, estos grupos inspiraron a artistas más jóvenes a separarse y formar sus propios grupos de vanguardia. [9]
Okamoto, un nombre prominente en el establishment del arte, comenzó a tener una serie de exposiciones individuales en la década de 1950, en lugares tan prestigiosos como las galerías de arte de los grandes almacenes Mitsukoshi en Nihonbashi , Tokio , y los grandes almacenes Takashimaya en Osaka . Su trabajo fue incluido en la presentación japonesa en la 2.ª Bienal de São Paulo en 1953 y en la 27.ª Bienal de Venecia en 1954. [10] Okamoto permaneció activo como miembro de Nika, al mismo tiempo que exponía en Yomiuri , que no contaba con jurado ni premio. Exposición independiente .
Desde la década de 1950 hasta el final de su carrera, Okamoto recibió numerosos encargos públicos para crear murales y grandes esculturas en Japón, incluidos edificios gubernamentales, edificios de oficinas, estaciones de metro, museos y otros lugares. Ejemplos notables incluyeron murales de cerámica para el antiguo edificio de oficinas metropolitanas de Tokio en Marunouchi , diseñado por Kenzō Tange y terminado en 1956, y cinco murales de cerámica para el Gimnasio Nacional Yoyogi de Tange para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964 . [11] [12]
Durante la década de 1950, Okamoto teorizó varias ideas estéticas clave que ayudaron a establecer su papel como intelectual público en la sociedad japonesa. [8] Primero, elaboró su teoría del “polarismo” ( taikyokushugi ), cuya declaración leyó en la inauguración de la Exposición Independiente Yomiuri en 1950. [13] En 1952, Okamoto publicó un influyente artículo sobre la cerámica del período Jōmon . Este artículo fue el comienzo de un largo compromiso con el Japón prehistórico, y su argumento de que la estética japonesa debería inspirarse en el antiguo período Jōmon ayudó a cambiar la percepción pública de la cultura japonesa. [8] Continuó escribiendo sobre la tradición japonesa y se convirtió en uno de los principales pensadores activos en la reevaluación de la tradición japonesa después de la Segunda Guerra Mundial. [14] Más tarde viajó por Japón para investigar la esencia de la cultura japonesa y publicó Nihon Sai-hakken－Geijutsu Fudoki (“Redescubrimiento del Japón－Topografía del arte”) (1962) y Shinpi Nihon (“Misterios en Japón”). ") (1964), ampliamente ilustrado por fotografías que realizó durante sus viajes de investigación. Estos trabajos fueron una extensión de su interés etnográfico y tomar sus propias fotografías ayudó a proporcionar evidencia sólida de sus observaciones.
Como parte de sus viajes por Japón, en 1959 y 1966, Okamoto visitó Okinawa . Quedó impresionado por lo que vio como restos de una vida más simple e indígena allí. En 1961 publicó Wasurerareta Nihon: Okinawa bunka-ron ("Japón olvidado: sobre la cultura de Okinawa"), que incluía muchas fotografías de su viaje. El libro recibió el Premio de Cultura de Publicación Mainichi. [15] Muchas de las fotografías de Okamoto retomaron temas de Okinawa ya fotografiados por otros fotógrafos japoneses, como Ihei Kimura y Ken Dōmon . [16] Su interés en Okinawa puede verse como parte de un interés japonés moderno más amplio en ver a Okinawa como un depósito persistente de tradición, en contraste con las islas principales japonesas en rápida modernización. [17]
En 1967, Okamoto visitó México , donde trabajó en un importante encargo de mural y filmó un programa para la televisión japonesa titulado “El Nuevo Mundo: Okamoto Tarō explora América Latina”. [18] Okamoto se inspiró profundamente en la pintura mexicana y la vio como una vía para reorientar la atención del mundo del arte japonés lejos de los países occidentales. Imaginó una asociación entre los mundos del arte japonés y mexicano para lanzar una nueva estética del arte moderno no occidental, y vio afinidades entre la cultura Jōmon japonesa y el arte precolombino en México. En sus obras posteriores aparecerían alusiones al arte mexicano. [19]
Okamoto continuó viajando, escribiendo y produciendo obras de arte público en la década de 1970. También comenzó a producir grabados, experimentando con la serigrafía y la impresión en cobre .
El logro más notable de Okamoto de la década de 1970 fue su participación en la Exposición Mundial de Japón de 1970 en Osaka ( Expo '70 ), para la cual diseñó y produjo el Pabellón Temático central, que incluía una escultura monumental titulada Torre del Sol , una exposición en y alrededor la torre y dos torres más pequeñas. [20] La apariencia distintiva de la Torre del Sol fue influenciada por la experiencia de Okamoto en el surrealismo europeo , su interés en el arte mexicano y la cerámica Jōmon . [21] El pabellón fue visitado por más de 9 millones de personas durante la Expo '70 y hoy se conserva en el Parque Conmemorativo de la Expo . [22]
Hacia el final de su carrera, Okamoto comenzó a recibir muchas más exposiciones individuales de su trabajo. En 1986, varias de sus primeras pinturas se incluyeron en una importante exposición de artistas japoneses de vanguardia, Japon des Avant-Gardes 1910-1970 en el Centro Pompidou de París . [23] En 1991, sus obras principales fueron donadas a la ciudad de Kawasaki , y en 1999 se abrió un museo en su honor, tras su muerte en 1996.
Aunque quedan muy pocas de las pinturas de Okamoto de antes de la guerra, durante el comienzo de su carrera en París se interesó por la abstracción y mostró varias obras con el grupo Abstraction-Création . Sin embargo, con el tiempo se sintió insatisfecho con las limitaciones de la abstracción pura y comenzó a incluir imágenes más representativas en sus pinturas. La finalización de Itamashiki ude (“Brazo herido”) , que fusionaba abstracción y representación, convenció a Okamoto de que debía abandonar el grupo Abstraction-Création y explorar otros modos de pintura. Itamashiki ude , que parece representar a una niña a través de la representación de un brazo, un hombro, un cabello y un lazo rojo brillante, inquietantemente no incluye cabeza ni cuerpo humano, y el brazo en sí desafía las expectativas con franjas abstractas de carne y tonos rosa chicle. . Aunque la obra fue celebrada por los surrealistas en París, Okamoto optó por no unirse al grupo. [24] Las pinturas de posguerra de Okamoto, al igual que sus murales y esculturas públicas, continuaron basándose en la abstracción y el surrealismo , pero también fueron influenciadas por su teoría del polarismo y por su descubrimiento de las artes prehistóricas. La ley de la jungla (1950), una de sus pinturas más famosas, representa una monstruosa criatura parecida a un pez rojo con una enorme columna vertebral en forma de cremallera devorando una figura humana. [25] Pequeñas formas humanas y animales en vibrantes colores primarios rodean a la criatura central, flotando a través del brillante entorno de la jungla verde . Muchas de las características clave de esta obra (la mezcla de abstracción y formas antropomórficas surrealistas , colores vibrantes y un plano pictórico plano) continuaron en sus pinturas durante el resto de su carrera.
Durante su viaje a México en 1967, Okamoto pintó un mural al óleo sobre lienzo de 5,5 x 30 metros, titulado Asu no shinwa ("Mito del mañana") , para el Hotel de México en la ciudad de México de Manuel Suárez y Suárez que estaba siendo construido para los Juegos Olímpicos de 1968. [26] El subtítulo del mural es “ Hiroshima y Nagasaki ”, y en consecuencia la pintura ilustra un paisaje de destrucción nuclear donde un esqueleto arde en rojo y emite protuberancias blancas puntiagudas. Las imágenes circundantes aluden a acontecimientos de desastre nuclear, como el incidente con Lucky Dragon #5 . [27] El hotel nunca se completó y, por lo tanto, el mural nunca se instaló ni se exhibió. Luego de estar perdido durante 30 años en México, el 17 de noviembre de 2008, el mural fue develado en su nueva ubicación permanente en la Estación Shibuya , Tokio . [28]
La Torre del Sol de Okamoto se convirtió en el símbolo de la Expo '70 en Osaka. Con una altura de 70 metros, la forma humanoide fue creada en concreto y estuco rociado, con dos brazos en forma de cuerno, dos caras circulares y una cara de metal dorado unida en su punto más alto. En su conjunto, representa el pasado (parte inferior), el presente (parte media) y el futuro (el rostro) de la raza humana. Los visitantes ingresaban por la base de la escultura y luego ascendían por ella en escaleras mecánicas junto al llamado "Árbol de la Vida", un árbol escultórico que muestra la evolución de criaturas desde organismos primitivos hacia formas de vida más complejas. Luego los visitantes salían por los brazos de la escultura. [29] Construido poco después de la visita de Okamoto a México , el proyecto también se inspiró en imágenes precolombinas . Al mismo tiempo, la forma de la torre se parecía a las figuras de Jōmon ( dogū ) y aludía al retrato cubista de Picasso. [20] A diferencia del apocalíptico Asu no shinwa ("Mito del mañana") , la Torre en última instancia tenía un mensaje más positivo: las inspiraciones eclécticas de sus imágenes sugerían la posibilidad de un arte moderno más global, y Okamoto imaginó la torre y sus alrededores. plaza para facilitar una gran reunión –en lugar de una gran destrucción– de personas. [22]
Tanto Asu no shinwa como Tower of the Sun muestran imágenes que se encuentran en gran parte de las obras de arte públicas de Okamoto. Obras en un estilo similar incluyen Wakai tōkeidai (“Joven Torre del Reloj”) (1966) en Ginza , Tokio , Wakai taiyō no tō (Torre del Sol Joven) (1969) en Inuyama , prefectura de Aichi , y Kodomo no ki (“Árbol of Children") (1985) en Aoyama , Tokio .
La idea de Okamoto de taikyokushugi (polarismo) nació de su asistencia a conferencias sobre Hegel mientras estaba en París . Cuestionó la dialéctica y rechazó la noción de síntesis, creyendo más bien que la tesis y la antítesis (polares opuestos) en realidad podían permanecer separadas, lo que resultaría en una fragmentación permanente en lugar de unidad o resolución. [30] Esta teoría, propuesta poco después de la Segunda Guerra Mundial , era en muchos sentidos una estética que se oponía directamente a la totalidad visual y la armonía de la pintura japonesa de tiempos de guerra. [31] En términos de su aplicación al arte, Okamoto vio la pintura abstracta como una síntesis: unía el color, el movimiento y los diversos sentidos en una sola obra. La ley de la jungla (1950), sin embargo, está permanentemente fragmentada: los elementos individuales están claramente descritos en líneas y colores, pero resisten cualquier identificación y flotan en el espacio pintado sin ninguna conexión entre sí. También hay una fuerte tensión entre planitud y profundidad, claridad y oscuridad, primer plano y fondo, figurativo y abstracto. También se cree que Dawn (1948) y Heavy Industry (1949) son ejemplos de polarismo. [32]
La teoría Jōmon de Okamoto se ha convertido en una de las contribuciones teóricas más influyentes a la estética y la historia cultural japonesas del siglo XX . [33] La teoría se introdujo por primera vez en su ensayo fundamental “ Jōmon doki ron: Shijigen to no taiwa ” (“Sobre la cerámica Jomon: Diálogo con la cuarta dimensión”), publicado en la revista Mizue en 1952. Inspirado en un viaje a Tokio. Museo , donde vio vasijas de barro y dogū del período prehistórico Jōmon , el artículo abogaba por un replanteamiento completo de la estética japonesa. [34] Okamoto creía que la estética japonesa hasta ese momento se había basado en la estética de la cerámica prehistórica del período Yayoi , que era simple, tenue, sobria y refinada. Esta fundación dio lugar a lo que muchos consideraban conceptos estéticos tradicionales japoneses, como el wabi-sabi . [35] [36] Por el contrario, los patrones y diseños enérgicos, ásperos y misteriosos de la cerámica Jōmon ofrecían una expresión dinámica y auténtica que faltaba en el Japón contemporáneo. Sostuvo que los artistas japoneses deberían perseguir el mismo poder dinámico y misterio para alimentar su propio trabajo, inspirándose en esta cultura más “primitiva” de sus antepasados. [37] La comprensión de Okamoto de la estética japonesa se basó en gran medida en sus estudios etnográficos y encuentros con el surrealismo en París, pero en lugar de exotizar los objetos etnográficos, utilizó objetos Jōmon específicamente para construir una base teórica nativa para las prácticas artísticas de vanguardia japonesa. [34]
A pesar del interés de Okamoto por el arte prehistórico, no abogó por ninguna preservación directa del pasado en el arte contemporáneo. Su libro más vendido Konnichi no geijutsu (El arte de hoy), publicado en 1954, alentó a los artistas jóvenes a destruir violentamente cualquier sistema artístico del pasado y reconstruir un mundo del arte japonés igual al mundo del arte occidental. [25] Esto podría verse como una forma de defender una forma de energía y expresión al estilo Jōmon .
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Una obra de Taro Okamoto perdida hace mucho tiempo fue descubierta en los suburbios de la Ciudad de México en el otoño de 2003. Se trata de un enorme mural titulado "El mito del mañana". Representa el trágico momento en que explotó la bomba atómica. La obra transmite la fuerte fuerza de Taro Okamoto. mensaje de que la gente puede superar con orgullo hasta la tragedia más cruel y que tras ella nacerá "El Mito del Mañana". Sin embargo, la obra había estado abandonada durante muchos años en un ambiente pobre y gravemente dañada. La Fundación del Museo Conmemorativo de Okamoto lanzó el Proyecto de Restauración "Mito del Mañana" para transportar la obra a Japón, restaurarla y luego exhibirla ampliamente al público. La restauración se completó en junio de 2006 y se llevó a cabo la primera visualización pública de la obra. en Shiodome en julio del mismo año, atrayendo un total de 2 millones de visitantes en un corto período de 50 días. Posteriormente, la obra fue expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio de abril de 2007 a junio de 2008, y en marzo de 2008 se decidió instalar permanentemente la obra en Shibuya, donde ha estado expuesta desde el 18 de noviembre de 2008 en el pasaje de conexión de Shibuya Mark City. En el verano de 2023 se realizaron más trabajos de restauración. [38]
Gran parte del trabajo de Okamoto se conserva en el Museo de Arte Tarō Okamoto en Kawasaki y en el Museo Conmemorativo Tarō Okamoto, que se encuentra en el antiguo estudio y casa del artista construido por el arquitecto Junzō Sakakura en 1954 en Aoyama , Tokio . Ambos museos organizan exposiciones especiales que abordan temas clave de la obra de Okamoto, como los artefactos Jōmon , Okinawa y obras de arte públicas. Las obras de Okamoto también se encuentran en el Museo Solomon R. Guggenheim , el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio , el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto y el Museo de Arte Moderno de Toyama .
El Premio Tarō Okamoto de Arte Contemporáneo (Premio TARO) se creó en 1997 y está dirigido por el Museo de Arte Tarō Okamoto de Kawasaki. El premio se otorga anualmente a jóvenes artistas contemporáneos que crean arte de la próxima generación y que muestran la creatividad y la individualidad que él defendió en El arte de hoy (1954). [39]
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