Melvin Joel Zabarsky (1932-2019) fue un pintor figurativo estadounidense que creó obras representativas en la tradición narrativa . Conocido por una paleta brillante y audaz, su trabajo a menudo explora temas políticos, históricos y culturales con efectos surrealistas y realistas. En una carrera de seis décadas marcada por varias fases distintas, el uso imaginativo del color, la experimentación formal y el compromiso de Zabarsky con la organización narrativa tanto en estilos tradicionales como de vanguardia son sellos distintivos de su trabajo. En una entrevista con los filósofos británicos Donald y Monica Skilling, dijo: "Estoy descubriendo la historia, o una narrativa, dentro de una pintura, a medida que avanzo". [1]
Esa sensibilidad está en consonancia con lo que el crítico del Boston Globe, Robert Taylor, definió como "urbano, judío, introvertido y lírico", [2] que atribuye a los artistas defendidos por el marchante de arte Boris Mirski , [3] [4] [5] Boston. galerista destacado de 1944 a 1979, [6] y su homóloga de Nueva York, Edith Halpert [7] [8] de la Downtown Gallery. [9] [10] Este grupo incluía a Zabarsky, su colega artista y esposa Joyce Reopel , Hyman Bloom , [11] Barbara Swan , Jack Levine , Marianna Pineda , Harold Tovish y otros, quienes ayudaron a superar el disgusto conservador de Boston por la vanguardia. ocasionalmente artistas femeninas y, a menudo, judías [12] posteriormente clasificadas como expresionistas de Boston . Exclusivo de Nueva Inglaterra, el movimiento artístico tuvo una influencia nacional y local duradera y ahora se encuentra en su tercera generación.
Zabarsky , tercero de cuatro hijos y ruso-estadounidense de primera generación , nació en Worcester, MA en 1932, hijo de Anna Pearl (de soltera Glazer) y Max, inmigrantes lituanos y ucranianos respectivamente, este último de Kiev. [13] Criado en la histórica Green Island/Union Hill de Worcester, una zona poblada por judíos lituanos atraídos por la industria local, Zabarsky quedó huérfano dos veces cuando tenía 16 años. Su hermana mayor, Goldie, una comerciante de moda, asumió el cargo de cabeza de familia. , mientras que su hermano mucho mayor, que ya vivía con su propia familia, trabajaba como artista comercial. [13]
Zabarsky comenzó a dibujar y pintar a una edad temprana y soñaba con convertirse en caricaturista. [13] A los 17 años, su mirada se había centrado en las bellas artes. Se formó durante un año con el artista y educador Leonard Baskin en la Worcester Art Museum School , junto a su futura esposa, la pintora y escritora Joyce Reopel, y su amigo de la infancia, el grabador Sidney Hurwitz. [14]
Reclutado a los 19 años, Zabarsky estuvo destinado en Stuttgart, Alemania, durante la Guerra de Corea. [13] Se casó con Reopel a su regreso a los EE. UU. en 1955. Ambos se matricularon en la Escuela Ruskin de Dibujo y Bellas Artes de la Universidad de Oxford, donde permanecieron hasta 1957. Regresaron a los EE. UU. para realizar estudios adicionales, y Zabarsky se graduó más tarde. la Escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas de la Universidad de Boston con un BFA en 1958, y de la Escuela de Graduados en Artes y Ciencias de la Universidad de Cincinnati con un MFA en 1960. [13]
Desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1970, las pinturas de Zabarsky presentaban temas políticos, retratos semirrealistas y fondos geométricos estilizados en trampantojo . Por lo general, llamaron la atención destacar figuras culturales, como el Che Guevara en The Argentinian Cyclist (1969-70) [15] o el líder sindical de Massachusetts Arnold Dubin junto a cameos de Paul Robeson y Jimmy Hoffa . [16] Aún más potente fue su trabajo en torno a los derechos civiles, en pinturas como El artista y el asesino (1965), que presentaba a un Lincoln enfermo, John Wilkes Booth, miembros del Klan inquietantes y un caballo salvaje. [17] Atlantic Cortege, otro de esta serie, destaca un funeral afroamericano centrado en un ataúd. Mientras tanto, una pintura anterior, El ahorcamiento de la liebre (1957-1958), exploró temas similares, pero de manera más alusiva, haciendo referencia a la acuarela de la Liebre joven de Durero . [18]
En la década de 1970, la geometría de Zabarsky comenzó a parecerse más a una naturaleza muerta , su paleta se aligeró y los bordes se suavizaron. La obra homónima, Dientes sobre un pedestal (1974), es una de varias piezas dadaístas o absurdas de este período, que glorifican los dientes o las dentaduras postizas, a menudo posados junto a un modelo de un hombre musculoso. [1]
Un año sabático español a mediados de los años 80 llevó a Zabarsky hacia estilos narrativos europeos más tradicionales. [19] Siguió una exploración de varios años de temas del Antiguo Testamento en un estilo representativo, y en el transcurso de varias pinturas (por ejemplo, Red Room [1975-76], The Garden [1980]) acumuló una gran cantidad de trabajo conocido colectivamente como la serie Susannah y los ancianos . [20] Este formalismo cesó con un viaje a Japón a principios de los años 1990. Las limitaciones de su estudio allí transformaron su característico interés por la geometría en un collage más suelto y salvaje . El cambio de técnica afectó su voz narrativa y su paleta, que de repente se vio salpicada de amarillo vibrante, vetas de púrpura y verde ácido. Los bordes nítidos de décadas anteriores desaparecieron y se pegaron lienzos sobre lienzos, con el color extendiéndose más allá de la pintura hasta el marco. [21] Más expresionista que realista, este trabajo en conjunto fue más libre y enérgico que su enfoque anterior, como se muestra en La verdadera historia de Prometeo (1997-98) y Tropismo tropical (1994). [22]
De 1999 a 2009, Zabarsky exploró el yo judío y el otro americano y europeo en la colección Surreal Histories. La colección destila temas tanto en una sencilla “historia pública” de Ernest y Pauline Hemingway en España después de la Guerra Civil española en Panorama español (versión de Hemingway) como en la idiosincrásica “historia personal” Oslo Sun y Vienna Moon. Este último presenta explosiones de colores brillantes y una atrevida composición descentrada que abarca El Grito de Edvard Munch , Sigmund y Anna Freud y el pintor Balthus atravesando ricos azules, carmesíes, violetas y amarillos soleados para cruzar culturas, tipos y texturas. unidos suavemente por la palabra "contemporáneos" garabateada.
También educador, Zabarsky enseñó arte durante casi tres décadas en varias instituciones, incluida la Escuela de Diseño Swain , [23] Wheaton College [24] y la Universidad de New Hampshire . [1] En este último, también se desempeñó como presidente del Departamento de Arte e Historia del Arte, y jugó un papel decisivo en el desarrollo del programa de Licenciatura en Bellas Artes, además de ayudar a fundar el Museo de Arte y la Maestría en Bellas Artes (MFA). ) Licenciatura en pintura. [25]
Zabarsky recibió numerosas subvenciones y premios, incluida una beca de la Fundación Ford en Humanidades, una beca de la Fundación Stone para trabajar en Italia, una nominación al Instituto Nacional de Artes y Letras y premios en el Festival de las Artes de Boston . [1]
Sus exposiciones individuales incluyeron muestras en la Galería Rew Dex de Kioto, los Salones Berkowitsch de Madrid y el Círculo de Bellas Artes. [26] En los EE. UU., realizó exposiciones individuales en el Museo y Parque de Esculturas DeCordova , [27] [28] las Galerías Wheaten Beard & Weil , anteriormente conocidas como la Galería Watson, [29] la Galería Boris Mirski y Edith Galería del centro de Halbert . [30]
Sus pinturas y dibujos se pueden encontrar en muchas instituciones públicas, incluido el MOMA , [31] el Museo de Arte, Ein Harod (Israel), la Colección Wiggins de la Biblioteca Pública de Boston, la Galería Addison de Arte Americano , la Galería de Arte Currier. , Museo de Arte de Williams College , [32] Keene State College , Museo Universitario de Arte Contemporáneo (Amherst, MA), Museo Danforth y Museo de Arte de la Universidad de New Hampshire. [33] [34] [35]