Playtime (estilizada como PlayTime y también escrita como Play Time ) es una película de comedia satírica de 1967 dirigida y coescrita por Jacques Tati . Tati también protagoniza la película, retomando el papel de Monsieur Hulot de sus películas anteriores Les Vacances de Monsieur Hulot (1953) y Mon Oncle (1958). Sin embargo, Tati se mostró ambivalente respecto a interpretar a Hulot como un papel central recurrente durante la producción, y aparece de manera intermitente en Playtime , alternando entre papeles centrales y secundarios.
Filmada en película de 70 mm , la obra destaca por su enorme decorado, que Tati mandó construir especialmente para la película, así como por el uso característico de Tati de una comedia visual sutil pero compleja, respaldada por creativos efectos de sonido. Los diálogos de la película, en francés, inglés y alemán, se reducen con frecuencia al nivel de ruido de fondo.
Si bien fue un fracaso comercial en su lanzamiento original, Playtime se considera retrospectivamente la obra maestra de Tati, su trabajo más atrevido y una de las mejores películas de todos los tiempos . [3] En 2022, Playtime fue votada en el puesto 23 en la lista de críticos del British Film Institute y en el puesto 41 en la lista de sus directores de las " 100 mejores películas de todos los tiempos ".
Playtime se desarrolla en un París hiperconsumista de mediados de siglo . La historia está estructurada en seis secuencias, vinculadas por dos personajes que se encuentran repetidamente a lo largo de un día: Barbara, una joven turista estadounidense que visita París con un grupo de turistas estadounidenses, y Monsieur Hulot , un francés desconcertado y perdido en la ciudad. Las secuencias son las siguientes:
Tati contrataba actores no profesionales siempre que era posible. Quería gente cuya esencia interior encajara con sus personajes y que pudieran moverse como él quería.
En la década de 1960, el presidente francés Charles de Gaulle prometió desarrollar la economía de su país y reformar París para convertirla en una ciudad moderna. Los promotores inmobiliarios derribaron las casas antiguas de los distritos urbanos, reconstruyeron partes de la ciudad y sus suburbios y levantaron en su lugar bloques de vidrio y acero de estilo brutalista y moderno de mediados de siglo . Por primera vez se permitieron en París estructuras de gran altura que se consideraban un contraste desagradable con sus famosos monumentos. [ cita requerida ]
Tati, que se había criado en los barrios de París y había vivido allí la mayor parte de su vida, decidió hacer una película sobre el dolor de perder el viejo París en favor de un paisaje urbano más contemporáneo. Para lograrlo, Tati adoptó el enfoque radical de construir un decorado urbano de su propio diseño (apodado "Tativille"), en el que pudiera tener un control absoluto. [4]
En su estreno en 1967, Playtime fue la película más cara jamás rodada en Francia. Al igual que en otras películas de Tati, los diálogos fueron possincronizados y el volumen se redujo para dirigir nuestra atención a las formas de comportamiento y los gags visuales.
Hulot apareció por primera vez en Las vacaciones de M. Hulot (1953) y luego en Mi tío (1958). Con su pipa de boquilla larga, su impermeable y su sombrero, y sus pantalones a menudo demasiado cortos, Hulot se mueve un tanto perdido fuera de su "barrio antiguo" de París, desconcertado y confundido por la urbanización y la tecnología. Hulot también representó un obstáculo artístico para Tati, quien a principios de los años sesenta quería ir más allá del personaje. Sin embargo, sin la popularidad de Hulot, cualquier perspectiva comercial para Playtime habría sido inexistente, por lo que Hulot aparece en la película. Como todos los personajes y espacios dentro del encuadre, Hulot se convierte en parte del escenario; desaparece durante largos períodos de tiempo en pantalla, aparentemente perdido en el mundo. [4]
La película es famosa por su enorme decorado especialmente construido y su escenario de fondo, conocido como "Tativille", que contribuyó significativamente al gran presupuesto de la película, que se dice que fue de 17 millones de francos. El decorado requirió de cien trabajadores para su construcción, junto con su propia planta de energía. Las crisis presupuestarias y otros desastres alargaron el cronograma de rodaje a tres años, incluidos 1,4 millones de francos en reparaciones después de que el decorado fuera dañado por tormentas. [5] Tati observó que el costo de construir el decorado no era mayor que lo que habría costado contratar a Elizabeth Taylor o Sophia Loren para el papel principal. [5] Los sobrecostos del presupuesto obligaron a Tati a solicitar grandes préstamos y sobregiros personales para cubrir costos cada vez mayores.
Como Playtime dependía en gran medida de la comedia visual y de los efectos de sonido, Tati decidió filmarla con película de 70 mm de alta resolución y una banda sonora estereofónica compleja para su época.
Para ahorrar dinero, algunas de las fachadas de los edificios y el interior del decorado de Orly eran en realidad fotografías gigantes. Los monumentos de París que Barbara ve reflejados en la puerta de cristal también son fotografías. Tati también utilizó fotografías recortadas a tamaño real de personas para ahorrar dinero en extras; estas se aprecian en algunos de los cubículos cuando Hulot observa el laberinto de oficinas y en el fondo profundo de algunas de las tomas a nivel del suelo.
La enorme presentación de Tati se filmaría en alta resolución de 70 mm, lo que permitiría que los amplios exteriores del mundo real dominaran el encuadre. Las películas anteriores de Tati se filmaron en locaciones reales; para Playtime , Tati no podía permitirse lo que costaría hacerse cargo de segmentos enteros de una ciudad o aeropuerto de la vida real, y ninguna ciudad o aeropuerto se cerraría y se sometería al estilo de dirección obsesivo y exigente de Tati, en el que cada detalle se observaba y se trabajaba minuciosamente para lograr un efecto meticuloso.
Aunque su camarógrafo Jean Badal había propuesto que Tati construyera un edificio para la producción y luego lo vendiera, Tati tenía algo más idealista en mente. Su nueva compañía Specta-Films crearía enormes edificios y oficinas, carreteras y farolas, e incluso un aeropuerto. Pero en lugar de convertir estas estructuras en espacios funcionales que pudieran revenderse después, Tati pretendía utilizarlas para la industria cinematográfica francesa. Su estudio, bautizado como "Tativille" por el equipo, se construiría en la esquina sureste de París, en un terreno baldío en Saint-Maurice.
La construcción comenzó en septiembre de 1964 y sufrió retrasos casi inmediatos y problemas presupuestarios, y no se terminaría hasta marzo de 1965. El rodaje comenzó en abril de 1965 con un rodaje previsto de 178 días, pero duró hasta octubre de 1966. Durante los sorprendentemente prolongados 365 días de rodaje real, sin contar las vacaciones y los paros, el rodaje se detuvo a veces durante semanas o meses por diversas razones: mal tiempo, condiciones de iluminación no óptimas o, más comúnmente, porque se le había acabado el dinero a Tati. Tati pidió préstamos a financiadores gubernamentales, bancos, a cuenta de los activos de Specta-Films y, finalmente, de su fortuna personal. Pronto recurrió a amigos y familiares. Las figuras públicas y los admiradores también contribuyeron, pero no fue suficiente. Tati acabó cediendo los derechos de sus tres películas anteriores. Se dice que el presupuesto final de PlayTime estuvo entre cinco y doce millones de francos, aunque muchas facturas quedaron sin pagar cuando terminó la producción.
Tati decidió utilizar una película panorámica de 70 mm, mientras que el resto de sus películas se rodaron en formato 1,33:1. Aunque la mayor anchura de la película permitía una mayor sensación de detalle dentro del encuadre, la elección del director se vio impulsada por el deseo de implementar un formato de pantalla ancha rectangular, ya que sus otras películas se habían presentado en el formato más cuadrado de 35 mm. Las películas de mayor formato, especialmente las de 70 mm, solían reservarse para películas épicas como Ben-Hur (1959) o Lawrence de Arabia (1962). Sin embargo, Tati no empleó la relación de aspecto completa de 2,2:1 de 70 mm, sino que la redujo ligeramente para una relación proyectada de 1,85:1. Tati describió el efecto de los 70 mm de la siguiente manera: "Lo que me parece extraordinario es que el dispositivo permite al espectador tener una apreciación más completa de un simple alfiler cayendo en una gran habitación vacía". [4]
Tati quería que la película fuera en color pero que pareciera filmada en blanco y negro, un efecto que ya había empleado en cierta medida en Mon Oncle . Los colores predominantes son los tonos de gris, azul, negro y blanco grisáceo. El verde y el rojo se utilizan como colores de acento ocasionales: por ejemplo, el tono verdoso de los clientes iluminados por un letrero de neón en un mostrador de comida estéril y moderno, o la luz roja intermitente en el intercomunicador de una oficina. Se ha dicho que Tati tenía un elemento rojo en cada toma.
A excepción de un único puesto de flores, no hay plantas ni árboles verdes auténticos en el plató, aunque plantas de plástico opacas adornan los balcones exteriores de algunos edificios, incluido el restaurante (el único lugar filmado aparte de la carretera que lleva al aeropuerto). Así, cuando el personaje de Barbara llega al restaurante Royal Garden con un vestido verde esmeralda que las otras clientas, vestidas con ropa oscura, consideran "anticuado", contrasta visualmente no sólo con los demás comensales, sino también con todo el entorno físico de la película. A medida que los personajes de la escena del restaurante comienzan a perder sus inhibiciones sociales normales y se deleitan con el desenlace de su entorno, Tati intensifica tanto el color como la iluminación en consecuencia: los que llegan tarde al restaurante son menos conservadores y llegan con ropa vibrante y a menudo estampada.
Tati detestaba los primeros planos, los consideraba burdos, y filmó en película de 70 mm [6] para que todos los actores y sus movimientos físicos fueran visibles, incluso cuando estaban en el fondo de una escena grupal. Utilizó señales sonoras en lugar de visuales para dirigir la atención del público; con el gran tamaño de la imagen, el sonido podía ser tanto alto como bajo en la imagen, así como a la izquierda y a la derecha. [7] Como en la mayoría de las películas de Tati, se utilizaron efectos de sonido para intensificar el efecto cómico; Leonard Maltin escribió que Tati era el "único hombre en la historia del cine que lograba reírse con el zumbido de un letrero de neón". [8] Casi toda la película fue doblada después del rodaje; el proceso de edición tomó nueve meses.
Philip Kemp ha descrito la trama de la película como una exploración de "cómo la curva llega a reafirmarse sobre la línea recta". [7] Esta progresión se lleva a cabo de numerosas maneras. Al principio de la película, la gente camina en línea recta y gira en ángulos rectos. Sólo los trabajadores de la construcción de clase trabajadora (que representan el "viejo París" de Hulot, celebrado en Mon Oncle ) y dos adolescentes amantes de la música se mueven de una manera curvilínea y naturalmente humana. Parte de este comportamiento similar al de un robot comienza a aflojarse en la escena del restaurante cerca del final de la película, a medida que los participantes dejan de lado sus roles asignados y aprenden a disfrutar después de una plaga de desastres en la noche del estreno.
A lo largo de la película, los turistas americanos son continuamente alineados y contados, aunque Barbara sigue escapándose y debe ser llamada a menudo para que se ajuste a los demás. Al final, ha logrado unir la curva y la línea (el regalo de Hulot, un pañuelo cuadrado, se ajusta a su cabeza redonda); su viaje en autobús directo de vuelta al aeropuerto se pierde en una rotonda aparentemente interminable que tiene la atmósfera de una atracción de feria.
La secuencia extendida del apartamento, donde el personaje de Tati visita a un amigo y recorre su apartamento, es notable. Tati mantiene a su audiencia fuera del apartamento mientras observamos el interior de las vidas de estos personajes. En septiembre de 2012, Interiors , una revista en línea que se ocupa de la relación entre la arquitectura y el cine, publicó un número que analizaba cómo se utiliza el espacio en esta escena. El número destaca cómo Tati utiliza el espacio del apartamento para crear voyeurismo entre su audiencia. [9]
Los problemas financieros de Tati no mejoraron después de las primeras exhibiciones de PlayTime. En su estreno original en Francia, Playtime no tuvo éxito comercial y no logró recuperar una parte significativa de sus costos de producción. La película se presentó al 6.º Festival Internacional de Cine de Moscú , donde ganó un Premio de Plata. [10]
Los resultados fueron los mismos cuando la película se estrenó finalmente en Estados Unidos en 1973 (aunque finalmente se había convertido a un formato de 35 mm por insistencia de los distribuidores estadounidenses y se había editado para reducirla a 103 minutos). Aunque Vincent Canby, del New York Times, calificó Playtime como "la película más brillante de Tati", no tuvo más éxito comercial en Estados Unidos que en Francia. Las deudas contraídas como resultado de los sobrecostes de la película finalmente obligaron a Tati a declararse en quiebra.
Las quejas de que la película era demasiado larga hicieron que Tati redujera las copias individuales de la película de la duración original de 140 minutos a menos de 120 minutos para su estreno general. Tati aseguró a la comunidad cinematográfica que el negativo original de 70 mm seguía en su poder, pero después de varias reediciones en las décadas siguientes, la versión más larga estrenada hasta el momento dura 124 minutos. En ese momento, la integridad artística de Tati hacia el proyecto era a la vez inspiradora y debilitante. Su intención era que PlayTime fuera algo nuevo, un "espectáculo cinematográfico" que incluyera una proyección exclusiva de estreno con asientos reservables, algo más parecido a un teatro en vivo.
Se negó a proporcionar a algunas salas de cine que no estaban equipadas con proyectores de 70 mm una versión modificada de 35 mm, y el público, aún más desconcertado por la menor presencia del querido M. Hulot, se sumó a las tibias respuestas.
Además, Tati se había desgastado no sólo por la producción en sí, sino por la prensa negativa que rodeaba su ostentación. El hecho de que se negara a conceder entrevistas o a permitir que los periodistas entraran en su plató empeoró las cosas. La prensa negativa, tanto antes como después del estreno, agrió las reacciones del público, y los problemas financieros de Tati llevaron a la quiebra cuando no logró obtener una distribución completa de la película en Estados Unidos, a lo que se sumó el impacto de Mayo del 68 en Francia.
Retrospectivamente, Playtime ha llegado a ser considerada como un gran logro por muchos críticos. En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 98% basada en 54 reseñas, con una calificación promedio de 8.9/10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Un logro notable, Playtime llena cada escena con gags visuales y personajes que celebran y satirizan la urbanización de la vida moderna". [11] Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , le asignó a la película una puntuación de 99 sobre 100, basada en 19 críticos, lo que indica "aclamación universal". [12] En 2012, Playtime fue clasificada como la 43.ª mejor película de todos los tiempos en una encuesta de críticos de cine de Sight and Sound ; [13] en la edición de 2022 de la encuesta, subió al puesto 23 y se ubicó en el puesto 41 en una encuesta paralela de directores de cine. [14] [15]