Miriam Schapiro (también conocida como Mimi) (15 de noviembre de 1923 - 20 de junio de 2015) fue una artista nacida en Canadá radicada en los Estados Unidos . Fue pintora, escultora, grabadora y pionera del arte feminista . También fue considerada una líder del movimiento artístico Pattern and Decoration . [1] La obra de arte de Schapiro difumina la línea entre las bellas artes y la artesanía. [2] Incorporó elementos artesanales en sus pinturas debido a su asociación con las mujeres y la feminidad. El trabajo de Schapiro toca el tema del feminismo y el arte: especialmente en el aspecto del feminismo en relación con el arte abstracto. Schapiro perfeccionó su trabajo artesanal doméstico y pudo crear un trabajo que se destacó entre el resto del arte elevado. Estas obras representan la identidad de Schapiro como artista que trabaja en el centro de la abstracción contemporánea y, al mismo tiempo, como feminista que se ve desafiada a representar la "conciencia" de las mujeres a través de imágenes. [3] A menudo utilizaba iconos asociados a la mujer, como corazones, adornos florales, patrones geométricos y el color rosa. En la década de 1970, convirtió el abanico, un objeto típicamente femenino de pequeño tamaño, en un objeto heroico al pintarlo de seis pies por doce pies. [4] "El lienzo en forma de abanico, un icono poderoso, le dio a Schapiro la oportunidad de experimentar... De esto emergió una superficie de complejidad colorística texturizada y opulencia que formó la base de su nuevo estilo personal. El kimono , los abanicos, las casas y los corazones fueron la forma en la que vertió repetidamente sus sentimientos y deseos, sus ansiedades y esperanzas". [3]
Schapiro nació en Toronto , Ontario, Canadá. [5] Fue hija única de padres judíos rusos. Su abuelo, un inmigrante ruso, inventó el primer ojo de muñeca movible en los Estados Unidos [6] y fabricó "osos de peluche". [7] Schapiro luego incluyó muñecas en su trabajo, como recortes de papel y como reproducciones fotográficas de imágenes de revistas, y en su declaración que acompañó una exhibición de su trabajo en la Galería Flomenhaft, comentó que "en nuestro país no sentimos por las muñecas como lo hacen los europeos, africanos o asiáticos", proporcionando una anécdota de que las monjas en un templo japonés explicaron que su razón de estar allí era cuidar las almas de las muñecas. [8] Su padre, Theodore Schapiro, era un artista e intelectual que estudiaba en el Instituto de Diseño de Bellas Artes , en Nueva York, cuando nació Schapiro. Era un artista de diseño industrial que fomentó su deseo de ser artista y sirvió como su modelo a seguir y mentor. Su madre, Fannie Cohen, ama de casa y sionista, animó a Schapiro a dedicarse a las artes. A los seis años, Schapiro comenzó a dibujar. [9]
Cuando era adolescente, Schapiro recibió clases de Victor d'Amico, su primer profesor modernista en el Museo de Arte Moderno. [10] Por las noches, se unía a las clases de la WPA para adultos para estudiar el dibujo del modelo desnudo. En 1943, Schapiro ingresó en el Hunter College de la ciudad de Nueva York, pero finalmente se trasladó a la Universidad de Iowa. En la Universidad de Iowa, Schapiro estudió pintura con Stuart Edie y James Lechay. Estudió grabado con Mauricio Lasansky y fue su asistente personal, lo que luego la llevó a ayudar a formar el Iowa Print Group. [3] Lasanky enseñó a sus estudiantes a utilizar varias técnicas de impresión diferentes en su trabajo y a estudiar el trabajo de los maestros para encontrar soluciones a los problemas técnicos.
En la Universidad Estatal de Iowa conoció al artista Paul Brach , con quien se casó en 1946. [5] Después de que Brach y Schapiro se graduaran en 1949, Brach recibió un trabajo en la Universidad de Missouri como instructora de pintura. Schapiro no recibió un puesto y fue muy infeliz durante su tiempo allí. En 1951 se mudaron a la ciudad de Nueva York y se hicieron amigos de muchos de los artistas expresionistas abstractos de la Escuela de Nueva York , incluidos Joan Mitchell , Larry Rivers , Knox Martin y Michael Goldberg . Schapiro y Brach vivieron en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1950 y 1960. Miriam y Paul tuvieron un hijo, Peter Brach, en 1955. Antes y después del nacimiento de su hijo Peter, Schapiro luchó con su identidad y su lugar como artista. Los sucesivos estudios de Miriam Schapiro, después de este período de crisis, se convirtieron tanto en entornos como en reflejos de los cambios en su vida y su arte. [3]
Murió el 20 de junio de 2015, en Hampton Bays, Nueva York , a los 91 años. [11] [12]
La carrera artística de Miriam Schapiro abarcó más de cuatro décadas. Estuvo involucrada en el expresionismo abstracto , el minimalismo , el arte informático y el arte feminista . Trabajó con collage, grabado, pintura, femmage (utilizando la artesanía de las mujeres en sus obras de arte) y escultura. Schapiro no solo honró la tradición artesanal en el arte de las mujeres, sino que también rindió homenaje a las mujeres artistas del pasado. A principios de la década de 1970, hizo pinturas y collages que incluían reproducciones fotográficas de artistas pasadas como Mary Cassatt . A mediados de la década de 1980, pintó retratos de Frida Kahlo sobre sus viejos autorretratos. En la década de 1990, Schapiro comenzó a incluir mujeres de la vanguardia rusa en su trabajo. La vanguardia rusa fue un momento importante en la historia del arte moderno para que Schapiro reflexionara porque las mujeres eran vistas como iguales. [13]
Paul Brach y Miriam Schapiro regresaron a Nueva York después de terminar sus estudios de posgrado a principios de los años 50. [10] Aunque Brach frecuentaba The Club, donde los artistas expresionistas abstractos se reunían para debatir, hablar, beber y bailar, nunca fue miembro. En uno de sus diarios, escribió que los miembros de The Club no consideraban a las mujeres artistas serias. [14] Schapiro trabajó en el estilo del expresionismo abstracto durante este período.
Entre 1953 y 1957, Schapiro creó una importante cantidad de obras. Schapiro creó su propio lenguaje gestual: "pintar finamente y borrar", en el que el área borrada desempeñaba un papel significativo como área pintada. Aunque estas obras eran abstractas, como su obra Beast Land and Plenty , Schapiro las basó en ilustraciones en blanco y negro de obras de los "viejos maestros". En diciembre de 1957, André Emmerich seleccionó una de sus pinturas para la inauguración de su galería. [3]
A partir de 1960, Schapiro comenzó a eliminar las pinceladas expresionistas abstractas de sus pinturas y a introducir una variedad de formas geométricas. [6] Schapiro comenzó a buscar símbolos maternales para unificar sus propios roles como mujer. Su serie Shrines fue creada entre 1961 y 1963 con esto en mente. Es uno de sus primeros grupos de trabajos que también era una autobiografía. Cada sección de la obra muestra un aspecto de ser una artista mujer. También son simbólicas de su cuerpo y alma. El juego entre la ilusión de profundidad y la aceptación de la superficie se convirtió en la principal estrategia formal del trabajo de Miriam durante el resto de la década. [15] Los Shrines le permitieron a Schapiro descubrir los aspectos múltiples y fragmentados de sí misma. [3]
En 1964, Schapiro y su marido Paul trabajaron en el taller de litografía Tamarind. Uno de los puntos de inflexión más importantes de la carrera artística de Schapiro fue trabajar en el taller y experimentar con el papel Color-Aid de Josef Albers , donde comenzó a hacer varios santuarios nuevos y creó sus primeros collages. [15]
En 1967, Schapiro y Brach se mudaron a California para enseñar en el departamento de arte de la Universidad de California en San Diego. Allí, Schapiro conoció a David Nalibof, un físico que trabajaba para General Dynamics. Nalibof formuló programas informáticos que podían trazar y alterar los dibujos de Miriam Schapiro. Así fue como se creó una de sus obras más emblemáticas, Big Ox #1 de 1968. Las diagonales de esta obra representan las extremidades del "hombre de Vitruvio", mientras que la O representa el centro de la mujer, la vagina, el útero. Esta obra se describe como "un emblema arquetípico, recién inventado y basado en el cuerpo, para el poder y la identidad femeninos, realizado en brillantes tonos rojo anaranjado, plata y 'tiernos tonos de rosa'". [16] También se cree que la O simboliza el huevo, que existe como ventana hacia la estructura materna con las extremidades extendidas. [15]
En 1971, Schapiro, junto con la artista Judy Chicago , comenzó a desarrollar el Programa de Arte Feminista en el recién creado Instituto de las Artes de California en Valencia. El programa se propuso abordar los problemas de las artes desde una posición institucional y se centró en la expansión de un entorno femenino en el centro de Los Ángeles. En Womanhouse, las mujeres pudieron volcar la creatividad invertida en brindarles a sus familias entornos de apoyo hacia ellas mismas al permitir que sus fantasías se apoderaran de todas las habitaciones. [3] Querían que la creación de arte fuera menos una aventura privada e introspectiva y más un proceso público compartido a través de sesiones de concientización, confesiones personales y capacitación técnica. [17] "('House') se convirtió en el depósito de la fantasía femenina y los sueños femeninos". Schapiro participó en la exposición Womanhouse en 1972. La pieza más pequeña de Schapiro dentro de Womanhouse , llamada " Dollhouse ", se construyó utilizando varias piezas de desecho para crear todos los muebles y accesorios de la casa. Cada habitación significaba un papel particular que desempeña una mujer en la sociedad y representaba los conflictos entre ellos. [18]
El trabajo de Schapiro a partir de la década de 1970 consiste principalmente en collages ensamblados a partir de telas, a las que llamó "femmages". A principios de los setenta, después de la colaboración de Schapiro en Womanhouse , realizó sus primeros collages de tela en su estudio en Los Ángeles, que parecía una habitación en una casa. Del mundo tecnológico masculino de las computadoras, Schapiro se mudó a la casa decorada de una mujer. En este estudio hogareño, Schapiro monumentalizó su gabinete de telas y su significado para las mujeres, en una serie de grandes femmages, incluido A Cabinet for All Seasons . Esta fue su versión poética de la representación de cambios continuos y repeticiones en los cuerpos y vidas de todas las mujeres. [3] En su definición de femmage, Schapiro escribió que el estilo, que simultáneamente recuerda al acolchado y al cubismo, tiene un "contexto de vida de mujer" y que "celebra un evento privado o público". Mientras Schapiro viajaba por los Estados Unidos dando conferencias, les pedía un recuerdo a las mujeres que conocía. Estos recuerdos se usarían en sus pinturas tipo collage. Schapiro también realizó proyectos de arte colaborativo, como su serie de grabados Anonymous was a Woman de 1977. Pudo producir la serie con un grupo de nueve mujeres graduadas en arte de estudio de la Universidad de Oregon. Cada impresión es una impresión hecha a partir de un tapete sin transformar que se colocó en una base blanda sobre una placa de zinc, luego se grabó y se imprimió. [3]
Su ensayo de 1977-1978 Waste Not Want Not: An Inquiry into What Women Saved and Assembled – FEMMAGE (escrito con Melissa Meyer ) describe el femmage como las actividades de collage, ensamblaje , découpage y fotomontaje practicadas por mujeres utilizando "técnicas tradicionales de mujeres: costura, perforación, enganche, corte, aplicación, cocción y similares..." [19]
Después de 1975, Schapiro regresó a Nueva York y con lo que ganó después de vender algunas pinturas, no solo tenía una habitación sino un estudio propio. La decoración y la "colaboración" son fundamentales en su obra de arte y ambas juegan un papel importante tanto en su casa como en su estudio. [3] El estudio se convirtió en la habitación de Schapiro y, en momentos de gran conflicto personal, en la única conexión con su yo creativo. Sus diversos estudios a lo largo de su carrera han reflejado los cambios en las realidades tanto externas como internas de su vida. Han expresado sus cambiantes concepciones de sí misma de acuerdo con o en contra de la sociedad, que mantiene separados los roles de género. [3] Los estudios de Schapiro también se han convertido en metáforas de su trabajo creativo, así como en espacios en los que podía vivir su vida y también cumplir sus sueños. [3]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [20]
En el proceso de asumir diferentes proyectos, el estudio de Schapiro se expandió y finalmente se volvió portátil, acompañándola en sus viajes de un lugar a otro. Fue durante la misma época en que se desarrollaba su proyecto colaborativo en Oregón con las nueve mujeres que Schapiro también creó su primera "Serie de colaboración" con mujeres artistas del pasado. Esta serie combinaba reproducciones de la obra de Mary Cassatt y Berthe Morisot con bordes de tela coloridos y sensuales en patrones inspirados en colchas. [3] En Mary Cassatt and Me , Schapiro superpuso su propia imagen mental de su madre con el ideal maternal de Cassatt: su madre leyendo un periódico. [3]
En la década de 1990, Schapiro comenzó a explorar más a fondo su identidad judía en su pintura. En su cuadro My History (1997), utilizó la misma estructura que el proyecto House y construyó habitaciones con diferentes recuerdos en torno a su herencia judía. Su declaración más explícita de temática judía en el arte fue Four Matriarchs (Cuatro matriarcas) , vidrieras que retrataban a las heroínas bíblicas Sarah, Rebecca, Rachel y Leah. Se trataba de una pieza colorida que combinaba la simbología de la identidad y su arte doméstico más antiguo para crear la verdadera visión de lo que el arte elevado significaba para el público. Mother Russia (1994), fue una pieza de abanico hecha por Schapiro que se inspiró en el origen ruso de su familia. Representa a las poderosas mujeres de Rusia, cada una en una fila de abanicos de mano con un sombrero y un velo. Añadió piezas de la obra de cada artista en su estilo "colaborativo" para unirlas como mujeres revolucionarias y elogiar a las figuras ocultas. Su origen en la cultura rusa y judía ha contribuido en gran medida a lo que representa la colección de obras de Schapiro. La fundación y el uso colectivo de patrones y colores describen el trabajo de Miriam y nos permiten ver su cultura y su voz femenina. [15]
Fue entrevistada para la película de 2010 !Women Art Revolution . [21]
Las obras de Schapiro se encuentran en numerosas colecciones de museos, entre ellos el Museo Smithsonian de Arte Americano , [22] [23] el Museo Judío (Nueva York) , [24] la Galería Nacional de Arte , [25] el Museo de Arte Moderno , [26] el Museo de Arte Pérez de Miami, [27] en Florida, y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . [28] Sus premios incluyen el Premio al Artista Distinguido por su Logro de Toda una Vida de la Asociación de Arte Universitario [29] y una Beca Guggenheim de 1987. [30]
En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [31]