In Search of the Lost Chord es el tercer álbum de Moody Blues , lanzado en julio de 1968 con el sello Deram .
El éxito del disco anterior de la banda, Days of Future Passed, le permitió al grupo tiempo adicional de estudio y flexibilidad creativa para elaborar un álbum siguiente. En ese momento, el teclista Mike Pinder le dijo al Melody Maker : "Los álbumes nos dan la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. Y los compradores se dan cuenta de que ofrecen algo más que música para bailar. Pueden sentarse y escuchar: escaparse en un viaje de exploración musical." [1] El guitarrista Justin Hayward recordó que En busca del acorde perdido "fue cuando sentí que encontramos nuestra alma y dirección. Fue cuando todo se solidificó musicalmente". [2]
Al igual que su predecesor, En busca del acorde perdido presenta un tema conceptual. Las canciones de In Search of the Lost Chord forman un concepto amplio en torno a un tema de búsqueda y descubrimiento, que incluye tanto la exploración del mundo como la autorrealización interior. Mike Pinder explicó: "Los Moodies fueron realmente la primera banda de rock en hacer álbumes conceptuales y trabajar con una orquesta sinfónica. Debido a eso, me di cuenta de que muchas de mis ideas estaban vinculadas a toda esta área del pensamiento conceptual y de la comunicar ideas a la gente haciendo preguntas musicalmente y a través de las letras." [3]
El álbum se inspira en el espíritu de exploración interior que caracterizó la era psicodélica . Justin Hayward reconoció la influencia de las drogas psicodélicas en el proceso creativo de la banda: "Oh, todos incursionamos en todo tipo de cosas. Bueno, todos menos John. Él nunca participó. Por lo general, eran el tipo de drogas más psicodélicas. Debo admitir que siempre lo pasamos muy bien con el ácido y esos viajes inspiraron gran parte de nuestra música en ese momento". [ cita necesaria ] Comentó: "Creo que pudimos aprovechar esas experiencias y, con suerte, transmitirlas. Creo que ese es el único crédito que podemos atribuir". [4] El teclista Mike Pinder dijo: "Al escuchar música, la disfrutas más cuando estás en un estado meditativo y creo que la influencia de las drogas fue capaz de ponerte en ese estado instantáneamente". [5]
Hayward se refirió al espíritu de curiosidad y búsqueda de conocimiento de la banda: "Yo, Pinder y Ray estábamos incursionando en todo, tratando de absorber tanta información espiritual y psicodélica como fuera posible. Estábamos corriendo hacia ello todo el tiempo, leyendo cada libro, investigando todo tipo de religión, teniendo todo tipo de experiencias psicodélicas. Conocimos a Timothy Leary en 1968 en nuestra primera gira por Estados Unidos, Mike y Ray nos quedamos con él en su rancho durante aproximadamente una semana y nos lo pasamos de maravilla. Pasamos por muchas experiencias religiosas juntos, solíamos leer los mismos libros. Recuerdo que todos leímos el Bhagavad Gita y el Libro tibetano de los muertos , y hicimos todas estas cosas juntos. Sincero, no sólo recogíamos fragmentos de información y los usábamos en canciones. En realidad estábamos viviendo estas cosas en ese momento, supongo que como muchas otras personas, pero lo tomamos mucho más en serio que la mayoría de los otros músicos, y lo hicimos. Pudimos ponerlo en música de una manera más accesible que algunos de los otros músicos que realmente estaban interesados en ello, pero que eran inaccesibles en su música". [6]
Pinder reflexiona sobre los temas del álbum en una entrevista de radio de 1976: "Consideramos cuidadosamente cada palabra de la letra, para asegurarnos de que estuviera equilibrada, que no hiciera declaraciones, como en 'esta es la respuesta'. No estamos dar las respuestas, porque es la formulación de la pregunta lo que genera la respuesta, y la respuesta es siempre algo inteligible. Quiero intentar transmitirle a la gente que estas son sólo experiencias que la gente está teniendo, despreciando y compartiendo. en discos. Compro discos de los que obtengo algo más que entretenimiento. Espero escuchar a alguien decir algo que quiero escuchar y saber que proviene de una persona en la que puedo confiar y creer que es así. He tenido esa experiencia." [7]
En busca del acorde perdido comienza con un poema de Graeme Edge , que fue pronunciado por el propio Edge (en lugar de Mike Pinder como en la mayoría de los casos). Sus palabras describen cómo una experiencia sensorial puede servir como impulso para el inicio de un viaje.
La introducción hablada da paso a la canción de rock "Ride My See-Saw", el sencillo principal del álbum. John Lodge explica la inspiración de la letra: "Esa canción trataba sobre la libertad que sentí que había recibido, tanto personalmente como como parte de The Moody Blues". [8] Dijo: "La canción trataba sobre dejar la escuela, salir al mundo y descubrir que no era lo que pensabas que era y no es lo que te enseñaron en la escuela. En realidad, es mucho más grande que eso. "Ride My See-Saw" trataba sobre montar mi vida y ver hacia dónde vamos con esto. Todavía lo estoy haciendo ahora". [9] Justin Hayward recordó: "Mi recuerdo era como una sesión improvisada en el estudio. Nos quedamos atrapados en eso, pero fue genial. Teníamos a Graeme haciendo ese di-da-da, di-da-da. en la caja, así es como empezó, y el riff de guitarra. Pero no teníamos ninguna canción, y luego John regresó con algunas letras y la esencia de la canción, la grabamos algún tiempo después de haber grabado la pista de acompañamiento". [10] Lodge dijo: "Escribí esa canción en el bajo. Para esa época, hay algunos cambios de acordes realmente agradables, los menores y los mayores. Quería que el medio fuera solo armonías y así fue. Teníamos estos tres altísimos y Cuatro partes dando vueltas. Estábamos tratando de encontrar una manera de conseguir el ritmo realmente correcto, ya que tiene un ritmo conductor". [9] El guitarrista Hayward citó el solo como quizás su favorito en el catálogo de la banda: "Esa guitarra era una Telecaster que tenía cuando era niño. Recuerdo haber tocado toda la pista de principio a fin, simplemente inventándola a medida que iba Seguí adelante, llegué al final y todos dijeron: '¡Genial!' '¡Fantástico!' Y dije: 'Es un poco raro. Está un poco fuera de tiempo', y dijeron: 'No, no, nos encantó'. Todos mis otros solos fueron cuidadosamente construidos y pensados, pero ese es mi favorito". [11]
El autor de " Dr. Livingstone, I Presume ", Ray Thomas , describió la canción como "un poco divertida en medio de toda la seriedad de las otras canciones del álbum". [8] Los versos relatan los viajes de David Livingstone , Robert Falcon Scott y Cristóbal Colón , y cuestionan si cada explorador encontró satisfacción en sus respectivas búsquedas.
"La casa de las cuatro puertas" continúa con el tema del descubrimiento y sirve como introducción a " La leyenda de una mente ". Lodge recordó: "Una vez escribí una canción llamada 'House of Four Doors', y realmente trata sobre un enfoque de la vida que creo que todos pueden tener. Abre una puerta, mira a dónde te lleva. Puede que no sea donde quieres". ir, pero al menos vas y no sabes adónde irás eventualmente". [12] Él dijo: "Cuando abres una puerta, nunca sabes lo que va a entrar. Tienes que ser lo suficientemente positivo para abrir la puerta. Si no sabes qué puerta estás abriendo, estás Nunca lo descubriré." [13] El bajista Lodge toca el violonchelo en la pista, afinado como un bajo. Recordó: "Toqué el violonchelo en esa pista y lo afiné de la misma manera que un bajo. Nunca me di cuenta de que un violonchelo no estaba realmente afinado de esa manera, ¡pero obtuvimos el efecto deseado!" [8]
"Legend of a Mind", la primera canción escrita para el álbum, data de las sesiones de Days of Future Past . Se inspiró en la defensa del LSD de Timothy Leary . Hayward recordó: "Algunos de nosotros en la banda (y esto fue en 1966, 1967) estábamos pasando por nuestras propias experiencias psíquicas, como lo estaban muchos músicos en ese momento, probablemente liderados por los Beatles. Estábamos leyendo muchos prensa clandestina y leyendo sobre Tim Leary, así que lo incluimos... La canción es una versión muy irónica, una versión en inglés muy descarada de cómo pensábamos que serían las cosas en San Francisco en el 'flower power'. días... Fue irónico, pero con un trasfondo de significado serio. Sí significó algo para nosotros Estábamos usando muchas frases de la época, extractos del Libro Tibetano de los Muertos, hablando del plano astral. y así sucesivamente, y es un reflejo de eso". [14] El autor de la canción, Ray Thomas, dijo: "Había leído sobre él, no lo había conocido en ese momento. Pero 'Legend of a Mind' es muy irónico porque vi el plano astral como una especie de biplano pintado psicodélicamente que los hippies alquilaron para un viaje por la Bahía de San Francisco. Tim Leary estaba involucrado en el Libro tibetano de los muertos y yo había estado leyendo eso, así que escribí Los muertos de Timothy Leary y luego dije no, no, no. , él está afuera de su cuerpo mirando hacia adentro. Realmente estaba orinando, simplemente riéndome de todos los hippies y de lo que creían y todo en los Estados Unidos. Nunca tomé drogas con él y nunca lo vi tomar ninguna. drogas tampoco." [15]
Las canciones de la segunda cara del álbum tratan temas más personales de autodescubrimiento. " Voices in the Sky " explora la espiritualidad mientras que " The Best Way to Travel " aborda la imaginación psicodélica. [16] La letra de la última canción cuestiona si la experiencia es simplemente "luz que pasa en una pantalla", sugiriendo que si nuestra percepción de la vida es realmente solo una ilusión, entonces la meditación puede ayudarnos a comprender la verdadera naturaleza de la existencia. [7]
"Visions of Paradise" y "The Actor" exploran el amor y la introspección reflexiva. [8] En una entrevista, Hayward recordó el contexto que inspiró la letra de "The Actor": "Tarde en la noche, la carretera afuera en Bayswater , tranquila por un tiempo, completamente sola en el mundo (por un momento), estando en amor pero luchando con las relaciones." [17]
El álbum concluye con " Om ", que presenta una introducción hablada de Edge titulada "The Word". El poema presenta la línea "Entre los ojos y los oídos se encuentran los sonidos del color y la luz de un suspiro". Edge explicó: "Puedes escuchar tu pieza musical favorita cincuenta veces y aun así obtener algo de ella. Pero la mejor película que hayas visto, la escuchas diez, once y listo. Porque la música está de moda y lo visual es algo fría. La música es tempo, forma y tono. A través de los ojos, tienes color, perspectiva y forma, así que pasas por los ojos de la misma manera que pasas por los oídos, con vibraciones realmente creativas". [18]
"Om" es una oda al trascendentalismo y al uso de mantras en la meditación. [8] Las notas del álbum proporcionan una explicación del concepto de mantra, en caso de que la audiencia del grupo en ese momento no estuviera familiarizada:
Para cualquiera que haya practicado meditación o Yoga: la palabra MANTRA le resulta familiar como una palabra de poder concentrada en la meditación. La palabra de poder más importante en las escrituras hindúes es la palabra OM, que se pronuncia AUM y significa "Dios", "Todo", "Ser", "La respuesta". El pensamiento o la atención a su significado provocará la exclusión de todos los demás pensamientos, provocando en última instancia el estado mental al que aspira el meditador. [19] [20]
" Legend of a Mind " se grabó el 13 de enero de 1968. [8] El resto del álbum se grabó entre mayo y junio. Al igual que su predecesor, el álbum fue grabado en Studio One en Decca Studios en West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals. El álbum se grabó en gran parte utilizando tecnología de 4 pistas, aunque durante las sesiones se instaló el nuevo sistema de grabación de 8 pistas de Decca. "Visions of Paradise" fue la última canción grabada en 4 pistas, el 4 de junio. Los días 5 y 6 de junio se realizaron sobregrabaciones vocales para "Ride My See-Saw" y "Om" utilizando el nuevo sistema. Las dos últimas pistas grabadas para el álbum, "The Word" y "Departure", se grabaron utilizando la nueva consola de 8 pistas el 12 de junio. [21]
El sorprendente éxito de Days of Future Passed le dio al grupo nueva influencia con su sello discográfico y libertad artística en el estudio. Hayward recordó: "También tuvimos la suerte de estar con una compañía discográfica, Decca, que eran músicos veteranos, que la mayor parte del tiempo fabricaban sistemas de radar, que eran técnicamente excelentes, con un estudio y un personal brillantes en West Hampstead . Mejor que EMI en Mi opinión. Después de Days , que fue un accidente afortunado, Sir Edward Lewis vino a nosotros y nos dijo: No sé qué están haciendo ustedes, pero es genial. Cuando quieran el estudio, hagan una reserva y fue un sueño. a músicos jóvenes como nosotros. Las mangas, simplemente haz lo que quieras". [22]
Un área en la que el grupo aprovechó el éxito de Days of Future Passed fue al seguir empleando estructuras de canciones creativas que no encajaban en el molde típico de la época. Lodge explicó: "No queríamos límites en nuestra música. Hasta entonces, la mayoría de las canciones aparecían en 2:59 segundos y comenzaban en un tempo y terminaban en el mismo tempo. Básicamente, un verso y luego un estribillo y luego un puente y el Coro. Queríamos romper ese molde y si nos tomara seis minutos decir lo que queríamos en una canción y cuatro o cinco tempos diferentes, entonces lo haríamos. 'Legend Of A Mind: Timothy Leary' es un gran ejemplo de ello. Eso. Lo que sea necesario para transmitir la canción. 'Tuesday Afternoon', ya sabes, dos tempos diferentes. Todo es importante para intentar superar los límites de lo que pensábamos como composición de cada canción, y nosotros. Tendría mucho cuidado con la clave en la que estaba cada canción y el tempo y el modo que representaba cada canción. Era muy importante tener cosas que se vincularan pero que fueran diferentes. No se podían tener dos cosas iguales porque nunca se vinculaban. eran iguales." [23]
Mientras que la London Festival Orchestra había complementado al grupo en Days of Future Passed , en In Search of the Lost Chord , los Moody Blues tocaron todos los instrumentos, un total de treinta y tres instrumentos diferentes. Lodge recordó: "Aunque habíamos usado una orquesta en el álbum anterior, todos sentimos que debíamos ser autosuficientes en nuestro próximo trabajo. Teníamos un enfoque autosuficiente para nuestras sesiones de grabación. Si queríamos usar un instrumento en particular, En una pista, uno de nosotros sabía cómo jugarla. Teníamos mucha confianza en nuestras propias habilidades". [8] El grupo también mejoró su sonido con armonías vocales. Lodge explicó: "Nos dimos cuenta de que todos teníamos diferentes sonidos de voz; teníamos barítono, dos tenores y casi soprano. Nos dimos cuenta de que el sonido que no podíamos reproducir en el escenario con orquestación lo podíamos hacer con las voces, por lo que podíamos asumir muchas cosas". de las cosas y hacerlo con las armonías. Fueron fantásticos. Crecí con los Everly Brothers y sus armonías. Lo mejor de las armonías de los Everly Brothers, a diferencia de las armonías de otras personas, es que la armonía también era la. liderar, que es lo que también hicimos. La armonía no se sumaba a la voz principal; ambas voces principales trabajaban juntas. No era solo embellecer, sino que agregaba otra dimensión. Puedes tomar cualquier parte que esté tocando la orquesta y hacer que se levante por sí sola. Puedes hacer que la armonía sea la línea principal, como una sección de saxofón". [24]
Lodge reflexionó además sobre la influencia de la música clásica en las composiciones del grupo: "Crecí en Birmingham y mi escuela solía tener un período tranquilo en el que ponían un disco clásico por la tarde y lo escuchábamos. Birmingham tiene uno de las mejores orquestas clásicas del mundo. Tenía ocho o nueve años en ese momento y nunca pensé realmente en lo que estaba escuchando. Sin embargo, inconscientemente, las armonías de la música orquestal se me venían a la cabeza porque cuando comencé a escribir música eso era lo que hacía. "Pasé a primer plano. Siempre entendí cuáles eran las diferentes partes y qué diferentes instrumentos y la orquesta estaban haciendo en mi cabeza". [25] Dijo: "Y luego, cuando empezamos juntos en el 66, éramos cuatro los que cantábamos y me di cuenta de que las armonías que podíamos hacer eran en realidad sólo armonías orquestales. Y se desarrolló a partir de ahí. Por supuesto, teníamos a Ray". Thomas en la flauta, así que eso nos dio los instrumentos de viento de madera y luego para las armonías encontramos este Mellotron que tocaba cuerdas, así que con armonías, cuerdas y flauta, se volvió orquestal en cierto modo, pero con una fuerza motriz basada en la batería y la electricidad. guitarra." [26]
"Visions of Paradise" y "Om" presentan instrumentación india, que incluye sitar y tabla . Hayward fue influenciado para explorar el sitar por George Harrison . Recuerda: "Había, en la parte superior de Tottenham Court Road , una tienda por la que había pasado y que tenía esas tablas y sitares. No estoy seguro de que alguien le estuviera prestando atención hasta que George Llamó nuestra atención y, de repente, se nos permitió explorarlo. Creo que George, en cierto modo, nos dio permiso. No quiero decir que llamó y dijo: 'Tienes mi permiso'. Pero porque acababa de estar allí y dijo: 'Oh, eso es tan interesante que tienes que descubrirlo'. Creo que la mayoría de los guitarristas exploran todo tipo de instrumentos de cuerda que pueden conseguir. Tan pronto como tuve algo de dinero, comencé a buscar laúdes y luego me compré un contrabajo, que toqué en bastantes discos de Moodies, un grande. Probablemente todavía esté en el estudio de la ópera nacional. Así que un día fui a esa tienda con Mike, nos sentamos y toqué el sitar, y él tocó la tambora , que creo que es el nombre. para ese instrumento resonante y pensamos: 'Oh, esto es absolutamente brillante'. Así que obtuvimos muchas cosas y fue un placer usarlas en un álbum". [27]
En las notas del álbum, el productor Tony Clarke describe poéticamente el escenario de las sesiones de grabación del álbum y la gran variedad de instrumentos empleados:
¡Es tan oscuro como una tumba!, las sombras aparecen de la nada, grandes brazos largos se extienden hacia arriba en la penumbra y siniestras formas enroscadas acechan en cada rincón; incluso las paredes parecen contener la respiración. En lo alto, cerca del techo, una luz suave proyecta un brillo espeluznante sobre los rostros vueltos hacia arriba y alrededor, una música que suena extraña.
De repente una voz grita "¡Genial!... ¡Ven y escucha!"
Sí, un estudio de grabación puede ser un lugar muy extraño entre las 4 y las 30 de la mañana, especialmente si ha sido invadido por el Moody Blues.
El piso del estudio parece un museo de instrumentos musicales, ya que en este álbum cada nota, ritmo o palabra es interpretada por los propios Moodies. Su versatilidad no deja de sorprenderme de álbum en álbum, de hecho para mí siempre serán la orquesta sinfónica más pequeña del mundo. [19]
Con el álbum, el grupo aspiraba a aprovechar al máximo tanto la amplia gama de instrumentación como la tecnología de grabación estéreo de Decca. John Lodge recuerda: "Una vez que entendimos completamente qué era el estéreo después de escuchar lo que otras personas hacían con él, decidimos que queríamos tener un panorama real para In Search of the Lost Chord donde la música apareciera como una imagen completa. ¿Estaría la pandereta? ¿Dónde estaría la guitarra acústica? ¿Debería estar al frente o atrás, y deberíamos ponerle un poco de eco para que desaparezca? Trabajamos muy duro con esa mezcla estéreo para darle una idea. experiencia realmente completa del sonido, como si un satélite estuviera girando alrededor de tu cabeza". [28]
"The Best Way to Travel" utiliza controles panorámicos recién instalados en la consola de grabación de cuatro pistas personalizada de Decca Studios . La panorámica da la ilusión de que el sonido se mueve alrededor del oyente. [29]
Mike Pinder recordó el espíritu de innovación de las sesiones: "Tony Clarke, Derek Varnals y yo siempre intentábamos crear sonidos nuevos e innovadores. Un buen ejemplo de mis ataques Mellotron característicos se encuentran en la canción de Ray Thomas, 'Legend of a Mind'. Utilicé el control de velocidad de mi 'Tron para crear los swoops, y aprovecharíamos los efectos estéreo para hacer que el Mellotron sonara y el movimiento viniera de un lado a otro, es decir, de izquierda a derecha y de derecha a izquierda. Y yo usaba la reverberación para hacer que avanzara y retrocediera en la pista también. El oyente obtendría un sonido casi 3D que era único para esa época. Derek siempre hizo un trabajo maravilloso. Él y Tony Clarke eran expertos en conducir el barco. Todos estábamos muy comprometidos con nuestra música y fue una aventura muy divertida y también risas. Todos trabajamos muy duro y tuvimos la suerte de que se nos permitiera. probar cosas nuevas. Era nuestro país de las maravillas musicales". [30]
Lodge recordó las sesiones con cariño: "Fue una época realmente emocionante y el estudio era un gran lugar para crear. En aquellos días, no había muchas pistas múltiples disponibles. Days Of Future Passed era solo una pista de cuatro pistas . In Search Of The Lost Chord era todo de cuatro pistas excepto 'Ride My See-Saw', cuando apareció una máquina de ocho pistas, y la usamos. El proceso de grabación fue bastante rápido en esos días . entrar al estudio y poder sentarnos todos juntos, trabajar en una canción y grabarla. Fue un gran momento estar de gira y de gira, y no podíamos esperar a volver al estudio para grabar un nuevo álbum. ". [31]
La portada del álbum presenta ilustraciones de Phil Travers, quien diseñaría las siguientes portadas de álbumes para el grupo. [8] Travers contó: "Pasé dos años en Decca, trabajando en portadas de álbumes, luego conseguí un trabajo en una oficina de diseño en Wimbledon. Luego me contactó alguien que conocía en Decca y me dijo que al gerente de Moody Blues le gustaba una ilustración. mío y quería que conociera a la banda para discutir la portada de su nuevo álbum. Conocí a los Moodies en un pub de Londres y resolvimos los detalles del encargo. La banda quería que yo ilustrara principalmente el concepto de meditación. Esto no era algo en lo que tuviera mucha experiencia personal y, por lo tanto, mis pensamientos iniciales sobre un tema tan etéreo fueron, desafortunadamente, insustanciales. No estaba produciendo ninguna idea visual coherente, con esta falta de ideas evidente en mis primeros diseños preliminares. Estaba escuchando la música, el concepto de la portada en realidad me fue dado de alguna manera subliminal. El área de grabación y mezcla del estudio donde estaba sentado estaba separada del área donde tocaría la banda por un gran cristal. ventana y en este cristal pude ver varias imágenes de mí mismo, una encima de la otra, casi como si estuviera ascendiendo al espacio. Después de eso, todo encajó en su lugar". [5] [32] Dijo: "Pensé 'tengo que ser más práctico y lógico en mi enfoque'. Una vez que comencé a pensar así, las cosas empezaron a encajar y comencé a descomponer el problema en una especie de código visual. Recuerdo que en el boceto final a lápiz mostré la banda, en lugar de la calavera tenía un gran candado y una cadena que representaban los vínculos físicos que todos tenemos. Sugirieron el cráneo que creo que decía algo similar pero era una imagen mejor." [33]
In Search of the Lost Chord fue lanzado el 26 de julio de 1968. Alcanzó el puesto número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido [38] y alcanzó el número 23 en el Billboard 200 . [39] De los dos sencillos del álbum, "Ride My See-Saw" alcanzó el no. 42 en la lista de singles del Reino Unido y no. 61 en la lista Billboard de EE. UU. , mientras que "Voices in the Sky" alcanzó el no. 27 en el Reino Unido, pero no llegó a las listas de EE. UU.
In Search of the Lost Chord fue remasterizado en SACD en marzo de 2006 y reempaquetado en una Edición Deluxe de 2 CD. Aunque los otros álbumes de Moody Blues lanzados en ediciones Deluxe en 2006 presentaban su mezcla cuadrafónica original (codificada como sonido envolvente 5.1 ), In Search of the Lost Chord nunca se había lanzado en este formato, y no se lanzó una nueva mezcla hasta 2018, cuando La mezcla 5.1 se lanzó como parte de la caja del 50 aniversario. [40] En 2008, se publicó una remasterización para un solo CD de audio estándar con nueve pistas extra. La reedición corrige problemas de calidad con las ediciones iniciales en disco compacto del álbum. Justin Hayward explicó:
Había un par de cosas que sabía que habían entrado precipitadamente en el dominio digital a principios de los años 80, y bastante mal. Realmente lo noté en In Search of the Lost Chord con el platillo ride de Graeme Edge. Al principio, simplemente asumí que no había sido grabado muy bien hasta que volví a los masters originales y lo escuché nuevamente. Y luego pensé: 'No, es hermoso'. Me di cuenta de que habíamos pasado casi 30 años con una versión digital que simplemente no era muy buena, con las prisas por ponerla en ese formato. [41]
En noviembre de 2018, el álbum se reeditó como un conjunto de cinco discos In Search of the Lost Chord - 50th Anniversary Box Deluxe Edition .
Para promocionar el álbum, el grupo continuó dando conciertos por todo el Reino Unido. En agosto, el grupo viajó a Praga por invitación del gobierno de Alexander Dubček para tocar como uno de los primeros grupos de rock occidental en la Checoslovaquia comunista . Antes de actuar, el grupo tuvo que ser escoltado fuera del país durante la invasión soviética del país . [8] Logia recordada,
Fue una época de cambios y agitación social, pero fue durante la época en que Alexander Dubcek estaba en el poder y todo se había vuelto mucho más relajado. Escuchaste música rock 'n' roll en el aeropuerto y no te sentías en absoluto en un país de la Cortina de Hierro . Así que fuimos e hicimos el concierto, regresamos al hotel y el gerente dijo que quería hablar urgentemente con nosotros. Explicó que los rusos habían invadido la ciudad y se habían apoderado del hotel y teníamos que mudarnos. "Espera", dijimos. "Estuvimos aquí primero y te dimos los vales de Thomas Cook para pagar nuestras habitaciones, ¡no vamos a ninguna parte!" Pero pronto recobramos el sentido y nos mudamos. Al final, la única manera de salir del país fue tomar un vuelo de la Media Luna Roja de Pakistan Airlines , que es como estar en una misión de la Cruz Roja . Llegamos al país como estrellas de rock y salimos en la parte trasera de un avión de ayuda de emergencia de la Media Luna Roja: eso fue una prueba de la realidad. [2]
En octubre se embarcaron en su primera gira por Estados Unidos. El promotor de conciertos Bill Graham los invitó a tocar en Fillmore y Fillmore East . Lodge contó: "En el 68, Bill Graham nos invitó a tocar en dos conciertos en los Estados Unidos. Los lugares estaban bastante lejos uno del otro y los conciertos estaban separados por 10 semanas, así que nos abrimos camino a través de los Estados Unidos y tocamos con bandas como Canned Heat , Jefferson Airplane y Poco ". [42] Hayward dijo: "Tuvimos mucha suerte de que Bill Graham nos ofreciera esos dos conciertos en Fillmore East y Fillmore West. Y luego tuvimos un agente que nos consiguió muchos conciertos en clubes psicodélicos y luego conseguimos la gira. con Canned Heat. Nos mostraron Estados Unidos... en un autobús escolar (risas) pero aún así lo vimos. Fuimos de sur a norte, de abajo hacia arriba hasta Canadá. [43] Lodge dijo: "Fue la experiencia más sorprendente. No creo que nadie pueda volver a experimentar eso porque Estados Unidos en los años 60 era muy diferente de cualquier otro lugar del mundo. Los autos eran enormes, las autopistas Eran enormes, los edificios eran enormes y el McDonald's también. Fue un momento increíble musicalmente porque fuimos al Fillmore East , al Fillmore West y al Shrine en Los Ángeles. ¡Estamos en un lugar completamente diferente! Fue maravilloso ver a todas estas bandas tocar. Iba por todas partes mirando bandas, disfrutando de la música, viendo gente como Canned Heat. Fue un momento extraordinario". [31] Hayward relató el impacto duradero que tuvo su primera gira estadounidense en el éxito de la banda: "Somos grandes en las partes industriales y de clase trabajadora de Estados Unidos. Curiosamente, son todos los lugares a los que vinimos cuando abrimos para Canned Heat". en el 68. Fueron geniales con nosotros, pero su audiencia era todo este tipo de lugares, como el Medio Oeste, y ese ha sido nuestro territorio desde entonces y estoy muy contento, porque hay un amor genuino por la música. " [22]
En Q and Mojo Classic Special Edition Pink Floyd & The Story of Prog Rock , el álbum se colocó en el puesto 37 en su lista de "40 álbumes de Cosmic Rock". [44]
Fuentes: [19] [20]
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