On the Threshold of a Dream es el cuarto álbum de los Moody Blues , lanzado en abril de 1969 bajo elsello Deram . El álbum alcanzó la cima de las listas de álbumes, siendo el primer álbum número uno del grupo en el Reino Unido. [1] Según el guitarrista Justin Hayward , "Creo que Threshold es el álbum que define a los Moody Blues. Y es el que en los años 60 encontrabas en las casas de la gente cuando ibas, tenían ese álbum". [2]
El álbum fue grabado en enero de 1969 después de concluir la primera gira del grupo por Norteamérica. Lanzado en abril de 1969, nueve meses después de su predecesor, In Search of the Lost Chord y siete meses antes de su sucesor, To Our Children's Children's Children , el álbum marcó una época de intensa actividad creativa por parte de la banda. El guitarrista Justin Hayward recuerda: "Íbamos en un tren rápido en los años 60 con la cabeza gacha, trabajando duro en este material, sin hacer realmente mucho en la carretera. Simplemente volvíamos al estudio y avanzamos". [3]
Al igual que sus predecesores, On the Threshold of a Dream es un álbum conceptual, pero tiene un tema más suelto que Days of Future Passed y In Search of the Lost Chord . El título del álbum refleja las esperanzas del zeitgeist del flower power y la era del amor libre de Woodstock, y la esperanza de que la sociedad estuviera en la cúspide de una nueva era de conciencia, una nueva iluminación. El título fue acuñado por Mike Pinder en una conversación con su amigo y presentador de la BBC David Symonds . Pinder recuerda: "Aproximadamente a la mitad de la realización del álbum, cuando estábamos barajando algunos títulos, recuerdo hablar de cómo aquí estábamos, acabábamos de pasar por el 67 en caftanes ; todo el mundo estaba en la calle y era un momento divertido, y el flower power y todo ese tipo de cosas. Entonces, estábamos pensando, 'Oye, estamos al borde de una nueva conciencia, una nueva forma de ver las cosas'. Y entonces estábamos hablando de eso, y era como si estuviéramos 'al borde de un sueño humano, un sueño de humanidad', y Dave dijo 'umbral', y a mí se me ocurrió 'de un sueño', y fue perfecto". [4] El guitarrista Justin Hayward continúa: "Probablemente nos estábamos tomando demasiado en serio. Pero con toda la razón. Para hacer lo que estábamos haciendo teníamos que creer en ello. Salía del corazón. Pero en ese momento nos ganamos la reputación por eso. Sentí que estaba hablando en nombre de muchas otras personas a finales de los 60. Quería escribir sobre nuestra búsqueda de la iluminación, tan simple como eso. Todavía lo estoy haciendo". [5]
El bajista John Lodge recuerda el proceso creativo de la banda, cómo cada miembro aportaba ideas al grupo relacionadas con el tema del álbum y luego trabajaban en las canciones juntos mientras producían el álbum: "Colectivamente, todos teníamos el mismo tema. Pero como todos éramos personas diferentes y todos tocábamos cosas diferentes y sonábamos de manera diferente, cada canción era diferente aunque el tema fuera el mismo". [6] Continúa: "Cuando entrábamos al estudio, teníamos una mesa de café; solíamos sentarnos allí y hablar sobre una canción. Si había escrito una canción que quería para el álbum, se la tocaba al resto de los chicos cuando nos sentábamos alrededor de esa mesa, y todos los que estaban alrededor de esa mesa ponían su interpretación en esa canción. Tan pronto como tocabas la canción al resto de los chicos, realmente se convertía en una canción de Moody Blues. Tenías plena fe en el resto de los chicos de que iban a ser lo más creativos posible para hacer que esa canción funcionara al máximo nivel". [7]
El álbum comienza con una introducción hablada inspirada en el argumento filosófico de René Descartes Cogito, ergo sum , donde el narrador cuestiona y luego confirma su propia existencia, y luego cuestiona el significado de su existencia. Escrita por el baterista Graeme Edge , el tecladista Mike Pinder recuerda que la producción de la introducción fue un esfuerzo colaborativo entre los miembros del grupo. [8] "In the Beginning" presenta tres personajes, enumerados como "First Man", "Establishment" y "Inner Man" en las letras impresas provistas en la funda plegable del álbum. Hayward asume el papel de una persona solitaria ligeramente desconcertada que confirma su propia existencia. Edge, una figura burlona del establishment, confirma la existencia del primer hombre, pero insiste en que su propósito es ser un engranaje en una máquina corporativa. El primer hombre afirma tímidamente que cree que su existencia es más que eso, encontrando aliento en su "Hombre interior", hablado por Pinder, quien le dice que "mantenga la calma" y "siga pensando libremente".
El álbum se abre con la alegre canción "Lovely to See You", cuya letra acogedora sirvió más tarde como tema de apertura de conciertos durante la última parte de la carrera del grupo.
La letra de "Dear Diary" refleja la sensación de no poder relacionarse con el mundo que pasa a toda velocidad a tu alrededor. La canción presenta un comentario social un poco mordaz al cerrar con una entrada de diario mundana que relata un día de enviar cartas y mirar escaparates, seguida de un relato tenue de que "Alguien explotó una bomba H hoy... Pero no fue nadie que yo conociera", mientras la canción se desvanece. El ingeniero Derek Varnals recuerda a Thomas improvisando la narración final durante la grabación. Al mezclar el álbum, Varnals tuvo cuidado de desvanecer la pista en el momento adecuado para lograr el máximo efecto: "Sí, queríamos mantener eso porque era ingenioso y bastante divertido. Todo lo que teníamos que hacer era conseguir el tiempo correcto para el desvanecimiento. No queríamos que fuera demasiado fuerte, tenía que ser parte del desvanecimiento, y creo que lo hicimos bien". [9]
Tanto la animada "Send Me No Wine" como "To Share Our Love" están escritas por el bajista John Lodge . La letra de "Send Me No Wine" refleja un estilo de música country. Varnals sugiere que "'Wine' es en realidad una canción country y western. Cuando la toques, imagínala más lenta, con algunas repeticiones eliminadas. Escucha la canción y nota que las partes de Mellotron también se parecen mucho a una guitarra pedal steel". [10]
"So Deep Within You" de Mike Pinder fue posteriormente grabada por los Four Tops con acompañamiento instrumental de miembros de los Moody Blues. [11]
La segunda cara abre con "Never Comes the Day" de Hayward, una oda al amor no correspondido. Recuerda que la canción estuvo influenciada por sus luchas por encontrarle sentido a su vida en ese momento: "Fue un momento bastante difícil en mi vida. Fue una situación realmente dolorosa para alguien que era tan joven como yo en ese entonces. No estaba muy seguro sobre mi propia vida y lo que estaba haciendo y lo que era extraño y dónde estaba viviendo y la gente que me rodeaba, incluida la gente del grupo. Estaba simplemente cuestionándolo todo y al mismo tiempo tratando de vivir algunas de las filosofías de la época. Fue una época de fuertes caminos y rutas filosóficas sobre las que la gente escribía. Fue una especie de era de iluminación y búsqueda de iluminación". [12] El tono quejumbroso de la canción va creciendo hasta llegar a un crescendo con una exhortación a los oyentes a compartir sus sentimientos entre sí. Él explica: "Sentí que necesitaba construir algo que fuera más feliz y más optimista. Simplemente me salió de forma natural. Me gusta la dinámica en las canciones: luz y sombra. Me gustaba empezar tranquilo y subir de volumen". [13] La canción emplea una afinación en sol abierta , que Hayward recuerda haber aprendido mientras estaba de gira con Richie Havens : "Aprendí mucho en esos primeros años sobre acordes, afinaciones abiertas. "Question", que es una gran afinación en do abierta, y "Never Comes a Day", una sol abierta. Tocamos algunas veces con Richie Havens , y me mostró bastantes afinaciones entre bastidores en los conciertos en esa hermosa y vieja guitarra suya". [14]
"Lazy Day" de Ray Thomas y "Are You Sitting Comfortably" de Hayward introducen un estado de ánimo de somnolencia, preparando al oyente para la pieza central del álbum, la suite " Have You Heard " de Mike Pinder.
"Lazy Day" incorpora un poco de sátira, burlándose de aquellos que pasan sus días en un sentido de satisfacción. Con la línea "debe ser cordero hoy porque la semana pasada hubo carne de res", las notas del álbum de la reedición describen la letra como "un comentario mordaz sobre el domingo promedio para el trabajador británico". [15] La satisfacción de los versos contrasta con coros etéreos pero cínicos: "Es una vergüenza / Semana tras semana lo mismo / Así es como pasa tu vida / Hasta el día que mueres".
Según Hawyard, "Are You Sitting Comfortably" trata "sobre contar historias, pero elevada a una historia un poco psicodélica". [16] Su letra recuerda los días de los juglares medievales, con una guitarra punteada y letras llenas de imágenes vibrantes que incluyen "una flota de galeones dorados en un mar de cristal" y los "días gloriosos de Camelot" mientras Merlín lanza un hechizo de sueño. La canción toma su primera línea de un popular programa infantil, Listen with Mother , que siempre comenzaba con la misma línea y se asoció con la frase. [17] "Are You Sitting Comfortably" fue escrita hacia el final de las sesiones y, aparte de "The Dream", fue la última pista grabada para el álbum. Hayward recuerda: "Ya tenía el riff de guitarra y la secuencia de acordes, y tenía la primera línea y el título. Y luego simplemente tomamos la iniciativa. Ray contribuyó con muchas letras. Sé que lo primero que hizo fue esa segunda línea, "Una flota de galeones dorados, en un mar cristalino", que es una frase muy de Ray Thomas". [18]
La recitación del poema de Graeme Edge "The Dream" por parte de Mike Pinder introduce la secuencia onírica del álbum. Sus palabras sugieren que, así como la muerte en la naturaleza genera nueva vida, un espíritu de amor y desinterés puede ayudar a la sociedad a hacer realidad su sueño y alcanzar la iluminación. Edge explica: "Mi trabajo en aquel entonces era escribir un poema que de alguna manera insinuara todos los diversos temas para asegurarme de que la gente apuntara en la dirección correcta". [19]
"Have You Heard" data de al menos 1966, cuando una versión temprana apareció en el set en vivo de la banda. [20] Su letra repite el tema del álbum de iluminación. La canción enmarca "The Voyage", una pieza instrumental que se construye con cuerdas orquestales producidas por Mellotron y alcanza un crescendo con una melodía repetida en el piano antes de que los violonchelos dirijan una transición de regreso a una repetición de "Have You Heard". Varnals recuerda que la sección introductoria de "The Voyage" está influenciada por Así habló Zaratustra , habiendo sido utilizada en 2001: Una odisea del espacio , que fue lanzada varios meses antes de las sesiones del álbum. La pista tardó tres días en grabarse, con Mike Pinder trabajando principalmente solo en Mellotron, con violonchelos, piano y otros instrumentos sobregrabados tocados por el grupo. [21]
Al final de la repetición de "Have You Heard", el álbum concluye con el sonido electrónico monótono que abre el álbum. Producido por Mellotron , el sonido se reproduce continuamente en el surco de salida del álbum , lo que hace que se reproduzca de forma continua hasta que se levanta el brazo del tocadiscos . [22]
El álbum se grabó del 12 al 31 de enero de 1969, una vez más en el Studio One de Decca en su estudio de West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals , empleando el equipo de grabación Sculley de 8 pistas recién instalado en el estudio. La mezcla final del álbum se completó el 3 y 4 de febrero. [23] [24] Las sesiones normalmente duraban desde la tarde hasta bien entrada la noche, con el equipo creativo recluido en el interior del estudio. El productor Tony Clarke recuerda: "Trajimos alfombras, lámparas y ceniceros y grabamos en la oscuridad. Tenía que ser cómodo y acogedor. Las sesiones tendían a durar desde el mediodía hasta la medianoche". [25]
Justin Hayward recuerda: "Fue una época en la que estaba buscando y descubriendo diferentes religiones, experiencias psicodélicas; fue una verdadera época de descubrimiento para mí, siendo joven. Me drogaba mucho y me adentraba más en la música y en otras cosas. Sin duda, lo vi como una verdadera oportunidad de libertad musical en este disco... una forma de expresar el tipo de búsqueda que estábamos haciendo en nuestras vidas". [26]
El baterista Graeme Edge recuerda el ambiente creativo: "El álbum fue el único en el que realmente nos concentramos en la grabación y no teníamos prisas para hacer conciertos aquí y allá. Como acabábamos de salir de gira, la música que creamos combinó el conocimiento de las técnicas de estudio que habíamos adquirido al grabar In Search of the Lost Chord junto con la técnica que habíamos aprendido al tocar en el escenario todas las noches. Eso puede explicar la presencia de partes más instrumentales en On The Threshold Of A Dream ". [27]
En particular, el tema de apertura "In the Beginning" ofreció muchas oportunidades para que el grupo, junto con Clarke y Varnals, expresaran su creatividad en el estudio. El álbum comienza y termina con "el sonido de todo pero también de nada", creado mediante la producción de frecuencias altas y bajas en el Mellotron combinadas con "ruido rosa": Varnals explica: "Elegimos el tono y le pusimos mucha reverberación para que sonara en todas partes y en ninguna, si se quiere. Funcionó y parecía bastante atmosférico". Para respaldar la voz maniática de Graeme Edge, que sonaba como una computadora del establishment, durante la sección hablada, el grupo colocó los relojes de pulsera de todos dentro de un embudo con un micrófono. El sonido se combinó con el sonido del huso giratorio que formaba la mecánica interna de un Mellotron. El efecto general pretendía imitar la maquinaria y las vibraciones de un profesor loco empeñado en dominar. [28]
John Lodge reflexiona sobre cómo evolucionó el proceso creativo del grupo en el álbum: "Creo que con On The Threshold Of A Dream y To Our Children's Children's Children empezamos a convertirnos en una banda de estudio. Estábamos explorando lo que se podía hacer en cuanto a grabaciones, y no en cuanto a tocar en directo. Así que experimentábamos en todos los demás lugares para intentar hacer sonidos diferentes que grabábamos de forma completamente diferente. Fue una época interesante porque tiramos de la elasticidad de nuestros viajes musicales hasta donde pudimos llegar, creo". [29] Clarke añade: "Este álbum marcó el estándar para cómo grabamos futuros álbumes conceptuales. Es muy importante en muchos sentidos. Fue la primera vez que tuvimos verdadera libertad en el estudio. Esta fue nuestra primera oportunidad de que nos dejaran solos, sin hombres con batas blancas ni gente con portapapeles. Sigue siendo bastante encantador. Estoy orgulloso de gran parte de ello. En general, me alegro de que lo hayamos hecho". [30]
La portada del álbum, al igual que su predecesora, está diseñada por Phil Travers. Por primera vez, el álbum incorpora una funda plegable que permite un lienzo más grande para las ilustraciones del álbum. La banda repetiría esta práctica en sus siguientes álbumes. El flautista Ray Thomas recuerda haber negociado con su sello discográfico, Decca, sobre el costo adicional: "Les preocupaba que aumentara el costo de la funda en 2 peniques por álbum. Al principio, el jefe de producción nos dijo que si el álbum era tan bueno como decíamos que era, ¡podría guardarse en una bolsa de papel marrón! Finalmente, después de muchas protestas, logramos salirnos con la nuestra". [31] El espacio adicional permitió incluir, por primera vez, las letras del álbum, así como un ensayo del compositor Lionel Bart . [32]
La imagen de la portada muestra "una entidad metálica, tipo robot, que agarra distintas y variadas formas de vida y las aprieta con fuerza, representando la libertad de pensamiento, expresión y creatividad", [33] explica Mike Pinder, así como una imagen de Merlín lanzando un hechizo, Camelot y una flota de galeones dorados en un mar de cristal, imágenes inspiradas en la letra de "Are You Sitting Comfortably". [34] El bajista John Lodge recuerda: "Llevábamos a nuestro artista gráfico, Phil Travers, al estudio para escuchar cada tema a medida que lo terminábamos. También le dimos la letra para que pudiera obtener más ideas. Luego Phil esbozaba varios diseños de portada y todos nos sentábamos alrededor de una mesa de café y discutíamos lo que queríamos. Todos sentíamos que tanto la música como el diseño de la portada del álbum tenían que ser parte de un paquete especial y tenían que ser correctos". [35]
On the Threshold of a Dream fue lanzado el 25 de abril de 1969 en el Reino Unido [38] y el 30 de mayo de 1969 en los Estados Unidos. [39] On the Threshold of a Dream proporcionó a los Moody Blues su primer álbum número uno en Gran Bretaña, y también impulsó su fortuna estadounidense al convertirse en su primer álbum en el top 20 allí. Resultó ser uno de los discos más duraderos del grupo en los Estados Unidos, permaneciendo en la lista de LP de Billboard durante más de dos años y medio.
El álbum, junto con el posterior To Our Children's Children's Children , estuvo entre las cintas que el astronauta del Apolo 15, Al Worden, llevó a la Luna. [40]
En marzo de 2006, el álbum fue completamente remasterizado en formato SACD y reeditado con nueve pistas adicionales. En 2008, se lanzó una remasterización para CD de audio estándar con las mismas pistas adicionales. [ cita requerida ]
Fuentes: [42]