El retablo de San Juan (a veces llamado Tríptico de los dos Santos Juanes o Tríptico de San Juan Bautista y San Juan Evangelista ) es un gran retablo tríptico con bisagras realizado al óleo sobre madera de roble y terminado alrededor de 1479 por elmaestro pintor de los primeros flamencos Hans Memling . Fue encargado a mediados de la década de 1470 en Brujas para el antiguo Hospital de San Juan ( Sint-Janshospitaal ) durante la construcción de un nuevo ábside . Está firmado y fechado en 1479 en el marco original (su fecha de instalación) y hoy en día todavía se encuentra en el hospital en el museo Memling.
El retablo consta de cinco pinturas: un panel central interior y dos alas de doble cara. Los paneles del reverso de las alas son visibles cuando las contraventanas están cerradas y muestran a los donantes del hospital flanqueados por sus santos patronos. El interior contiene un panel central con la Virgen entronizada y el Niño flanqueados por santos; el ala izquierda presenta episodios de la vida de Juan el Bautista con énfasis en su decapitación ; el ala derecha muestra el Apocalipsis registrado por Juan el Evangelista , representado escribiendo en la isla de Patmos .
El Retablo de San Juan es una de las obras más ambiciosas de Memling y comparte escenas casi idénticas con otras dos de sus obras: el Tríptico de Donne , en la National Gallery de Londres , y La Virgen y el Niño con Santa Catalina de Alejandría y Bárbara en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Hans Memling adquirió la ciudadanía de Brujas a finales del 30 de enero de 1465, lo que sugiere que era un recién llegado a la ciudad. Probablemente vino de Bruselas, donde había sido aprendiz de Rogier van der Weyden . Se estableció como pintor en Brujas bastante rápido. [2] Aunque parece que estuvo ausente de la ciudad para la extravagante boda de Carlos el Temerario y Margarita de York en 1468, [3] el historiador de arte James Weale sugiere que Memling puede haber viajado a Inglaterra para completar un retrato nupcial encargado por Carlos el Temerario o su padre Felipe el Bueno . Según Weale, la posición de Memling en Brujas fue asegurada por los duques de Borgoña . [1]
El antiguo hospital de San Juan (Sint-Janshospitaal ) era uno de los cuatro hospitales públicos de la ciudad; uno acogía a leprosos, otro a indigentes y dos (incluido el de San Juan) trataban a hombres, mujeres y niños. [4] Fundado a finales del siglo XII, estaba dedicado a San Juan Evangelista ; en una fecha posterior desconocida, la dedicación se amplió para incluir a San Juan Bautista . [5] Las autoridades cívicas de Brujas financiaron el hospital y supervisaron su dirección hasta la década de 1440, cuando una crisis fiscal dio lugar a una disminución de la financiación y una mayor supervisión. Los hermanos y hermanas del hospital se pusieron bajo la autoridad del obispo de Tournai , Jean Chevrot, directamente alineado con Felipe el Bueno. En la década de 1470, los maestros y ecónomos del hospital no solo evitaron la quiebra, sino que acumularon un superávit para gastar en la expansión. [6]
Encargado para el nuevo ábside, el trabajo en el retablo probablemente comenzó a mediados de la década de 1470, [6] y casi con certeza se completó en 1479. [4] El marco central está inscrito en latín y dice; OPUS. IOHANNES MEMLING. ANNO. M. CCCC. LXXIX , [7] La fecha da pistas sobre las identidades de los donantes que se muestran en los paneles exteriores; [8] y debido a que uno murió en 1475, los investigadores confían en una fecha de inicio anterior a ese año. [4] Memling probablemente comenzó a trabajar en la pieza ya en 1473, cuando se hicieron planes para ampliar la enfermería ya grande de 240 camas, que, con dos pacientes por cama, atendía a unas 500 personas. Al igual que en los Hospices de Beaune , los pacientes en Sint-Janshospitaal podían seguir la Liturgia de las Horas desde sus camas. [4]
La prestigiosa ubicación del retablo, junto con su alcance y ejecución, aseguraron encargos adicionales para Memling. [9] Los prelados agustinos , a quienes se les permitió poseer propiedades, le encargaron varias obras posteriores, incluido el Santuario de Santa Úrsula , el Tríptico de Jan Floreins , [10] y el Tríptico de Adriaan Reins , todos ellos ubicados todavía en el hospital. [11] Hoy se exhiben en el museo Memling, en una sala adyacente a la enfermería original. [10] Inusualmente, el retablo conserva sus marcos originales, pero los paneles han sufrido una limpieza excesiva. [7]
La convención para los paneles exteriores, visibles cuando las alas estaban cerradas, era mostrar una pareja de santos o donantes mirándose entre sí. Estos se desvían de esa convención, representando a los donantes mirándose directamente el uno al otro. Los historiadores del arte especulan que Memling enfatizó la abertura entre las contraventanas con las miradas de los donantes, dirigiendo así la atención a la importancia de las escenas devocionales visibles en el interior cuando las contraventanas con alas estaban abiertas. [8]
En la Edad Media, San Antonio Abad se asociaba comúnmente con la enfermedad y el ergotismo (a veces conocido como "Fuego de San Antonio"), pero también con el concepto de curación milagrosa. [12] Se le muestra en el panel de la izquierda con su cerdo emblemático , junto a Santiago ; los dos santos están de pie detrás de dos donantes masculinos arrodillados. Los donantes han sido identificados como Anthony Seghers, maestro del hospital, y el hermano James Ceuninc. [8] Seghers se unió al hospital como hermano en 1445, y en 1461 había ascendido a maestro del hospital, un puesto que ocupó de forma intermitente hasta su muerte en 1475. Está de frente al centro del panel, flanqueado por su santo patrón, Antonio, que se apoya en un bastón tau con una mano y sostiene una Biblia en la otra. Ceunic, un hermano del hospital desde 1469 y ecónomo entre 1488 y 1490, se arrodilla a la izquierda detrás de Seghers. Su santo patrón, Santiago, es identificable por sus atributos de bastón de peregrino y sombrero, y se encuentra detrás de él. [13]
El panel derecho muestra a Santa Inés y Santa Clara de pie detrás de las donantes femeninas, Agnes Casembrood, priora del hospital, y la hermana Clara van Hulson. [8] Casembrood mira hacia el centro. Se unió al hospital en 1447, se convirtió en priora en 1455 y permaneció en ese cargo hasta su muerte en 1489. Su tocaya, Santa Inés, se identifica por el cordero a su lado. Van Hulson fue hermana del hospital desde 1427 hasta su muerte en 1479; se arrodilla frente a Santa Clara, que sostiene una custodia . [13]
A diferencia de sus predecesores Jan van Eyck y Rogier van der Weyden, que pintaron las alas exteriores en grisalla , Memling presenta a los santos de una manera realista. Aunque los donantes en el retablo de Gante de van Eyck y el retablo de Beaune de van der Weyden también están pintados de manera realista, están colocados dentro de nichos arquitectónicos separados de los santos en grisalla adyacentes que parecen estatuas. Memling rompe con esa tradición en estos paneles exteriores, pero la paleta tenue que utiliza conserva cierto sentido de grisalla. [14] Los donantes están vestidos con sus hábitos agustinos; los dos hombres de negro absoluto y las dos mujeres de blanco sobre negro. Los santos están vestidos con ropa monocromática. Santiago viste un manto azul claro y San Antonio es gris. Santa Inés está vestida de verde apagado y Santa Clara también viste un hábito oscuro. [13] Aunque las figuras parecen estar en dos nichos, están encerradas en un único espacio poco profundo, con paredes de piedra detrás, arcos trilobulados arriba y dos columnas adornando los bordes más externos. Donde se abren las alas hay una única columna que tiene la apariencia de dos columnas separadas. [13]
El arte flamenco del siglo XV era típicamente devocional. [15] Su objetivo era atraer al espectador a un estado meditativo y tal vez incluso a la "experiencia de visiones milagrosas". [16] El historiador de arte Craig Harbison cree que Memling, en comparación con van der Weyden, es "menos exaltado", más "con los pies en la tierra" y que los paneles exteriores de esta pieza podrían representar una popularización de los conceptos anteriores de van der Weyden. Memling muestra claramente a los donantes apartados de la visión religiosa en los paneles interiores. [17] La transición del reino terrenal al celestial, representada anteriormente en esculturas en grisalla en la obra de van Eyck y van der Weyden, es aquí menos obvia. El retablo de San Juan ha sido criticado por mostrar a los donantes simplemente "rezando a una grieta", pero Harbison sostiene que Memling muestra claramente la distinción entre las figuras mundanas del exterior y las figuras bíblicas de los paneles interiores, y aclara los "niveles de realidad" entre los dos conjuntos de imágenes. Harbison escribe sobre Memling que "ha dado a entender con más fuerza que los artistas anteriores que son las oraciones de los donantes las que cierran la brecha o grieta que conduce al corazón visionario del tríptico". [18] Los paneles interiores tenían como objetivo proporcionar una visión religiosa personal a los donantes del exterior. [19]
Al abrirse, las puertas con bisagras de los paneles laterales revelan un interior de colores vivos. [13] El foco central es la Virgen entronizada con el Niño y los santos; el panel izquierdo representa la decapitación de Juan el Bautista con Juan el Evangelista enfrente a la derecha. [20] Como pieza devocional, presenta una narrativa, destinada a emular una visión que los donantes o espectadores experimentarían al ver los paneles interiores. [18] A diferencia de la mayoría de los retablos de este tipo, el de Memling no presenta un único enfoque iconográfico unificador y es bastante generalizado con temas que parecen inadecuados para su ubicación específica, según Blum. [21] Ella especula que los donantes pueden haber elegido la iconografía específica, que "celebraba a los santos intercesores en el interior". Es una pintura inusual en el sentido de que parece "haber cumplido una doble función: la de propiciación personal y la de retablo público, que retrataba el papel de la comunidad religiosa dentro del hospital y veneraba a los santos que podrían favorecer particularmente a los enfermos". [22]
La iconografía refleja la vida cotidiana de los hermanos y hermanas del hospital, tanto su tranquila devoción religiosa como su lucha contra la enfermedad, como se refleja en la elección de los santos patronos. Juan el Evangelista, con un libro en la mano, representa la vida tranquila y contemplativa; la decapitación de Juan el Bautista es una escena de acción y, según Blum, "el final dramático de una de las vidas más activas de cualquier santo cristiano". [22]
Los paneles captan la esencia del estilo de Memling, que Ridderbos describe como sereno y lleno de "paz sublime". La decapitación del Bautista retratada por Memling es sobria y contenida, y las escenas apocalípticas del panel opuesto son "más poéticas que horrorosas". [23] Maryan Ainsworth dice que muestra una composición cuidadosamente equilibrada, pintada en colores claros y claros. [24] Memling atendió a mecenas extranjeros, la mayoría de los cuales eran italianos, y se hizo conocido por su estilo único que combinaba elementos del sur de Italia con los de la tradición del norte de los Países Bajos. Yuxtapuso "una monumentalidad italianizante y una simplificación de la forma con un sentido nórdico de la atmósfera y la luz en un formato que a menudo colocaba a sus sujetos ante un encantador fondo paisajístico de inspiración local", según Ainsworth. [25]
El panel central, llamado El matrimonio místico de Santa Catalina , representa a María sentada en un trono bajo un baldaquino cubierto con un suntuoso brocado. [8] Dos serafines flotan directamente debajo del dosel, sosteniendo su corona; visten túnicas de un azul profundo y, en la versión sin limpiar, tienen caras y manos azules, un estilo que evoca a pintores neerlandeses anteriores como van der Weyden y Robert Campin . [26] [27] El niño Jesús se sienta en el regazo de su madre, sosteniendo una manzana en una mano y deslizando el anillo en el dedo de Santa Catalina para significar el matrimonio místico con la otra mano. [8]
Santa Catalina de Alejandría , patrona de las monjas, [22] se sienta a la izquierda del trono con sus emblemas, la rueda destrozadora en la que fue torturada y la espada utilizada para su decapitación. Lleva una corona y está vestida con una sobreveste sobre una costosa falda de brocado, símbolos de estatus real. Santa Bárbara , patrona de los soldados, [22] se sienta enfrente leyendo un misal frente a su emblema (la torre en la que su padre la mantuvo prisionera), que tiene la forma de una custodia destinada a contener el pan sacramental . [8] Weale pensó que Catalina era un retrato temprano de María de Borgoña y que la Bárbara de Memling es quizás la imagen más antigua de Margarita de York. [1]
El panel central suele considerarse una sacra conversazione (Virgen y Niño con santos y santas) y con menos frecuencia un Virgo inter Virgines (Virgen y Niño con santas vírgenes); la imaginería de Memling difumina las líneas entre ambas y no se adhiere estrictamente a ninguna de las dos convenciones. [21] Virgo inter Virgines , un subgénero de la más establecida sacra conversazione , se hizo popular en Alemania y los Países Bajos en el siglo XV. Convencionalmente ubicada dentro de un jardín cerrado ( Hortus conclusus ), la Virgen y el Niño siempre se mostraban con Santas Catalina y Bárbara; el matrimonio místico de Catalina se mostraba con frecuencia, mientras que también se podían agregar santas vírgenes a la agrupación. [28] A menudo denominado el "Matrimonio Místico de Santa Catalina", el matrimonio en sí es una de las muchas representaciones iconográficas del panel, pero podría ser particularmente importante para las monjas, quienes, como Catalina, se veían casadas con Cristo. [21]
Los dos san Juanes se sitúan a ambos lados del trono. A la izquierda, Juan Bautista señala al Niño Jesús y sostiene un bastón con su cordero a su lado. Juan Evangelista, sosteniendo el cáliz envenenado, está a la derecha. Un ángel con una costosa dalmática de brocado dorado toca un órgano portátil delante de Juan Bautista; otro ángel, con una sencilla alba y sosteniendo el Libro de la Sabiduría para la Virgen, está delante de Juan Evangelista. [29] El espacio claustral está revestido de columnas con representaciones de las vidas de los dos Juanes. Los capiteles de las columnas sobre Juan Bautista muestran la visión de su padre Zacarías y la Natividad del Bautista ; sobre el Evangelista están la Bebida del Cáliz por el Sacerdote de Diana y la Resurrección de Drusiana. [30]
Las baldosas del suelo están profusamente decoradas. El trono de la Virgen se asienta sobre una alfombra de Memling que se extiende casi hasta el frente del espacio pictórico. Detrás de ella hay un paisaje urbano y, en el fondo, un paisaje. La ciudad es probablemente Brujas del siglo XV y contiene escenas contemporáneas, así como episodios de las vidas de dos Juanes. [5] Juan el Bautista se muestra en un desierto, predicando a una multitud, llevado a prisión y ardiendo en una hoguera. El evangelista está colocado en una iglesia con su esposa y discípulos arrodillados detrás de él, partiendo hacia Patmos , y sumergido en aceite ardiente. [30]
Las actividades más mundanas y seculares del fondo, como lo demuestra la imagen de la grúa de la ciudad utilizada por el hospital para medir y llenar los barriles de vino, sitúan la visión espiritual del retablo en un contexto mundano. [5] La medición del vino fue una concesión lucrativa otorgada al hospital por las autoridades de la ciudad a mediados del siglo XIV y en la década de 1470 el hospital obtuvo el derecho a pescar en el río Reye; ambas actividades se muestran en el fondo. [30] La figura del hermano del hospital ha sido identificada de diversas formas como Jan Floreins o Josse Willems; ambos ocupaban el puesto de medidor de vino del hospital y, por lo tanto, estaban asociados con la grúa. [30]
El ala izquierda representa la decapitación de San Juan Bautista . [5] Su cuerpo sin cabeza se encuentra en el primer plano izquierdo y parece extenderse fuera de la imagen, [5] mientras la sangre brota de su cuello cortado, rociando sus manos y las plantas cercanas. El primer plano de la flora se reduce hasta el punto de que no podrían haber sido pintados sin una lupa. [31] El verdugo está de espaldas al espectador, colocando la cabeza recién cortada en la bandeja de Salomé . [5] El verdugo, Salomé, y tres espectadores gesticulantes forman un círculo alrededor del cuerpo sin cabeza y sin vida de Juan. Según Ridderbos, las cinco figuras reflejan y crean una sensación de unidad con las cinco figuras sagradas en el panel central. [32] La escena se desarrolla en un patio frente al palacio de Herodes ; el banquete que precedió a la decapitación del Bautista se puede ver en el plano medio izquierdo del palacio, donde los juglares tocan la danza de Salomé . [5] [33] La escena está bien iluminada y con una buena perspectiva arquitectónica. [34] Albert Michiels describió a Salomé como deslumbrante pero sin emociones; recibe la cabeza, con los ojos distantes. [31] Otras versiones de la decapitación de San Juan ( decollación ) mostraban más típicamente a Salomé sosteniendo un plato vacío para el verdugo; con una versión temprana tipificada en una miniatura en las Petites Heures de Jean de France, Duc de Berry . [35]
Las tallas de la cabeza de San Juan en un plato fueron populares entre los siglos XIII y XVI y estaban hechas de diversos materiales, algunos bastante caros. El duque de Berry poseía una hecha de oro. La cabeza en el plato asumía connotaciones eucarísticas y se menciona en el breviario de York : "La cabeza de San Juan en el plato significa el cuerpo de Cristo que nos alimenta en el altar sagrado". [35] La cabeza se asoció con la hostia y el plato de Salomé con la patena , iconografía que apareció en el arte neerlandés temprano a partir de aproximadamente 1450. [35]
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Las cabezas de estas pinturas se parecen a tallas, como en el retablo de San Juan de van der Weyden . La representación de Van der Weyden de la decapitación de San Juan incluye la siguiente secuencia del evento: Salomé entrega la cabeza a la mesa del banquete donde su madre, Herodías , la apuñala. Además, van der Weyden sigue la iconografía predominante con Salomé y el verdugo, que eran paganos y por lo tanto no se les permitía mirar la cabeza (o lo que simbolizaba), girando hacia un lado y desviando la mirada. En la versión de Memling, el verdugo mira directamente a la cabeza mientras la coloca en el plato y Salomé solo desvía parcialmente la mirada. Barbara Lane especula que, aunque Memling diseñó la escena según la de van der Weyden, "malinterpretó el simbolismo". [36]
El fondo prolonga el paisaje del panel central. [33] A lo lejos se ve el río Jordán con el bautismo de Jesús por Juan y, mientras se abren los cielos, la divina Paloma, símbolo de Dios Espíritu Santo , descendiendo del cielo. [5] Juan presenta a Andrés y Santiago a Cristo en la orilla del río, los mismos dos apóstoles que están en el patio de Herodes, donde visitaron al Bautista durante su encarcelamiento. [37] [38]
El panel derecho representa a Juan el Evangelista en la isla de Patmos , registrando sus visiones del apocalipsis en un libro. El resto del panel muestra "con asombrosa literalidad" los eventos más importantes del Libro del Apocalipsis , capítulos cuatro a doce (Apocalipsis 4-12). [39] Al igual que en los otros dos paneles, Memling presenta una serie de eventos en forma narrativa. [23] El Evangelista mira al Cielo; el detalle de su visión "se desarrolla en una serie de eventos en el mar, en la tierra y en el aire". Los detalles del panel están tan densamente saturados que, según Ridderbos, requieren el Libro del Apocalipsis. [40] Weale escribe sobre el panel que es quizás el "ejemplo más antiguo de tantos incidentes incluidos en una imagen". [33]
El evangelista está sentado en un acantilado rocoso en primer plano; contempla dos arcoíris concéntricos en la esquina superior izquierda, en los que Dios está entronizado, rodeado por los símbolos de los cuatro evangelistas y los 24 ancianos. [39] El arcoíris interior, con el trono de Dios, destella con relámpagos; encima hay siete lámparas. Sostiene un libro con los siete sellos en su regazo; el Cordero de Dios está de pie sobre las patas traseras a su izquierda, rompiendo los sellos del libro con sus patas delanteras. Siete ángeles sobre el arcoíris tocan las siete trompetas , anunciando los acontecimientos que se desarrollan abajo en la tierra. Los 24 ancianos están sentados dentro del arcoíris exterior. Un ángel está de pie frente a ellos, anunciando la ruptura de los sellos, arrojando fuego hacia la tierra, lo que provoca los desastres anunciados por los ángeles que tocan las trompetas. Fuera de los arcoíris, otro ángel se arrodilla ante un altar, que mira hacia Dios. [23]
En el plano medio, sobre un mar que Ridderbos compara con un cristal de cristal, se encuentran las apariciones que se liberan cuando se rompen los sellos; los Cuatro Jinetes del Apocalipsis galopan a través de las islas planas, "dispersando, saqueando y matando". [23] [33] Estos jinetes, que se manifiestan cuando se rompen los primeros cuatro sellos, están colocados en diagonal en el espacio pictórico. [39] El caballo blanco de la victoria lleva un arquero, el caballo rojo de la guerra un espadachín, el caballo negro del hambre un hombre con escamas, y de la boca del infierno emerge el caballo pálido de la muerte. [23]
Las estrellas caen del cielo, las montañas y las islas se mueven, los barcos se hunden y la gente se esconde en cavernas. [41] Según Ridderbos, "Vemos granizo y fuego quemando árboles y hierba, una montaña en llamas arrojada al mar destruyendo barcos, una estrella fugaz que envenena las aguas, un águila que gime, una segunda estrella fugaz que abre un pozo sin fondo del que surgen monstruosas langostas, y cuatro ángeles y sus jinetes enviados a matar". [23] Detrás de los ángeles armados en la tierra, con una pierna en el mar, la otra en la tierra, "se encuentra una figura colosal: el ángel descrito como vestido con una nube, con un arco iris sobre su cabeza, un rostro como el sol y piernas como columnas de fuego", que hace caer siete truenos como se puede ver en las nubes oscuras de arriba. [23]
En el cielo, una mujer "vestida del sol, con la luna bajo sus pies y sobre su cabeza una corona de doce estrellas", que lleva en su vientre a un niño varón, es atacada por un dragón de siete cabezas y diez cuernos (cada una coronada), que agita su cola y hace descender estrellas del cielo. La siguiente escena de la secuencia se encuentra a la derecha, cuando el niño es rescatado por un ángel y San Miguel con sus ángeles "derrota al dragón, que persigue a la mujer. En el horizonte, finalmente cede su poder a otra bestia de siete cabezas, como un leopardo, que surge del mar", [23] y Miguel expulsa a Satanás del cielo . [39]
El panel es una "composición de maravillosa precisión y buen gusto", según Weale, [33] y Ridderbos dice que las composiciones planas y bidimensionales son "adecuadas a su carácter irreal y visionario". Los elementos dominantes y más grandes son Juan el Evangelista registrando sus visiones en la parte inferior derecha y Dios en el Cielo en la parte superior izquierda. [23] La representación típica del siglo XV de las contemplaciones del Evangelista en Patmos se amplía aquí para incluir sus visiones; esta es, según Blum, "la primera vez que las visiones de Juan se habían presentado de esa manera en una pintura sobre tabla". [39] Existían versiones de las visiones apocalípticas del Evangelista en manuscritos iluminados y tapices de los siglos XII y XIII , cada evento representado individualmente, mientras que aquí Memling presenta todas las visiones en un solo panel y allí "reside el germen de las formas fantásticas que se convertirían en la obra de innovación de Bosch de finales del siglo XV". [37]
El retablo es inusual debido al grado en que Memling copió y repitió los elementos de la composición en otras pinturas. [43] Los mismos cuatro santos se encuentran en obras ejecutadas entre 1468 y 1489. [37] La más similar es la Virgen con el Niño con las santas Catalina de Alejandría y Bárbara , en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. A excepción del entorno, que es un jardín en lugar de un espacio con columnas, es casi idéntica. Ainsworth escribe que, aparte de las diferencias en los pliegues de los vestidos de los santos, son "prácticamente idénticos en tipo, vestimenta y gesto". [24] Los historiadores del arte no están seguros de cuándo se pintó el panel de Nueva York; 1480 parece una fecha probable según el análisis de los anillos de los árboles . [42]
El Tríptico de Donne , que se conserva en la National Gallery de Londres, también tiene una ambientación similar y los mismos santos, pero los donantes están situados con las santas en el panel central; los dos Juanes están representados cada uno en paneles laterales separados. [44] Los historiadores del arte no están seguros de si el Tríptico de Donne se pintó a principios de la década de 1480, aproximadamente al mismo tiempo que la Virgen y el Niño con las santas Catalina de Alejandría y Bárbara , o a finales de la década de 1470 cuando se completó el retablo, o si tal vez fue una pieza anterior pintada como precursora del retablo. [22] [42] [44] Sir John Donne , un diplomático nacido en Gales para la Casa de York , llegó a Brujas en 1468 para asistir a la boda de Carlos el Temerario y Margarita de York; cómo Donne conoció a Memling es tan incierto como cuándo encargó el tríptico, pero posiblemente ocurrió durante la visita de 1468 a Brujas. [3]
Otra obra similar de Memling es el Díptico de Jean Cellier que se conserva en el Louvre , que Georges Hulin de Loo determinó que se completó antes que el retablo de San Juan y el panel de Nueva York. [42] El Díptico de Cellier tiene a la Virgen y el Niño en un jardín cerrado con las mismas dos santas Catalina y Bárbara en el panel de la izquierda. [45] La composición es notablemente similar al panel de Nueva York y al retablo, con la Virgen en su trono y Santa Catalina y Santa Bárbara colocadas para formar un triángulo. [42] El Díptico de Cellier incluye cuatro santas femeninas adicionales (con atributos) sentadas alrededor de la Virgen: Santa Inés, Santa Cecilia, Santa Lucía y Santa Margarita. Tres ángeles músicos se ciernen sobre ellas. El panel opuesto de la derecha, que en un momento estuvo separado, muestra al donante, Jan Cellier, con Juan el Bautista y Juan el Evangelista. [45]
Es casi seguro que Memling tomó dibujos de su taller para utilizarlos en el panel central, que probablemente reutilizó para el panel de Nueva York y el Tríptico de Donne . [24] No se puede encontrar evidencia de transferencia en ninguna de las tres pinturas; Ainsworth especula que "Memling se basó en dibujos detallados de taller de figuras y estudios de drapeados de los que podía copiar a ojo tanto para el boceto preliminar como para los detalles pintados terminados". [42] Ainsworth ve estas tres pinturas como el comienzo de la "fase clásica" de Memling, con composiciones equilibradas y armoniosas y colorido brillante. Su ideal de belleza femenina se refleja en los rostros ovalados, que son "más anchos a lo largo de los ojos, estrechándose en el mentón, [y] reflejan un estado de aceptación beatífica". [43]
La pintura está fuertemente influenciada por van der Weyden y contiene elementos característicos de su obra posterior; es quizás la primera de sus vírgenes entronizadas, con ángeles tocando instrumentos musicales o flotando sosteniendo su corona. María está sentada en un salón abierto con columnas que conducen a elementos arquitectónicos similares a los del retablo de San Juan . La mezcla de colores, su vestido rojo, los ángeles azules y, en este tríptico, un revestimiento de piso tipo alfombra de seda verde oscuro, se encuentran, repetidamente, en sus pinturas posteriores. [26] Según Blum; "Hemos encontrado trípticos que servían para más de un propósito antes... pero nunca hemos visto... retablos que repitan con muy pocos cambios la iconografía básica de otra obra". [46]
Medios relacionados con Tríptico de San Juan de Hans Memling en Wikimedia Commons
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