Minor Martin White (9 de julio de 1908 - 24 de junio de 1976) fue un fotógrafo, teórico, crítico y educador estadounidense.
White tomó fotografías de paisajes, personas y temas abstractos. Demostraron maestría técnica y un fuerte sentido de la luz y la sombra. Enseñó en la Escuela de Bellas Artes de California , el Instituto de Tecnología de Rochester y el Instituto Tecnológico de Massachusetts , y en su casa. Algunas de sus imágenes más convincentes son estudios de figuras de hombres a los que enseñó o con los que tuvo relaciones. [ cita requerida ] Ayudó a fundar la revista de fotografía Aperture , considerada la única publicación periódica producida para y por fotógrafos que practicaban el medio como un arte fino. Trabajó como su editor durante muchos años. White fue aclamado como uno de los mejores fotógrafos de Estados Unidos. [1]
White nació en Minneapolis , Minnesota. Fue hijo único de Charles Henry White, contable, y Florence May Martin White, modista. Su primer nombre era el mismo que el de su tatarabuelo paterno. Su segundo nombre era el apellido de soltera de su madre.
Durante sus primeros años, pasó gran parte de su tiempo con sus abuelos maternos y disfrutaba jugando en su gran jardín, lo que más tarde influyó en su decisión de estudiar botánica en la universidad. [2] Su abuelo, George Martin, un fotógrafo aficionado, le regaló a White su primera cámara en 1915. De 1916 a 1922, los padres de White pasaron por una serie de separaciones. Durante esos períodos, White y su madre vivieron con los padres de ella. Sus padres se reconciliaron en 1922, permaneciendo juntos hasta que finalmente se divorciaron en 1929. [3]
Cuando White se graduó de la escuela secundaria, era consciente de su homosexualidad latente. En 1927, escribió sobre sus sentimientos hacia los hombres en su diario, que sus padres leyeron sin su permiso. Después de esto, se fue de casa durante el verano en lo que él llamó un breve período de crisis. En el otoño, regresó a casa y entró en la Universidad de Minnesota, donde se especializó en botánica. Sus padres nunca volvieron a hablar de su homosexualidad. [3]
En 1931, cuando debería haberse graduado, no cumplía los requisitos para obtener un título en ciencias y abandonó la escuela durante un año. Durante este tiempo, se interesó mucho por la escritura y comenzó un diario personal que duraría toda su vida al que llamó "Memorable Fancies". Registró poemas, pensamientos íntimos sobre su vida y sus luchas sexuales, extractos de cartas que escribió a otras personas, ocasionales entradas de estilo diario sobre la vida cotidiana y, más tarde, extensas notas sobre su fotografía. Continuó con el diario hasta 1970, cuando la mayor parte de su energía se dedicó a la enseñanza. [4]
En 1932, White volvió a la universidad, estudió botánica y escritura, y se graduó en 1934. El semestre siguiente, tomó algunas clases de botánica de posgrado. Después de seis meses, decidió que no tenía el interés de convertirse en botánico. Pasó los dos años siguientes haciendo trabajos ocasionales y explorando sus habilidades de escritura. Durante este tiempo, creó un conjunto de 100 sonetos sobre el tema del amor sexual, su primer intento de agrupar su producción creativa. [5]
A finales de 1937, White decidió mudarse a Seattle. Compró una cámara Argus de 35 mm y tomó un autobús hasta su destino. Después de hacer escala en Portland, Oregón, decidió quedarse allí. Durante los dos años y medio siguientes, vivió en la YMCA de Portland y exploró la fotografía en profundidad. Dio su primera clase de fotografía en la YMCA a un pequeño grupo de adultos jóvenes. También se unió al Oregon Camera Club y aprendió cómo los fotógrafos hablan de su oficio y su trabajo. [6]
En 1938, a White le ofrecieron un trabajo como fotógrafo para el Proyecto de Arte de Oregón, financiado por la Works Progress Administration . Una de las tareas era fotografiar edificios históricos en el centro de Portland antes de que fueran demolidos para un nuevo desarrollo frente al río. Entre ellas, Arches of the Dodd Building , que mostraba a un joven prostituto de pie en la sombra del edificio y señalando su entrepierna. [7] Durante el mismo período, tomó fotos publicitarias para el Portland Civic Theater, documentando sus obras y tomando retratos de los actores y actrices. [8]
En 1940, White fue contratado para enseñar fotografía en el Centro de Arte La Grande , en el este de Oregón. Rápidamente se sumergió en su trabajo, impartía clases tres días a la semana, daba conferencias sobre arte a estudiantes locales, reseñaba exposiciones para el periódico local y emitía un programa de radio semanal sobre las actividades del Centro de Arte. En su tiempo libre, viajaba por toda la región tomando fotografías de paisajes, granjas y edificios de pueblos pequeños. También escribió su primer artículo sobre fotografía, "¿Cuándo es creativa la fotografía?", publicado dos años después en la revista American Photography . [5]
White renunció al Art Center a fines de 1941 y regresó a Portland con la intención de iniciar un negocio de fotografía comercial. Ese año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York aceptó tres de sus fotografías para incluirlas en su exposición "Imagen de la libertad". Al cierre de la exposición, el museo compró las tres copias, lo que marcó la primera vez que sus imágenes ingresaron a una colección pública. El año siguiente, el Museo de Arte de Portland le dio a White su primera exposición individual, exhibiendo cuatro series de fotos que tomó en el este de Oregón. Escribió en su diario que, con esa exposición, "un período llegó a su fin". [9]
En abril de 1942, White fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos y ocultó su homosexualidad. Antes de irse de Portland, dejó la mayoría de sus negativos de edificios históricos de Portland en la Sociedad Histórica de Oregón. White pasó los dos primeros años de la Segunda Guerra Mundial en Hawái y Australia. Más tarde, se convirtió en jefe de la División de Inteligencia de la División en el sur de Filipinas. Rara vez tomó fotografías durante este tiempo, y optó por escribir poesía y versos extensos. Tres de sus poemas más largos, "Elegías", "Verso libre para la libertad de expresión" y "Testamento menor", abordaron sus experiencias de guerra y los vínculos de los hombres en condiciones extremas. Más tarde, utilizó texto de "Testamento menor" en su secuencia fotográfica Amputaciones. [3] Durante la guerra, White se interesó por el catolicismo y se convirtió en la Pascua de 1943. [7]
Después de la guerra, White viajó a la ciudad de Nueva York y se matriculó en la Universidad de Columbia . Mientras estaba en Nueva York, conoció y se hizo muy amigo de Beaumont y Nancy Newhall, que trabajaban en el recién formado departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno. A través de ellas, White recibió una oferta de trabajo como fotógrafo de museo. Pasó muchas horas hablando con Nancy Newhall, quien, según él, lo educó e influyó fuertemente en su pensamiento y dirección en la fotografía. [10]
En febrero de 1946, White tuvo la primera de varias reuniones con el fotógrafo Alfred Stieglitz en Nueva York. White había leído varios escritos de Stieglitz sobre fotografía y entendía algunas de sus teorías. A través de sus conversaciones, White llegó a adoptar la teoría de la equivalencia de Stieglitz, según la cual la imagen representa algo distinto del tema, y su uso de imágenes pictóricas secuenciales. White escribió en su diario que expresó sus dudas sobre si estaba listo para convertirse en un fotógrafo serio en una de sus reuniones. Stieglitz le preguntó: "¿Alguna vez has estado enamorado?". White respondió: "Sí". Stieglitz respondió: "Entonces puedes fotografiar". [11]
Durante este tiempo, White conoció y se hizo amigo de algunos de los fotógrafos más importantes de la época, entre ellos Berenice Abbott , Edward Steichen , Paul Strand , Edward Weston y Harry Callahan . Steichen, que era director del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno, le ofreció a White un puesto de comisario. En cambio, White aceptó la oferta de Ansel Adams de ayudarlo en el departamento de fotografía recién creado en la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA) en San Francisco. [12] White se mudó a San Francisco en julio y vivió en la misma casa que Adams durante varios años. Adams le enseñó a White su método de sistema de zonas para exponer y revelar negativos, que White utilizó ampliamente en su trabajo. Escribió extensamente sobre él, publicó un libro y enseñó el método de exposición y revelado, así como la práctica de la (pre)visualización a sus estudiantes.
Mientras estuvo en San Francisco, White se hizo muy amigo de Edward Weston en Carmel. Durante el resto de su vida, Weston ejerció una profunda influencia en la fotografía y la filosofía de White. Más tarde dijo: "... Stieglitz, Weston y Ansel me dieron exactamente lo que necesitaba en ese momento. Tomé una cosa de cada uno: la técnica de Ansel, el amor por la naturaleza de Weston y de Stieglitz la afirmación de que estaba vivo y podía fotografiar". [13] Durante los siguientes años, White pasó mucho tiempo fotografiando en Point Lobos , el lugar de algunas de las imágenes más famosas de Weston, abordando muchos de los mismos temas con puntos de vista y propósitos creativos completamente diferentes.
A mediados de 1947, White era el profesor principal de CSFA y había desarrollado un curso de tres años que enfatizaba la fotografía expresiva personal. Durante los siguientes seis años, reclutó a algunos de los mejores fotógrafos de la época como profesores, incluidos Imogen Cunningham , Lisette Model y Dorothea Lange . [14] Durante este tiempo, White creó su primera agrupación de fotos y texto en una forma no narrativa, una secuencia que llamó Amputations . Aunque estaba programado para mostrarse en el California Palace of the Legion of Honor , la exposición se canceló porque White se negó a permitir que las fotografías se mostraran sin texto, que incluía algunas palabras que expresaban su ambigüedad sobre el patriotismo de posguerra de Estados Unidos. [15]
Los tres años siguientes fueron algunos de los más prolíficos desde el punto de vista creativo de White. Además de tomar docenas de paisajes terrestres y acuáticos, tomó docenas de fotografías que se convirtieron en algunas de sus secuencias más convincentes. Tres en particular mostraban sus constantes luchas con su sexualidad. Song Without Words , The Temptation of St. Anthony Is Mirrors y Fifth Sequence/Portrait of a Young Man as Actor representan "la confusión emocional que siente por su amor y deseo por los hombres". [15]
En 1949, White compró una pequeña cámara Zeiss Ikonta y comenzó una serie de fotografías urbanas de la calle. Durante los siguientes cuatro años, tomó casi 6.000 imágenes, todas inspiradas por su nuevo interés en la poesía de Walt Whitman . El proyecto, al que llamó City of Surf , incluía fotografías del barrio chino de San Francisco, los muelles, la gente en las calles y varios desfiles y ferias por la ciudad. [15]
El período de 1951-52 es uno de los momentos de formación en la carrera de White. Participó en una Conferencia sobre Fotografía en el Instituto Aspen , donde Ansel Adams , Dorothea Lange , Beaumont y Nancy Newhall, Frederick Sommer y otros discutieron la idea de crear una nueva revista de fotografía . Poco después, muchas de estas mismas personas fundaron la revista Aperture . White se presentó voluntario y fue aprobado como editor, y el primer número apareció en abril de 1952. Aperture se convirtió rápidamente en una de las revistas más influyentes sobre fotografía, y White permaneció como editor hasta 1975. [16]
A finales de 1952, el padre de White, de quien había estado distanciado durante muchos años, murió en Long Beach, California . En 1953, Walter Chappell le presentó a White el I Ching , un antiguo libro chino de filosofía y adivinación. White continuó siendo influenciado por este texto y haciendo referencia a él durante el resto de su vida. Estaba especialmente intrigado por los conceptos de yin y yang , en los que fuerzas aparentemente opuestas o contrarias pueden concebirse como complementarias. Más tarde ese mismo año, una reorganización en CSFS resultó en una reducción en el tiempo de clase de White, y comenzó a pensar en un cambio de empleo. Al mismo tiempo, Beaumont Newhall recientemente se había convertido en el curador de George Eastman House en Rochester, Nueva York . Invitó a White a trabajar con él como asistente curatorial. Expuso del 28 de septiembre al 3 de noviembre de 1954 en Limelight Gallery en Nueva York y fue incluido en las Grandes Fotografías de esa galería a fines de ese año. [17] Durante los tres años siguientes, White organizó tres exposiciones temáticas [ ¿dónde? ] que demostraban sus intereses particulares: Camera Consciousness , The Pictorial Image y Lyrical and Accurate . En 1955 se unió al cuerpo docente del Instituto Tecnológico de Rochester (RIT), donde enseñaba un día a la semana.
La producción fotográfica de White disminuyó durante este tiempo debido a su trabajo de enseñanza y editorial, pero continuó produciendo suficientes imágenes como para que a fines de 1955 hubiera creado una nueva secuencia, Sequence 10/Rural Cathedrals, que incluía imágenes de paisajes del norte del estado de Nueva York tomadas en película normal e infrarroja . En 1955, White estaba completamente dedicado a la enseñanza, habiendo sido designado instructor en el nuevo programa de fotografía de cuatro años en RIT, además de conducir clases y talleres en la Universidad de Ohio y la Universidad de Indiana . Walter Chappell se mudó a Rochester más tarde ese año para trabajar en la Casa George Eastman. Chappell entabló largas discusiones con White sobre varias religiones y filosofías orientales. White comenzó a practicar la meditación zen y adoptó un estilo japonés de decoración en su casa. Durante los siguientes dos años, las discusiones entre White y Chappell se metamorfosearon en largos discursos sobre los escritos y la filosofía de George Gurdjieff . White se convirtió gradualmente en un seguidor de las enseñanzas de Gurdjieff y comenzó a incorporar el pensamiento de Gurdjieff en el diseño e implementación de sus talleres. [18] Los conceptos de Gurdjieff, para White, no eran solo ejercicios intelectuales sino guías para la experiencia, e influyeron enormemente en gran parte de su enfoque de la enseñanza y la fotografía a lo largo del resto de su vida. [19]
Durante este mismo período, White comenzó a realizar sus primeras imágenes en color. Aunque es más conocido por sus fotografías en blanco y negro, produjo muchas fotografías en color. Su archivo contiene casi 9000 transparencias de 35 mm tomadas entre 1955 y 1975. [20]
En 1959, White montó una gran exposición de 115 fotografías de su Secuencia 13/Retorno al capullo en la Casa George Eastman. Fue su exposición más grande hasta la fecha. Más tarde viajó al Museo de Arte de Portland en Oregón. White fue invitado a impartir un taller de diez días con todos los gastos pagos en Portland para acompañar la exposición. Aprovechó la financiación para fotografiar paisajes y realizar estudios de la naturaleza en todo el país. A partir de su experiencia en Portland, desarrolló la idea de un taller residencial de tiempo completo en Rochester en el que los estudiantes aprenderían a través de sesiones formales y, siguiendo una combinación de pensamiento de Gurdjieff y del Zen, a través de una comprensión obtenida mediante la disciplina de tareas como las tareas domésticas y los ejercicios matutinos. Continuaría con este estilo de enseñanza residencial hasta su muerte. [21] A principios de la década de 1960, White estudió hipnosis e incorporó la práctica en algunas de sus enseñanzas. [22]
White continuó enseñando extensamente, tanto en forma privada como en el RIT, durante los siguientes años. Durante este tiempo viajó por todo Estados Unidos en los veranos tomando fotografías a lo largo del camino. En su diario se refirió a sí mismo durante este período como "El Vagabundo". [19] En 1962 conoció a Michael Hoffman, quien se convirtió en su amigo, colega y, más tarde, editor de la revista Aperture . White más tarde nombró a Hoffman como albacea de su testamento. [23]
En 1965, White fue invitado a ayudar a diseñar un programa recién formado en artes visuales en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) en Cambridge, Massachusetts , cerca de Boston. Después de ser nombrado profesor visitante, White se mudó al área de Boston y compró una casa de 12 habitaciones en los suburbios de Arlington para poder aumentar el tamaño de sus talleres residenciales para estudiantes seleccionados. Poco después de mudarse al área de Boston, completó un tipo diferente de secuencia llamada Slow Dance, que luego integraría en sus enseñanzas. Continuó explorando cómo las personas entienden e interpretan la fotografía y comenzó a incorporar técnicas de psicología Gestalt en sus enseñanzas. Para ayudar a sus estudiantes a experimentar el significado de la "equivalencia", comenzó a exigirles que dibujaran ciertos sujetos además de fotografiarlos. [ cita requerida ]
En 1966, a White le diagnosticaron angina de pecho . Sus síntomas continuaron durante el resto de su vida, lo que lo llevó a intensificar su estudio de asuntos espirituales y la meditación. Se dedicó a la astrología y su interés por ella se volvió tan significativo que exigió a todos sus estudiantes actuales y futuros que completaran sus horóscopos . [24] En este punto de su vida, los métodos de enseñanza poco ortodoxos de White ya estaban bien establecidos. Un estudiante, John Loori , que más tarde se convirtió en abad del Monasterio de la Montaña Zen , dijo: "Realmente quería aprender a ver como él lo hacía [...]. No me di cuenta de que Minor nos estaba enseñando [...] no solo a ver imágenes, sino a sentirlas, olerlas, saborearlas". [25]
White comenzó a escribir el texto de Mirrors, Messages, Manifestations, que fue la primera monografía de sus fotografías, a finales de 1966, y tres años más tarde el libro fue publicado por Aperture. Incluía 243 de sus fotografías y textos, incluidos poemas, notas de su diario y otros escritos. Peter Bunnell , que fue uno de los primeros estudiantes de White y luego conservador de fotografía en el Museo de Arte Moderno, escribió una extensa biografía de White para el libro. Durante este mismo tiempo, White completó Sequence 1968 , una serie de imágenes de paisajes de sus viajes recientes. [26] Durante los siguientes años, White concibió y dirigió cuatro importantes exposiciones temáticas de fotografía en el MIT, comenzando con "Light 7 " en 1968 y seguida por "Be-ing without Clothes" en 1970, [27] "Octave of Prayer" en 1972 y "Celebrations" en 1974. Cualquiera podía enviar imágenes para las muestras, y White pasó mucho tiempo revisando personalmente todas las presentaciones y seleccionando las imágenes finales. [28]
White continuó enseñando extensamente y haciendo sus propias fotografías a pesar de que su salud se estaba deteriorando. Dedicó cada vez más tiempo a su escritura y comenzó un largo texto que llamó "La conciencia en la fotografía y la audiencia creativa", en el que se refería a su secuencia de 1965 Slow Dance y planteaba la idea de que ciertos estados de conciencia agudizada eran necesarios para leer verdaderamente una fotografía y comprender su significado. Para completar este trabajo solicitó y recibió una beca Guggenheim en 1970, y La conciencia en la fotografía y la audiencia creativa se convirtió en lectura obligatoria para un nuevo curso que impartió en el MIT llamado "Audiencia creativa". En 1971 viajó a Puerto Rico para explorar más de su fotografía en color, y en 1974 y 1975 viajó a Perú para enseñar y profundizar sus propios estudios sobre Gurdjieff. [ cita requerida ]
En 1975, White viajó a Inglaterra para dar una conferencia en el Victoria and Albert Museum y dar clases en varias universidades. Continuó con una agitada agenda de viajes durante varias semanas, luego voló directamente a la Universidad de Arizona en Tucson para participar en un simposio allí. Cuando regresó a Boston después de casi seis semanas de viaje, sufrió un ataque cardíaco y estuvo hospitalizado durante varias semanas. Después de esto, el enfoque de White se volvió aún más introspectivo y fotografió muy poco. Pasó gran parte de su tiempo con su estudiante Abe Frajndlich, quien hizo una serie de retratos situacionales de White alrededor de su casa y en su jardín. [29] Unos meses antes de su muerte, White publicó un breve artículo en la revista Parabola llamado "La lente de diamante de la fábula" en el que se asoció con Gilgamesh , Jasón y el Rey Arturo , todos héroes de viejos cuentos sobre búsquedas de toda la vida. [19]
El 24 de junio de 1976, White murió de un segundo ataque cardíaco mientras trabajaba en su casa. Legó todos sus archivos y documentos personales, junto con una gran colección de fotografías, a la Universidad de Princeton. Dejó su casa a Aperture para que pudieran continuar el trabajo que había comenzado allí. [30]
Peter Bunnell estudió fotografía con White en el RIT a finales de los años 50. En un principio, su intención era dedicarse a la fotografía de moda, pero su contacto con White le hizo reconsiderar la fotografía como vehículo de expresión artística personal. White se convirtió en mentor de Bunnell y lo reclutó para que se uniera al personal de la revista Aperture. Bunnell pasó gradualmente de ser fotógrafo a estudiar el medio y su historia, pero su interés por White (y su amistad con él) perduró hasta su fallecimiento en 1976.
Bunnell se convirtió en el experto reconocido en la obra de White, y su libro de 1989 Minor White: The Eye That Shapes todavía se considera la fuente de información más completa sobre el fotógrafo. [31]
White se vio muy influido por el concepto de "equivalencia" de Stieglitz, que White interpretó como la posibilidad de que las fotografías representen algo más que su tema. Escribió: "Cuando una fotografía funciona como un equivalente, la fotografía es a la vez un registro de algo que está frente a la cámara y, al mismo tiempo, un símbolo espontáneo. (Un 'símbolo espontáneo' es aquel que se desarrolla automáticamente para satisfacer la necesidad del momento. Una fotografía de la corteza de un árbol, por ejemplo, puede provocar de repente una sensación correspondiente de rudeza de carácter en un individuo.)" [32]
En su vida posterior, a menudo tomó fotografías de rocas, olas, madera y otros objetos naturales que estaban aislados de su contexto, de modo que se convertían en formas abstractas. Su intención era que el espectador las interpretara como algo más de lo que realmente presentaban. Según White, "cuando un fotógrafo nos presenta lo que para él es un equivalente, nos está diciendo en realidad: 'Tuve una sensación sobre algo y aquí está mi metáfora de esa sensación'... Lo que realmente sucedió es que reconoció un objeto o una serie de formas que, al fotografiarlas, producirían una imagen con poderes sugestivos específicos que pueden dirigir al espectador a una sensación, estado o lugar específico y conocido dentro de sí mismo". [33]
En la introducción a su Cuarta Secuencia (1950), White escribió:
Aunque se han fotografiado rocas, el tema de la secuencia no son rocas; aunque parecen aparecer símbolos, apenas son indicadores de significado. El significado aparece en el estado de ánimo que suscitan en el observador; y el flujo de la secuencia se arremolina en el río de sus asociaciones a medida que pasa de una imagen a otra. Las rocas son sólo los objetos sobre los que se extiende el significado como sábanas en el suelo para que se sequen. [34]
No todo el mundo estaba de acuerdo con la filosofía de White ni la entendía. Algunas de sus imágenes abstractas “tienen una indeterminación que impide cualquier respuesta convencional”. [35] Un crítico escribió: “Sin la capacidad de ver en las rocas algún destello de forma esencial, como hizo Weston, o en las nubes algún indicio de una fuerza vital universal, como hizo Stieglitz, no se pueden entender las pinturas de White.... Uno tiene la impresión de que White no se desarrolló como artista en un sentido lineal, sino que osciló entre polos conflictivos”. [35]
A mediados de la década de 1940, White comenzó a articular una filosofía sobre la importancia de la forma en que se presentan sus fotografías al espectador. Inicialmente, recibió la influencia de Stieglitz, quien en su enseñanza destacó que las fotografías mostradas en un contenido estructurado pueden apoyarse entre sí y pueden crear una declaración total que es más compleja y significativa que las imágenes individuales por sí mismas. Cuando White comenzó a trabajar como fotógrafo en el Museo de Arte Moderno en 1945, se hizo amigo de Nancy Newhall, que estaba organizando una retrospectiva de las fotografías de Edward Weston para el museo. Newhall tenía un don para crear agrupaciones de imágenes muy distintivas, y White dijo más tarde que su instalación de la exhibición de Weston fue una revelación para él. [36]
Durante el resto de su vida, dedicó mucho tiempo a agrupar y reagrupar sus fotografías en conjuntos específicos de imágenes cuyo número variaba entre 10 y más de 100 copias. Describió lo que llamó una secuencia como un "cine de imágenes fijas" [36] que, en su opinión, transmitiría un "estado de ánimo" [36] creado tanto por el fotógrafo como por la personalidad del espectador individual.
En sus primeras secuencias (hasta 1952) incluyó varios poemas y otros textos con sus imágenes. A medida que fue evolucionando su pensamiento sobre las secuencias, fue dejando de utilizar textos. Al mismo tiempo, muchas de sus imágenes se volvieron cada vez más abstractas. Aunque tenía una opinión muy firme sobre las agrupaciones particulares de sus imágenes, en sus primeras secuencias no prescribió deliberadamente un orden específico para su presentación. Dijo que quería que sus secuencias fueran interpretaciones subjetivas y, como tal, quería que los espectadores obtuvieran una visión de sí mismos permitiéndoles contemplar su obra como quisieran. [37] Este concepto se limitaba a aquellos espectadores que formaban parte de sus talleres y enseñanzas, donde podían manipular las impresiones individualmente en lugar de verlas en una galería.
Más tarde, cuando se interesó más por la antropología y el mito, comenzó a experimentar con la forma en que las imágenes individuales influían en el espectador a través de la forma en que se presentaban. En una obra que llamó Totemic Sequence (Secuencia totémica) , compuesta por 10 fotografías, incluyó la misma imagen tanto en la imagen inicial como en la final. La última imagen es la primera imagen puesta al revés. White sintió que este cambio ilustraba la realidad y la irrealidad simultáneas en una fotografía. El título que le dio a la primera imagen fue "Power Spot" (Punto de poder). [38]
White escribió extensamente sobre su pensamiento acerca de las secuencias, tanto en su diario como en artículos. En su diario escribió: "Las fotografías de una secuencia o constelación pueden compararse con una danza o un tema. Los puntos principales del conjunto se enuncian una y otra vez con variaciones hasta que el último miembro de la audiencia los ha encontrado". También escribió: "Secuencia significa ahora que la alegría de fotografiar a la luz del sol se equilibra con la alegría de editar a la luz de la mente". [39]
Durante su vida, White creó o planificó alrededor de 100 grupos de sus fotografías, incluidas secuencias (con múltiples versiones), series y portafolios. [40] Muchas se denominaron simplemente "Secuencia" seguido de un número, pero a varias les agregó títulos artísticos que reflejaban sus ideas de que las fotografías representan más que su tema obvio.
Algunas de sus principales secuencias son:
