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Pantheon ad Lucem [a] (otoño/invierno de 2004) es la vigésimo cuarta colección del diseñador británico Alexander McQueen para su casa de moda homónima . Inspirada en ideas de renacimiento, prendas de la antigua Grecia y películas de ciencia ficción como 2001: Odisea del espacio (1968) y La guerra de las galaxias (1977), la colección se centró en elegantes diseños de jersey drapeados, envueltos o atadosen colores claros y neutros, con algo de ropa de noche en colores más oscuros. En contraste con los artículos estilizados había prendas más pesadas que incluían trajes de tweed y abrigos de piel. McQueen expresó su fascinación por alterar la silueta , enfatizando las caderas en un grado que era poco común para él.
El desfile se celebró el 5 de marzo de 2004 en la Grande halle de la Villette de París. A diferencia de las presentaciones habitualmente grandilocuentes de McQueen, el desfile para Pantheon ad Lucem fue minimalista. Las modelos lucieron un estilo andrógino y algo alienígena. Llevaban pelucas con el pelo corto y muy rizado, haciendo eco de los peinados que se encuentran en las estatuas de la antigua Grecia . La pasarela era un círculo blanco liso, iluminado desde abajo. La iluminación evocaba de forma abstracta el Coliseo romano o una nave espacial alienígena . Para el final del desfile, la modelo Tiiu Kuik lució un vestido de noche gris con una exagerada silueta de reloj de arena , estilizado con una pieza de hombro decorada con orquídeas plateadas , y caminó hacia el centro del escenario iluminado por focos al son de un monitor cardíaco de línea plana .
La respuesta crítica a la ropa y al desfile de Pantheon ad Lucem fue mixta y positiva, y se considera una de las colecciones menos significativas de McQueen. Algunos críticos apreciaron el arte sencillo de la ropa, pero muchos esperaban teatro de McQueen y se sintieron decepcionados por su ausencia. La pieza de hombro "Orchid" apareció en la puesta en escena original de 2011 de la exposición retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty , y un vestido de la colección minorista apareció en la exposición Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse (2022).
Solía utilizar muchas alusiones al bondage y prendas de cortes duros. Como estaba saliendo del armario como hombre gay, reflejaban lo que sentía y lo que veía en los clubes gay. No siempre era agradable. Podía ser muy oscuro y feo. Cuando usas uno de mis vestidos, ya sea que tenga elementos de bondage u orquídeas, me entiendes al cien por cien... Este desfile de otoño se centró en la pureza, en centrarse en la ropa. Quería algo que contrarrestara todas las plumas y los volantes de la colección pirata [ Irere ] de la primavera pasada.
McQueen, reflexionando sobre la evolución de sus diseños en una entrevista con Harper's Bazaar , agosto de 2004 [1]
El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda que eran teatrales hasta el punto de rozar el arte escénico . [2] [3] Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. [4] [2] [3] Aunque trabajó en prêt-à-porter (ropa producida para la venta minorista), sus piezas de pasarela presentaban un grado de artesanía que rayaba en la alta costura . [5] [6]
Las fijaciones personales de McQueen tuvieron una fuerte influencia en sus diseños y desfiles. Se basó en su amor por el cine desde el comienzo de su carrera con su primera colección comercial, Taxi Driver (otoño/invierno de 1993), llamada así por la película de 1976 de Martin Scorsese . [7] También tuvo una fascinación de por vida por los viajes espaciales y los extraterrestres . [8] Refiriéndose al dispositivo de viaje en el tiempo y el espacio del programa de ciencia ficción Doctor Who , dijo: "Si la TARDIS existiera, sería el primero en comprar una". [8] Sus colecciones eran a menudo historicistas , haciendo referencia y reelaborando narrativas y conceptos históricos. [9]
Desde 1996 hasta octubre de 2001, McQueen fue, además de sus responsabilidades para su propia casa de moda , diseñador jefe de la casa de moda francesa Givenchy . [10] [11] [12] En 2000, McQueen vendió el 51 por ciento de su empresa al Grupo Gucci , propiedad del conglomerado francés PPR (ahora Kering ), pero mantuvo el control creativo. [13] [14] A finales de 2003 y principios de 2004, McQueen estuvo en tensas negociaciones con la gerencia de PPR para reemplazar al saliente Tom Ford como director creativo de Yves Saint Laurent (YSL), también propiedad de PPR. Las negociaciones fracasaron y McQueen no aceptó el trabajo, declarando públicamente que deseaba centrarse en su propia marca. [15] [16]
Pantheon ad Lucem [a] (otoño/invierno de 2004) es la vigésimo cuarta colección que McQueen diseñó para su casa de moda homónima. El título completo suele traducirse incorrectamente como "hacia la luz"; esta es la traducción correcta de la frase latina " ad lucem ", pero no tiene en cuenta la palabra "panteón". [17] [18] [19]
McQueen vio a Pantheon ad Lucem como un renacimiento y una renovación. [20] [21] [22] Su objetivo para la colección era eliminar "toda teatralidad y centrarse puramente en el diseño", en contraste con sus presentaciones de pasarela habitualmente grandilocuentes. [23] [18] También dijo que "quería imaginar cómo debería ser la moda en el siglo XXI". [24] La colección se inspiró en el estilo suelto de las prendas de la antigua Grecia, así como en el vestuario y el diseño de películas de ciencia ficción como 2001: Odisea del espacio (1968), La guerra de las galaxias (1977), Encuentros en la tercera fase (1977) y Señales (2002). [1] [17] [25]
La paleta era mayoritariamente neutra y los cortes eran relativamente simples, haciendo un uso intensivo de siluetas en las que McQueen había confiado en el pasado, incluidos vestidos con cinturas ceñidas, trajes y abrigos a medida y vestidos drapeados. [16] [26] [23] Algunos periodistas interpretaron los diseños sobrios de la colección como relacionados con las negociaciones de YSL, ya sea como evidencia de estrés o como un intento de afirmar su propia identidad como diseñador. [16] [20] [26] Gran parte de la colección comprendía conjuntos de jersey drapeado, envuelto o atado . [27] Los vestidos de columna larga evocaban el trabajo de la década de 1930 de la diseñadora francesa Madeleine Vionnet , que se especializó en vestidos de corte bies destinados a cubrir y envolver libremente el cuerpo; Vionnet también se inspiró en los antiguos griegos. [17] [27] [28] El periodista Stephen Todd pensó que estos artículos también podrían haber sido influenciados por el diseñador tunecino Azzedine Alaïa . [25] En contraste con los artículos de líneas delgadas había prendas más pesadas, incluidos trajes de tweed y abrigos de piel . [17] Los looks 26 y 27 tenían patrones en relieve que evocaban la apariencia de círculos en las cosechas o las Líneas de Nazca . [b] [17] [30] [16]
McQueen era conocido por jugar con la silueta cortando o estructurando prendas para producir formas inusuales. En Pantheon , enfatizó las caderas en un grado poco común para él, pero también mostró cinturas ceñidas y chaquetas acolchadas. [30] Los artículos finales de la colección tenían escotes de barco altamente estructurados en un ancho exagerado, junto con tela reflectante o luces LED insertadas , lo que le daba al usuario una calidad inhumana o alienígena. [18] [31] [19] El vestido plateado cónico en Look 51 se parecía al módulo de comando Apollo . [32]
A pesar de sus raíces de ciencia ficción, Pantheon contenía las referencias típicas de McQueen a los estilos de ropa históricos. [9] [17] La fase inicial de la colección incluía referencias a la moda de los años 30 que influyó en su colección anterior, Deliverance (primavera/verano de 2004), incluidos lazos en el coño , hombros ensanchados y cuellos y dobladillos ligeramente desiguales. [27] Los looks 36 y 38, vestidos con abundantes cuentas y cortes extremos, pueden haber hecho referencia a los trajes de danza del vientre . [33] McQueen hizo referencia a la ropa medieval inglesa en varias de las piezas de noche . Las prendas con canesú muy decorado o mangas largas, como las que se encuentran en los looks 33 y 46 respectivamente, apuntaban al período Plantagenet de finales de la Edad Media . [17] El look 47 tenía similitudes con la kirtle medieval inglesa . [30] El look 54 se hizo eco del escote abierto en un diseño con elementos de la ropa del período Tudor . [31]
McQueen incorporó a menudo materiales y elementos visuales del mundo natural en sus desfiles. El look 34 se diseñó con un gran cuello hecho de plumas reales y cuentas de vidrio, un posible guiño a los estilos nativos americanos . [30] El estampado de jaguar y el estampado floral aparecieron en los looks 37 y 39, y 48 y 49, respectivamente. [16] [30] Los estampados florales exagerados, un motivo inusual para McQueen y que él llamó "fundamental" para la presentación de la colección, se derivaron de fotografías de orquídeas de Peter Arnold. [1] Reproducir las fotografías multicolores como impresiones en seda presentó un desafío técnico para el fabricante de McQueen y tuvo que rehacerse varias veces. [1] Como resultado, la colección se retrasó y no salió de la planta de producción en Italia hasta casi dos días antes del desfile. [1]
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El desfile se llevó a cabo el 5 de marzo de 2004 en la Grande halle de la Villette en París. [34] Fue el último desfile del día. [25] Aunque estaba programado para las 8:30 p.m., no comenzó hasta las 10. [35] El presidente de PPR, Francois-Henri Pinault , y el presidente Serge Weinberg , así como el director ejecutivo saliente de Gucci, Domenico De Sole, estuvieron presentes. [36] Otros invitados incluyeron a la diseñadora Diane von Furstenberg , las amigas de McQueen Isabella Blow y Kate Moss , la música Grace Jones y la madre de McQueen. [36] [37]
La pasarela era un círculo blanco liso, iluminado desde abajo; el autor Andrew Wilson lo describió como una "plataforma de aterrizaje extraterrestre". [27] [18] [8] Las modelos entraban por una puerta retroiluminada en la parte trasera del escenario, lo que sugería la puerta abierta de una nave espacial extraterrestre . [17] Los anillos de luces del techo, así como los pilares de luz que rodeaban el escenario en el final, evocaban al Coliseo romano en abstracto. [17] [18] La autora Judith Watt vio las luces como la representación de "la base de una nave espacial flotante". [27] Joseph Bennett, que había diseñado todas las pasarelas de McQueen desde la número 13 (primavera/verano de 1999), volvió a encargarse del diseño de la escenografía . [38]
La banda sonora era principalmente electropop pero incorporaba pistas de películas de ciencia ficción y programas de televisión. Aparecieron los temas de Encuentros en la tercera fase y Doctor Who , al igual que una muestra de la fanfarria inicial de la composición de Richard Strauss Así habló Zaratustra , utilizada en la película de Stanley Kubrick de 1968 2001: Una odisea del espacio . [39] [17] [8] También se utilizó la canción de Kate Bush de 1980 " Babooshka ". [8]
Digamos que es un poco como La Reina Isabel I se encuentra con La Guerra de los Mundos [...] Son hermosos extraterrestres [...] Un poco dementes tal vez, pero hermosos.
La maquilladora Tonee Roberio, reflexionando sobre el estilo [35]
Guido Palau se encargó del peinado, mientras que Val Garland se encargó del maquillaje; ambos fueron colaboradores frecuentes de McQueen. [34] Las modelos fueron peinadas para parecer andróginas y algo alienígenas, con sus rostros empolvados y ojos rasgados artificialmente con cinta invisible. [17] [19] [37] Llevaban pelucas con cabello corto y muy rizado, haciendo eco de los peinados que se encuentran en las estatuas griegas antiguas . [17] [19] [27] Algunos críticos encontraron el estilo "embrionario". [16] [22]
Shaun Leane, colaborador habitual de McQueen , creó los accesorios para la colección, en particular la pieza de hombro plateada "Orchid" que apareció en el look final. [19] [40] Según Leane, McQueen pidió una pieza de hombro con orquídeas que luciera "bastante alienígena [...] no de este planeta". [19] Leane había creado un corsé plateado adornado con rosas para la colección Givenchy Primavera/Verano 2000 de McQueen, y repitió el mismo proceso para la pieza Orchid. Talló la sección del hombro en arcilla y las flores en cera. Ambas fueron fundidas en resina y luego galvanizadas con plata. Las orquídeas se oxidaron aún más para que su color contrastara con la parte del hombro. [41]
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Se presentaron cincuenta y cinco piezas. [c] [27] [16] Una breve proyección antes del desfile presentó escenas del espacio exterior. [27] La fase de apertura consistió en artículos en tonos carne en tejidos suaves como jersey y cachemira, así como prendas en cuero suave y tweed . [27] Con el Look 20, la presentación cambió a tonos tierra . Esta fase incluyó los primeros monos de McQueen , los Looks 24 y 31, en tweed. [42] [16] Más imágenes proyectadas del espacio precedieron a la fase final. [33] A partir del Look 40, la última parte de la colección comprendió looks de noche en satén oscuro , incluidos los vestidos con estampado de orquídeas. [30] Los tres looks finales, todos vestidos altamente esculturales, se presentaron en una oscuridad casi total, iluminados principalmente por tela reflectante y LED dentro de las prendas y las joyas. [17] [43] [32]
Para el final del show, la modelo Tiiu Kuik lució un vestido de noche en tul gris claro . El vestido tenía una exagerada silueta de reloj de arena : una falda acampanada en forma de A , cintura ceñida y un corpiño estructurado en forma de V que se abría en un amplio escote barco . [17] [19] El look fue diseñado con la pieza de hombro plateada "Orchid" de Shaun Leane. [19] [40] Kuik caminó hacia el escenario oscurecido mientras anillos concéntricos de luz destellaban en el suelo y el sonido de un monitor cardíaco comenzó a sonar. [8] Se detuvo en el centro y extendió los brazos suplicante mientras un foco la iluminaba desde el techo. El sonido del monitor cardíaco se desaceleró gradualmente hasta convertirse en una línea plana . [19] [8] Luces que se asemejaban a pilares rodeaban el escenario. El foco se atenuó gradualmente hasta que Kuik quedó a oscuras. [44]
Las luces volvieron a encenderse y las modelos del desfile salieron para hacer su último turno. [44] McQueen salió a saludar con un traje blanco y descalzo . Estrechó la mano y abrazó a De Sole, que había llevado la marca de McQueen al Grupo Gucci y apoyaba su trabajo. [1] [22] McQueen describió más tarde su aparición descalza como una indicación de "cuán humilde me sentí por lo que estaba sucediendo". [1]
La respuesta crítica contemporánea a Pantheon ad Lucem fue mixta; los críticos estaban divididos sobre la ropa sobria y el desfile. [16] [26] [45] Algunos sintieron que la ropa se veía fresca y moderna. [24] [46] [47] Para The New York Times , Cathy Horyn escribió que solo McQueen y Miuccia Prada habían dado un "salto de fe" esa temporada y habían creado diseños que miraban hacia el futuro, en lugar de seguir las tendencias contemporáneas. [48] Michael Fink, director de mercado de Saks Fifth Avenue , dijo a Women's Wear Daily ( WWD ) que interpretó los diseños de "fantasía de ciencia ficción" de McQueen como parte de una tendencia de los diseñadores a "buscar lo moderno". [47] Para The Independent , Susannah Frankel sintió que McQueen "aceptó el desafío maravillosamente", llamando a los vestidos finales un "momento de moda futurista". [49]
Algunos críticos describieron la moderación de la colección como una respuesta a una industria en la que muchos diseñadores se habían vuelto dependientes de diseños complicados y payasadas en la pasarela. [16] [20] [50] El crítico del personal de WWD señaló que la "austeridad inquietante" era una manifestación invertida de la "lujo característico" de McQueen. [45] Sarah Mower de Vogue y Jess Cartner-Morley en The Guardian sintieron que los diseños reducidos fueron una decisión inteligente, posicionando a McQueen como alguien con una visión de futuro única en comparación con sus pares. [16] [50] En contraste, Booth Moore para Los Angeles Times sintió que los diseñadores en general se estaban moviendo hacia la producción de "ropa vendible" en lugar de "payasadas de pasarela". [20]
Muchos críticos destacaron la excelencia técnica de los diseños como la mejor característica de la colección. [21] [35] Cartner-Morley escribió una de las pocas críticas fuertemente positivas, diciendo que "la producción básica reveló lo bien que la ropa de McQueen, con su forma y acabado impecables, resiste el escrutinio". [50] Horyn dirigió a los espectadores a ignorar los elementos de ciencia ficción y centrarse en el corte y la silueta de las prendas, que encontró únicas. [48] WWD escribió que los diseños mostraron la competencia técnica de McQueen y la capacidad de "hacer que las formas ultracomplicadas sean completamente llevables". [45] Los vestidos de noche drapeados también fueron un éxito para muchos. [20] [25] Frankel destacó las prendas de cuero y jersey ceñidas como lo mejor de la colección, y destacó el uso de "costuras complejas" para permitir que los artículos de tweed se ajustaran de manera similar a la figura. [49] En su reseña para el International Herald Tribune , Suzy Menkes encontró que los vestidos drapeados "conectaban hermosamente con el cuerpo". [21] Moore dijo que la ropa de noche era "emocionante" y adecuada para la alfombra roja . [20]
Los críticos consideraron que la confianza de McQueen en siluetas familiares tenía como objetivo resaltar sus puntos fuertes como diseñador. Mower sugirió que McQueen "parecía estar tratando de resumir la esencia de su identidad de diseño" con estos artículos. [16] Vanessa Friedman del Financial Times relacionó el estilo autorreferencial de la colección con el rechazo de McQueen al puesto de diseñador jefe en YSL. [26] Moore pensó que McQueen estaba tratando de mostrar a sus patrocinadores financieros en Gucci Group que era un diseñador serio por derecho propio y que podía producir ropa comercialmente viable. [20]
En cuanto a la teatralidad, no pudo evitarlo en el final. Tres modelos salieron contoneándose con vestidos incandescentes, con partes superiores e inferiores anchas y angulares y cinturas diminutas que las hacían parecer saleros y pimenteros de diseño escandinavo.
Booth Moore, reseña de la colección en Los Angeles Times [20]
A pesar de estas notas positivas, hubo una sensación general de que la colección no fue un éxito. [16] [21] [51] WWD se quejó de que la paleta limitada hizo que la ropa se sintiera aburrida y repetitiva a veces. [45] Robin Givhan de The Washington Post encontró que la colección carecía de variedad y escribió que "McQueen parecía retirarse a la seguridad de la sastrería excesivamente entusiasta y los adornos extravagantes" en lugar de desafiarse a sí mismo. [22] Friedman sintió que el espectáculo "faltaba su carga dramática habitual", pero pensó que algunos diseños tenían un "poder sutil". [26] Mower concluyó que Pantheon carecía de la teatralidad característica de McQueen y "no estuvo a la altura de las expectativas". [16] Tanto Menkes como Maggie Alderson en The Sydney Morning Herald compararon la colección desfavorablemente con el espectáculo anterior de McQueen, Deliverance (primavera/verano de 2004). [21] [51]
Muchos críticos pensaron que los elementos de ciencia ficción obstaculizaron la colección. Menkes escribió que la colección parecía moda de la Era Espacial de los años 60 y comparó varios artículos con los trajes de Star Trek . [21] Moore sintió que muchos diseños eran "demasiado Reina Amidala para ser ponibles". [20] Stephen Todd de The Australian encontró que había "algo perturbador" sobre la estructura restrictiva de algunas de las chaquetas y vestidos, y en última instancia sintió que no entendía la colección. [25] En el Toronto Star , David Graham sintió que el estilo alienígena "parecía un lavado de cara que había ido demasiado lejos". [35]
Según WWD , Pantheon ad Lucem tuvo la duodécima mayor cantidad de visitas a la página en Style.com durante la temporada. [52] McQueen le dijo a Harper's Bazaar en agosto de 2004 que no estaba seguro "de si a la prensa le gustó mucho la colección", pero dijo que se estaba vendiendo "fenomenalmente" en las tiendas. [1]
En retrospectiva, los biógrafos de McQueen tienden a ver Pantheon como una de las obras menos significativas de McQueen, dedicándole poco análisis. Judith Watt, en su biografía de McQueen, informa que la colección fue una decepción para la audiencia, que había llegado a esperar que el diseñador les presentara " pan y circo ". [27] Sin embargo, sintió que la colección encarnaba una "simplicidad ingeniosa", escribiendo que los vestidos drapeados con corte bies demostraban la comprensión de McQueen de cómo la tela funcionaba con el cuerpo. [27] Katherine Gleason, en su libro Alexander McQueen: Evolution , encontró la colección "elegante y ponible". [37] Andrew Wilson apenas comenta sobre la ropa en Blood Beneath the Skin , y la periodista Dana Thomas omite el desfile por completo en Gods and Kings . [8] [53] En el Pequeño libro de Alexander McQueen , Karen Homer escribió que McQueen había creado con éxito una colección que reducía sus diseños a "sus estilos característicos", pero lo había hecho "a costa de un espectáculo impresionante". [54]
El periodista de moda Alex Fury sostuvo que Pantheon era un ejemplo de McQueen expresando su visión "a través de los cuerpos de sus modelos" en lugar de a través de una elaborada escenografía. [18] Wilson sintió que la escena final, en la que Kuik parecía esperar ser llevado por extraterrestres a otra dimensión, "articulaba el deseo de trascendencia de McQueen". [8] Kristin Knox sugirió que los escotes exagerados de los looks 52 al 54 eran precursores visuales de las siluetas altamente estructuradas que presentó en The Girl Who Lived in the Tree (otoño/invierno de 2008) y The Horn of Plenty (otoño/invierno de 2009). [31] Escribió que la colección marcó "la evolución de sus diseños desde modas simplemente usadas por modelos a diseños integrados con sus portadores humanos, volviéndose una parte orgánica de ellos, como una segunda piel". [31]
El vestido de gala final apareció en una sesión fotográfica en la edición de diciembre de 2004 de Vogue , sin la pieza "Orchid" en el hombro. Fue modelado por la amiga de McQueen, Erin O'Connor , y fotografiado por Tim Walker . [55] El vestido de columna de inspiración griega hasta el suelo del Look 14 fue popular en la moda de alfombra roja esa temporada. [16] [56] McQueen regresó a los conjuntos de inspiración griega y al trabajo de Azzedine Alaïa para Neptune (primavera/verano 2006). [57] [58]
Ninguna prenda de Pantheon apareció en la retrospectiva de 2011 Alexander McQueen: Savage Beauty , pero se seleccionaron dos piezas de joyería de Shaun Leane para la sección "Gabinete de curiosidades" de la exposición: la pieza de hombro "Orchid" usada en el look final y un par de aretes de disco en cobre. [40] Un vestido y un par de botas de Pantheon aparecieron en la exposición de 2022 Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse. [59] Los curadores describieron el vestido como un ejemplo de cómo la "competencia de McQueen en el empalme se traduce en prendas que generan un movimiento sinuoso alrededor del cuerpo". [60] La Galería Nacional de Victoria (NGV) en Australia posee un vestido de noche con cuentas en organza de seda y gasa de Pantheon . [61] [62]
En 2017, Shaun Leane , colaborador de toda la vida de McQueen , subastó varias piezas que había creado para la casa en Sotheby's de Nueva York. La pieza para el hombro "Orchid" se vendió por 43.750 dólares. [63]
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