Minor Martin White (9 de julio de 1908 - 24 de junio de 1976) fue un fotógrafo, teórico, crítico y educador estadounidense. Tenía un intenso interés en cómo la gente veía y pensaba sobre las fotografías y una visión personal guiada por varias filosofías espirituales e intelectuales.
Desde 1937 hasta su muerte en 1976, White realizó miles de fotografías en blanco y negro y en color de paisajes, personas y temas abstractos. Mostraron dominio técnico y un fuerte sentido de la luz y la sombra. Impartió muchas clases, talleres y retiros sobre fotografía, incluso en escuelas como la Escuela de Bellas Artes de California , el Instituto de Tecnología de Rochester y el Instituto de Tecnología de Massachusetts , y en su casa.
Vivió gran parte de su vida como un hombre gay encerrado , sin expresar su sexualidad por miedo a perder sus trabajos docentes. Algunas de sus imágenes más convincentes son estudios de figuras de hombres a los que enseñó o con quienes tuvo relaciones. Ayudó a iniciar la revista de fotografía Aperture , considerada la única publicación periódica producida por y para fotógrafos que practican este medio como una bella arte. Fue su editor durante muchos años.
Después de su muerte en 1976, White fue aclamado como uno de los mejores fotógrafos de Estados Unidos. [1]
White nació en Minneapolis , Minnesota. Era hijo único de Charles Henry White, contable, y Florence May Martin White, modista. Su primer nombre era el mismo que el de su tatarabuelo paterno. Su segundo nombre era el apellido de soltera de su madre.
Durante sus primeros años, pasó gran parte de su tiempo con sus abuelos maternos y disfrutaba jugando en su gran jardín, lo que más tarde influyó en su decisión de estudiar botánica en la universidad. [2] Su abuelo, George Martin, un fotógrafo aficionado, le dio a White su primera cámara en 1915. De 1916 a 1922, los padres de White pasaron por una serie de separaciones. Durante esos períodos, White y su madre vivían con sus padres. Sus padres se reconciliaron en 1922, permaneciendo juntos hasta que finalmente se divorciaron en 1929. [3]
Cuando White se graduó de la escuela secundaria, era consciente de su homosexualidad latente. En 1927, escribió sobre sus sentimientos por los hombres en su diario, que sus padres leyeron sin su permiso. Después de esto, dejó su casa durante el verano en lo que llamó un breve período de crisis. En otoño, regresó a casa y entró en la Universidad de Minnesota, con especialización en botánica. Sus padres nunca volvieron a hablar de su homosexualidad. [3]
En 1931, cuando debería haberse graduado, no cumplió con los requisitos para obtener un título en ciencias y abandonó la escuela por un año. Durante este tiempo, se interesó mucho en la escritura y comenzó un diario personal que llamó "Memorable Fancies". Escribió en un diario poemas, pensamientos íntimos sobre su vida y sus luchas por la sexualidad, extractos de cartas que escribió a otros, anotaciones ocasionales parecidas a un diario sobre la vida cotidiana y, más tarde, extensas notas sobre su fotografía. Continuó con la revista hasta 1970, cuando la mayor parte de su energía se dedicó a la docencia. [4]
En 1932, White volvió a ingresar a la universidad, estudió botánica y escritura, y se graduó en 1934. El semestre siguiente, tomó algunas clases de botánica de posgrado. Después de seis meses, decidió que no tenía interés en convertirse en botánico. Pasó los siguientes dos años haciendo trabajos ocasionales y explorando sus habilidades de escritura. Durante este tiempo, creó un conjunto de 100 sonetos sobre el tema del amor sexual, su primer intento de agrupar su producción creativa. [5]
A finales de 1937, White decidió mudarse a Seattle. Compró una cámara Argus de 35 mm y tomó un autobús hasta su destino previsto. Después de recalar en Portland, Oregon, decidió quedarse allí. Durante los siguientes dos años y medio, vivió en Portland YMCA y exploró la fotografía en profundidad. Impartió su primera clase de fotografía en la YMCA a un pequeño grupo de adultos jóvenes. También se unió al Oregon Camera Club y aprendió cómo los fotógrafos hablan sobre su oficio y su trabajo. [6]
En 1938, a White le ofrecieron un trabajo como fotógrafo para el Oregon Art Project, financiado por la Works Progress Administration . Una tarea fue fotografiar edificios históricos en el centro de Portland antes de que fueran demolidos para un nuevo desarrollo frente al río. Estos incluían los Arcos del edificio Dodd , que mostraban a un joven prostituto parado en la sombra del edificio y apuntando a su entrepierna. [7] Durante el mismo período, tomó fotografías publicitarias para el Portland Civic Theatre, documentando sus obras y tomando retratos de los actores y actrices. [8]
En 1940, White fue contratado para enseñar fotografía en el La Grande Art Center en el este de Oregon. Rápidamente se sumergió en su trabajo, impartió clases tres días a la semana, dio conferencias sobre arte a estudiantes locales, revisó exposiciones para el periódico local y realizó una transmisión de radio semanal sobre las actividades en el Centro de Arte. En su tiempo libre viajaba por la región tomando fotografías del paisaje, granjas y edificios de pequeños pueblos. También escribió su primer artículo sobre fotografía, "¿Cuándo es creativa la fotografía?", publicado dos años después en la revista American Photography . [5]
White renunció al Art Center a finales de 1941 y regresó a Portland con la intención de iniciar un negocio de fotografía comercial. Ese año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York aceptó tres de sus fotografías para incluirlas en su exposición "Imagen de la libertad". Al cierre de la exposición, el museo compró las tres impresiones, siendo la primera vez que sus imágenes ingresan a una colección pública. Al año siguiente, el Museo de Arte de Portland le ofreció a White su primera exposición individual, exhibiendo cuatro series de fotografías que tomó en el este de Oregón. Escribió en su diario que, con ese espectáculo, "se cerró un período". [9]
En abril de 1942, White fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos y ocultó su homosexualidad. Antes de partir de Portland, dejó la mayoría de sus negativos de edificios históricos de Portland a la Sociedad Histórica de Oregón. White pasó los dos primeros años de la Segunda Guerra Mundial en Hawaii y Australia. Posteriormente, se convirtió en Jefe de la División Divisional de Inteligencia en el sur de Filipinas. Rara vez fotografió durante este tiempo, eligiendo escribir poesía y versos extensos. Tres de sus poemas más extensos, "Elegías", "Verso libre para la libertad de expresión" y "Testamento menor", abordaron sus experiencias de guerra y los vínculos de los hombres en condiciones extremas. Posteriormente utilizó texto del "Testamento Menor" en su secuencia fotográfica Amputaciones. [3] Durante la guerra, White se interesó por el catolicismo y se convirtió en la Pascua de 1943. [7]
Después de la guerra, White viajó a la ciudad de Nueva York y se matriculó en la Universidad de Columbia . Mientras estaba en Nueva York, conoció y se hizo amigo cercano de Beaumont y Nancy Newhall, quienes trabajaban en el recién formado departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno. A través de ellos, a White le ofrecieron un trabajo como fotógrafo de museo. Pasó muchas horas hablando con Nancy Newhall, quien, según dijo, lo educó e influyó fuertemente en su pensamiento y dirección en la fotografía. [10]
En febrero de 1946, White tuvo la primera de varias reuniones con el fotógrafo Alfred Stieglitz en Nueva York. White había leído diversos escritos de Stieglitz sobre fotografía y entendía algunas de sus teorías. A través de sus conversaciones, White llegó a adoptar la teoría de equivalencia de Stieglitz, donde la imagen representa algo más que el tema, y su uso de secuenciación de imágenes pictóricas. White escribió en su diario que expresó sus dudas de estar preparado para convertirse en un fotógrafo serio en una de sus reuniones. Stieglitz le preguntó: "¿Alguna vez has estado enamorado?" White respondió: "Sí". Stieglitz respondió: "Entonces puedes fotografiar" .
Durante este tiempo, White conoció y se hizo amigo de algunos de los fotógrafos más importantes de la época, incluidos Berenice Abbott , Edward Steichen , Paul Strand , Edward Weston y Harry Callahan . Steichen, que era director del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno, le ofreció a White un puesto de curador. En cambio, White aceptó la oferta de Ansel Adams de ayudarlo en el recién creado departamento de fotografía de la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA) en San Francisco. [12] White se mudó a San Francisco en julio y vivió en la misma casa que Adams durante varios años. Adams le enseñó a White su método del Sistema de Zonas para exponer y revelar negativos, que White utilizó ampliamente en su trabajo. Escribió extensamente sobre esto, publicó un libro y enseñó a sus alumnos el método de exposición y desarrollo, así como la práctica de la (pre)visualización.
Mientras estaba en San Francisco, White se hizo amigo cercano de Edward Weston en Carmel. Durante el resto de su vida, Weston tuvo una profunda influencia en la fotografía y la filosofía de White. Más tarde dijo: "...Stieglitz, Weston y Ansel me dieron exactamente lo que necesitaba en ese momento. De cada uno tomé una cosa: la técnica de Ansel, el amor por la naturaleza de Weston y de Stieglitz la afirmación de que estaba vivo". y pude fotografiar." [13] Durante los siguientes años, White pasó mucho tiempo fotografiando en Point Lobos , el sitio de algunas de las imágenes más famosas de Weston, abordando muchos de los mismos temas con puntos de vista y propósitos creativos completamente diferentes.
A mediados de 1947, White era profesor principal en CSFA y había desarrollado un curso de tres años que enfatizaba la fotografía personal expresiva. Durante los siguientes seis años, reclutó como profesores a algunos de los mejores fotógrafos de la época, incluidos Imogen Cunningham , Lisette Model y Dorothea Lange . [14] Durante este tiempo, White creó su primer grupo de fotografías y texto en una forma no narrativa, una secuencia que llamó Amputaciones . Aunque estaba prevista su exhibición en el Palacio de la Legión de Honor de California , la exposición fue cancelada porque White se negó a permitir que las fotografías se mostraran sin texto, que incluía algunas palabras que expresaban su ambigüedad sobre el patriotismo estadounidense de posguerra. [15]
Los siguientes tres años fueron algunos de los más prolíficos creativamente de White. Además de tomar docenas de paisajes terrestres y acuáticos, tomó docenas de fotografías que evolucionaron hasta convertirse en algunas de sus secuencias más convincentes. Tres en particular mostraron sus continuas luchas con su sexualidad. Canción sin palabras , La tentación de San Antonio son espejos y Quinta secuencia/Retrato de un joven como actor representan "la agitación emocional que siente por su amor y deseo por los hombres". [15]
En 1949, White compró una pequeña cámara Zeiss Ikonta y comenzó una serie de fotografías de calles urbanas. Durante los siguientes cuatro años, tomó cerca de 6.000 imágenes, todas inspiradas por su nuevo interés en la poesía de Walt Whitman . El proyecto, al que llamó Ciudad del Surf , incluía fotografías del barrio chino de San Francisco, los muelles, la gente en las calles y varios desfiles y ferias por la ciudad. [15]
El período 1951-1952 es uno de los momentos formativos en la carrera de White. Participó en una conferencia sobre fotografía en el Instituto Aspen , donde la idea de crear una nueva revista de fotografía fue discutida por Ansel Adams , Dorothea Lange , Beaumont y Nancy Newhall, Frederick Sommer y otros. Poco después, muchas de estas mismas personas fundaron la revista Aperture . White se presentó como voluntario y fue aprobado como editor, y el primer número apareció en abril de 1952. Aperture rápidamente se convirtió en una de las revistas sobre fotografía más influyentes, y White permaneció como editor hasta 1975. [16]
Cerca de finales de 1952, el padre de White, de quien había estado distanciado durante muchos años, murió en Long Beach, California . En 1953, Walter Chappell presentó a White el I Ching , un antiguo libro chino de filosofía y adivinación. White continuó siendo influenciado por este texto y refiriéndose a él durante el resto de su vida. Le intrigaban especialmente los conceptos de yin y yang , en los que fuerzas aparentemente opuestas o contrarias pueden concebirse como complementarias. Más tarde, ese mismo año, una reorganización en CSFS resultó en una reducción del tiempo de clase de White y comenzó a pensar en un cambio de empleo. Al mismo tiempo, Beaumont Newhall se había convertido recientemente en curador de la Casa George Eastman en Rochester, Nueva York . Invitó a White a trabajar con él como asistente curatorial. Expuso del 28 de septiembre al 3 de noviembre de 1954 en la Limelight Gallery de Nueva York y fue incluido en Great Photographs de esa galería a finales de ese año. [17] Durante los siguientes tres años, White organizó tres exposiciones temáticas [ ¿dónde? ] que demostró sus intereses particulares: La Conciencia de Cámara , La Imagen Pictórica y Lírica y Precisa . En 1955 se incorporó al cuerpo docente del Instituto de Tecnología de Rochester (RIT), donde impartía clases un día a la semana.
La producción fotográfica de White disminuyó durante este tiempo debido a su labor docente y editorial, pero continuó produciendo suficientes imágenes que a finales de 1955 había creado una nueva secuencia, Sequence 10/Rural Cathedrals, que incluía imágenes de paisajes del norte del estado de Nueva York que fueron filmados en película normal e infrarroja . En 1955, White estaba plenamente dedicado a la enseñanza, habiendo sido nombrado instructor en el nuevo programa de fotografía de cuatro años en RIT, además de dirigir clases y talleres en la Universidad de Ohio y la Universidad de Indiana . Walter Chappell se mudó a Rochester a finales de año para trabajar en George Eastman House. Chappell involucró a White en largas discusiones sobre varias religiones y filosofías orientales. White comenzó a practicar la meditación Zen y adoptó un estilo de decoración japonés en su casa. Durante los dos años siguientes, las discusiones entre White y Chappell se metamorfosearon en largos discursos sobre la escritura y la filosofía de George Gurdjieff . White gradualmente se convirtió en un partidario de las enseñanzas de Gurdjieff y comenzó a incorporar el pensamiento de Gurdjieff en el diseño y la implementación de sus talleres. [18] Los conceptos de Gurdjieff, para White, no eran sólo ejercicios intelectuales sino guías para la experiencia, e influyeron enormemente en gran parte de su enfoque de la enseñanza y la fotografía durante el resto de su vida. [19]
Durante este mismo período, White comenzó a realizar sus primeras imágenes en color. Aunque es más conocido por su fotografía en blanco y negro, produjo muchas fotografías en color. Su archivo contiene cerca de 9.000 transparencias de 35 mm tomadas entre 1955 y 1975. [20]
En 1959, White montó una gran exposición de 115 fotografías de su Secuencia 13/Regreso al brote en la Casa de George Eastman. Fue su exposición más grande hasta la fecha. Posteriormente viajó al Museo de Arte de Portland en Oregón. White fue invitado a impartir un taller de 10 días con todos los gastos pagos en Portland para acompañar la exposición. Aprovechó la financiación para fotografiar paisajes y realizó estudios de naturaleza por todo el país. A partir de su experiencia en Portland, desarrolló la idea de un taller residencial de tiempo completo en Rochester en el que los estudiantes aprenderían a través de sesiones formales y, siguiendo una combinación del pensamiento de Gurdjieff y del Zen, a través de la comprensión obtenida mediante la disciplina de tales tareas. como tareas domésticas y ejercicios matutinos. Continuaría con este estilo de enseñanza residencial hasta su muerte. [21] A principios de la década de 1960, White también estudió hipnosis e incorporó la práctica en algunas de sus enseñanzas como una forma de ayudar a los estudiantes a experimentar fotografías. [22]
White continuó enseñando extensamente tanto de forma privada como en RIT durante los siguientes años. Durante este tiempo viajó por los EE. UU. en los veranos tomando fotografías en el camino. En su diario se refirió a sí mismo durante este período como "El Errante", lo que tenía significados tanto literales como metafóricos debido a su búsqueda de comprender la vida. [19] En 1962 conoció a Michael Hoffman, quien se convirtió en amigo, colega y, más tarde, asumió la dirección editorial de la revista Aperture . Más tarde, White nombró a Hoffman como albacea de su testamento. [23]
En 1965, White fue invitado a ayudar a diseñar un programa recién formado en artes visuales en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) en Cambridge, Massachusetts , cerca de Boston. Después de ser nombrado profesor visitante, White se mudó al área de Boston y compró una casa de 12 habitaciones en los suburbios de Arlington para poder aumentar el tamaño de sus talleres residenciales para estudiantes seleccionados. Poco después de mudarse al área de Boston, completó un tipo diferente de secuencia llamada Slow Dance, que luego integraría a sus enseñanzas. Continuó explorando cómo la gente entiende e interpreta la fotografía y comenzó a incorporar técnicas de la psicología Gestalt en sus enseñanzas. Para ayudar a sus alumnos a experimentar el significado de "equivalencia", comenzó a pedirles que dibujaran ciertos temas y los fotografiaran. [ cita necesaria ]
White comenzó a experimentar molestias periódicas en el pecho en 1966, y su médico diagnosticó su dolencia como angina . Sus síntomas continuaron durante el resto de su vida, lo que lo llevó a intensificar su estudio de asuntos espirituales y la meditación. Recurrió a la astrología en un intento de aumentar su comprensión sobre la vida, y su interés en ella se volvió tan significativo que exigió que todos sus estudiantes actuales y futuros completaran sus horóscopos . [24] En este punto de su vida, los métodos de enseñanza poco ortodoxos de White estaban bien establecidos, y los estudiantes que asistieron a sus talleres quedaron desconcertados e iluminados por la experiencia. Un estudiante, John Loori , que más tarde se convirtió en abad del Monasterio Zen Mountain , dijo: "Realmente quería aprender a ver como él lo hacía, a capturar a mis sujetos de una manera que no los dejara sin vida y en dos dimensiones. No me di cuenta de que Minor nos estaba enseñando exactamente eso: no sólo a ver imágenes, sino a sentirlas, olerlas, saborearlas. Nos estaba enseñando cómo ser fotografía". [25]
White comenzó a escribir el texto de Mirrors, Messages, Manifestations, que fue la primera monografía de sus fotografías, a finales de 1966, y tres años después el libro fue publicado por Aperture. Incluía 243 de sus fotografías y textos, incluidos poemas, notas de su diario y otros escritos. Peter Bunnell , uno de los primeros estudiantes de White y luego curador de fotografía en el Museo de Arte Moderno, escribió una extensa biografía de White para el libro. Durante este mismo tiempo, White completó Sequence 1968 , una serie de imágenes de paisajes de sus viajes recientes. [26] Durante los siguientes años, White concibió y dirigió cuatro importantes exposiciones fotográficas temáticas en el MIT, comenzando con "Light 7 " en 1968 y seguida por "Be-ing without Clothes" en 1970, [27] "Octave of Prayer". en 1972 y "Celebraciones" en 1974. Cualquiera podía enviar imágenes para los programas, y White pasó mucho tiempo revisando personalmente todas las presentaciones y seleccionando las imágenes finales. [28]
White continuó enseñando extensamente y haciendo sus propias fotografías a pesar de que su salud empeoraba. Dedicó cada vez más tiempo a escribir y comenzó un largo texto que llamó "La conciencia en la fotografía y el público creativo", en el que se refería a su secuencia de 1965 Danza lenta y avanzaba la idea de que ciertos estados de conciencia elevada eran necesarios para verdaderamente Leer una fotografía y comprender su significado. Para completar este trabajo, solicitó y recibió una beca Guggenheim en 1970, y Consciousness in Photography and the Creative Audience se convirtió en lectura obligatoria para un nuevo curso que impartió en el MIT llamado "Creative Audience". en 1971 viajó a Puerto Rico para explorar más su fotografía en color, y en 1974 y 1975 viajó a Perú para enseñar y ampliar sus propios estudios sobre Gurdjieff. [ cita necesaria ]
En 1975, White viajó a Inglaterra para dar conferencias en el Victoria and Albert Museum e impartir clases en varias universidades. Continuó con una agitada agenda de viajes durante varias semanas y luego voló directamente a la Universidad de Arizona en Tucson para participar en un simposio allí. Cuando regresó a Boston después de casi seis semanas de viaje, sufrió un ataque cardíaco y estuvo hospitalizado durante varias semanas. Después de esto, el enfoque de White se volvió aún más hacia adentro y fotografió muy poco. Pasó gran parte de su tiempo con su alumno Abe Frajndlich, quien hizo una serie de retratos situacionales de White en su casa y en su jardín. [29] Unos meses antes de su muerte, White publicó un breve artículo en la revista Parabola llamado "The Diamond Lens of Fable" en el que se asoció con Gilgamesh , Jason y el Rey Arturo , todos héroes de viejos cuentos sobre misiones de toda la vida. [19]
El 24 de junio de 1976, White murió de un segundo infarto mientras trabajaba en su casa. Legó todos sus archivos y documentos personales, junto con una gran colección de sus fotografías, a la Universidad de Princeton. Dejó su casa a Aperture para que pudieran continuar el trabajo que comenzó allí. [30]
Peter Bunnell estudió fotografía con White en el RIT a finales de la década de 1950. Originalmente tenía la intención de dedicarse a la fotografía de moda, pero fue su exposición a White lo que lo llevó a reconsiderar la fotografía como vehículo para la expresión artística personal. White se convirtió en mentor de Bunnell y lo reclutó para unirse al personal de la revista Aperture. Bunnell pasó gradualmente de ser fotógrafo a estudiar el medio y su historia, pero su interés y amistad con White perduró hasta su fallecimiento en 1976.
Bunnell se convirtió en el experto reconocido en el trabajo de White, y su libro de 1989 Minor White: The Eye That Shapes sigue siendo la fuente de información más completa sobre el fotógrafo. [31]
White estuvo muy influenciado por el concepto de "equivalencia" de Stieglitz, que White interpretó como que permitía que las fotografías representaran más que su tema. Escribió: "cuando una fotografía funciona como un Equivalente, la fotografía es a la vez un registro de algo frente a la cámara y simultáneamente un símbolo espontáneo. (Un 'símbolo espontáneo' es aquel que se desarrolla automáticamente para satisfacer la necesidad del momento. Una fotografía de la corteza de un árbol, por ejemplo, puede provocar repentinamente un sentimiento correspondiente de aspereza de carácter en un individuo.)" [32]
En su vida posterior, a menudo tomó fotografías de rocas, olas, madera y otros objetos naturales que estaban aislados de su contexto, de modo que se convirtieron en formas abstractas. Su intención era que el espectador los interpretara como algo más de lo que realmente presentan. Según White, "cuando un fotógrafo nos presenta lo que para él es un equivalente, en realidad nos está diciendo: 'Tuve un sentimiento acerca de algo y aquí está mi metáfora de ese sentimiento'... Lo que realmente sucedió es que Reconoció un objeto o una serie de formas que, cuando se fotografiaban, producirían una imagen con poderes sugestivos específicos que pueden dirigir al espectador hacia un sentimiento, estado o lugar específico y conocido dentro de sí mismo". [33]
En la introducción a su Cuarta Secuencia (1950), White escribió:
Si bien se fotografiaron rocas, el tema de la secuencia no son las rocas; Si bien los símbolos parecen aparecer, apenas son indicadores de significado. El significado aparece en el estado de ánimo que suscitan en el espectador; y el flujo de la secuencia se arremolina en el río de sus asociaciones a medida que pasa de una imagen a otra. Las rocas son sólo los objetos sobre los que el significado se extiende como sábanas sobre el suelo a secar. [34]
No todos estuvieron de acuerdo o entendieron la filosofía de White. Algunas de las imágenes abstractas de White "tienen una indeterminación que impide cualquier respuesta convencional". [35] Un crítico escribió: "Sin la capacidad de ver en las rocas algún destello de forma esencial, como lo hizo Weston, o en las nubes algún indicio de una fuerza vital universal, como lo hizo Stieglitz, uno no puede entender las imágenes de White... Uno obtiene la impresión de que White no se desarrolló como artista en un sentido lineal sino que osciló entre polos en conflicto". [35]
A mediados de la década de 1940, White comenzó a articular una filosofía sobre la importancia de cómo se presentan sus fotografías al espectador. Inicialmente fue influenciado por Stieglitz, quien en su enseñanza enfatizó que las fotografías mostradas en un contenido estructurado pueden apoyarse entre sí y pueden crear una declaración total que es más compleja y significativa que las imágenes individuales por sí mismas. Cuando White comenzó a trabajar como fotógrafo en el Museo de Arte Moderno en 1945, se hizo amigo de Nancy Newhall, quien estaba organizando una retrospectiva de las fotografías de Edward Weston para el museo. Newhall tenía el don de crear agrupaciones de imágenes muy distintas, y White dijo más tarde que su instalación de la exposición de Weston fue una revelación para él. [36]
Durante el resto de su vida pasó mucho tiempo agrupando y reagrupando sus fotografías en conjuntos específicos de imágenes que variaban en número de 10 a más de 100 copias. Describió lo que llamó una secuencia como un "cine de imágenes fijas" [36] que, en su opinión, impartiría un "estado de sentimiento" [36] creado tanto por el fotógrafo como por la personalidad del espectador individual.
En sus primeras secuencias (hasta 1952) incluyó varios poemas y otros textos con sus imágenes. A medida que evolucionó su pensamiento sobre secuencias, gradualmente dejó de usar textos. Al mismo tiempo, muchas de sus imágenes se volvieron cada vez más abstractas. Aunque sentía mucho por los grupos particulares de sus imágenes, en sus primeras secuencias no prescribió deliberadamente un orden específico sobre cómo debían presentarse. Dijo que quería que sus secuencias fueran interpretaciones subjetivas y, como tal, quería que los espectadores obtuvieran una visión de sí mismos al permitirles contemplar su trabajo como mejor les pareciera. [37] Este concepto se limitaba a aquellos espectadores que formaban parte de sus talleres y enseñanzas, donde podían manipular las impresiones individualmente en lugar de verlas en una galería.
Más tarde, a medida que se interesó más por la antropología y los mitos, comenzó a experimentar cómo las imágenes individuales influyeban en el espectador según la forma en que se presentaban. En una obra que llamó Secuencia totémica , compuesta por 10 fotografías, incluyó la misma imagen tanto en la imagen de apertura como en la de cierre. La última imagen es la primera imagen al revés. White sintió que este cambio ilustraba la realidad y la irrealidad simultáneas en una fotografía. El título que le dio a la primera imagen fue "Power Spot". [38]
White escribió extensamente sobre su pensamiento sobre las secuencias, tanto en su diario como en artículos. En su diario escribió: "Las fotografías de una secuencia o constelación pueden compararse con una danza o un tema. Los puntos principales del conjunto se exponen y reafirman con variaciones hasta que el último miembro de la audiencia los ha encontrado". También escribió: "La secuencia ahora significa que el placer de fotografiar a la luz del sol se equilibra con el placer de editar a la luz de la mente". [39]
Durante su vida, White creó o planificó alrededor de 100 grupos de sus fotografías, incluidas secuencias (con múltiples versiones), series y portafolios. [40] Muchas fueron nombradas simplemente "Secuencia" seguida de un número, pero a varias añadió títulos artísticos que reflejaban sus ideas de que las fotografías representan más que su tema obvio.
Algunas de sus principales secuencias son:
