Sonya Clark (nacida en 1967, Washington, DC) [1] es una artista estadounidense de ascendencia afrocaribeña . Clark es una artista textil conocida por utilizar una variedad de materiales, incluidos cabello humano y peines, para abordar la raza, la cultura, la clase y la historia. [2] Sus conjuntos de tocados de cuentas y su serie de pelucas trenzadas de finales de la década de 1990, que recibieron elogios de la crítica, evocaron las tradiciones africanas de adorno personal y trasladaron estas formas comunes al ámbito de la expresión personal y política. [3] Aunque el arte africano y su origen caribeño son influencias importantes, Clark también se basa en prácticas de ensamblaje y acumulación utilizadas por artistas como Betye Saar y David Hammons . [3]
El padre de Clark era un psiquiatra de Trinidad , mientras que su madre era una enfermera de Jamaica . [4] Clark fue influenciada por los artesanos de su familia, incluida una abuela que trabajaba como sastre y un abuelo que era fabricante de muebles. [5]
Clark se graduó en la Sidwell Friends School en 1985. Luego recibió una licenciatura en psicología del Amherst College en 1989. Continuó recibiendo una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1993, donde estudió con los artistas Nick Cave (artista de performance) , Anne Wilson y Joan Livingstone . En 1995, Clark recibió una maestría en Bellas Artes de la Academia de Arte Cranbrook .
En 2011, Clark recibió el primer premio Distinguished Mid-Career Alumni Award de la Cranbrook Academy of Art. [6] Ha recibido cuatro doctorados honoris causa. En 2015, recibió un doctorado honoris causa del Amherst College. [7] En 2021, recibió dos doctorados honoris causa adicionales del Maine College of Art en Portland, Maine [8] y del Franklin and Marshall College en Lancaster, Pensilvania. [9] En 2023, fue la oradora de la ceremonia de graduación [10] y recibió otro doctorado honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. [11]
Clark cita al profesor Rowland O. Abiodun , del Amherst College, como una influencia temprana en sus estudios sobre la conexión entre su cultura caribeña y la cultura yoruba , que se vio reforzada por un viaje de posgrado a Costa de Marfil, donde aprendió a tejer en un telar manual. Clark también cita a Nick Cave como un elemento fundamental para impulsar sus investigaciones sobre las fibras. [12]
Clark es profesora de arte en el Departamento de Arte e Historia del Arte del Amherst College . Entre 2006 y 2017, fue directora del Departamento de Estudios de Materiales y Artesanía [13] y fue distinguida como investigadora distinguida. En 2016, recibió el premio Distinguished Scholars Award de toda la universidad [4] en la aclamada Escuela de Artes de la Virginia Commonwealth University [14] en Richmond, VA . El departamento está clasificado por US News & World Report como uno de los mejores del país. Antes de su nombramiento en VCU, fue profesora Baldwin-Bascom de Artes Creativas en la Universidad de Wisconsin-Madison [15] , donde recibió la titularidad con distinción y un premio HI Romnes. [16] [17]
Gran parte de la obra de Clark utiliza materiales y objetos humildes, como peines, cuentas de semillas, monedas, hilos y mechones de cabello. A través del uso de estos materiales, explora las formas en que las personas asignan funciones y connotaciones a las cosas. “Los objetos tienen un significado personal y cultural porque absorben nuestras historias y nos reflejan nuestra humanidad. Mis historias, tus historias, nuestras historias están contenidas en el objeto”, dice Clark. [18]
Clark es quizás más conocida por sus obras de arte que rinden homenaje a artesanos contemporáneos, como peluqueros y figuras afroamericanas notables. Ha estudiado con artesanos en lugares como Australia, Brasil, China, Costa de Marfil, Ghana, India e Indonesia, donde aprendió sobre sus medios, herramientas, técnicas y asociaciones culturales. [18] En su trabajo, la artesanía y la comunidad están entrelazadas; muchos de sus proyectos implican la participación y promueven la colaboración entre personas de distintas razas, géneros y grupos socioeconómicos. [19]
Una de las declaraciones del artista Clark describe su trabajo de la siguiente manera:
Utilizo la artesanía y los materiales para investigar la identidad. Los objetos simples se convierten en interfaces culturales. A través de ellos navego entre la armonía y la discordia. Cuando intento desentrañar cuestiones complejas, me siento instintivamente atraída por cosas que se conectan con mi narrativa personal como punto de partida: un peine o un mechón de cabello. Cargados de agencia, los objetos simples tienen la misteriosa capacidad de reflejarnos o absorbernos. Encuentro mi imagen, mi historia personal, en un objeto. Pero también es la capacidad del objeto de actuar como un rizoma, las múltiples formas en que puede ser descubierto o leído por una amplia audiencia lo que me atrae. Para sostener mi práctica, exprimo el objeto, su potencial, su imagen y su materialidad. Manipulo el objeto de una manera formal para involucrar al espectador en una conversación sobre el significado colectivo. Si desenredamos una tela juntos, ¿qué aprendemos en el proceso? ¿Cuál es la conexión entre los peines, el cabello y los textiles? ¿Puede un mechón de cabello contar una historia de vida o toda una historia cultural? Confío en que mis historias, sus historias, nuestras historias estén contenidas en el objeto. De esta manera, la "cosa" cotidiana se convierte en una lente a través de la cual podemos vernos mejor unos a otros. Un vocabulario visual derivado de objetos e imágenes forma un lenguaje que abarca desde lo vernáculo hasta lo político y lo poético". [20]
El Hair Craft Project es una serie de fotografías y obras en lienzo que se realizaron en colaboración entre la artista y peluqueros negros, a quienes Clark considera como practicantes de su propia forma de arte textil. Cada peluquero demostró sus habilidades y experiencia trabajando en el propio cabello de Clark, utilizando su cabeza como lienzo. El peinado resultante fue fotografiado y combinado con una obra en lienzo complementaria. [21] En cada lienzo, los peluqueros duplicaron el peinado realizado en el cabello de Clark utilizando hilo de seda. Este proyecto rompe las barreras entre la artesanía y el arte, el salón y las instituciones artísticas, mostrando que ambos espacios son sitios de habilidad, improvisación, sensibilidad estética y comercio. [19]
Según Clark, "los peluqueros son mis héroes. La poesía y la política de los especialistas en el cuidado del cabello negro son fundamentales para mi trabajo como artista y educadora. Sus manos, arraigadas en un rico legado, encarnan la capacidad de trazar un mapa de la cabeza con un peine y manipular la fibra que crece hasta darle una forma compleja. Estos artistas han dominado un oficio que para mí es imposible dar por sentado". [22] Afirma que "el cabello es poder" y que "como portador del ADN, el cabello contiene la esencia de la identidad". [23]
“Crecí trenzándome el cabello a mí y a mi hermana, así que, en cierto sentido, como muchas mujeres negras, me había estado preparando para ser artista textil durante mucho tiempo”. [24]
Clark consideró además la hebra de cabello como una herramienta de comunicación y trabajó con el diseñador gráfico Boquin Peng para crear un alfabeto basado en el patrón de rizos de su cabello llamado Twist. [12]
Las exploraciones de Clark con las banderas comenzaron con su tesis Kente Flag Project en 1995. [12] Este trabajo es una mezcla de elementos de la cultura africana y occidental/americana. [25] Clark utilizó específicamente los patrones Kente para la fuerza y la resistencia, el avance y el logro, y la prosperidad. [25] Los patrones tradicionales Kente, una estructura de tejido africano, se tejieron en un telar europeo y se combinaron con imágenes de la bandera estadounidense; el resultado fue una tela que contenía símbolos de identidad y orgullo cultural que se extendían a través de dos culturas. [26]
Desde 2009, Clark ha creado proyectos en serie en torno a la bandera de batalla confederada . [25] Presentó Unraveling en junio de 2015 en la ahora desaparecida galería Mixed Greens en la ciudad de Nueva York y luego en el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke, en octubre de 2016. [27] Su presentación de la exhibición en Louisville, Kentucky, en 2017 "fue la primera actuación bajo la administración [de Trump] y desde entonces el país se ha visto envuelto en un debate sobre la presencia y ramificaciones de las imágenes confederadas a raíz de la violencia en Charlottesville, Virginia , el verano pasado". [27] "El acto ahora es parte de un movimiento más amplio a través del cual los gobiernos estatales y locales están desmantelando estos objetos por un sentido del deber cívico". [27] Durante la exhibición, se anima a los miembros de la audiencia a unirse a Clark uno a la vez en el desenredado de una bandera confederada mientras ella explica su visión y demuestra cómo separar los hilos de la bandera. Según Goodman, "Clark se sitúa al lado de los participantes, hombro con hombro, mientras tiran de cada hebra de la bandera y se enfrentan a la realidad que representa". [27] En abril de 2018, Clark regresó a su alma mater, Amherst College , para interpretar "Unravelling" en el Mead Art Museum . [28]
En 2017, Clark creó una reproducción en tela de lino tejida a mano del paño de cocina blanco que usó un soldado confederado para rendirse en el Palacio de Justicia de Appomattox el 9 de abril de 1865. Esta pieza se conoce como "Monumental Cloth (sutured)". El artista espera que esta bandera de tregua se vuelva tan conocida como la bandera de batalla confederada. Tanto "Unravelling" como "Monumental Cloth (sutured)" estuvieron en exhibición en el Museo de Arte Mead desde el 5 de abril de 2018 hasta el 1 de julio de 2018. [29] Clark reprodujo la bandera de tregua con la intención de volver a llamar la atención sobre la bandera que negoció y sobre la Guerra Civil, cuestionando por qué los símbolos de la supremacía blanca, como la bandera de batalla confederada, se conmemoran en favor de los símbolos de la paz. Una extensión inmersiva más grande del proyecto "Monumental Cloth: the Flag We Should Know" se realizó en colaboración con The Fabric Workshop and Museum y se exhibió allí [30]. Su réplica ampliada de 450 pies cuadrados de la bandera de la tregua utilizada para la rendición confederada en Appomattox, Virginia, "Monumental", se encuentra en la colección permanente de la Galería Renwick del Museo Smithsonian de Arte Americano .
El trabajo de Clark ha sido exhibido en más de 500 museos y galerías en Europa, África, Asia, Australia y en todo el continente americano. Su trabajo está en la colección de muchos museos, incluido el Museo de Arte de Indianápolis , [31] el Museo de Arte de Delaware , el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo de Arte Contemporáneo de Madison y el Museo Brooks de Memphis . [32] Su trabajo ha sido revisado favorablemente en revistas como Art in America , [33] The New York Times , Sculpture , [34] Surface Design Journal , The Los Angeles Times , [35] Fiber Arts , New American Paintings , [36] Philadelphia Inquirer , Italian Vogue , Hyperallergic , Mother Jones y Huffington Post . [4]
Sonya Clark fue artista residente en el Centro McColl para el Arte y la Innovación en 2011. [37] Ha recibido varios premios, entre ellos un premio Anonymous Was a Woman , [38] una beca de artistas de los Estados Unidos , [39] [40] el premio Pollock-Krasner, [41] una residencia de la Fundación Rockefeller [42] en Italia, una beca Art Matters, [43] la residencia Red Gate [44] en China, una beca de la Junta de Artes de Wisconsin, una beca del Museo de Bellas Artes de Virginia , [45] una beca de la Comisión de las Artes de Virginia, [46] una beca Civitella Ranieri [47] en Italia, un premio 1858 de arte sureño contemporáneo del Museo Gibbes , [48] el ArtPrize 2014, coganador del Gran Premio con jurado y ganador del premio con jurado a la mejor obra bidimensional, [49] y una beca de investigación para artistas del Smithsonian. [50] Clark fue incluida en el American Craft Council College of Fellows en 2020. [51] Su trabajo se puede encontrar en muchos libros, incluidos Wrapped in Pride , Mami Wata , Hand + Made , [52] The Global Africa Project , Second Lives , Manufractured , [53] Material Girls, Contemporary Black Women Artists, [54] Pricked , African American Art and Artists , Choosing Craft y Master: bead-weaving [55] Su trabajo, Monumental, fue adquirido por el Smithsonian American Art Museum como parte de la Campaña del 50 aniversario de la Renwick Gallery . [1] [56] En 2023, el trabajo de Clark apareció en la exposición colectiva y la publicación que la acompaña Spirit in the Land , organizada y exhibida por el Nasher Museum of Art de la Duke University , que también viaja al Pérez Art Museum de Miami . [57] [58] [59]
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